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Avec Dark Waters, Todd Haynes s'invite dans le film engagé (côté écolo), le thriller légaliste et l'enquête d'un David contre Goliath. Le film est glaçant et dévoile une fois de plus les méfaits d'une industrialisation sans régulation et sans normes. |
(c) Ecran Noir 96 - 24 |
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La Ronde de nuit (Nightwatching)
Royaume Uni / 2007
27.02.2008
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COURONNEMENT ET CHUTE
«- Votre tableau n’est pas un tableau, mais une œuvre théâtrale. »
D’un écran noir d’où surgissent des sons, des cris et des coups, l’image se compose soudain en un tableau animé fixant un homme prostré, les yeux ensanglantés, dans l’humiliation de son désoeuvrement. Cet homme qui pleure agenouillé au milieu d’une pièce bientôt silencieuse n’est autre que Rembrandt, l’un des plus grands peintres de l’art baroque européen. Décor clair-obscur d’une scène qui marque l’empreinte d’un artiste illuminant son sujet, La Ronde de Nuit est une œuvre dense qui célèbre la création par tous les pores, dans la chaleur d’une demeure rythmée par les cycles de l’amour, du sexe et de la mort.
Recomposition du cadre.
La milice sort du champ dans un brouhaha de tambour et un lit à baldaquin fait son apparition. Saskia, l’épouse de Rembrandt, est alitée ; elle attend un enfant. Tout autour s’agitent les domestiques. En ce moment précis, le peintre hollandais est heureux, riche et célèbre. Pourtant une discussion entre Rembrandt et Saskia sur l’opportunité de réaliser une commande fait rage. A contrecœur Rembrandt accepte la commission qu’on lui propose et réalise le portait de dix-huit membres d’une milice civile d’Amsterdam nommé La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, dit la Ronde de nuit.
C’est le début du tourment.
Intime trituré, violé et mis à nu par le cinéaste, le destin du peintre ne peut se dissocier de celui du tableau. L’existence toute entière de l’artiste repose sur cette imbrication qui le condamnera vers la ruine et la solitude. La raison même du film se trouve évidemment là, dans l’entremêlement d’une réflexion sur la peinture et la vie de Rembrandt en particulier et l’art en général. Le génie de Greenaway est d’avoir réussi à développer, en une seule unité de lieu et de temps, des thèmes qui se répondent (sexe et rôle des femmes, condition sociale et valeur de l’argent, sens politique que l’on peut donner à une œuvre artistique, concept de création en tant que tel) et structurent la finalité de l’ouvrage filmique. Dans un « tout qui tourbillonne » continuellement, le cinéaste s’éloigne du simple biopic pour nous emmener vers l’essence de l’œuvre d’art dans sa construction, son rôle et son utilité.
L’art pour l’art mais plus encore.
Dans un style foisonnant proche de The Baby of Mâcon, le cinéaste anglais se refuse d’instruire le quidam sur « la vie et l’œuvre » de Rembrandt, préférant s’interroger sur l’art de peindre en s’engouffrant corps et âme dans l’intime d’un artiste qui essaye de dépasser le visible, le superficiel, le sensible. L’enquête policière du cinéaste sur l’interprétation de cette Ronde de nuit questionne les raisons a priori responsables du désoeuvrement de Rembrandt, souligne l’importance politique d’une œuvre d’art, les non-dits inhérents à sa conception, et en fin de compte, affirme l’expression d’une liberté. Ainsi, il n’est pas surprenant que Greenaway fasse de Rembrandt un précurseur, sorte d’inventeur avant l’heure du cinéma. Le portrait « scénarisé » fige un moment de vie dans l’illumination des pinceaux du maître. Le monde qui se peint et s’interprète devient pour le réalisateur une justification à un cinéma en trompe l’œil, qui différencie ce que l’on voit de ce qui est dit. Acte pénétrant par excellence – le sexe, l’enfantement, la mort et le meurtre sont magnifiés par le scénario subtil de Greenaway – l’œuvre d’art contient sa propre réalité en façonnant une vérité.
Affirmation d’une authenticité.
Greenaway ne le cache pas, il a toujours préféré la peinture au cinéma. Néanmoins, il trouve dans le cinéma les moyens d’exprimer sa conception du monde par une approche singulière. Triturant l’histoire afin de souligner la place de l’art dans l’évolution du monde – et de l’artiste – il nous livre un film brillant, juste et sincère qui n’a de cesse de questionner les rapports entre le céleste (certains diraient l’inspiration) et le terrestre. Esthétique et politique se confondent alors dans la réalité de celui qui fige la vie sur toile. Indissociable d’un cinéma en quête de vérité (Meurtre dans un jardin anglais) et de symbolisme (The Pillow Book), la pose (celle de la Milice) est sublimée par le regard, théâtralisée par la main qui dénonce et libérée par le risque que prend Rembrandt. C’est peut être ce que veut nous dire Greenaway sur son cinéma et le cinéma en général.
La vie et l’art sont liés. L’artiste et l’œuvre aussi. C’est en quelque sorte le chemin emprunté par Greenaway qui n’a pas peur d’écrire un film bavard et statique, fermé dans son traitement psychologique (huis clos exclusif) que seul le tableau arrive à extérioriser. En affinant sa mise en scène avec le temps, Greenaway ne bouleverse pas sa forme mais trouve dans le personnage de Rembrandt un encrage narratif, symbolique et philosophique nécessaire pour comprendre l’impérieux besoin de créer pour exister.
Geoffroy
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