70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-41. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

On voit à Cannes des films venus du monde entier, et il y a bien peu d'autres endroits sur terre où des dizaines de gens, journalistes comme simples cinéphiles, font de longues files d'attente, parfois à la limite du pugilat, pour regarder un film singapourien, colombien ou mauritanien. Mais si ces films existent et peuvent être vus, appréciés et récompensés, c'est en partie grâce à un volontarisme fort qui leur permet de voir le jour coûte que coûte. Parmi les mécanismes d'accompagnement de ces cinématographies les plus fragiles et les plus singulières, Cannes abrite depuis 2009 ce qui s'appelait à l'origine "Les cinémas du monde" et qui est depuis devenu "La fabrique cinéma".

Créer un langage qui rapproche mais aussi qui met en avant nos différences

Voici comment Gilles Jacob présentait la 1e édition du programme : "Je suis heureux de fêter la naissance du nouveau Pavillon Les Cinémas du Monde dont l’intitulé même fait écho à la mission du Festival d’accueillir tous les créateurs, d’où qu’ils viennent, tous les cinémas, libérés de leurs frontières, et de leur apporter reconnaissance et soutien".

La marraine de l'événement, Juliette Binoche, proposait elle un texte engagé qui sonne avec encore plus de force aujourd'hui. Il commençait par ces mots : "Je n’ai rien à faire de l’Art s’il n’est pas là pour nous aider, nous provoquer, nous pousser vers nos limites. Nous avons tous besoin de nouveau. L’étranger est ce nouveau, il est là pour entrer dans nos peurs, nous faire voir. Sans l’étranger, on meurt. Nous ne sommes pas pareils mais nous nous ressemblons. Le Pavillon Les Cinémas du Monde est un tremplin pour retisser des liens, en inventer d’autres, mettre en mouvement des douleurs cachées, créer un langage qui rapproche mais aussi qui met en avant nos différences" et s'achevait ainsi : "La France est marraine du cinéma, sa diversité en est la preuve".

A ses côtés, le parrain Abderrahmane Sissako convoquait Malraux : "Promesse de lien et d’ouverture, le Pavillon Les Cinémas du Monde, pour éviter de n’être qu’un slogan, doit se rappeler André Malraux qui disait : « La culture n’est pas qu’un héritage, mais un combat de tous les jours »."

Un accompagnement adapté à chaque projet

Depuis, le pavillon des Cinémas du monde a peut-être changé de nom, mais pas d'ambition. Développé par l’Institut français pour favoriser l’émergence de la jeune création des pays du sud sur le marché international, en  collaboration avec le Festival de Cannes et le Marché du Film, le programme permet chaque année à une dizaine de réalisateurs et leurs producteurs de venir sur la croisette pour présenter et défendre leurs projets de premier ou deuxième long métrage.

Concrètement, les lauréats bénéficient d’un accompagnement adapté à leur projet et à leur niveau d’expérience professionnelle. Ils sont conseillés par un coach personnel qui les aide à identifier leurs besoins (réécriture, coproduction, distribution, territoires visés…) et à élaborer un programme de rendez-vous professionnels ciblés. On leur apprend à développer leur réseau professionnel et à se familiariser avec les thématiques liées à la production et au marché. Pendant le Festival, ils bénéficient de séances de travail spécifiques, participentaux programmes du marché du film et ont accès à toutes les sélections cannoises.

Lors de la première édition, on comptait par exemple parmi les films invités l'éthiopien Teza de Haile Gerima, Prix du meilleur scénario et prix spécial du jury à la Mostra de Venise 2008, Grand prix au Festival international du film d'Amiens 2008, Grand prix des Journées cinématographiques de Carthage 2008 et Étalon d'or de Yennenga au FESPACO 2009. L'année suivante, l'un des projets en développement sélectionné était Par le fenêtre (Window view) de Caroline Leone (Brésil) qui a remporté le prix Fipresci au dernier Festival de Rotterdam sous le titre Pela janela.

