Puisqu'on célèbre cette année les 50 ans de mai 68, et l'anniversaire de ce festival qui n'eut pas lieu, c'est l'occasion d'explorer les rapports de Cannes avec la Révolution. Sur la croisette, où les spectateurs défilent en smoking et robes de soirées, où un simple selfie est jugé "irrespectueux", et où toute la société festivalière est organisée en castes strictes, les mouvements de révolte et de contestation eurent souvent les honneurs d'une sélection. C'est là tout le paradoxe d'une manifestation très attachée à ses traditions, et qui n'a pourtant cessé de montrer, défendre et encourager ces moments de l'Histoire où des hommes et des femmes ont pris leur destin en mains.

En 2011, l'actualité la plus récente s'invite sur la Croisette. 18 jours, co-réalisé par dix réalisateurs égyptiens (Sherif Arafa, Yousry Nasrallah, Mariam Abou Ouf, Marwan Hamed, Mohamed Aly, Kamla Abou-Zikri, Chérif Al-Bendari, Khaled Marei, Ahmad Abdalla et Ahmad Alaa), raconte en dix chapitres la Révolution égyptienne qui vient de se tenir du 25 janvier au 11 février, et a abouti au départ du président Housni Moubarak, après 30 années de pouvoir sans partage.

Le projet s'est monté très vite, à l'issue d'une seule réunion de préparation. Les réalisateurs étaient libres de choisir leur sujet, tout en veillant à une certaine "cohérence thématique", et en respectant les consignes de tournage : deux jours de tournage maximum, avec des caméras numériques. Aucun budget n'a été alloué au film. "Pas de budget, c'est notre budget" a été la devise des producteurs.

Les dix courts métrages ont ainsi été tourné dans l'urgence (certaines images avaient été filmées au cœur des manifestations, avant même que le projet ne soit lancé), avec l'envie de témoigner de manière un peu brute des réalités de la Révolution. Chaque film aborde ainsi à sa manière la révolution en train de se produire : un couple sur le point de rompre à cause du contexte de révolte, la vision des événements depuis un salon de coiffure ou un établissement psychiatrique, la révolution en ligne avec un jeune homme qui vit le Printemps arabe sur son ordinateur, l'arrestation d'un leader révolutionnaire, les tentatives de deux marginaux de profiter du mouvement pour s'enrichir...

Avec ses scènes immersives au milieu de la foule, ses plans larges sur la place Tahrir occupée, sa manière de montrer l'impact du collectif sur les destins personnels, 18 jours propose un instantané précieux d'un moment finalement très bref, mais fondamental, de l'Histoire égyptienne. En l'invitant dans la foulée en séance spéciale, le Festival de Cannes affirme son désir de rester en prise avec l'actualité, et la volonté qui a toujours été la sienne de témoigner de son époque.

Au moment de la projection, des polémiques viennent gâcher la fête : Marwan Hamed et Sherif Araf sont accusés d'avoir collaboré avec le régime de Moubarak (en 2006, Sherif Arafa a filmé une interview de Moubarak et Marwan Hamed a réalisé une pub pour le Parti national démocratique de Moubarak). Tous les deux ont aussi réalisé des films critiques comme L’Immeuble Yacoubian pour Marwan Hamed et Terrorisme et Kébab pour Sherif Arafa. Yousri Nasrallah prend la défense de ses confrères en écrivant notamment ce commentaire sous un article des Inrocks qui les incrimine : "Le fait est que Marwan Hamed était avec nous (les manifestants anti-Moubarak) depuis le 28 janvier, et j’ai vu Sherif Arafa sur la place dès le 1er février. Il faut pouvoir vivre avec l’idée que certains cinéastes et intellectuels de talent puissent changer de cap, même à la dernière minute (qui n’est pas le cas de ces deux cinéastes, puisque Marwan était là dès le début et c’est lui qui, le 29 janvier, sur la place Tahrir, nous a proposé de tourner ces courts-métrages)."

La polémique s'essouffle, reste le film qui sort en salles le 7 septembre 2011. La révolution égyptienne, elle, connaît l'épilogue que l'on sait. Mais l'énergie et la réalité des événements sont fixées pour toujours, et Cannes a contribué à ce que le monde en prenne connaissance.

Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

En partenariat avec Critique-Film. Retrouvez tout le dossier ici.

Plus d'un millier de longs-métrages ont été programmés en quarante-neuf éditions de la Quinzaine. Nous avons invité divers rédacteurs, critiques et autres amoureux du cinéma à évoquer en quelques lignes des films qui ont marqué l’Histoire de la Quinzaine ou qui les touchent, qui sont devenus de grands classiques du cinéma ou simplement de leur histoire personnelle. Des œuvres qui ont su émouvoir, faire frémir et réfléchir, nous ont poussé à nous interroger sur le sens de la vie et du monde, sur notre rapport aux autres et à nous-mêmes en apportant leur pierre à un renouveau de la grammaire cinématographique ou avec des ambitions formelles plus modestes. Multiplicité de formes et d’expressions, de styles et de propos, pour un voyage purement subjectif dans les 49 premières sélections de la Quinzaine.

Voici donc notre florilège de plusieurs dizaines de titres découverts à la Quinzaine par Pierre-Henri Deleau et ses successeurs Marie-Pierre Macia, François Da Silva, Olivier Père, Frédéric Boyer puis Edouard Waintrop qui quitte ses fonctions cette année. Il est évidemment trop tôt pour dire ce que nous réserve Paolo Moretti l'an prochain mais nous restons curieux de découvrir ce qui nous sera proposé en mai 2019. Nous sommes déjà impatients…

1999

Charisma de Kiyoshi Kurosawa

Charisma c’est cet arbre dont une minuscule communauté d’excentriques reclus dans une forêt se dispute la légitimité : l’arbre maintient-il la forêt en vie ou l’empoisonne-t-elle au contraire ? Mais cet arbre, cette forêt et cette communauté ne sont peut-être après tout que la triste rêverie de cet officier de police qui n’a pu empêcher un massacre, lui qui croyait qu’il pouvait sauver et les otages et le preneur d’otage. Dans son exil, il renouvellera sa question : ne peut-on sauver et la forêt et l’arbre ? Film de l’étrange, maillon immanquable entre un Cure plus inspiré du thriller et un Kairo plus intimiste, Charisma ne trouvera son pendant que bien plus tard, avec Le Secret de la Chambre Noire où il est également question de plantes et de poison. La nature chez Kiyoshi Kurosawa, humaine ou végétale, peut être destructrice : la fantasmagorie sera toujours salvatrice. (Cécile Brou)

Haut les coeurs ! de Sólveig Anspach

La Quinzaine a présenté le premier et le dernier long métrage (posthume) de Solveig Anspach. Tout un symbole… Dans Haut les cœurs, il est question de maladie et de désir d’enfant, de vie et de mort. Une œuvre forte, violente, dont le propos interpelle. Dix-sept ans plus tard, L’effet aquatique, plus lumineux et gai, est lui aussi un hymne à la vie et à l’amour qui rappelle que Solveigh Anspach n’avait pas son pareil pour croquer les petits riens de l’existence, les liens qui se nouent, le hasard qui frappe. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

Virgin Suicides de Sofia Coppola

Évoquer le premier long métrage de Sofia Coppola ne va pas sans évoquer la notoriété du groupe Air et de l’actrice Kirsten Dunst, rendue célèbre par ce film aussi envoûtant que dérangeant. Critique douce-amère de l'Amérique conservatrice bien pensante, incarnée par des adultes visiblement dépassés par la lucide effronterie des adolescentes évanescentes, on n’oubliera pas qu’il s’agit avant tout d’une histoire tragique délicatement contée par un petit groupe de garçons impuissants et malheureux de n’avoir jamais pu percer les secrets de la féminité. (Cécile Brou)

2001

Les Harmonies Werckmeister de Béla Tarr

Et dire que la sélection officielle est passée à côté de ce chef d’œuvre absolu de Béla Tarr dans lequel une petite ville hongroise semble frappée de folie suite à l’arrivée d’un cirque qui présente une baleine naturalisée. Fable cosmique et existentialiste désespérée, Les Harmonies Werckmeister est une plongée sidérante dans un monde en décomposition avancée que subliment l’esthétisme du noir et blanc et les longs travellings aériens du cinéaste. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

2002

Le Voyage de Morvern Callar de Lynne Ramsay

C’est l’histoire d’une jeune femme dont la vie bascule brutalement : son petit ami s’est suicidé en lui laissant son roman inédit. Mais au lieu de faire son deuil, elle ne dit rien à personne et fait mine de continuer avec sa vie. Lynne Ramsay, dont c’est seulement le deuxième long métrage, observe son héroïne à distance, et la suit dans ce qui est en réalité une traversée du vide, une plongée dans un monde soudain privé de sens, avant, on le pressent, un apaisement progressif. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

