Netflix dégaine The Irishman de Martin Scorsese

Posté par vincy, le 31 juillet 2019

C'est le plus gros budget pour un film de Martin Scorsese (160M$). C'est aussi l'un des films les plus attendus de l'année. C'est enfin la grande réunion de Robert De Niro et Joe Pesci, et les retrouvailles entre De Niro et Al Pacino (depui Heat en 1995) ou entre De Niro et Scorsese (depuis Casino en 1995 aussi). On pourrait aussi dire que c'est la rencontre tant attendue entre Scorsese et Pacino. Bref c'est l'événement que tous les cinéphiles attendent.

Après un teaser durant les derniers Oscars, Netflix a dévoilé la deuxième bande annonce de The Irishmen, prévu en novembre sur sa plateforme, après avoir dévoilé deux images lundi. Le film fera l'ouverture du New York Film festival. Aux Etats-Unis, il est certain qu'il sortira dans quelques salles avant sa diffusion, afin d'être oscarisable. A l'origine, le film devait être distribué par la Paramount. Netflix aurait déboursé (entre la production et l'acquisition des droits) près de 230M$.

En France, hormis peut-être le cadre d'un festival ou lors de projections spéciales, il faudra être abonné à Netflix.

Le film se déroule sur plusieurs décennies. Ce qui implique, comme on le voit sur la bande annonce, de nombreux effets spéciaux permettant le rajeunissement des acteurs. Il est étonnant de voir De Niro comme il était à l'époque de Casino ou des Affranchis. Harvey Keitel - qui a tourné dans les quatre premiers films de Scorsese, Bobby Cannavale, Anna Paquin et Ray Romano sont aussi au générique de ce film tourné entre 2017 et 2018.

Le scénario est adapté du livre I Heard You Paint Houses: Frank ‘The Irishman’ Sheeran and the Inside Story of the Mafia, the Teamsters, and the Final Ride by Jimmy Hoffa de Charles Brandt. Autrement dit une longue enquête sur Jimmy Hoffa (déjà incarné par Jack Nicholson dans Hoffa en 1992), ici interprété par Al Pacino, et surtout Frank Sheeran (De Niro). Sheeran, syndicaliste fricotant avec la mafia et tueur à gage, et Hoffa, lui-même dirigeant syndicaliste proche de la mafia, se sont rapprochés jusqu'à pactiser ensemble. Les deux seraient également liés à l'assassinat de John Fitzgerald Kennedy. Sheeran a confessé à Charles Brandt qu'il aurait tué Jimmy Hoffa, dont on n'a jamais retrouvé la trace.

Warner Bros relance une adaptation de « Sa majesté des mouches »

Posté par redaction, le 30 juillet 2019

Le cinéaste italien Luca Guadagnino est en discussions pour réaliser une adaptation du roman Sa majesté des mouches, de William Golding (Prix Nobel de littérature en 1983). Warner Bros a décidé de relancer ce projet, qui serait coproduit par le réalisateur de Call Me By Your Name et par Known Universe. Le roman est paru en France en 1956 et a été de nombreuses fois réédité.

Cela fait deux ans que le studio américain cherche son équipe créative pour le film, dont il a acquis les droits d'adaptation. Warner avait déjà adapté le roman en 1990. Une autre adaptation a été réalisée par Peter Brook en 1963. Sa majesté des mouches a aussi été l'inspiration du film Battle Royale et de la série Lost.

Dans le livre, des collégiens britanniques se trouvent isolés sur une île du Pacifique, après un accident d'avion. Obéissant à Ralph, le chef qu'ils ont élu, ils s'organisent pour survivre. Mais la peur et les difficultés dissolvent le groupe en deux clans, celui de Ralph et celui de Jack, qui ne tardent pas à s'affronter cruellement.

La Warner avait l'idée de transformer les groupes de garçons en groupes de filles. Il semble, selon la presse professionnelle, que ce projet n'a plus de raison d'être.

Luca Guadagnino a sorti sa version de Suspiria l'an dernier et présenté son court The Staggering Girl à la Quinzaine des réalisateurs en mai. Il vient de terminer le documentaire sur Salvatore Ferragamo et filme actuellement une série, We Are Who We Are pour HBO. Outre une éventuelle suite de Call Me By Your Name, il a en projet un film, Blood on the Tracks, inspiré de l'album éponyme de Bob Dylan, un autre prix Nobel de littérature.