On vient également de découvrir en salles le très beau et complexe Mate-me por favor d'Anita Rocha da Silveira (Brésil) qui a participé à la Fabrique en 2012 et a eu les honneurs du festival de Venise en 2015. En février dernier, c'est un film issu de la Fabrique 2014, The Wound de John Trengove (Afrique du Sud), qui a fait l'ouverture de la section Panorama du Festival de Berlin, après un passage remarqué par Venise et Sundance.

Un dispositif plus général d'aide aux cinémas du monde

Depuis sa création, le programme peut ainsi se vanter d'avoir aidé et accompagné 148 réalisateurs et producteurs, en provenance de 56 pays, dont 21 pays francophones, pour un total de 81 projets. Cinq films sont prêts pour une diffusion prochaine, et qui sait, peut-être que l'un d'entre eux sera présenté durant la 70e édition du Festival de Cannes. Pour ce qui est des projets sélectionnés par la Fabrique cette année, et qui ont été révélés mardi, il faudra bien sûr attendre encore quelques années avant de découvrir le résultat final, mais ils donnent d'ores et déjà l'espoir de voir prochainement des films du Kénya, de Malaisie, du Myanmar ou encore du Mali sur la scène internationale.

Et ce n'est pas tout ! En parallèle de leurs activités cannoises, les cinémas du monde proposent toute l'année deux autres programmes : l’Aide aux cinémas du monde qui apporte son soutien à des cinéastes étrangers conduisant un projet en coproduction avec la France (246 films depuis sa création en 2012, dont une Palme d'or, Winter sleep de Nuri Bilge Ceylan, et un grand succès cannois et international, Mustang de Deniz Gamze Ergüven ) et la Cinémathèque Afrique, un fonds de films africains des années 60 à nos jours destinés à une diffusion non commerciale à l’étranger, ce qui fait de la France le premier acteur de la diffusion du cinéma africain.

Tout est donc mis en oeuvre pour qu'un nouveau pays rejoigne prochainement l'Inde, le Brésil, la Chine, la Turquie, l'Algérie et la Thaïlande  dans la liste des principaux pays dits "du sud" à avoir reçu une ou plusieurs Palmes d'or. En attendant, on espère déjà voir le cinéma africain revenir en compétition en 2017, et la sélection toutes sections confondues prouver une nouvelle fois que, comme l'écrivait Gilles Jacob pour fêter le 1er anniversaire des cinémas du monde, Cannes "doit être un second foyer pour tous les artistes du monde".

Marie-Pauline Mollaret pour Ecran Noir

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-42. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Année 2014. Captives du réalisateur canadien Atom Egoyan est en compétition à Cannes. C'est la 6e fois que le réalisateur canadien est en lice pour la Palme d'or. Il fait en quelque sorte figure d'habitué, même s'il a presque toujours été oubliés dans les palmarès. Ce ne sera malheureusement pas mieux cette fois-ci. Pire, comme cela arrive régulièrement pendant le Festival, Captives ne séduit pas la presse et Egoyan se retrouve rejeté avec un film qui démontre, pourtant plus que jamais, ce que signifie être Cinéaste.

Captives représente en effet une œuvre somme dans la filmographie du réalisateur, l’aboutissement d’un travail artistique pluriel : ses films (longs et courts métrages), certes, mais aussi ses mises en scène d’opéra, ses installations et projets vidéos. Tout ce travail vient imprégner son œuvre toute entière. Captives est un film qui rend compte de cette logique.

Dès l’âge de quinze ans, Egoyan écrit des pièces de théâtre, ce qu’il continue à faire à l’université où il rencontre le compositeur Mychael Danna, avec qui il formera un duo de choc complémentaire et interdépendant tout au long de sa carrière. Venir du théâtre leur permet, lors de leurs premiers pas au cinéma, respectivement en tant que réalisateur et compositeur, de jouir d’une grande liberté d’exploration. Ils développent ensemble un langage cinématographique musical commun, dont témoignent l’ensemble des films du cinéaste.

