Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage Loop réalisé par Aritz Moreno, voici l’instant Court n° 92.

A l’affiche cette semaine le film Rengaine de Rachid Djaïdani qui avait été remarqué à Cannes où il avait même remporté le prix FIPRESCI. Le réalisateur a filmé différentes séquences dans le temps pendant neuf années ! Une nouvelle preuve que des petits moyens n’empêchent pas une grande envie de raconter une histoire, comme l’année dernière Donoma de Djinn Carrénard.

Dans Rengaine un visage en particulier n’est pas inconnu, il s’agit de l’acteur Slimane Dazy particulièrement mis en lumière par Jacques Audiard dans Un prophète avant d’apparaître encore avec Tahar Rahim dans Les Hommes libres et avec Eric Cantona dans De force. Slimane Dazy est aussi acteur dans plusieurs courts-métrages. Ainsi, cette année à Cannes, en plus du film Rengaine à la Quinzaine des Réalisateurs, il était au générique d’un des courts-métrages en compétition de la sélection officielle : Ce chemin devant moi, le court réalisé par Hamé (du groupe de rap La Rumeur).

Et voici un autre court-métrage, La dernière valse réalisé par Sacha Chelli, avec Slimane Dazy et Alain Figlarz (acteur-fighter-cascadeur qui est le chorégraphe des scènes d’action de nombreux films). Salah vient de perdre sa femme tandis que Rico, son ancien coéquipier, sort enfin de prison après 10 ans d'attente : c'est le soir des retrouvailles...

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait du film La dernière valse.

Le Arras Film Festival propose jusqu'à dimanche sa compétition d'inédits européens. A la clef, pour les principaux lauréats, des aides à la distribution leur permettant de bénéficier d'une sortie en salles en France. Les neuf films en lice viennent d'horizons variés : Hongrie, Espagne, Islande...

Parmi eux, on retrouve notamment Jackpot du Norvégien Magnus Martens, un thriller aussi détonnant que cocasse, qui met en scène un travailleur social mêlé à une sanglante fusillade. Interrogé par un policier aux méthodes plus qu'originales, il raconte tous les événements (forcément déjantés) ayant conduit à la scène de crime.

Magnus Martens s'amuse avec les codes du genre et propose une galerie de personnages de type pieds-nickelés dignes de certains grands films des frères Coen. Plus bêtes que méchants, les protagonistes du film cumulent en effet mauvaises idées, plans foireux et coups de malchance. Ils s'entretuent joyeusement (et dans de grandes explosions de sang) puis réfléchissent aux moyens les plus inattendus pour faire disparaître les corps. Petite mention spéciale au recyclage de cadavres en sapins de Noël...

Au lieu d'imprimer un rythme trépidant artificiel au récit, le réalisateur prend le temps de poser ses scènes, découpées soigneusement en champs/contre-champs élégants, voire en plans larges assez fixes où s'épanouit l'action. Le travail sur les couleurs de l'image, ternes et légèrement surannées (verdâtres, jaunies...), donne à l'ensemble un aspect atemporel, mais permet surtout de jouer sur le contraste du sang qui éclabousse tout, ou de la peinture rouge qui camoufle les taches.

On est délibérément dans un cinéma de la surenchère, où tout doit être comme observé avec une loupe grossissante. Ainsi les personnages, stéréotypes délirants de petites frappes minables, et les situations, systématiquement détournées (un petit déjeuner entre pires ennemis chez la mère de l'un deux, une bagarre pour un lit bronzant...), viennent nourrir une intrigue par ailleurs très classique. De quoi confirmer la vitalité foisonnante du cinéma norvégien et surtout son regard acéré sur ce drôle d'animal qu'on appelle l'être humain.

Invités : Idit Cébula pour Rue Mandar ; Samuel Collardey pour Comme un lion ; Jimmy Adjovi-Boco pour l'association Diambars...