2003

Pas de repos pour les braves d'Alain Guiraudie

Ce merveilleux conte absurde, où le personnage principal ne peut plus dormir, sous peine de mourir, est l’occasion d’une formidable galerie de portraits loufoques et poétiques dans un Sud-Ouest de western où les villes s’appellent Oncongue ou Bouénozères. Alain Guiraudie s’amuse comme un petit fou, brouille les pistes, force le trait, nous perd en route, puis nous rattrape, médusés et ravis, avant de repartir gaiement pour de nouvelles montagnes russes romanesques et saugrenues. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem de Kazuhisa Takenouchi

Avec Leiji Matsumoto (dessinateur d’Albator) au graphisme et le groupe Daft Punk à la musique (album Discovery), cet Interstella 5555 est probablement l’un des films les plus hype présenté à la Quinzaine. L’histoire (des musiciens sont enlevés pendant un concert puis emmenés sur terre où ils deviennent des stars à la merci d’un tyran mégalo) est un prétexte savoureux pour aborder des thèmes chers au groupe et au réalisateur : le star-system, l’industrie du disque ou encore le space opera mélancolique. Le tout truffé de nombreuses références (de 2001 Odyssée de l’espace à Goldorak) qui en décuplent la puissance d’évocation. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

2004

2006

Bug de William Friedkin

Une femme seule, vivant dans la crainte de voir réapparaître son ancien mari violent, rencontre un homme solitaire dont elle apprécie la sensibilité. Mais d’étranges insectes viennent perturber ce bonheur parfait. En pleine forme, William Friedkin dénonce et instrumentalise tout à la fois une théorie du complot qu’il pousse à son paroxysme. Dans ce thriller anxiogène et minimaliste, l’ennemi est sans conteste intérieur et le plaisir (masochiste) du spectateur décuplé. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

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Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

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Maître d'oeuvre des trente premières éditions de la Quinzaine, Pierre-Henri Deleau est considéré comme «l'âme» de la Quinzaine, celui qui a su donner une identité à cette section marquée par son éclectisme et ses choix aventureux et un goût sur sur pour un cinéma audacieux, dénué du conservatisme qui plombait les premières années de la sélection officielle du Festival de Cannes.

Merci à lui pour le temps qu'il nous a accordé pour ce long entretien que nous avons dévoilé sous forme de feuilleton, sur plusieurs jours, et dont voici le dernier épisode.

Quels étaient vos rapports avec la SRF [Société des Réalisateurs de Films] lorsque vous dirigiez la Quinzaine ?

Je n'en n'avais pas. Vous voyez, ma grande erreur est de ne pas avoir créé une association Quinzaine des Réalisateurs. La maison mère et juridique de la Quinzaine, c'est la SRF dont le président à l'époque était Robert Enrico.

J'ai été tout de suite membre de la SRF quand elle s'est créée, parce que j'étais assistant de Jacques Doniol Valcroze qui a créé la SRF. Il a pris deux secrétaires généraux adjoints, Jean-Daniel Simon, communiste, et moi, gaulliste. Il disait, comme ça, ça va s'équilibrer. C'est Doniol qui a choisi le nom de Quinzaine des réalisateurs. Il disait, «moi quand j'ai créé Les Cahiers du cinéma, c'était un format cahier, donc j'ai appelé ça Les Cahiers du cinéma» mais les metteurs en scène ont eux choisi « cinéma en liberté ». Ça avait un côté révolutionnaire, du coup Valcroze a pris la décision de le sous-titrer quand même Quinzaine des réalisateurs parce que ça dure quinze jours et que nous sommes réalisateurs. Il avait dessiné un petit bonnet phrygien sur le I de liberté avec une cocarde. Pour se foutre d'eux. Il avait raison, il m'avait dit il faut un titre aussi simple que les Apiculteurs du Var. C'était gentil Cinéma en liberté, mais les gens ne le retenaient pas.

Très vite, au fur et à mesure que la Quinzaine a eu de plus en plus du succès, la SRF a commencé à me dire que je prenais pas assez de films français. Mais pour moi c'est une question de politesse qu'il n'y ait jamais plus de films français que la plus importante sélection étrangère. Pour être à Cannes, il faut être aussi bon que les films étrangers sélectionnés. Il y avait de plus en plus de candidatures. Moi, j'ai réduit le nombre de films français au fil des ans pour que les gens aient du temps pour rattraper les films. Ils ont alors commencé à me faire des emmerdements mais Doniol et Pierre Kast étaient là, donc ils me protégeaient, ils étaient ma garde rapprochée comme je disais. Alors du coup ils ont créé Perspectives du cinéma français au milieu des années 70, qu'ils ont confiée à Jacques Poitrenaud. Lequel Poitrenaud – qui n'était pas un grand metteur en scène au passage – s'est entouré d'une commission de réalisateurs pour choisir les films français. Évidemment, c'était des réalisateurs qui ne tournaient pas puisqu'il fallait être libre pour voir, entre mars et avril surtout, cinquante films français pour en prendre neuf-dix, mais ils avaient tendance à en prendre trop. Ils se servaient la soupe entre eux, si bien qu'au bout de cinq ans, Perspectives était totalement démonétisé. Les gens se demandaient mais pourquoi ont-ils pris ça ? Qu'est-ce que ça fait à Cannes ? Perspectives est mort de sa belle mort.

Vous ne vous en occupiez pas du tout ? Pourtant, vous aviez quand même des films français. Ça ne faisait pas doublon ?

Je n'avais rien à voir avec Perspectives. Au début, je continuais d'avoir le droit de prendre des films français et j'en prenais deux ou trois. Perspectives en prenait entre huit et dix. La critique à la fin faisait juste un papier récapitulatif de cette section en citant les rares qui étaient intéressants, si bien que Poitrenaud se défendait en disant que je prenais les meilleurs français – évidemment, les mêmes films étaient candidats aux deux – et que donc il ne pouvait pas exister. On m'a donc interdit de prendre des films français. Donc j'ai eu des années sans films français. La première année, j'ai hurlé. Et puis d'un seul coup je me suis dit «t'es complètement idiot ! te voilà complètement libre désormais !». Ça a en effet été la liberté absolue. Jusqu'au moment où Perspectives est mort de sa belle mort. Je suis rentré d'un voyage de prospection pour la Quinzaine, bien longtemps après. Le président était alors Denys Granier-Deferre qui me nomme soudain patron de Perspectives. Poitrenaud était viré. Il me l'avait déjà proposé et j'avais dit non, je ne reprends pas une image de marque si mauvaise. Ça le fait pas. Je suis allé le voir et lui ai dit 1) on change de nom, 2) je gère moi-même le budget, 3) il y a plus de commission, rien, ça n'existe plus, ça, sinon va te faire voir. Il a dit oui et j'ai fait cinémas en France. La première année, j'ai trouvé trois films et demi, parce qu'il y en avait un de 45mn de Bruno Podalydès. Pas plus que dans une sélection normale. Ça a hurlé mais ils étaient bons.

Vous avez suivi les sélections de vos successeurs ?

Non, pas tous. Et je ne suis jamais redescendu à Cannes. Je vois les films quand ils sortent à Paris. Pas tous, mais j'en vois un maximum. Je ne dis rien, mais il y a des films que je n'aurais pas pris. Mais quand j'aime comme I am not a witch l'an dernier, j'appelle Waintrop pour lui dire «là dis donc, tu m'en as bouché un coin ». Là j'étais fier de la Quinzaine. On a créé de vrais liens quand il a été nommé. Je vois 500 films par an, donc je vois des films de la Quinzaine, mais je n'ai croisé jamais les autres sélectionneurs.

Que pensez-vous du départ d'Edouard Waintrop, l'actuel délégué général de la Quinzaine ?

Ça me scandalise profondément. Des cinq délégués qui m'ont succédé en vingt ans, Marie-Pierre Macia pendant quatre ans, François Da Silva une seule année, Olivier Père six ans puis Frédéric Boyer deux, et lui ce sera sa septième, c'est le meilleur que j'ai vu. Attention, je dis ça de l'extérieur. Il a fait exister la Quinzaine à nouveau. Le communiqué de la SRF pour annoncer son départ, en gros, c'était «il l'a tellement rendu vivante que ça nous permet l'alternance !». Vous avez une équipe de foot qui gagne, vous virez les joueurs, vous ? Autrement dit, a contrario, s'il avait merdé ses Quinzaines, peut-être qu'ils l'auraient gardé ? C'est grotesque de l'avoir viré alors que ça marche. Il n'est pas vieux, Waintrop, il n'a pas d'égo, c'est un historien, il a un réseau, la confiance des réalisateurs et a même a repris une partie de mon ancienne équipe. Je les ai tellement martyrisés ! François Da Dilva est parti de lui-même, il disait qu'il n'y arrivait pas. Marie-Pierre Macia, c'est Pascal Thomas qui l'a virée. Pascal, c'est un cinéphile. Cette année là, c'était sa quatrième année à elle. Il est descendu à Cannes, a vu tous les films de la Quinzaine puis, remonté à Paris, il m'appelle en me disant «mais tu ne peux pas savoir ce que j'ai vu ! C'est scandaleux, je veux la virer ! Est-ce que je peux le faire ?». Il n'avait pas regardé les statuts ! Je lui réponds qu'il peut, qu'il en a le pouvoir. Mais là c'était autre chose, c'était après coup. Il lui a dit qu'il ne renouvellerait pas son contrat.