Kyoto Animation: 35 morts, 34 blessés, un film et un serveur sauvés

Posté par redaction, le 29 juillet 2019

Le 18 juillet dernier, le studio Kyoto Animation a été victime d'un incendie criminel. Le bilan est de 35 personnes sont mortes (dont 21 femmes) et 34 blessées (dont une dizaine dans un état sérieux), parmi lesquels l'auteur de l'incendie. Un carnage humain qui a ému le monde de l'animation. Créé en 1981, le studio a notamment travaillé avec les studios Ghibli (Porco Rosso) et OLM (Pokémon). Depuis qu'il n'est plus un sous-traitant mais un studio à part entière, Kyoto Animation a sorti de nombreuses séries TV, dont La Mélancolie de Haruhi Suzumiya, Sound Euphonium ou encore Violet Evergarden. Il a aussi produit des films déclinés de ces séries et surtout le splendide anime Silent Voice et le récent Liz & l'oiseau bleu.

KyoAni était un studio singulier, fondé par un couple, embauchant majoritairement des femmes, et réputé pour ses bonnes conditions de travail, en plus de persévérer à employer des animateurs qui lui sont propres. Aujourd'hui il est en cendres. On ne sait pas ce qui a motivé le pyromane, Shinji Aoba, 41 ans, qui a déjà été emprisonné pour vol et qui souffre apparrement de désordres mentaux. Il semblerait que le studio lui aurait "plagié" un de ses romans, sans qu'il n'y ait aucune preuve. L'enquête vient de confirmer qu'il était obsédé par le studio, dont ils possédait quasiment tous les mangas et les dvd.

C'est le pire meurtre de masse au Japon depuis la seconde guerre mondiale. Un fonds d'aide japonais pour les victimes et un autre, initié par le distributeur américain Sentai Filmworks sur la collecte GoFundMe ont déjà récolté 7 millions d'euros. Le gouvernement, en réaction à l'émotion suscitée, a décidé d'apporter son aide pour la réouverture du studio et pour faciliter les donations reçues par KyoAni.  Techniquement, il y a au moins une bonne nouvelle: un des serveurs où une partie des créations et des données sont stockées, aurait survécu à l'incendie. Tout le reste a disparu en fumée.

Cette tragédie n'affectera pas la sortie du spin-off de Violet Evergarden, Violet Evergarden Side-Story: Eternity and the Auto Memories Doll, programmée au Japon pour septembre et qui doit être présenté au festival Animagic Convention à Mannheim en Allemagne samedi prochain. En revanche, on ignore toujours si Violet Evergarden the Movie pourra sortir au Japon en 2020 comme prévu. Netflix gère la diffusion internationale .

[La Rochelle 4/6] Arthur Penn: l’individu, la collectivité et la violence

Posté par Martin, le 28 juillet 2019

Le Festival du film de La Rochelle, qui a lieu chaque année fin juin début juillet, est l’occasion de découvrir des films inédits, avant-premières, rééditions, et surtout des hommages et des rétrospectives. Cette année, furent notamment à l’honneur les films muets du Suédois Victor Sjöström (1879-1960) et les dix premiers films de l’Américain Arthur Penn (1922-2010), un des pères du Nouvel Hollywood. Parmi les nouveautés, fut remarqué le très bel essai de Frank Beauvais, Ne Croyez surtout pas que je hurle, qui sortira le 25 septembre 2019. Ces cinéastes questionnent chacun à leur manière la place de l’individu dans la collectivité. Tour d’horizon en trois chapitres.

Suite du chapitre 2

Anti-héros et hors-la-loi

Si Bonnie et Clyde ont toutes les caractéristiques des personnages du cinéma de Penn, ils apparaissent davantage comme les chantres d’une Amérique privée de parole que comme des renégats. L’histoire se passe en 1930, en pleine crise, ils sont eux aussi poursuivis (par la police), mais le peuple américain est loin de les mépriser. Dans une scène,  Bonnie, Clyde et leur acolyte, blessés, s’arrêtent sur un rivage quasi biblique, où une communauté en plein exode se repose. Au lieu de dénoncer les criminels, la petite communauté leur donne de l’eau et les touche du bout du doigt, geste christique, comme pour être certains qu’ils existent. En dépit de sa violence, le couple est l’image d’une révolte qui est celle de tout un peuple.