"Je conçois ma façon de filmer en laissant un espace pour la musique."

L’opéra, auquel il dédie une grande part de son travail de création, et son intérêt pour la musique de films, de ses films, amènent Atom Egoyan à prendre connaissance de la façon dont la musique permet de raconter une histoire. Cet apport musical permet au cinéaste de développer un sens et une maîtrise accrue de la narration au cinéma. Il va plus loin en prenant soin de laisser à la musique une place importante lors de la réalisation et du montage du film, un espace nécessaire et essentiel à la compréhension du récit. La musicalité de son écriture se retrouve de film en film et devient un élément majeur pour la réception de son œuvre. De Speaking parts à Captives, en passant par Exotica et De beaux lendemains, la musique de Mychael Danna participe à la compréhension des récits et films du cinéaste.

Captives : Une jeune fille, Cassandra, est retenue captive par un homme, Mika, membre d’un réseau pédophile. Le temps passe et la police piétine laissant Tina, la mère de Cassandra, dans une vie en suspens. Matthew, le père de l’enfant, quant à lui, continue à arpenter les routes à la recherche de sa fille perdue. Avec le temps, des indices viennent indiquer que Cassandra est toujours en vie.

Captives propose d’aller au-delà de ses précédentes propositions de cinéma. La Flûte Enchantée [1], l’opéra composé par Mozart sur un livret signé Schikaneder offre des clés très importantes pour saisir les différents niveaux d’interprétation du film. Mozart et Schikaneder s’inspirent en premier lieu de trois contes pour écrire leur opéra : Lulu ou la flûte enchantée ; Nadir et Nadine et Les garçons sages, trois récits où des hommes retiennent prisonnière une jeune fille dans l'idée d'assouvir leur désir sexuel et leur soif de pouvoir.

Deux mondes en concurrence

La Flûte Enchantée : Le Prince Tamino est envoyé par la Reine de la Nuit afin d’aller délivrer sa fille Pamina des prisons du mage Sarastro. Guidé par les trois Dames de la Reine, Tamino sera accompagné de Papageno, un oiseleur haut en couleur. A Papageno revient un carillon et à Tamino une flûte magique – deux instruments qui les aideront dans leur périple. Truffé de mises à l’épreuve, le parcours de Tamino pour délivrer et conquérir Pamina se charge de symboles qui, de scène en scène, les mènent vers l’amour et la lumière.

La Flûte enchantée représente d’après les propos d’Atom Egoyan, deux mondes, « l’un en apparence d’illumination rationnelle», (ce n’est pas sans rappeler qu’Ignaz Von Born, franc-maçon ayant en partie inspiré le personnage de Sarastro, était membre de « l’Ordre des Illuminés »), représenté par Sarastro et ses initiés avec leur culte secret, et l’autre sur « un monde de superstitions et de magie représenté par la Reine de la nuit», mère de Pamina, au royaume de la nuit.

Dans Captives, ces deux mondes sont présents : l’un est le monde de « noirceur suprême et de contrôle » représenté par Mika et ses initiés avec leur réseau pédophile secret, et l’autre est le monde de magie et de conte enneigé de Tina (la mère de Cass) mais aussi de Matthew (le père de Cass). Mika détient captive Cassandra. Il vie à travers l’obsession qu’il a développée pour le personnage de la Reine de la nuit. Mika écoute et chante l'air de la Reine de la nuit, cherchant ainsi à devenir lui-même le eprsonnage. Le film commence d’ailleurs sur une scène très claire où il regarde, sur un des écrans placé en hauteur sur un mur de sa maison, un extrait de l’opéra, le moment où la mère se lamente du kidnapping de sa fille. Il finira par devenir la Reine de la nuit après l’enlèvement de l’enquêtrice, lorsqu’il lui apparaîtra chantant cet air de la reine.