Avec Waintrop, ça s'est passé avant sa dernière édition. La SRF l'a convoqué en amont de la cinquantième pour lui dire que, quoi qu'il arrive, ce serait sa dernière année. Et en plus le nom du nouveau délégué a été annoncé AVANT. Allez préparer une Quinzaine en sachant que vous êtes de tout façon viré et que votre remplaçant est déjà nommé ! Le procédé n'est pas élégant. Si, après la cinquantième, ils lui avaient dit, ben voilà, on ne te renouvelle pas, ok, mais pas comme ça et pas avant. Est-ce qu'il paye le fait d'avoir refusé des films de membres du conseil d'administration ? Je m'interroge. Ils lui reprochent d'avoir pris qui à leur place ? Philippe Garrel ? C'était son meilleur film ! D'avoir pris Bruno Dumont ? Mais ces gens là ne sont pas à la SRF, ce sont des indépendants. Vraiment, j'insiste, je trouve ça lamentable. Waintrop a été journaliste. Il avait de bons rapports avec la presse. Comme me le disait Michel Ciment, il y en a un qui doit être content, c'est Thierry Frémaux ! Car Waintrop lui résistait !

Vous avez arrêté de vous-même la Quinzaine ?

Oui, je suis parti car j'en avais marre. La SRF n'a jamais pensé à me foutre à la porte. Pas vraiment en tout cas. Après chaque édition, je devais faire un rapport moral et financier. Le rapport financier tenait en une ligne : « il n'y a pas de dette », tout comme le rapport moral : «c'était un bon festival, il a fait soleil, j'ai bronzé ». Je n'allais plus au conseil d'administration pour ne pas me faire engueuler. J'avais envie d'arrêter, j'avais moins d'appétence. À partir du moment où vous avez moins d'envie, vous ferez moins bien les choses. Et trente ans, c'était un chiffre rond. Le jour de la clôture de la Quinzaine, en 1998, j'ai annoncé à mon équipe que je m'en allais. Je suis revenu à Paris, j'ai fait ça légalement, avec lettre recommandée pour dire «trente ans, ça suffit, c'est beaucoup trop pour beaucoup d'entre vous, j'imagine, mais moi la vraie raison, c'est que j'en ai marre, allez, salut ! ». En plus la dernière année, j'ai tout raflé : la caméra d'or, le prix de la FIPRESCI, le prix des gaziers d'or. Il faut savoir partir, quoi. C'était une jolie aventure en tout cas. Moi, j'en garde un joli souvenir, malgré les problèmes avec le festival officiel. À la limite c'était stimulant, et pas grave au fond !

Propos recueillis par Pascal Le Duff de critique-film

Puisque cette 71e édition nous emmène dans les étoiles avec l’avant-première mondiale de Solo: A Star Wars Story, nouvel épisode de l'univers étendu de la saga Star Wars, présenté hors compétition, et la projection de 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick dans une nouvelle copie 70 mm restaurée (sans modification numérique de l'oeuvre de 1968) à Cannes Classics, profitons-en pour un petit tour d’horizon des « Space opéras » qui ont eu les honneurs de la sélection officielle.

Cannes ce n'est à priori pas le lieu où on s'imagine voir un film de vaisseau spatial et de bataille intergalactique, et pourtant certains gros films de science-fiction ont bel et bien décollé depuis la croisette. Retour sur un long métrage d'animation interstellaire présenté en compétition officielle (eh oui...) en 1973

La planète sauvage, premier long métrage de René Laloux, est l'adaptation (libre) du roman Oms en série de Stefan Wul, et l'un des tout premiers films d'animation destiné à un public adulte. Telle une bonne fée penchée sur le berceau de ce projet délicat, l'écrivain et dessinateur Roland Topor, avec lequel Laloux a collaboré sur plusieurs courts métrages, s'implique largement dans la conception du film. Les deux hommes co-écrivent ainsi le scénario tandis que des dessins de Roland Topor servent de base aux images. La fabrication se déroule à Prague, dans les studios d'animation Jirí Trnka de Krátký Film, en utilisant la technique du papier découpé et une animation dite "en phase", ce qui signifie que les personnages sont dessinés dans chacune des positions nécessaires (et non pas articulés), puis animés. Le procédé, qui permet un rendu plus fluide et donc beaucoup plus esthétique, est aussi beaucoup plus long, ce qui explique qu'il fallut 5 ans pour finir La planète sauvage.

L'histoire se situe sur la planète Ygam où vit une espèce d'humanoïdes bleus aux yeux rouges mesurant douze mètres de haut, les Draags, qui ont atteint le paroxysme de la connaissance et consacrent toute leur existence à la méditation. Cette espèce sur-évoluée raffole des Oms, de minuscules animaux familiers ramenés d'une planète disparue, Terra. Les Draags traitent les Oms sauvages comme des créatures nuisibles et les pourchassent sans relâche. Pourtant, un concours de circonstance et la débrouillardise d'un enfant Om vont permettre au rapport de force de se rééquilibrer.

On se délecte de l'univers surréaliste, tantôt onirique, tantôt cauchemardesque, de cette planète pleine de surprises qui nous tend un miroir souvent dérangeant. Ces Draags prétendument éduqués et sensibles, qui n'ont pas la moindre empathie pour les petites créatures qu'ils réduisent en esclavage, voire exterminent selon leur bon plaisir, nous rappellent par exemple nos sociétés modernes et leur désir d'asservir tous ceux qui sont différents. Mais passé ce constat pessimiste, La planète sauvage fait l'apologie du savoir comme arme principale d'émancipation, et propose un message d'espoir sur la cohabitation possible entre les deux espèces, doublé d'une démonstration efficace de tout ce qui les rapproche.

Impossible de ne pas voir dans cet objet étrange et déconcertant une fable écologique presque avant l'heure (ce n'est pas aller trop loin que d'établir un parallèle entre les Oms et les animaux que nous exploitons aujourd'hui pour notre plaisir, sans égard pour leur propre sensibilité), servie par l'extraordinaire richesse visuelle du monde imaginé par Topor, arbres géants, plantes carnivores et fabuleuses créatures en tête. Le film fait également preuve d'une imagination débordante pour ce qui est des terribles machines destinées à pourchasser et tuer les Oms. Là encore, l'utilisation de l'animation permet de montrer frontalement ces scènes cruelles de "déshommisation", des meurtres de masse inventifs et presque insoutenables par leur banale violence.

Le film, malicieux et sans fard, envoûtant et curieux, fit grande impression à Cannes, et repartit auréolé d'un prix spécial du jury présidé par Ingrid Bergman. Une reconnaissance rare pour un film qui mêle deux genres souvent considérés comme manquant de noblesse et / ou de sérieux : la science fiction et l'animation. Autre temps, autre ouverture d'esprit ?

Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

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Plus d'un millier de longs-métrages ont été programmés en quarante-neuf éditions de la Quinzaine. Nous avons invité divers rédacteurs, critiques et autres amoureux du cinéma à évoquer en quelques lignes des films qui ont marqué l’Histoire de la Quinzaine ou qui les touchent, qui sont devenus de grands classiques du cinéma ou simplement de leur histoire personnelle. Des œuvres qui ont su émouvoir, faire frémir et réfléchir, nous ont poussé à nous interroger sur le sens de la vie et du monde, sur notre rapport aux autres et à nous-mêmes en apportant leur pierre à un renouveau de la grammaire cinématographique ou avec des ambitions formelles plus modestes. Multiplicité de formes et d’expressions, de styles et de propos, pour un voyage purement subjectif dans les 49 premières sélections de la Quinzaine.