Une seconde scène, plus tôt dans le film, est encore plus symbolique. Dans une ferme abandonnée, au réveil, Clyde apprend à Bonnie à tirer. Soudain débarquent un fermier et son métayer noir. Ils se présentent. Clyde tend son arme au fermier – qui semble sortir des Raisins de la colère (1940) de Ford – qui lui-même la tend à son employé. C’est comme un relais, Clyde donne une arme à une femme, à un fermier ruiné, à un noir. Dans de nombreux plans, des personnages noirs sont assis au fond du cadre, comme attendant leur heure. Ce sont d’ailleurs deux fermiers noirs qui seront spectateurs involontaires de l’exécution du couple. Si l’histoire se déroule au début des années 1930, elle est bel et bien filmée en 1967, et les révoltes raciales des années 1950 trouvent ici des résonances directes.

Mauvais saints mais vrais martyrs, Bonnie et Clyde ne peuvent qu’être sacrifiés sur l’autel de la violence. Leur destin se joue au milieu du film lorsque, obligé de fuir en voiture dans la précipitation, Clyde tue à travers la vitre un homme qui s’accroche à la portière. Le visage de l’homme qui glisse, une trace de sang, et un trou au milieu du verre : ce miroir brisé est repris à la dernière image, quand une portière dessine un tableau mortifère, comme un écran télévisé, autour des personnages transpercés. Il n’y a pas d’autre espace pour Bonnie et Clyde que celui d’une voiture qui roule, qui roule jusqu’à n’être plus, là encore, qu’une carcasse sur le bas-côté.

Anti western et espace démythifié

Si les westerns Le Gaucher et Missouri Breaks (1976) suivent la trame du personnage recherché et démasqué, Penn réalise entre les deux Little Big Man (1970) qui prend un malin plaisir à défaire les codes du genre. A plus de 120 ans, Jack, recueilli adolescent par les Cheyennes, raconte sa vie, une succession d’allers et retours entre deux civilisations, celle des Blancs et celle des Cheyennes. Mais dès qu’il retourne chez les Blancs, il affronte l’hypocrisie et la bêtise : il y a quelque chose du conte voltairien dans cette satire, particulièrement vive quand le personnage de Faye Dunaway qui, sous couvert de devenir une mère pour lui, lui donne le bain et le tripote, tout en lui parlant de religion. Quand Jack, devenu adulte, la retrouve, la dévote travaille dans un bordel. La réversibilité de ce monde est totale : on fait dire aux mots et aux actes ce que l’on veut qu’ils disent, et on peut très bien faire l’inverse de ce que l’on annonce. En ce sens, le personnage du Général Custer va encore plus loin dans son analyse magistrale de bêtise : il décide d’attaquer les Indiens, suivant les conseils de Jack, car il pense que le jeune Cheyenne d’adoption veut le tromper en disant la vérité. Absurdité d’un monde qui se construit sur la guerre, la violence et une rhétorique vaine. A l’inverse, les Cheyennes sont toujours prêts à remettre en cause une parole, aussi légendaire soit-elle : le grand-père, sentant son heure venir, veut suivre la tradition et monte sur une colline pour attendre la mort, mais il ne tarde pas à redescendre, un peu déçu, car elle n’est pas venue. Jack est un des rares personnages du cinéma de Penn qui réussit à s’intégrer à une communauté, mais c’est au moment où celle-ci est en train de disparaître. Une mélancolie rageuse perce derrière l’humour.

Le territoire de l’amitié

Si une Amérique unie n’est donc définitivement plus un idéal, il reste cependant une association possible, celle de l’amitié – au sens le plus large, le fait d’aimer. L’amour entre Bonnie et Clyde, entre Jack et son grand-père cheyenne, l’amitié dans Georgia (1981) – dont le titre original est Four friends – est le dernier refuge des personnages.