L'équipe du quotidien vidéo du Arras Film Festival : Jessica Aveline, Nina Debail, Vincent Escriva, Pearl Hart, Olympe Le Touze et Alain Pétoux.
Propos recueillis par Marie-Pauline Mollaret et Jovani Vasseur.
Merci à David Lesage.

Cécile Telerman va adapter le best-seller de Katherine Pancol (1,5 million d'exmplaires), Les yeux jaunes des crocodiles, premier opus d'une trilogie littéraire qui comprend La valse lente des tortues et Les écureuils de Central Park.

Grosse pression pour la réalisatrice de Tout pour plaire (1 million d'entrées) et Quelque chose à te dire (400 000 entrées) tant le livre est devenu culte au fil de la parution des suivants.

Après l'échec d'une adaptation en série TV, le producteur Manuel Munz (La vérité si je mens) a mis du temps à trouver les moyens et les talents nécessaires pour concrétiser une version cinématographique.

L'histoire est celle d'Iris (Emmanuelle Béart), la quarantaine, a décidé d'abandonner son existence brillante mais vaine et de donner un sens à sa vie. Après avoir prétendu être en train d'écrire, elle persuade sa soeur Joséphine (Julie Depardieu), littéraire et historienne, d'écrire à sa place. Joséphine, éclipsée depuis l'enfance par sa soeur et affaiblie par une vie privée désastreuse, abandonnée par son mari, acculée par les dettes, accepte. Elle est habituée : depuis qu'elles sont enfants, Iris la magnifique la domine. Le destin de chaque soeur va basculer.

Béart et Deardieu ont déjà joué ensemble notamment dans Les destinées sentimentales et Les témoins.

On retrouvera également Gérard Depardieu dans le rôle de Marcel et Karole Rocher dans celui de Josyane. Il reste quelques beaux personnages à distribuer.

Le scénario est confié à Charlotte de Champfleury. Le tournage débute au premier semestre 2013. Si le succès est au rendez-vous, nul ne doute que les deux autres romans seront aussi adaptés.

D'ici là Cécile Telerman sortira en tant que productrice Rendez-vous à Kiruna, d'Anne Novion (dans les salles le 30 janvier prochain, et qui vient d'être présenté à Arras).

Un seul roman de Pancol a été transposé sur grand écran jusque là : La barbare, sorti en 1989, réalisé par Mireille Darc.

Au Arras Film Festival, la compétition d'inédits européens concourant pour les Atlas d'or et d'argent s'est ouverte jeudi avec un thriller hongrois. The exam de Peter Bergendy se déroule en 1957, soit un an après la répression de l'insurrection. Dans un régime communiste plus méfiant que jamais, un agent secret est espionné par ses propres supérieurs qui veulent tester sa loyauté.

Jouant sur un montage extrêmement découpé et une ambiance sonore inquiétante, le film attise à la fois les angoisses, la curiosité et le plaisir du spectateur entraîné dans un jeu de dupes à plusieurs niveaux. La caméra qui multiplie les points de vue renforce l'impression que tout le monde épie tout le monde et que le moindre geste peut être fatal.

La célèbre paranoïa des régimes autoritaires est ainsi brillamment mise en scène à partir de quelques éléments cinématographiques traditionnels : montage parallèle de l'action (d'un côté l'espion surveillé, de l'autre ceux qui le surveillent), utilisation des ellipses et du hors champ (afin d'apporter un sentiment d'urgence), cadres serrés sur des visages ou des objets (qui renforcent l'aspect anxiogène de l'intrigue), etc.

L'autre grande force du film est son basculement de point de vue à mi-chemin. Au départ, on suit l'agent secret qui semble être le personnage principal du film. Puis tout à coup, on se détache de lui pour adopter le regard de son supérieur. Cela ajoute d'autant plus de tension que le processus d'identification avec le premier personnage s'est mis en marche. Toute l'ambiguïté réside dans le fait qu'un lien filial unit les deux protagonistes, ajoutant un enjeu intime et personnel aux questions plus politiques.