Voici donc notre florilège de plusieurs dizaines de titres découverts à la Quinzaine par Pierre-Henri Deleau et ses successeurs Marie-Pierre Macia, François Da Silva, Olivier Père, Frédéric Boyer puis Edouard Waintrop qui quitte ses fonctions cette année. Il est évidemment trop tôt pour dire ce que nous réserve Paolo Moretti l'an prochain mais nous restons curieux de découvrir ce qui nous sera proposé en mai 2019. Nous sommes déjà impatients…

1969

Adam II de Jan Lenica

Le premier long métrage d’animation du réalisateur polonais Jan Lenica est aussi celui qui lui a apporté une reconnaissance définitive après ses débuts aux côtés de Walerian Borowczyk. On y retrouve les thèmes propres à Lenica comme la lutte pour la liberté individuelle et une forme d'absurdité qui construit un univers angoissé et burlesque. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

Mai 68, la belle ouvrage de Jean-Luc Magneron

Il advient qu’un faisceau d’événements concordants tient à souligner qu’un cycle ou une révolution vient de s’achever. Il nous aura ainsi fallu un demi-siècle pour revenir au sens originel de « ripostes »  entre les événements de Mai 68 et les actuels affrontements estudiantins avec les forces de l’ordre, ou il y a encore peu le mouvement Nuit debout régulièrement réprimé par la police. 50 ans nous séparent, et nous n’avons toujours rien appris, et ce, malgré le stupéfiant documentaire de Jean-Luc Magneron sur les dérives et les violences policières. En 2 versions de  117 et 52mn, Magneron propose sous forme documentaire de revenir peu de temps après les échauffourées ayant agité le mois de Mai 68. Le montage fait le choix économe d’artifices avec un défilé de séquences prises à vif lors des manifestations, ainsi que de témoignages laissant les raconteurs dérouler leurs souvenirs, encore brulants de douleurs ou d’effroi. Le spectateur s’immerge ainsi dans l’ingéniosité et la science de chaque partie à s’attaquer et à se défendre, des batailles aux armes inégales mais toutes astucieuses dans le désir d’efficacité : gaz au chlore, gaz lacrymogènes, fusil à grenades, matraques, cocktails Molotov, pompe à eau, arbres, cagettes, pavés, etc… Le film est d’autant plus remarquable pour la qualité et la diversité des témoins, que par la précision et l’élocution de leurs interventions. C’est alors que la plongée se fait insoupçonnée dans l’horreur : la description minutieuse des exactions commises par les CRS avec des matraquages répétés dans les « paniers à salade », les comités d’accueil féroces en commissariat, les agressions aveugles sur tout badaud traversant le quartier Latin, l’acharnement sur des victimes à terre,  les viols de femmes, les étrangers attaqués… En bref, une systématisation de la violence et une légitimation à son déferlement pour assouvir une frustration savamment entretenue par l’exécutif, que l’on n’arrive encore pas à endiguer de nos jours lors de nouvelles rixes. (Celia, twitter.com/artpasnet)

The Trip de Roger Corman

Roger Corman à la réalisation, Jack Nicholson au scénario, Peter Fonda, Susan Strasberg, Bruce Dern et Dennis Hopper à l’interprétation. Ajoutez un soupçon de sujet dans l’air du temps et un fond d’Electric Flag, vous obtenez un cocktail psychédélique. Roger Corman, dans sa volonté de bien faire, a trop bien fait. Trip en group, avertissement sur les méfaits de la drogue, qui essaye-t-il de convaincre ? Ni les adolescents et les hippies ni les figures d’autorité. Les bien-pensants frémissent, les accoutumés s’offusquent d’une intrusion abusive dans leur monde et d’une falsification de la réelle expérience qu’est le trip. L’histoire, résolument simple et secondaire, tourne autour d’un publicitaire en instance de divorce qui, poussé par un ami, prend la décision de s’évader au travers de la drogue. S’en suit une heure et vingt minutes de scènes colorées, kaléidoscopiques et acidulées entre-coupées de quelques retours à la réalité pour resituer l’action. Une curiosité néanmoins, grâce à quelques plans surprenants, étouffée par le self-control envahissant de Corman qui atténue l’intérêt majeur de l’œuvre : vivre l’expérience du LSD sans contrainte ni limite. (Clara Sebastiao, The Jelly Brain)

1970

Macunaima de Joaquim Pedro de Andrade

Ce film de Joaquim Pedro de Andrade, œuvre majeure, est un conte noir et un surprenant mélange de grotesque et de cruauté placé sous le signe du paradoxe et d’une perpétuelle opposition bonheur/souffrance. De la naissance du héros, séquence d'anthologie où il est quasi déféqué par une mégère interprétée par un homme, jusqu’à sa disparition finale tout n'est que succession de joyeuses peines et de pénibles joies. Macunaïma est un mal aimé, souvent châtié qui se transformera en un grand beau blanc trop admiré. Durant son parcours picaresque, il rencontrera une magicienne, un géant, un gnome, une source magique, une guerrière hors pair… mais tout est déformé, exagéré, libéré des contraintes. En ceci, paré de ses atours réalistes-magiques, Macunaïma est un héros de notre époque : une parodie d’humain ; mais aussi une critique du Brésil contemporain : violent, inégalitaire et consumériste. (Nicolas Thys, Revue 24 Images)

Othon de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet

La tragédie de Corneille filmée in extenso, dans des décors naturels (les collines de Rome, avec la ville moderne visible en contrebas), et jouée par des comédiens en toge parlant souvent avec un accent étranger fortement marqué. De ce dispositif radical et distancié, marque de fabrique des « Straub », nait un grand film politique qui paradoxalement redonne vie et puissance à un texte finalement peu connu. (Laurent Aknin, critique et historien de cinéma)

1971

Les Anges Violés de Koji Wakamatsu

Quelles sont les motivations de ce jeune homme pour commettre le massacre d'infirmières dans leur dortoir ? Au final, le mystère reste entier, malgré quelques pistes plus symboliques que concrètes. Une succession d'images de violence ou de nudité illustrent la pensée confuse du meurtrier alors qu'il s'entraîne à tirer sur une plage. Le questionnement sur ses motivations par l'infirmière en chef ancre cette histoire terrifiante dans un réalisme bouleversant. Elle prend la parole dans l'espoir vain de survivre et de sauver ses camarades. Chacune des tentatives des jeunes femmes est vouée à l'échec : la fuite, les lamentations pour amadouer l'assassin par des paroles calmes et sensées, feindre la peur ou l'absence de peur, rien ne semble susciter la moindre réaction d'empathie. Koji Wakamatsu détourne les codes du pinku eiga (roman porno), en filmant les scènes de sexe ou de violence attendues du genre mais dénuées du moindre attrait, pour un geste éminemment politique : dénoncer la violence des hommes contre les femmes, boucs-émissaires faciles de leurs impuissances et de leur incapacité à agir. Le titre désigne le surnom des infirmières, ces Anges Blancs dont l'appellation ne touche pas le meurtrier. La mise en scène, le sens du montage très personnel de cet admirateur de Godard, le travail sur les effets sonores (surtout ce que seul le tueur entend) nous font pénétrer dans un cerveau torturé mais terriblement humain. Ce qui est peut-être la part la plus terrifiante de ce film. (Pascal Le Duff, critique-film)

La Salamandre d'Alain Tanner

Une constantes du cinéma d'Alain Tanner est le voyage immobile. Ses personnages (féminins souvent, masculins aussi) marchent beaucoup et ne vont au final pas très loin, au moins physiquement. Intérieurement pourtant, elles ou ils changent, vivent, aiment, souffrent et vont mieux, ou pas. Un sondeur de l'âme humaine résumé par ce film qui a longtemps hanté le Saint-André-des-Arts grâce à la persévérance de son «père» Roger Diamantis et lancé les carrières d'un auteur et de trois grands comédiens : Bulle Ogier, Jean-Luc Bideau et le regretté Jacques Denis. (Pascal Le Duff)

THX 1138 de George Lucas

Impossible de ne pas penser à George Orwell et à 1984 à la vision de cette dystopie cruelle où les êtres humains ne sont plus que les rouages abêtis d’une société où les machines (et donc la technique) ont pris le dessus. Pour son premier long métrage, George Lucas fait le choix du minimalisme, de l’épure et d’une narration quasi inexistante.  Le cinéaste y flirte avec le cinéma expérimental tout en proposant une version déformée et terrifiante de notre propre société accro aux programmes télé et aux psychotropes. (Marie-Pauline Mollaret, Ecran Noir)

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Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

En partenariat avec Critique-Film. Retrouvez tout le dossier ici.

Maître d'oeuvre des trente premières éditions de la Quinzaine, Pierre-Henri Deleau est considéré comme «l'âme» de la Quinzaine, celui qui a su donner une identité à cette section marquée par son éclectisme et ses choix aventureux et un goût sur sur pour un cinéma audacieux, dénué du conservatisme qui plombait les premières années de la sélection officielle du Festival de Cannes.

Merci à lui pour le temps qu'il nous a accordé pour ce long entretien que nous dévoilons sous forme de feuilleton, sur plusieurs jours.