Georgia débute avec l’arrivée de Danilo, enfant, aux Etats-Unis et s’achève par le départ de ses parents qui retournent en Yougoslavie. Entre les deux, trente années sont passées, et Danilo est devenu américain, mais à quel prix… Au commencement, ils sont quatre, la belle Georgia et ses trois amis amoureux d’elle. Il suffit d’un plan pour que la fragile unité du quatuor soit remise en question : alors qu’ils jouent dans l’herbe, le chemisier de Georgia s’ouvre sur un sein que, sans gêne, elle tarde à cacher. Elle se relève, les trois garçons sont au sol, habités par un trouble nouveau. Mais ce désir enfin avoué les sépare moins au fond que l’histoire de leur pays : l’un part au Vietnam, l’autre reprend l’entreprise familiale de pompes funèbres, et Danilo fait, dit-il, ce que les fils d’immigrés font pour s’intégrer, devenir professeur pour parler leur langue mieux que les Américains. Quant à Georgia, elle n’aura de cesse, à force de vouloir être anticonformiste, de fuir toute construction véritable.

Mais il y a un cinquième ami qui raconte plus encore la destruction et le chaos de l’Amérique. C’est Louie, grand bourgeois gravement handicapé avec qui Danilo partage sa chambre à l’Université. Condamné, Louie, personnage le plus bouleversant du film, voit sa santé se dégrader au fil du récit, il ne se départ pourtant jamais d’un large sourire. Sa maladie semble être l’incarnation de sa caste malade. Son père, qui rappelle le magnat de La Poursuite impitoyable, ira cette fois au bout de la violence de ses propres mains : fou de jalousie que sa fille, la sœur de Louie, épouse Danilo, il prend son arme et la tue. La famille américaine modèle est malade et incestueuse ; elle ne peut accueillir d’étranger sous peine de s’autodétruire. Malgré la différence de classes, Louie crée un lien inédit avec Danilo et lui propose un pacte : le jour où l’homme marchera sur la lune, ils penseront l’un à l’autre. Ce lien par-delà la mort, par-delà l’espace terrestre, Danilo l’expérimente avec cet ami avant de pouvoir, in fine, demander à son père, qui à l’inverse de Louie ne montre jamais le moindre signe de joie, de lui offrir un sourire, et d’aller vers Georgia accepter un amour que leurs trajets respectifs – s’intégrer pour lui, se désintégrer pour elle – condamnaient à l’échec. Entre les années 1950 et les années 1980, les rêves de chaque personnage s’effondrent, miroir d’une Histoire sanglante marquée par la Guerre du Vietnam, l’assassinat de Kennedy et le scandale du Watergate, et il ne reste finalement à Danilo qu’un seul possible, celui d’aimer.

[La Rochelle 3/6] Arthur Penn: l’individu, la collectivité et la violence

Posté par Martin, le 27 juillet 2019

Le Festival du film de La Rochelle, qui a lieu chaque année fin juin début juillet, est l’occasion de découvrir des films inédits, avant-premières, rééditions, et surtout des hommages et des rétrospectives. Cette année, furent notamment à l’honneur les films muets du Suédois Victor Sjöström (1879-1960) et les dix premiers films de l’Américain Arthur Penn (1922-2010), un des pères du Nouvel Hollywood. Parmi les nouveautés, fut remarqué le très bel essai de Frank Beauvais, Ne Croyez surtout pas que je hurle, qui sortira le 25 septembre 2019. Ces cinéastes questionnent chacun à leur manière la place de l’individu dans la collectivité. Tour d’horizon en trois chapitres.

Chapitre 2 : Arthur Penn

Arthur Penn est un cinéaste à part. Ses films évoquent tous une part de l’Histoire américaine, mais selon un angle singulier, comme de biais. C’est sans doute ce qui fait qu’il lui faut tant lutter contre les studios qui ne comprennent définitivement rien à l’intellectuel qu’il est, avec sa sensibilité européenne et des thèmes ancrés dans le sol américain. Un western intimiste tourné avec des moyens télévisés : et cela donne son premier film Le Gaucher (1958) – pour lequel il souffre de ne pas avoir le final cut. Un film déconstruit, sous l’influence de Godard sur un comédien de stand up : c’est le libre et singulier Mickey One (1965). Ni l’audacieux scénario de Bonnie and Clyde (1967) ni le film fini ne séduiront la Warner – le film deviendra pourtant un immense succès.

Dès ses débuts, Arthur Penn dérange. A y regarder de plus près, les questions même de son cinéma – qu’est-ce qu’appartenir à un groupe ? la loi est-elle toujours bonne ? – l’éloignent de la philosophie manichéenne américaine alors même qu’il en utilise les codes – le shérif ou policier face aux escrocs, la mafia face au renégat… Chez Penn, il n’y a plus ni Bien ni Mal, mais des foules idiotes, des soldats arrogants et stupides, des politiciens corrompus et les autres, des déclassés, perdus, trahis, tués. Si ce regard pessimiste correspond bien à un nouveau cinéma en train d’éclore (Le Parrain date de 1972, Taxi Driver de 1976), Penn est de quelques années en avance sur les autres cinéastes du Nouvel Hollywood.