Bien sûr, tout le récit repose sur une succession de rebondissements qui amènent peu à peu le spectateur à douter de tout et de tout le monde. Et même si le retournement final est prévisible, on prend un plaisir certain à se laisser embarquer dans ce labyrinthe de suspicion et de défiance. D'autant que la fin apporte un début de réflexion sur la notion de loyauté et un regard cinglant sur une époque troublée cristallisant terreur, cynisme et ironie tragique. De quoi faire la différence avec un film d'espionnage plus classique et emporter, peut-être, l'adhésion des différents jurys...

Après Michael Fassbender dans Assassin's Creed, Ubisoft a choisi pour jouer un autre héros de jeu vidéo transposé au cinéma un acteur dans la même catégorie "beau gosse musclé respecté par les critiques et les ados - fantasmé par les filles et les homos - en plus d'avoir fait ses preuves dans des blockbusters" : Tom Hardy.

L'acteur de The Dark Knight Rises et Inception incarnera Sam Fisher, agent d'élite et ancien commando de marine dans l'adaptation du jeu Tom Clancy's Splinter Cell. Spécialiste de l'infiltration et de l'usage des nouvelles technologies, il doit empêcher une troisième guerre mondiale sino-américaine. Le jeu, co-réalisé par Florent Emilio Siri et Richard Dumont, est sorti il y a dix ans et a été développé par Ubisoft Montréal. S'il porte le nom de l'auteur Tom Clancy (A la poursuite d'Octobre rouge, La somme de toutes les peurs...), il n'a pas été créé par lui. Son nom apparaît juste comme "label" de la série qui comprend six jeux et s'est vendue à près de 23 millions d'exemplaires. Le prochain devrait sortir en 2013.

Le scénario du film sera écrit par Eric Warren Singer (L'enquête et le prochain David O. Russell). Warner Bros et Paramount, selon Variety, sont en discussion pour distribuer le film.

Après Les grandes personnes, Anna Novion retrouve Jean-Pierre Darroussin pour son deuxième long métrage au 13e Arras Film Festival, Rendez-vous à Kiruna, un road-movie burlesque et touchant qui nous emmène des portes de Paris au nord de la Suède. Ernest, architecte trop sérieux, y croise la route de plusieurs personnages hauts en couleurs, dont un biker agressif et un auto-stoppeur sensible.

Ecran Noir : On trouve beaucoup de poins communs entre vos deux longs métrages, à commencer par les personnages et le thème des rencontres de hasard...
Anna Novion : Le point commun entre les deux personnages interprétés par Jean-Pierre [Darroussin] dans Les grandes personnes et Bienvenue à Kiruna, c'est que ce sont deux hommes très sérieux, pleins de certitude, et qui ne veulent pas montrer leur vulnérabilité. Qui pensent que leur vulnérabilité est une faiblesse. L'un comme l'autre vont faire un cheminement en rencontrant des personnes qu'ils n'auraient pas dû rencontrer. A travers ces rencontres, ils vont découvrir une partie d'eux-même qui était cachée et faire une force de leur vulnérabilité. Il y a quelque chose qui m'intéresse à parler de vulnérabilité. Je trouve qu'on est dans une société où il faut toujours être le plus fort, être dans la performance. Moi j'aime bien dire que c'est bien de faire ce qu'on peut, qu'on n'est pas des surhommes.