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Aujourd'hui, J-43. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Lorsque l'on reçoit un Prix à Cannes, on déclare souvent que c’est une surprise, sans avouer que c’est un rêve depuis longtemps. Bien plus qu’une récompense, c’est une consécration. Par exemple, il y a un acteur français qui avait déjà tourné des dizaines de films sous la direction de Claude Pinoteau, Claude Lelouch, Pierre Jolivet, Benoit Jacquot, Claire Denis, Fred Cavayé ou encore Philippe Lioret, qui avait déjà été nommé 5 fois pour un César du meilleur acteur mais sans jamais l’avoir, et qui à 55 ans est appelé sur scène par les frères Joel et Ethan Coen pour recevoir la Palme du prix d’interprétation : c'était en 2015, pour le film La loi du marché de Stéphane Brizé, et l'acteur Vincent Lindon, très ému, était au bord des larmes. Il a eu ce mot en hommages à ses parents disparus : « Quand je pense que j'ai fait tout ça pour qu'ils me voient, et qu'ils ne sont plus là... », tout en citant une maxime de William Faulkner « Faites des rêves immenses pour ne pas les perdre de vue en les poursuivant. ».

Un Prix d’interprétation au Festival de Cannes c’est la récompense qui fait qu’on est acteur, mais aussi pour d’autres qu’on naît acteur.

Au cours de ces presque 70 éditions, on imagine que les différents jurys ont toujours fait les bons choix lors de leurs délibérations. Pourtant, chaque année, il y a souvent un trio de noms pouvant prétendre à ce Prix, et forcément il y a eu parfois des oublis et des choix controversés. Le saviez-vous ? La chanteuse Cher a eu un Prix d’interprétation pour Mask de Peter Bogdanovich en 1985, Michel Blanc lui aussi pour Tenue de soirée de Bertrand Blier en 1986.

Bien d’autres acteurs et actrices au profil atypique ont reçu cette distinction : la chanteuse Björk rôle principal de Dancer in the Dark en 2000 (dont elle est aussi compositrice des musiques), en 2004 le jeune Yûya Yagira pour Nobody Knows de Hirokazu Kore-Eda (il a alors seulement 14 ans), en 1996 Pascal Duquenne, comédien belge atteint de trisomie, pour Le Huitième Jour (prix partagé avec Daniel Auteuil)…

Parfois, il est difficile de dissocier les deux personnages principaux d’un film : en 1998, ce sont ainsi Élodie Bouchez et Natacha Régnier qui sont distinguées pour La Vie rêvée des anges, en 1999 les amateurs Emmanuel Schotté et Séverine Caneele pour L'humanité de Bruno Dumont (ce qui n'a pas manqué de créer la controverse). Mais il y a aussi des exceptions : en 2015, c’est Rooney Mara qui est primée dans Carol de Todd Haynes, mais sans sa partenaire Cate Blanchett. Même chose pour Tony Leung qui remporte le Prix en 2000 pour In the mood for love, sans Maggie Cheung.

En 2009, parmi le gros casting de stars de Inglourious Basterds de Quentin Tarantino, c'est un acteur allemand plutôt méconnu à l’international qui est sacré : Christoph Waltz, qui depuis a été propulsé star hollywoodienne en enchaînant les tournages.

Même chose pour cette jeune fille qui se souvient en ces termes de sa première expérience cannoise  : « J'avais 17 ans, je venais d'avoir le bac, c'était mon premier film et, comme il était présenté en fin de festival, tout s'est déroulé en moins de trois jours, j'ai vécu un conte de fées à 200 à l'heure ». La jeune débutante, c'est Emilie Dequenne qui remporte le Prix  en 1999 pour Rosetta de Jean-Pierre et Luc Dardenne, et qui depuis a tourné plus de 25 films.

Rejoindre la légende…

Quel que puisse être l’éventuel succès des films dans lequel il joue, ce qui fait briller les yeux d’un acteur, c’est la couleur dorée d’une statuette, en particulier un Oscar (mais il faut remplir plusieurs critères de présélection) ou bien  sûr une Palme à Cannes (avec son prestige de plus grand festival du monde). Car recevoir un prix d’interprétation sur la Croisette, c'est aussi inscrire son nom au panthéon du cinéma, aux côtés des plus grandes légendes. Imaginez un peu !