Une des caractéristiques de ce cinéma, c’est le regard frontal sur la violence. Penn commence à faire du cinéma en pleine guerre du Vietnam, et s’il ne l’aborde pas de front, ses films sont généreux en morts sanglantes. Cette guerre a une image, et même des images : pour la première fois, la violence s’invite dans les foyers américains par le biais de l’écran de télévision. Difficile dès lors de se reconnaître dans un groupe dominant qui se constitue sur le chaos et la mort. Les personnages de Penn sont des individualistes, moins par volonté qu’en réponse à une société qui les rejette. Quelque chose en eux les empêche de faire partie du monde, comme une tache qu’ils portent à la naissance. C’est le cas du Billy le Kid du Gaucher, précédé de sa légende : dès l’enfance, il aurait tué. C’est le cas de Helen Keller, la fillette aveugle et sourde, de Miracle en Alabama (1962). Penn fait de ces personnages, qui ont existé, des héros modernes : luttant pour communiquer, pour trouver une place dans une société qui ne sait pas quoi faire d’eux. Si l’institutrice de Helen lutte avec elle, pour elle, Billy perd très vite le père protecteur qui lui apprend à lire et veut faire de lui un homme, c’est-à-dire un être social. Mais être socialement, sans père ni repère, qu’est-ce que c’est ?

Poursuivis par la foule


Billy le Kid n’est pas antipathique, mais il est du mauvais côté. Penn arrive à nous faire aimer des personnages de voleurs, de tueurs, et dont la principale caractéristique est d’être recherchés, voire objets d’une chasse à l’homme – ce sera encore le cas avec Bonnie and Clyde (1967). La tête de Billy est mise à prix. Mickey One est poursuivi par des truands, menace sourde et invisible, intériorisée par le personnage incapable de vivre autrement que dans la fuite.

Dans La Poursuite impitoyable (1966), la chasse à l’homme – c’est le titre original : The Chase – est nettement plus concrète. Bubber (Robert Redford) apparaît finalement peu dans le film : il s’échappe de prison, la foule se lance à sa recherche, tandis que ses amis et le shérif tentent de le sauver. Bubber met en route l’intrigue, et quand il réapparaît enfin, il n’a pas idée de ce qui s’est passé sans lui. Il ne sait pas par exemple que le shérif (Marlon Brando) a tout fait pour le sauver. Il ne sait pas que sa femme (Jane Fonda) est amoureuse d’un autre, qui n’est autre qu’un de ses amis. Bubber est coupable – il s’est échappé, il a essayé de voler un homme au début – mais c’est le personnage le plus innocent. Il ne s’est pas vendu comme le shérif, il n’a pas trahi comme sa femme et son ami, et surtout il n’a pas déclenché un incendie, il n’a pas tué, comme la foule furieuse s’apprête à le faire.

Cette inversion des valeurs est totale dans le film : le lieu même de la justice devient celui de la violence aveugle. C’est en effet dans son bureau, au-dessus de la prison, que le shérif est lynché par les sudistes ivres. Cette longue scène, d’une rare violence, montre le visage de Brando qui se défait peu à peu sous les coups. Lui, le dernier visage humain de la ville, devient un masque de sang. Mais cette violence, elle rôde partout : dès le début, Bubber retourne l’homme à qui il veut voler sa voiture et se rend compte que son complice de fuite l’a tué. Ensuite, c’est un mécano noir qui est dangereusement suivi par trois gaillards ivres : à tout moment, le récit pourrait basculer dans le crime raciste. Et évidemment il y a le crime social, le plus insidieux, car le mieux admis, qui règne au-dessus des autres – ce magnat qui refuse de boire un verre avec ses employés et pense acheter le shérif qu’il a lui-même placé. Les cercles de cette société sont infranchissables : en haut, le patron et les grands bourgeois, puis il y a ceux qui rêvent d’en être, et enfin il y a la troisième caste, les criminels, les noirs et les pauvres. Cette violence culmine dans un autre lieu hautement symbolique pour la culture américaine du déplacement et de la vitesse : la casse où s’est réfugié Bubber. Des idéaux, il ne reste que les cadavres, les carcasses démontées qui brûlent dans une civilisation qui ressemble furieusement, et cela bien avant que le feu ne prenne, à l’enfer.