Puisqu'on célèbre cette année les 50 ans de mai 68, et l'anniversaire de ce festival qui n'eut pas lieu, c'est l'occasion d'explorer les rapports de Cannes avec la Révolution. Sur la croisette, où les spectateurs défilent en smoking et robes de soirées, où un simple selfie est jugé "irrespectueux", et où toute la société festivalière est organisée en castes strictes, les mouvements de révolte et de contestation eurent souvent les honneurs d'une sélection. C'est là tout le paradoxe d'une manifestation très attachée à ses traditions, et qui n'a pourtant cessé de montrer, défendre et encourager ces moments de l'Histoire où des hommes et des femmes ont pris leur destin en mains.

En 2006, Ken Loach est de retour à Cannes avec Le vent se lève, une fresque sensible et engagée qui raconte la guerre d'indépendance irlandaise entre 1919 et 1921 ainsi que la guerre civile qui suivit. S'il y suit deux frères engagés dans l'Armée républicaine irlandaise, le film est surtout une plongée immersive dans la réalité de l'Irlande d'alors, entre injustices, persécutions et révoltes.

La première partie est ainsi une ode à l'action collective et à l'espoir d'un monde doublement meilleur : parce que débarrassé de l'oppresseur, mais aussi parce que plus équitable et juste. La deuxième voit s'effriter l'union des combattants révoltés, jusqu'à une guerre fratricide dont l'Irlande porte encore les stigmates. Ken Loach décortique les différents mécanismes présidant à la révolte de même qu'il observe au microscope le processus qui conduit les alliés d'hier à s'entretuer. A la fois sur le plan idéologique (les oppositions et les divergences naissantes au sein du groupe) et aussi plus concrètement.

Ainsi, le réalisateur s'attache à ne pas montrer que les exactions des Anglais. Les Irlandais se sont battus les armes à la main, et pas toujours de la manière le plus honorable, rappelle-t-il. On voit par exemple des guets-apens contre l'ennemi transformés en véritable tir aux pigeons ne ménageant aux victimes aucune possibilité de s'enfuir ou de se rendre. L'armée irlandaise tombe elle-même dans un engrenage de violence sans fin lorsqu'elle doit châtier ses propres hommes "pour l'exemple". Comme pour annoncer la noirceur des temps à venir.

Il y a quelque chose d'inhérent à la révolution elle-même dans ce coup de balancier qui après l'euphorie mène à la désillusion, une forme d'inéluctable que la caméra bienveillante de Loach filme avec acuité, ne cachant pas le camp qui a sa préférence, et ne dissimulant pas plus les sacrifices parfois insupportables que nécessitent toutes les luttes de libération.

Sur un plan plus purement cinématographique, Le vent se lève est un film si finement écrit (par Paul Laverty) que chaque scène a une fonction précise dans l'intrigue et que rien, malgré les deux heures du film, ne semble gratuit ou superflu. On est emporté par le vent de l'histoire sans jamais perdre de vue de n'y être que des fétus de paille. Ces épis d'orge que le vent secoue, comme dans le titre original inspiré d'une chanson folklorique du XIXe siècle (The wind that shakes the barley). Le jury présidé par Wong Kar-Wai ne s'y trompa pas, qui décerna à Loach sa première Palme d'or.

Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

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La Quinzaine des réalisateurs, grande prêtresse du cinéma indépendant, du cinéma contestataire, du cinéma underground, moderne, ouvert, libre. La Quinzaine faite par le monde, pour le monde. Une révolte contre l’élitisme cannois, contre la censure systématisée, et contre toute forme d’institutionnalisation. C’est en cessant de cacher ces films qu’on ne saurait voir que nos agitateurs vont ouvrir la porte, jusque-là verrouillée, d’un cinéma nu et sincère. Le 10 mai 1968 s’ouvre le 21e Festival de Cannes. Et c’est en 69, année érotique, qu’on assiste à la naissance d’un immense Fes[se]tival. La première édition de la Quinzaine a le [cul]ot de projeter Le Joujou chéri de Gabriel Axel.

Film documentaire et long-métrage de fiction s’entremêlent dans cette audacieuse production danoise. Le Joujou chéri traite de la production de magazines et de films érotiques et dénonce une censure bien trop présente (surtout en France !). On découvre en une heure et demie la diversité de l’érotisme sur grand écran, du cinéma moderne au cinéma muet. Gabriel Axel réalise ce premier documentaire sans salaire, et sans réel financement. Fort d’une envie de transgression et de liberté, Axel nous interroge sur la présence de l’érotisme dans l’art. Pourquoi un artiste peintre, proposant un nu, offre de l’Art au spectateur, tandis qu’un photographe (ou un cinéaste) représentant un même nu est classé immédiatement comme pornographe ? Ce message passe directement par l’affiche du film : une gravure libertine. Art, ou pornographie ?

Par son interdiction, la pornographie se fait sombre, glauque, étouffante. Gabriel Axel, lui, veut présenter un univers lumineux, léger, joyeux, et bon enfant. A force d’interdire et de censurer, l’impression que le sexe est un danger pour l’homme se fait de plus en plus forte. Mais où est le danger ?

C’est grâce à un Danemark bien plus libéral que la France que Le Joujou chéri passe la frontière. Rappelons d’ailleurs que cette œuvre aidera à supprimer la censure adulte en 1969 dans son pays. Malgré cette hardiesse, le film sera interdit en France et ne sera distribué en province qu’en 1974 via un circuit allemand, sous le nom de Das Geliekte Spielzub. Le Joujou chéri passera ici d’une heure et demie, à une heure et quart.

Tandis que la demande de suppression de la censure de la part des Etats Généraux du Cinéma suit son cours, deux nouvelles œuvres culottées s’emparent de la Quinzaine : Le Hurlement de Tinto Brass en 1970, et Mais ne nous Délivrez pas du mal de Joël Séria en 1971.

Le Hurlement est un cri de joie et de colère, une folie douce parfaitement représentative de l’air du temps. Film psychédélique soixantehuitard, L’Urlo explore une société changeante. Les repères sont flous, la jeunesse ne sait plus à quoi se raccrocher, et erre au travers d’un milieu hostile et incompréhensible tout comme Anita (Tina Aumont) et son amant Coso (Gigi Proietti) principaux protagonistes. Anita, activiste de gauche, fuit son fiancé et rencontre un parfait inconnu avec qui elle va voyager dans une Italie étrange et grotesque, rencontrant tour à tour une famille de cannibales et des fanatiques explorant différentes facettes de leur sexualité. Le message est clair : c’est en quittant les conventions que l’individu explore et nourrit son être intérieur.

Tinto Brass, auteur, scénariste et monteur, abandonne ici les traditions narratives et invite le spectateur à vivre son œuvre comme une expérience sensorielle. Il ne raconte pas mais dénonce la condition tragique de l’homme moderne seul face à la misère, à la mort, et à l’esclavagisme de la société, en continuant ainsi son travail amorcé en 1964 avec Who Works ?. Contrairement à Who Works ?, L’Urlo sera interdit par la censure en Italie pendant pas moins de sept ans.
Bizarre, surréaliste, et radicalement ancré dans la contre-culture, Le Hurlement reste tout de même proche de réalisations dans la même veine, aussi bien au niveau du scénario, qu’au niveau de la réalisation. On y retrouve des couleurs similaires, des scènes en extérieur peu surprenantes, et une révolte politique qu’on croise de partout.

Tandis qu’en 1971, Mais ne nous Délivrez pas du mal fera l’effet d’une bombe parmi les festivaliers cannois. « Une œuvres des plus malsaine […] en raison de la perversion, du sadisme et des ferments de destruction morale et mentale … » ainsi parlait la Commission de contrôle du premier long-métrage de Joël Séria.
Elevé dans un foyer à l’éducation religieuse stricte, et éduqué en pensionnat chez les curés pendant une dizaine d’années notre réalisateur est frappé par l’image idyllique d’une jeune fille qui inspirera l’aspect de ses deux héroïnes. Cette image est celle croisée au hasard d’un article de journal, celle d’une petite nymphette aux joues pleines et aux boucles rondes. Une petite fille modèle ayant décidé de jouer à la poupée avec sa meilleure amie. La poupée sera sa mère, le jeu : la lapidation. Fait divers néo-zélandais, cette histoire nourrira celle de Mais ne nous Délivrez pas du mal dans une certaine mesure. C’est d’ailleurs de ce film et de cet article que Peter Jackson tirera Créatures Célestes en  1994.