Pour les hommes, ont été récompensés Marlon Brando, Paul Newman, Spencer Tracy, Anthony Perkins, Terence Stamp, Jean-Louis Trintignant, Jack Nicholson, Vittorio Gassman, Michel Piccoli, Ugo Tognazzi, William Hurt, Forest Whitaker, Gérard Depardieu, Sean Penn, Peter Mulan, Olivier Gourmet, Benicio Del Toro, Javier Bardem, Jean Dujardin, Mads Mikkelsen, et donc Vincent Lindon… De même, pour les femmes, on compte Michèle Morgan, Bette Davis, Simone Signoret, Jeanne Moreau, Sophia Loren, Katharine Hepburn, Anouk Aimée, Meryl Streep, Irène Jacob, Holly Hunter, Maggie Cheung, Jeon Do-yeon, Charlotte Gainsbourg, Juliette Binoche, Kirsten Dunst…

Il y a eu plusieurs fois des prix partagés pour l’ensemble des rôles principaux d’un film et des prix ex-aequo pour deux talents de deux films différents. Mais l'honneur ultime, comme pour la Palme d'or du meilleur film, c'est d'entrer dans le cercle très fermé de ceux qui ont eu l’exceptionnel privilège d’être couronné plusieurs fois : Dean Stockwell (1959 et 1962), Marcello Mastroianni (1970 et 1987), Jack Lemmon (1979 et 1982), Vanessa Redgrave (1966 et 1969), Isabelle Huppert (1978 et 2001), Helen Mirren (1984 et 1995), Barbara Hershey (1987 et 1988), et Isabelle Adjani (double prix en 1981 pour deux films différents).

Prix symboliques

Logiquement, ce sont les membres du jury qui décident du palmarès. Mais il est aussi arrivé que la direction du Festival de Cannes organise la remise d’une Palme d'honneur d'interprétation en hommage à une prolifique carrière. Cette récompense spéciale et symbolique a déjà été attribuée à Jeanne Moreau, Catherine Deneuve, Jane Fonda, Jean-Paul Belmondo et Jean-Pierre Léaud.

La Palme d’or étant la récompense suprême de meilleur film, c'est au réalisateur qu'elle est attribuée,  mais son prestige rayonne évidemment sur toute son équipe et ses acteurs. Toutefois, certains jurys ont parfois voulu doubler la Palme d’or avec un Prix d’interprétation, afin de saluer spécifiquement le travail du comédien ou de la comédienne : on se souvient notamment du doublé meilleur acteur et meilleur film pour Charles Vanel et Le Salaire de la peur, Jack Lemmon et Missing, James Spader et Sexe, Mensonges et Vidéo, John Turturro et Barton Fink, Pernilla August et Les Meilleures Intentions, Holly Hunter et La Leçon de piano, Brenda Blethyn et Secrets et mensonges, Émilie Dequenne et Rosetta, Björk et Dancer in the Dark.

En 2013, le jury de Steven Spielberg va plus loin : il attribue la Palme d’or au réalisateur Abdellatif Kechiche et conjointement à ses deux actrices, Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos pour La Vie d'Adèle, ce qui lui permet de remettre le Prix d'interprétation à Bérénice Béjo pour Le passé d'Asghar Farhadi. L'année précédente, le jury n'ayant pas jugé bon de souligner le travail de ses comédiens, Michael Haneke avait lui partagé symboliquement la Palme d'or pour son film Amour avec le duo Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva, bien qu'ils ne soient pas officiellement nommés au palmarès.