Ludivine Sagnier, reine de la Ruche

Posté par vincy, le 26 juillet 2019

Fin de tournage aujourd'hui pour le premier long métrage de fiction du directeur de casting, réalisateur de court et documentariste Christophe Hermans, La ruche, adaptation du roman d'Arthur Loustalot (Lattès, 2013).

Débuté il y a un mois, le film réunit Ludivine Sagnier, Sophie Breyer, Mara Taquin, Bonnie Duvauchelle et Tom Vermeir. Cette co-production franco-belge met en scène une mère, Alice, et ses trois filles, Marion, Claire et Louise. Depuis le départ de son mari, Alice, qui alterne joies et douleurs, sombre chaque jour davantage. Ses trois filles n'ont plus que leur amour à lui offrir pour la sauver d'une spirale destructrice.

Ludivine Sagnier, qui vient de fêter ses 40 ans, sera au générique de Fourmi de Julien Rappeneau, Un monde plus grand de Fabienne Berthaud, sélectionné aux Venice Days, Les châtelains de Vero Cratzborn et La Vérité de Hirokazu Kore-eda, qui ouvre le festival de Venise. Elle s'est aussi engagée sur le prochain film de Kim Chapiron, Famille Affaire, et celui de Laetitia Colombani, Les montagnes russes.

Le cinéaste iranien Mohammad Rasoulof condamné

Posté par vincy, le 25 juillet 2019

Le réalisateur iranien Mohammad Rasoulof, primé à Cannes en 2017 pour son film Un homme intègre, a été condamné en Iran le 23 juillet à un an de prison ferme suivi de deux ans d'interdiction de sortie de territoire et d'interdiction de se livrer à une activité sociale et politique. Son distributeur français, ARP Sélection, a immédiatement exigé sa libération. Le Festival de Cannes a également demandé qu'il soit libéré, rappelant qu' "À travers son travail il ne cesse de conter la réalité de son pays, affrontant ainsi la censure imposée chez lui par les autorités iraniennes."

Déjà, en 2011, il avait été condamné à un an de prison pour "activités contre la sécurité nationale et propagande" et en 2013, l'Iran lui avait déjà confisqué son passeport.

Depuis septembre 2017, le cinéaste ne pouvait plus circuler librement, travailler et se rendre à l'étranger. Son passeport a été confisqué dès son arrivée à l’aéroport de Téhéran. Il a ensuite été soumis à un long interrogatoire par les Renseignements des Gardiens de la Révolution. Ceux-ci l’empêchent alors d’assurer le reste de la promotion de son film à l’étranger. Les acteurs du film subissent aussi une perquisition à l’issue de laquelle leurs passeports et ordinateurs sont saisis.

Venise 2019: la Mostra s’offre une compétition de haut niveau

Posté par vincy, le 25 juillet 2019

Le jury de Lucrecia Martel va voir des stars défiler sur le tapis rouge du lido: Deneuve et Binoche en ouverture le 28 août, Mick Jaeger en clôture le 7 septembre, et entre les deux Brad Pitt, Scarlett Johansson, Antonio Banderas, Penelope Cruz, Thimotée Chalamet, Robert Pattinson, Adam Driver, Meryl Streep, Anaïs Demoustier, Gael Garcia Bernal, Joaquin Phoenix, Jean Dujardin, etc...

En compétition, le programme est fourni et éclectique: de grands noms récompensés dans différents festivals majeurs, des talents qu'on suit depuis quelques années, des blockbusters, de la SF, du thriller, du film politique, du drame familial ou intimiste... On passera ainsi du Joker de la Warner à l'affaire Dreyfus par Polanski, d'une comédie de couple new yorkaise signée Baumbach à l'espace intersidéral de James Gray, en passant par l'univers surréaliste de Roy Andersson ou la dernière folie de Steven Soderbergh (une production Netflix).

Tous retenus pour Toronto, Satrapi, Mangold, Waititi, Meirelles, Amenabar et les Safdie n'en sont pas. Tout comme Scorsese.