Ce long-métrage sera tourné sans l’accord du CNC, mais Joël Séria persiste. Ce scénario est ancré en lui, et il se doit de le coucher sur pellicule. Il réalise cet exercice avec brio et nous dévoile ses talents de poète. On retrouve dans ce film une mélancolie toute baudelairienne, mêlée à l’insouciance de la jeunesse et aux secrets de l’adolescence. Nos deux Lolitas, Anne et Laure, sont deux petites filles modèles en apparence mais, et ce dès les premières scènes, il se dégage d’elles une sainteté diabolique. Tout comme Joël Séria, elles se voient dès leur plus jeune âge cloîtrées chez les bonnes sœurs avec, pour seule distraction, leur imagination viciée et leurs loisirs sadiques. Anne et Laure se complaisent dans le mal comme d’autres se complaisent dans le bien ; elles œuvrent pour Satan en âme et conscience, en opposition à tout ce qui leur a été inculqué. Mais ne nous Délivrez pas du mal est un film fort, puissant, et étrangement doux. L’apparence bucolique de la campagne contraste avec la perversion des actes de nos héroïnes et nous rappelle curieusement nos propres étés. La torpeur estivale, les nuits fraiches, les balades à vélo donnent une sensualité prématurée à Anne et Laure qui se dénudent à toutes occasions.

Le scénario, puissamment anticléricale et légèrement éphèbiphile, fera interdire le film malgré sa présence à la Quinzaine. Ce n’est qu’après la coupe de quelques secondes d’une scène lesbienne entre religieuses que le film sera accessible au public. Joël Séria, sera alors l’un des derniers réalisateurs de long-métrage à avoir un film bloqué. Bien plus qu’une œuvre profane, Mais ne nous Délivrez pas du mal est une mise en garde contre le refoulement, la pression et l’oppression chez les adolescents. Autre sujet fort du début des années 70.

« 1973, on interdit. 1974, on libéralise. Avant de réprimer en 1975 puis de punir en 1976 »

(Entre deux censures, 1989, Tony Crawley et François Jouffa)

Le 28 avril 1974, Valérie Giscard d’Estaing, fraîchement élu président de la république, annonce la suppression de la censure en France et prône la liberté d’expression et de création. Cette décision révolutionnera le paysage cinématographique tout entier. A la capitale, en banlieue et en province, les cinémas affichent impudiquement des œuvres érotiques sur leurs façades et dans leurs halls. En une année, plus de 128 films voluptueux sortent en salle : Les Jouisseuses, Emmanuelle, et La Papesse (pour n’en citer que quelques-uns) embrasent les foules qui se précipitent pour voir le tabou en scope. Cette curiosité légère poussera 6 497 687 parisiens et banlieusards à se cloîtrer dans les pièces confinées, surchauffées et électrisées des exploitants de 74. Le secrétaire d’état, Michel Guy, dans un éclat de lucidité, ou dans un moment de faiblesse, autorisera même l’exploitation des films pornographiques !

Ce vent de liberté atteindra rapidement la croisette qui présentera à sa sélection officielle les sulfureuses Mille et une nuits de Pier Paolo Pasolini et les outrancière Neuf vies de Fritz le chat de Robert Taylor. La Quinzaine, quant à elle, ira chercher du côté de la Yougoslavie pour trouver LE réalisateur adéquat pour cette année toute en fesses : Dusan Makavejev, auteur et scénariste de Sweet Movie.

Carole Laure (Miss Canada) porte plainte contre Makavejev, Anna Prucnal (Anna Planeta) est exilée de Pologne pendant sept ans, le film est banni en Grande-Bretagne et, en France, il subit l’interdiction aux mineurs de moins de 18 ans. Tout ça pour quoi ? Pour un film-manifeste, une œuvre forte qui malgré elle a engendré un scandale plus grand que ce qu’elle envisageait. Pour un poème érotico-politique ou le socialisme et le capitalisme se contemplent d’un œil curieux et cherchent à s’apprivoiser. Contrairement aux autres films de Dusan Makavejev, Sweet Movie nous offre une confrontation sociale plus directe, sans soliloques gouvernementaux indigestes. Il cherche ici à établir une relation sensorielle écran-spectateur. La sensualité est la grande ligne directrice de la mise en scène et du scénario, toute la cohésion de l’équipe de tournage vise à prôner la joie de vivre, l’amour universel et la connaissance de soi par le biais du sexe. Makavejev fait tomber les masques de l’auto-censure, le spectateur est mis à nu, sa carapace se fend et fond face à l’humour chaleureux et à la moiteur sexuelle de Sweet Movie. On parle ici « d’effet thérapeutique » comme un « aphrodisiaque léger », une communication non-verbale poussant le public à s’observer, se sentir, se toucher, se goûter, et se découvrir à travers l’œuvre.

Soulignons le fait que Makavajev, culpabilisant de ce trop-plein de bonheur face à la misère du monde, inséra dans le film des séquences documentaires sur l’excavation de cadavres polonais par des officiers nazis. Triste monde cruel.

Nous finirons l’année, le 17 octobre 1974, par une suppression du fond de soutien pour les films pornos … Monsieur Giscard et Monsieur Guy seraient-ils en train de revenir sur leurs convictions ?

En 1976, les bonnes résolutions de nos deux compères sont mises au placard. Pornographie ? Erotisme dites-vous ? Du passé. La loi X s’impose insidieusement, feignant l’absence de censure et affichant une simple restriction. La TVA sur les films dit pornos passe de 17.6% à 33.33%, 161 films sont classés X et interdit d’exploitation … Les rares œuvres encore en circuit sont reléguées dans des salles spécialisées pénalisées fiscalement et financièrement. Si ça ce n’est pas de la censure …

Mais la Quinzaine résiste encore et toujours à la restriction, à l’enclavement, et au blâme, et elle le montre plus que jamais avec L’Empire des sens de Nagisa Oshima. Toute la France est ébranlée, le phénomène est sans précédent. De plus, L’Empire des sens n’est pas noyé dans la sélection, loin de là, il est le film d’ouverture de cette nouvelle programmation, l’œuvre mise en lumière, l’œuvre sous les projecteurs du public, de la critique, des journalistes, et de l’organisation.

Nous ne nous étendrons pas plus que nécessaire sur ce film qui a déjà fait couler beaucoup d’encre (et beaucoup d’autres liqueurs plus naturelles). Rappelons juste que celui-ci est un pied de nez aux tabous japonais. Nagisa Oshima c’est procurer une pellicule vierge française, l’a fécondé sur sa terre natale, et l’a renvoyé en France pour la mise à bas. L’Empire des sens est interdit au Japon, rn Allemagne, en Suède, aux Etats-Unis, en Belgique … Mais la Quinzaine relève le défi de présenter cette œuvre, et tente d’ouvrir le regard du public non pas sur un film érotique ou pornographique, mais sur un poème visuel digne des estampes japonaises. Tout ici est d’une minutie implacable, la mise en scène est épurée, les dialogues finement orchestrés, et les couleurs éclatantes renforcent le lyrisme de ce qui n’était à l’origine qu’un fait divers.

L’Empire des sens établi un seul et même discours : celui d’une scène d’amour en continu, le cadre change mais l’acte reste. Même si le sexe n’est pas simulé, même si la scène finale est d’une violence inouïe, le film reste immaculé grâce à sa perfection visuelle, et grâce à ce discours n’étant ni plus ni moins qu’une approbation de la vie jusque dans la mort, l’amour ultime et inconditionnel.
Les œuvres vue précédemment sont politiques, sociales, révoltées. Elle utilise la représentation du sexe pour faire passer des messages plus ou moins abstraits, mais elles négligent l’amour rencontré dans la relation sexuelle. Nagisa Oshima, lui, le sublime.

Mais si la politique vous manque rappelons que, en 1988, interviewé par Bernard Pivot, Jacques Chirac confessera : «  J’ai vu L’Empire des sens dans la salle d’un cinéma privé qui appartient au ministère de l’information. J’ai estimé que c’était un très beau film … »

Merci au ministère de l’information et merci à Jacques !

La Quinzaine nous réservera d’autres belles surprises telles que la coréalisation franco-japonaise des Fruits de la passion de Shuji Terayama en 1981, adaptation très libre de Retour à Roissy de Pauline Réage. L’adaptation encore plus libre en 1986 du Diable au corps de Marco Bellocchio et sa vraie fellation qui coûtera cher à la carrière de Maruschka. L’onirique, le lyrique, le diaphane Kissed, premier film de Lynne Stopkewich, fable nécrophile tirée d’une nouvelle de Barbara Gowdy. Et le très contemporain Année Bissextile de Michael Rowe explorant la mécanique d’un couple sadomasochiste.

Puis d'autres films oubliés : La Fille offerte d’ Helma Sanders-Brahms, Irezumi - Esprit de tatouage de Yoichi Takabayashi, L’Esquimaude a froid  de Janos Xantus, Annabelle Partagée de Francesca Comencini …

Tant de films autour d’un seul et même sujet, d’une problématique ancestrale qui semble régir le monde : le sexe. Le sexe politique, le sexe social, le sexe spirituel, les sexes, les sexualités. Parfois représenté avec pudeur, parfois avec exubérance, le sexe est mis à l’honneur dans ces œuvres qui ont su le magnifier avec respect.