EN : Et vous, Jean-Pierre, comment voyez-vous votre personnage ?
Jean-Pierre Darroussin : C'est un type qui a essayé de se réaliser, qui a pris de l'importance. Cette importance est la clef de voûte de son existence. C'est un architecte très connu qui dirige des gens, il a l'attitude permanente de quelqu'un qui doit faire des choix. C'est quelqu'un d'assez odieux. Fortuitement on va le placer dans une situation où il va être déstabilisé. Déjà il va être à l'étranger, plus personne ne va le reconnaître. Il va ouvrir des portes, des portes vont s'ouvrir devant lui, il va rencontrer des gens par épisodes, avec quand même cet auto-stoppeur qu"il va prendre au début un peu comme un objet, comme un GPS dont il va avoir besoin. Il a l'habitude d'utiliser les gens mais ça se retourne contre lui. parce que finalement il va sentir quelque chose qu'il n'avait jamais senti, c'est la possibilité d'être abandonné. Au moment où il ressent ça, il comprend ce que ça veut dire que d'avoir des relations affectives avec les autres.

EN : Comment s'est passée l'écriture du film ?
AN : Assez  étrangement, j'ai écrit toute seule au début, puis j'ai commencé à écrire avec mon père [NDLR : Pierre Novion, également chef opérateur] car l'histoire l'intéressait. On a écrit tous les deux pendant quelques mois et ensuite il est parti sur un tournage donc j'ai continué avec un scénariste qui s'appelle Olivier Massart. Il m'a apporté beaucoup de choses. Notamment, avant son arrivée, le personnage d'Ernest allait reconnaître un enfant qu'il avait connu un petit peu. Et Olivier m'a dit : "c'est impossible qu'il ait connu cet enfant si tu veux qu'il y ait aussi de la légéreté parfois, et puis le personnage ne serait pas capable de prendre un jeune homme en stop tout en allant reconnaître un enfant qu'il a connu. " Il m'a apporté cette idée assez évidente. Puis, petit à petit, on a écrit un traitement. Avec Jean-Pierre, on est parti en voiture jusque dans le Nord pour voir si les paysages correspondaient à ce qu'on écrivait. Et comme on avait juste écrit une vingtaine de pages, j'avais encore la liberté d'écrire quelques scènes. Et par exemple, le groupe de folk-rock, c'est un groupe qu'on a vraiment vu en Laponie. Je les ai trouvés tellement formidables que j'ai eu l'idée d'écrire cette scène. Ensuite, pendant le tournage, on les a recontactés.

Crédit photo : Marie-Pauline Mollaret

Invités : Anna Novion et Jean-Pierre Darroussin pour Rendez-vous à Kiruna ; Patrick Mille et Justine Lévy pour Mauvaise fille ; RIchard Rericha pour Don't stop...

L'équipe du quotidien vidéo du Arras Film Festival : Jessica Aveline, Nina Debail, Vincent Escriva, Pearl Hart, Olympe Le Touze et Alain Pétoux.
Propos recueillis par Marie-Pauline Mollaret et Jovani Vasseur.
Merci à David Lesage.

Invités : Jean-Pierre Améris et Marc-André Grondin pour L'homme qui rit .

L'équipe du quotidien vidéo du Arras Film Festival : Jessica Aveline, Nina Debail, Vincent Escriva, Pearl Hart, Olympe Le Touze et Alain Pétoux.
Propos recueillis par Marie-Pauline Mollaret et Jovani Vasseur.
Merci à David Lesage.

Présent à Arras en 2010 pour Les émotifs anonymes, Jean-Pierre Améris est de retour pour la 13e édition du festival avec son nouveau film, L'homme qui rit, d'après le célèbre roman de Victor Hugo et qui avait fait la clôture du dernier festival de Venise.

Le film, qui sortira sur les écrans français le 26 décembre prochain, réunit à l'écran Marc-André Grondin, Christa Théret, Gérard Depardieu et Emmanuelle Seigner.

Il s'agit d'une adaptation atemporelle et d'une grande beauté formelle, où se mêlent histoire d'amour déchirante, destin tragique et thématiques politiques d'une extrême actualité.