Hors compétition, on notera la présence de Costa Gavras (avec un film politique ET grec), David Michod (avec une production netflix et Timothée Chalamet), Yann Arthus-Bertrand, Roger Waters, Sergei Loznitsa, Tim Robbins, les nouvelles saisons de séries comme ZeroZeroZero et The Young Pope, l'inversion intégrale d'Irréversible de Gaspar Noé. Dans la sections Orizzonti, deux films français sont en lice, en plus de deux coproductions.

Compétition
La vérité, Kore-eda Hirokazu (France - film d'ouverture)
The Perfect Candidate, Haifaa Al-Mansour
About Endlessness, Roy Andersson
Wasp Network, Olivier Assayas (France)
Marriage Story, Noah Baumbach
Guest of Honor, Atom Egoyan
Ad Astra, James Gray
A Herdade, Tiago Guedes
Gloria Mundi, Robert Guediguian (France)
Waiting For The Barbarians, Ciro Guerra
Ema, Pablo Larrain
Martin Eden, Pietro Marcello
La Mafia Non E Piu Quella Di Una Volta, Franco Maresco
The Painted Bird, Vaclav Marhoul
Il Sindaco Del Rione Sanita, Mario Martone
Babyteeth, Shannon Murphy
Joker, Todd Phillips
J'accuse, Roman Polanski (France)
The Laundromat, Steven Soderbergh
Saturday Fiction, Lou Ye

Hors-compétition
The Burnt Orange Heresy, Giuseppe Capotondi (film de clôture)
Seberg, Benedict Andrews
Vivere, Francesca Archibugi
Mosul, Matthew Michael Carnahan
Adults in the Room, Costa-Gavras (France/Grèce)
The King, David Michod
Tutto il mio folle amore, Gabriele Salvatores

Hors-compétition - documentaire
Woman, Yann Arthus-Bertrand, Anastasia Mikova (France)
Roger Waters: Us + Them, Roger Waters
I Diari di Angela – Noi Due Cineasti. Capitolo Secondo, Yervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi
Citizen K, Alex Gibney
Citizen Rosi, Didi Gnocchi, Carolina Rosi
The Kingmaker, Lauren Greenfield
State Funeral, Sergei Loznitsa
Collective, Alexander Nanau
45 Seconds of Laughter, Tim Robbins
Il pianeta in mare, Daniele Segre

Hors-compétition - séances spéciales
No One Left Behind, Guillermo Arriaga
Electric Swan, Konstantina Kotzamani
Irréversible – Inversion Intégrale, Gaspar Noe (France)
ZeroZeroZero (Episodes 1 and 2), Stefano Sollima
The New Pope (Episodes 2 and 7), Paolo Sorrentino

Orizzonti
Pelican Blood, Katrin Gebbe
Zumiriki, Oskar Alegria
Bik Eneich – Un Fils, Mehdi M. Barsaoui
Blanco en Blanco, Theo Court
Mes Jours de Gloire, Antoine De Bary (France)
Nevia, Nunzia De Stefano
Moffie,”Oliver Hermanus
Hava, Maryam, Ayesha, Sahara Karimi
Rialto, Peter Mackie Burns
The Criminal Man, Dmitry Mamuliya
Revenir, Jessica Palud (France)
Giants Being Lonely, Great Patterson
Balloon, Pema Tseden
Verdict, Raymund Ribas Gutierrez
Just 6.5, Saeed Roustaee
Shadow of Water, Sasidharan Sanal Kumar
Sole, Carlo Sironi
Madre, Rodrigo Sorogoyen
Atlantis, Valentyn Vasyanovych

Jennifer Lawrence chez Paolo Sorrentino

Posté par vincy, le 25 juillet 2019

Mob Girl sera le prochain film de Paolo Sorrentino (Grande Bellezza), avec pour le rôle principal et en tant que productrice, Jennifer Lawrence. Le scénario d'Angelina Burnett est adapté de l'essai du même nom de Teresa Carpenter publié en 1992.

Le film est l'histoire vraie d'une épouse d'un mafieux qui devient indic pour la police. Jeune effrontée attirée par le monde de la délinquance, Arlyne Brickman, née en 1934, a grandit parmi les malfrats new yorkais. Compagne de gangster, sa vie est un chaos permanent. Jusqu'à un certain point. Les menaces sont sans limites. EEn voulant une vie plus sereine, et en croisant des hommes plus rangés, elle s'éloigne du milieu. Même si rien ne la prédestinait à devenir informatrice pour le FBI, elle va aussi être un témoin majeur dans l’affaire de meurtres de la famille Colombo.