La sexualité, même surreprésentée, reste encore tabou. Une petite partie de chacun d’entre nous dort dans une coquille de glace. Le rôle de ces films est, entre autre, de faire fondre cette armure pour que le spectateur découvre avec émotion une autre facette de sa personnalité, belle, pure, et lumineuse.

La Quinzaine est le réceptacle d’une sensualité venue du monde entier. Elle livre au sein de l’une des plus grandes institutions cinématographiques un havre de chaleur cotonneuse. Elle ne nie pas ce qui fait un pan tout entier de l’Homme, elle l’embrasse, elle se l’approprie, avec une programmation toujours précise et surprenante. La Quinzaine réinvente le sexe sur grand écran et le crédibilise.

Clara Sebastiao de critique-film

Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

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Maître d'oeuvre des trente premières éditions de la Quinzaine, Pierre-Henri Deleau est considéré comme «l'âme» de la Quinzaine, celui qui a su donner une identité à cette section marquée par son éclectisme et ses choix aventureux et un goût sur sur pour un cinéma audacieux, dénué du conservatisme qui plombait les premières années de la sélection officielle du Festival de Cannes.

Merci à lui pour le temps qu'il nous a accordé pour ce long entretien que nous dévoilons sous forme de feuilleton, sur plusieurs jours.

Parmi les réalisateurs que vous avez invité, quelques noms sont étonnants, comme ceux de John Lennon et Yoko Ono

J'ai pris leurs films car ça m'amusait. Celui de Yoko Ono c'était The Fly. Une fille nue étendue sur un matelas, on suit une mouche et on attend qu'elle se pose sur son sexe. Ça dure vingt minutes, jusqu'au moment où elle se pose. Celui de John Lennon, Apotheosis, c'était une montgolfière qui montait, qui montait. Ça se passait à Oulan Bator, en Mongolie, c'était pollué et tout à coup on dépasse les nuages et on retrouvait le ciel bleu. Ce n'était que ça. Je prends les films, je trouve ça rigolo comme tout. John vient avec Yoko, un autre Beatle mais je ne sais plus lequel, en avion privée, avec une trentaine de groupies. Ils déjeunent à la Colombe d'or, un restaurant de luxe en dehors de cannes, lui et toute sa bande, ils étaient une vingtaine au moins. Beaucoup de rosés, de vins, mais aussi beaucoup d'autres substances ! Si bien que quand ils sont revenus vers trois heures de l'après-midi, l'un d'entre eux s'évanouit devant la Malmaison où sont nos bureaux. Nous sommes allés le secourir et, comme on arrivait pas à le réanimer, il a fallu appeler les pompiers, ça a fait scandale. Jacques Doniol Valcroze et moi avons été convoqués par le maire qui disait qu'on est un repère de voyous. Doniol m'avait prévenu qu'il était fou furieux et j'ai donc mis une cravate et une décoration. On lui dit qu'on ne savait pas qui c'était mais qu'on l'avait secouru, sinon c'était non assistance à personne en danger. Doniol ajoute, malin, monsieur le maire, vous auriez fait pareil. L'atmosphère se détend et sur ces belles paroles, Richard Dembo entre en santiags, avec une robe comme les hippies, une rose dans la main et fait le signe peace… Doniol et moi on ne pouvait pas le croire, on a éclaté de rire, on n'arrivait plus à s'arrêter devant les trois membres du conseil municipal et on est parti en se disant advienne que pourra. Ils nous voyaient comme des voyous. Cette réputation ne nous a pas suivi longtemps heureusement. Les anglais ont mis de l'huile sur le feu en nous appelant «counter cannes festival». Ce qui n'était pas du tout le cas. C'était à côté, ce n'est pas pareil.

Comment avez-vous découvert Massacre à la tronçonneuse ?

Je l'avais vu à New-York. Il m'a foutu une trouille si épouvantable que je l'ai pris. Je me suis fait engueuler à la Quinzaine ! Par beaucoup de critiques qui me disaient ce n'est pas un film Quinzaine. Je leur ai répondu, ça fait X années que je fais la quinzaine, je n'ai jamais su ce que c'était qu'un film Quinzaine, expliquez-le moi alors ! C'était le premier du genre ! Je ne regrette pas du tout de l'avoir pris. La Quinzaine surprenait par rapport à la compétition, mais là d'un seul coup, un film qu'on dit de genre aujourd'hui, cette appellation est grotesque d'ailleurs.

Le joujou chéri ?

Un film sur les films érotiques de bordel, ça m'amusait, c'est insolent et on était aussi dans la veine d'une époque où il n'y avait pas le sida. Une veine libertine un peu partout, tout le monde s'envoyait en l'air, c'était une grande époque. L'année 68… ce qui se passait à la Sorbonne occupée par les étudiants ! Moi j'avais à l'époque une chambre près de là, j'ai passé des nuits dans le grand amphithéâtre Richelieu, je ne vous dis pas ce qu'on y faisait...

Hurlo de Tinto Brass ?

Rien à voir avec les films érotiques qu'il fera ensuite. C'est un film assez violent dans mon souvenir. Tinto Brass, c'est curieux car il avait travaillé à la cinémathèque chez Langlois, il déchirait les billets. Il était devenu cinéphile comme ça. J'ai le souvenir d'avoir été impressionné par le film et je ne l'ai pas revu depuis. Je n'en ai pas d'images sauf des couleurs violentes.

Viol d'Anje Breien ?

Elle vivait à l'époque avec Henning Carlsen. Elle a fait ce film que j'ai trouvé très bien mais c'était à l'époque où on découvrait le cinéma pornographique. En France, ce n'était pas autorisé, mais à cannes, il y a avait extraterritorialité, donc les gens allaient voir au marché rue d'Antibes - il n'y avait pas encore les salles au palais – et découvrir Derrière la porte verte. Des gens sont allés voir Viol en pensant que c'était érotique alors qu'il s'agissait d'un drame psychologique féministe, ce n'est pas du tout pareil ! Le malentendu a été complet ! Le cinéma norvégien d'ailleurs n'existait pas à l'époque. Suédois, oui, mais pas le norvégien.

De Scandinavie, qui vous a le plus marqué ?

Aki Kaurismaki ! D'abord parce que pochard comme ça, il tient bien la route avec son cinéma. Il est sympa, avec un humour à froid.  Les finlandais, ce n'est pas des gais. Helsinki, c'est une ville chiante, toute en béton pour résister aux tempêtes de neige. Franchement, ce n'est pas drôle, le protestantisme dur. Pas une statue, pas une peinture dans la cathédrale. On s'emmerde dans cette ville, à part boire ! Et ça, ils boivent !

Propos recueillis par Pascal Le Duff de Critique-Film

Héritière directe de ceux qui voulaient affranchir le cinéma de ses chaînes en 1968, la Quinzaine célèbre cette année sa 50e édition. L'occasion d'une promenade à son image - en toute liberté, et forcément subjective - dans une histoire chargée de découvertes, d'audaces, d’enthousiasmes, de coups de maîtres et de films devenus incontournables.

En partenariat avec Critique-Film. Retrouvez tout le dossier ici.

Maître d'oeuvre des trente premières éditions de la Quinzaine, Pierre-Henri Deleau est considéré comme «l'âme» de la Quinzaine, celui qui a su donner une identité à cette section marquée par son éclectisme et ses choix aventureux et un goût sur sur pour un cinéma audacieux, dénué du conservatisme qui plombait les premières années de la sélection officielle du Festival de Cannes.

Merci à lui pour le temps qu'il nous a accordé pour ce long entretien que nous dévoilons sous forme de feuilleton, sur plusieurs jours.

Pourriez-vous me donner des précisions sur vos accès aux films, notamment pour la première année ? Concernant les films de cinématographies balbutiantes notamment.

Pierre Kast était un grand voyageur. Il connaissait l'Amérique du sud par coeur, spécialement le Brésil et le Chili. Donc il me disait «il se passe des choses au Brésil». C'était l'explosion du Cinema Novo qu'on n'avait quasiment jamais vu en France. En tout cas, pas les grands, pas Saraceni, Gustavo Dahl, Joaquim Pedro de Andrade, Neville d'Almeida, Julio Bressane ou Ruy Guerra. Il y a avait des quotas et les salles devaient passer au moins 50 % de films brésiliens. Plus tard [dans les années 90] tout ça a été foutu en l'air par Fernando Affonso Collor de Mello quand il a été élu président. Depuis, 80 % des films à l'écran sont américains. Mais à l'époque, ils tournaient énormément ! Ça permettait à une industrie de vivre et soudain ce cinéma libre s'est développé sur le même principe grosso modo que les réalisateurs de la Nouvelle Vague. Ils ne pouvaient pas engager Jean Gabin ou Michèle Morgan et devaient travailler avec des gens qui n'étaient pas connus. D'abord ils n'osaient pas aller les voir, ensuite ils se disaient que ça allait coûter trop cher. Et donc ils ont tourné avec des acteurs devenus célèbres ensuite comme Belmondo, que personne ne connaissait, ou Emmanuelle Riva.