Qu'il s'agisse d'un objectif, d'un rêve inaccessible ou juste d'un fantasme,  recevoir le Prix d'interprétation à Cannes est un couronnement, mais surtout un coup de projecteur qui permet de mettre en lumière le travail d'un acteur ou d'une actrice, quelle que soit sa notoriété ou sa carrière. Au lauréat ensuite de faire fructifier cette récompense, de transformer l'essai ou de s'estimer simplement chanceux d'avoir été honoré ainsi une fois dans sa vie. Il n'y a pas d'obligation de résultat, pas de règle à suivre, juste un espoir. Et une certitude : celle d'avoir été, le temps d'un festival, le ou la meilleur(e) comédien(ne) du monde.

Kristofy pour Ecran Noir

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-44. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Si aujourd'hui, on s'offusque de voir une magnifique Claudia Cardinale retouchée sur l'affiche du 70e Festival de Cannes, imaginez ce qui est arrivé quand, en 1954, l'actrice Simone Silva fit scandale durant le Festival de Cannes en étant photographiée "topless".

C'était l'époque des starlettes: en 1953, le cinéma avait créé Brigitte Bardot sur la Croisette, avant la déferlante des comédiennes italiennes.  C'était aussi les prémices de la Révolution sexuelle et du féminisme. En 1954, deux événements littéraires majeurs ont acté la naissance de l'émancipation du corps de la femme. D'abord, en juin, la parution du sulfureux et sado-masochiste Histoire d'O de Pauline Rage, édité par Jean-Jacques Pauvert (qui sera jugé deux ans plus tard pour avoir osé publié les œuvres du Marquis de Sade). Ensuite, la remise du Prix Goncourt à la théoricienne du féminisme, Simone de Beauvoir, pour Les Mandarins, cinq ans après son essai fondamental Le deuxième sexe.

En 1954, la France n'a pas encore découvert le naturisme ou les couvertures du magazine Lui. Playboy vient juste de naître outre-Atlantique.

Sur la Croisette cannoise, tout juste élue Miss Festival, l'actrice britannique Simone Silva, 26 ans alors, née en Egypte de parents franco-italiens, fait sensation. Pas loin, Robert Mitchum pique-nique en public aux îles de Lérins. La jeune femme laisse tomber son soutien-gorge dévoilant ainsi son opulente poitrine, tout en cachant ses seins avec ses mains. La voyant mitraillée par les photographes, le "bad boy" d'Hollywood, Mitchum, en bon gentleman qui se respecte et pas dégonflé, joue avec ses paluches autour de ces seins...

Soyons honnêtes: les médias et les photographes ont adoré capter ce moment libertin et ludique, pour ne pas dire "libéré" des carcans puritains. Le Festival a moins apprécié, terrifié par cette publicité considérée comme vulgaire et indigne de sa réputation.

Car au départ, c'est bien un scandale diplomatique qui se profile à cause de ces seins nus. On est aussi en pleine guerre froide. L’Amérique crie au scandale et demande le boycott du Grand Bob (qui tournera quand même l'un de ses chefs d'œuvre l'année suivante: La nuit du chasseur). Le Festival oblige Simone Silva à quitter Cannes. Sous la pression de l'opinion publique aux Etats-Unis (rappelons qu'on ne montre toujours pas un téton aujourd'hui à la télévision américaine), la délégation américaine suit le mouvement et abandonne le soleil de la Côte d'Azur. Robert Favre Le Bret, alors délégué général du Festival, part négocier pour convaincre les Américains de rester en compétition. Par sanction contre Cannes, "synonyme de débauche", Grace Kelly ne participera pas au Festival. Tant qu'il y aura des hommes de Fred Ziinneman repartira quand même avec un prix spécial.

Le destin de Simone Silva fut tragique par la suite. Elle venait chercher à Cannes une notoriété. L'actrice a cru pouvoir aller travailler à Hollywood. Une fois son visa rejeté, elle revient au Royaume Uni, mais sa carrière ne décolle pas et on la retrouve morte chez elle trois années plus tard. Simone Silva a payé lourdement son audace et sa naïveté.