Ecran Noir : Pourquoi avoir eu envie d'adapter L'homme qui rit de Victor Hugo ?
Jean-Pierre Améris : C'est un choc de mon enfance puisqu'il y avait eu un feuilleton à la télévision en 1971, en noir et blanc, réalisé par Jean Kerchbron. J'avais 10 ans et je n'avais pu en voir qu'une partie car mes parents m'avaient envoyé me coucher parce que ça faisait un peu peur. Cinq ans après, je lis le roman et je suis passionné et bouleversé par le personnage de Gwynplaine auquel je m'identifie. A cette époque, j'étais un adolescent très complexé, je faisais deux mètres, j'avais droit à de nombreux quolibets sur ma taille. De voir ce personnage différent des autres, et de le voir trouver sa place dans le théâtre, comme moi j'ai trouvé ma place dans le cinéma, ça m'a bouleversé. Après j'ai relu le roman une dizaine de fois et après chaque film je me disais : "est-ce que je me lance dans son adaptation ?". J'ai essayé de le faire il y a dix ans et je n'ai pas trouvé de producteur. En 2006, un producteur m'a demandé quel film j'aimerais le plus faire dans ma vie, c'était L'homme qui rit, et il m'a dit : "on y va".

EN : Quelles libertés vous êtes-vous autorisé avec le roman original ?
JPA : Une adaptation n'est pas une illustration. Il est impossible de l'adapter tel quel puisque c'est un roman qui fait presque 800 pages et qui est assez peu narratif. C'est un roman fait de digressions politiques et historiques. Moi je voulais ne jamais quitter le personnage de Gwynplaine, comme dans un conte. Je ne voulais pas faire une reconstitution historique. Donc ça a été une adaptation assez longue, on a fait pas mal de versions mais c'était assez simple de tirer le récit de ce roman de Victor Hugo.

EN : On retrouve dans le film l'un de vos thèmes de prédilection, celui de la différence...
JPA : Je fais toujours des films sur les gens qu'on met de côté, sur les marginaux, les inadaptés. C'est mon expérience de la vie qui me pousse à m'identifier à ces gens avec le désir de les mettre au centre de l'écran. Là, en plus de ça, il y a la question de la différence physique mais aussi la question de l'identité et de la place dans le monde. Moi j'ai eu une chance folle, ça m'a sauvé à l'adolescence d'avoir trouvé ma passion pour le cinéma. J'étais devenu celui qui filme un peu comme Gwynplaine à un moment donné trouve sa place sur les planches. Tout le malheur du personnage vient du fait que par besoin de reconnaissance il veut aller dans ce qu'il croit être le monde réel qui est plus cruel que le monde du spectacle.

EN : De votre côté, Marc-André Grondin, qu'est-ce qui vous a plus dans le personnage de Gwynplaine que vous interprétez ?
Marc-André Grondin : J'ai été touché par sa naïveté. C'était comme si la vie avait fait qu'il semble regarder chaque chose pour la première fois. Je crois que ça vient du fait qu'il doit décrire à Déa tout ce qu'il voit. Il se doit de porter attention à des détails. Nous, si on marche dans la rue, on ne fait plus attention aux détails. Mais si on marche avec un aveugle, il faut s'arrêter pour regarder les choses. ET puis, chez lui, il y a un amoncellement de trucs très forts et très naïfs.

EN : Comment vous êtes-vous approprié le personnage ?

MAG : En fait, le personnage était hyper clair à la lecture du scénario. Parfois, quand on lit un scénario, il y a énormément de trous à remplir et après ce sont des discussions et des discussions avec le réalisateur pour essayer de trouver comment remplir ces espaces. Mais le scénario de L'homme qui rit était extrêmement précis, à tout point de vue. J'ai rarement vu un film aussi précis que ce soit dans la mise en scène ou dans les décors. Tout était tourné dans la tête de Jean-Pierre. Donc à la lecture du scénario, les personnages s'imposaient et il fallait juste suivre.

Crédit photo : Marie-Pauline Mollaret