Quels étaient vos principaux obstacles avec certains pays ?

C'était compliqué avec les pays de l'est. À l'époque de la Roumanie de Ceaucescu, ils me montraient des films en espérant que je prenne ceci et moi je prenais cela. Un peu comme les soviétiques, ils laissaient sortir les films mais pas les réalisateurs. Lucian Pintilie dont j'ai pris le premier film n'a jamais pu venir mais le film, je l'ai eu. C'était La Reconstitution, formidable ! Lui a lu les critiques après mais en restant en Roumanie. Il ne sortira que longtemps après. En Hongrie, le cinéma était dirigé à l'époque par quelqu'un qui avait fait de la prison en tant qu'opposant politique. Curieusement, il adorait le cinéma et savait jusqu'où les metteurs en scène pouvaient aller trop loin. Alors il me faisait venir, me montrait des films et disait « si vous prenez celui-ci, va falloir que je ruse » mais il m'aidait. Il y a eu des couacs comme ça et j'en ai bénéficié. Système D, plus la chance.

La réussite de la Quinzaine est aussi due à ce facteur chance ?

Oui, d'un seul coup on a vu l'émergence de cinémas qui brisaient les cadenas d'un cinéma académique. Une émergence de quelque chose. La Quinzaine est née en même temps qu'un grand cinéma québécois. Pierre Perrault, Michel Brault, Gilles Carle, Claude Jutra, Jean-Pierre Lefevre… ils ont tous été à la quinzaine ! Je suis arrivé là bas comme le messie parce que les films canadiens ne sortaient pas en France. Les français disaient qu'on ne comprenait pas leur accent ! Souvent, je faisais sous-titrer 20 % en français quand ça sonnait trop québécois mais pas tout. Ce que j'ai fait pour Denys Arcand, ou pour Jean-Pierre Lefebvre. Au début, les québécois disaient «mais nous, on parle français, nom de dieu». Je leur répliquais : « bah tiens, moi je vais te parler ch'timi, tu vas voir si tu comprends ! ». Mais ça a aidé beaucoup, les sous-titres. Imaginez ce «petit pays» qu'est le Québec, cinq millions d'habitants à l'époque, qui produit la même année, ou en deux ans, cinq ou six grands metteurs en scène de classe internationale. Perrault, c'est un grand poète, Brault c'est du cinéma vérité extraordinaire, Gilles Carle c'est drôle comme tout. Et même les Suisses avaient du talent ! Vous vous rendez compte, j'ai ramené Francis Reusser, Alain Tanner, Michel Soutter avec leur premier ou deuxième film.

Le nouveau cinéma allemand est arrivé vite aussi ! Grâce à Volker Schlondorff qui avait été l'assistant de Louis Malle et fait des études en France juste après la guerre ! Quand la SRF s'est créée, entre fin mai et début septembre 1968, il est retourné en Allemagne et a regroupé autour de lui Alexander Kluge, Werner Herzog, Fassbinder ou Rudolf Thome. D'un seul coup, il y avait quelque chose qui commençait à Munich, pourtant la ville la plus réactionnaire d'Allemagne, dirigée par la CDU. Sans la Nouvelle Vague, ce n'est pas certain que le cinéma allemand aurait pu démarrer aussi vite. Ça leur a permis de s'organiser, de se regrouper et de faire comme nous.

J'avais senti qu'il y avait un frémissement en Afrique où je suis allé chercher les sénégalais Djibril Diop Membety (avec Touki Bouki) ou Ousmane Sembene. J'avais vu qu'il était romancier, j'avais lu des romans de lui d'ailleurs, et il fait des films que je ramène (Eccedo, Emitai…). Plus tard je suis remonté jusqu'au Burkina-Faso d'où j'ai ramené Idrissa Ouedraogo [Yaaba, 1989] et Gaston Kaboré [Buud-Yam, 1997]. L'Afrique était un continent qui n'avait quasiment jamais eu de film en compétition.

À partir de la deuxième année, j'ai ramené les chiliens, Raul Ruiz [Que faire ?,1972], Patricio Guzman [La Bataille du Chili, 1975 et 1976], Helvio Soto et compagnie. Personne ne les connaissait. Salpêtre sanglant de Soto [1970], ça se passe pendant la guerre qui opposait le Chili d'un côté à la Bolivie et au Pérou de l'autre. Le Chili a foutu une raclée aux deux pays, si bien que la Bolivie a perdu son débouché sur l'océan pacifique. C'est la guerre pour le salpêtre, le sel, provoqué par les anglais. C'est un film d'une beauté incroyable. Pierre Kast était allé au Chili et me l'avait conseillé. Ça se passait avant Allende, sous un gouvernement de centre droit. Le Chili était le seul pays d'Amérique latine où il n'y avait jamais eu de coup d'état avec le Costa Rica. Après l'avoir sélectionné, je reçois une lettre de Helvio Soto en français qui me dit qu'il viendra à Cannes. Puis, plus de nouvelles. On lui envoie des messages mais il ne répond plus. Mais on reçoit le film que je programme en deuxième partie de festival.

Deux jours avant la projection, je vois arriver un type avec un nœud papillon à la Malmaison. Il me dit : «c'est moi, Helvio Soto !». «Vous sortez d'où ?», je lui demande. Il me répond qu'il ne prend pas l'avion car il a peur, il est claustrophobe. Alors il a pris sa voiture, traversé la Cordillère des Andes, pris un bateau à Mar de Plata, est arrivé à Marseille et de là, il a pris le train ! On montre le film et immédiatement, un distributeur allemand va voir Soto et lui propose d'acheter le film pour 30 000 dollars pour l'exploiter en Allemagne. Soto vient me voir, pour me demander ce qu'il doit faire, car il craignait de se faire rouler. Je lui dis de signer tout de suite ! Il est payé rubis sur l'ongle et il s'achète une voiture d'occasion. Comme il n'était jamais venu en France, il décide de rentrer en prenant le chemin des écoliers et visite la France avec son épouse, en passant par Paris. J'étais très surpris qu'il parlât un français admirable, qu'il a appris au lycée. Il me raconte une anecdote formidable vécue à douze ans, lors de la signature de l'armistice par Pétain. Avec le décalage horaire, il était cinq heures du matin au Chili. Les cloches du collège ont sonné, tout le monde a été convoqué dans la cour. Le directeur leur a tenu un discours où il disait qu'un pan de la civilisation venait de s'écrouler avec la capitulation de la France. Coup de marteau. Toutes les cloches du Chili, du nord au sud, sur douze mille kilomètres, sonnaient le glas. Imaginez ce que ça veut dire de l'image de la France à l'étranger à l'époque ? Ça l'avait marqué. Lorsqu'Allende est élu président, il est nommé directeur de la télévision chilienne.

Un an plus tard, il coproduit un film de Costa Gavras, État de siège, situé en Uruguay, où il parle des Tupamaros [les rebelles d'extrême gauche du Mouvement de libération nationale]. Les militaires étaient encore au pouvoir et il n'était évidemment pas question de tourner là-bas. Soto lui dit : «qu'à cela ne tienne, moi je te file l'armée chilienne pour faire l'armée uruguayenne dans ton film». Donc Costa les dirigeait en disant des choses comme « mon général, le char, 20 mètres à gauche » et le général en question, c'était Pinochet ! Et c'était peu avant le coup d'état. Au moment du coup d'état, Helvio était en France pour présenter un nouveau film, Vote plus fusil, je crois. Allende est renversé. Heureusement qu'il était là, il aurait été mis à mort là-bas. Il n'est pas rentré. Son fils, capitaine dans l'armée chilienne, a déserté à ce moment là et il est venu en France. Les réalisateurs chiliens se sont tous barrés de leur pays.

Comment faisiez-vous la sélection des courts-métrages ? En détaillant l'histoire de la Quinzaine, on constate que certaines années, il y en a beaucoup mais que, petit à petit, ça a diminué.

Ça a diminué parce qu'à Cannes, le court-métrage, ça ne marche pas. C'est un alibi, pour montrer des cartes de visites de futurs réalisateurs. Cannes n'est pas le lieu pour ça. Les gens ne viennent pas pour ça. À mon avis, la place du court-métrage est à Clermont-Ferrand. Le reste c'est de la poésie, même si ça m'est arrivé d'avoir des coups de coeur lorsque j'en prenais. Critiques et acheteurs viennent pour les longs-métrages, Cannes, ce n'est pas le lieu pour ça, honnêtement.

Propos recueillis par Pascal Le Duff de Critique-Film