Jennifer Lawrence tourne actuellement le premier film de Lila Neugebauer, aux côtés de Brian Tyree Henry, tandis que Paolo Sorrentino pourrait présenter à Venise une nouvelle saison de The Young Pope, The New Pope. Le casting est alléchant: Jude Law, Javier Camera, Sharon Stone, John Malkovich, Cécile de France, Ludivine Sagnier et Stefano Accorsi.

Rutger Hauer est mort (1944-2019)

Posté par vincy, le 24 juillet 2019

L'acteur néerlandais Rutger Hauer est mort à l'âge de 75 ans. Né le 23 janvier 1943, il était devenu une star internationale en 1982 grâce à Blade Runner de Ridley Scott.

Beau et charismatique, cet esprit rebelle doit sa carrière à Paul Verhoeven qui lui offre un rôle dans une série télévisée populaire en 1969. Le cinéaste l'enrôle ensuite pour plusieurs films, Turkish Délices (1973), Keetje Tippel, Le choix du destin, Spetters et La chair et le sang en 1985.

Il collabore aussi avec le cinéaste belge André Delvaux (Femme entre chien et loup, 1979) et fait ses premiers pas américains face à Sylvester Stallone dans Les faucons de la nuit de Bruce Malmuth (1981). Grand (1m87), baraqué, avec une tête de viking, surnommé le Paul Newmon néerlandais (avec une voix de baryton), Hollywood est séduit par cet homme qui peut incarner un esprit libre ou autoritaire (alors qu'il déteste l'autorité), comme un grand méchant.

En 1982, son personnage de réplicant hyper-évolué dans Blade Runner le rend immédiatement culte. Sa carrière est lancée: il enchaîne un Sam Peckinpah (Osterman week-end), un Richard Donner (Ladyhawke, en héros alors qu'on lui proposait le personnage du méchant), et surtout un thriller de Robert Harmon, Hitcher en 1986, où il incarne un tueur psychopathe dans un road-movie assez jouissif. Le thriller aux frontières de la SF ou de l'horreur semble être son créneau, comme Vengeance aveugle de Philip Noyce.

Sentant qu'il s'éloigne des rôles qu'il affectionne, il change de registre avec La légende du saint-buveur, réalisé par l'italien Ermanno Olmi. Il démontre toute sa palette de jeu. Le film obtient un Lion d'or à Venise, quatre prix David di Donatello et l'acteur reçoit un prix d'interprétation à Seattle. Il reçoit en 1988 un autre prix prestigieux, Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle dans une série, une minisérie ou un téléfilm pour Les Rescapés de Sobibor.

Pourtant sa carrière se délite, entre mauvais films, séries B, séries diverses, biopics sans inspiration, et projets improbables, que ce soit aux Etats-Unis ou en Europe. Il faut attendre 2002 pour que, vieillissant et profitant de son nom, il retrouve des films intéressants comme Confessions d'un homme dangereux de George Clooney, Sin City de Frank Miller et Robert Rodriguez, Batman Begins de Christopher Nolan. Certes sa filmographie est impressionnante mais que retenir sur la fin quand cohabitent Le Village de carton de Ermanno Olmi, Dracula 3D de Dario Argento, Emperor de Lee Tamahori, Gangsterdam de Romain Lévy, Valérian et la Cité des mille planètes de Luc Besson ...?

Au moins il part avec honneur en ayant incarné le commodore dans Les Frères Sisters de Jacques Audiard.

Il aimait dessiner des véhicules, piloter des motos, défendre sa cause, la lutte contre le Sida, s'occuper du festival de cinéma qu'il a fondé, jouer les porte-paroles pour Greenpeace.

l a refusé beaucoup de rôles par mauvais choix et a parfois été à deux doigts d'en avoir d'autres, de Black Book à Robocop en passant par L'arme fatale. Rutger Hauer était très loin de l'image que renvoyait ses personnages. D'ailleurs ses films préféraient étaient signés Alain Resnais, Francis Ford Coppola ou Wim Wenders. Pour lui les étiquettes ne valaient rien: ""Bon gars" ou "méchant", héros ou anti-héros; Peu importe pour moi quel rôle je joue, seul le personnage a quelque chose de magique."