La justice s'empare du topless

Mais on peut la remercier d'avoir provoqué un déclic, avant l'heure. Car dix ans plus tard, à Saint-Tropez, les femmes commencent à faire du "topless" sur la plage: le monokini arrive dans les rayons et facilite le dévoilement de la partie haute du corps. En juillet, un restaurateur a d'ailleurs demandé à Claudine, une jeune fille du coin, de jouer au ping-pong les seins découverts. Les photographes sont là encore ravis. Mais il faut savoir que des maires ont signé des arrêtés pour interdire cette pratique (ça vous rappelle une autre polémique plus récente?). Le restaurateur et Claudine ont été condamnés en septembre. Non pas à cause du monokini de la jeune femme mais parce qu'elle s'était exhibée contre une rétribution, dans un but publicitaire, et dans le cadre d'une mise en scène planifiée. Autrement dit, la Justice n'a pas condamné les seins nus de la "délinquante" (qui sera finalement relaxée après une longue querelle juridique) mais la manipulation des masses par une image "osée": "Le spectacle de la nudité n'a rien qui puisse outrager une pudeur normale même délicate s'il ne s'accompagne pas de l'exhibition des parties sexuelles, ou d'attitudes ou gestes lascifs ou obscènes." Victoire pour les nénés!

Les seins nus sur les plages vont accompagner le mouvement d'émancipation des femmes, affirmant leur corps, s'affranchissant du passé et des hommes. Dix ans plus tard, les maires autorisent officiellement les femmes à ne porter qu'une culotte sur les plages, aux yeux du public. Et aujourd'hui ça ne choque quasiment plus personne. Les Tartuffe ont perdu la guerre que Simone Silva avait déclenché il y a 63 ans.

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-45. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Imaginez... Fin avril, un ami vous dit : « On va au Festival de Cannes, c'est dans deux semaines ? ». Vous lui rappelez : « Mais on n'a pas d'accréditation, on n'a pas de logement, on n'a pas d'argent, on ne connaît même pas Cannes. » Lui de rétorquer : « Pas grave, on verra là-bas. » Que faites vous ?

A. Vous l'imaginez là-bas en train de galérer quand vous restez confortablement chez vous.
B. Vous changez d'ami.
C. Vous lui dites « Bon, okay, on y va ».
D. Réponse D.

Nous, on a choisi la C.

Cannes. Ville semi-morte pour retraités qui, depuis près de 70 ans, devient pour dix jours le foyer des people, le rendez-vous des professionnels du cinéma et d'une foule d'anonymes qui veulent pouvoir dire : « J'ai vu une star à moins de 20 mètres ». Parmi eux, certains ne disposant d'aucun sésame pour pénétrer à l'intérieur des salles et se poser sur un siège aimeraient se débrouiller pour voir des films (et oui car il est bon de le rappeler : Cannes c'est aussi quelques films entre deux beuveries). Evidemment, pendant cette décade, les prix s'envolent, et tout ce qui est à vendre ou à louer l'est à prix d'or.

Rien de plus saugrenu donc que cette réponse C. Et pourtant, après l'avoir testé en 2013, on le dit : rien d'impossible là dedans. Il faut juste disposer de quelques jours de liberté. Comment donc faire un festival de Cannes Low-Cost sans badge et avec peu de moyens ?

Déjà, la préparation. Il faut savoir que peu importe qui vous êtes, star ou clochard, les séances du soir ont un dress code. Pour les hommes : costume noir, chemise blanche, souliers noirs, nœud papillon noir. Vous portez du bleu foncé, vous préférez les cravates, vos Doc Martens sont classes, votre chemise est grise : vous ne passez pas, même sur invitation. Pour les femmes c'est robe et chaussures de soirée. Après, que vous portiez du Dior ou du Tati, c'est équivalent : les deux se valent quand il s'agit d'accéder au Grand Palais. Donc premier trajet via Le Bon Coin. Ah ! Un costume à ma taille à 14 euros. Voilà c'est fait.

Le Transport : les trains sont bondés, les avions hors de prix, le stop vous rebute. Comment faire ? Plusieurs solutions, on en retiendra deux. Le covoiturage et pour 60 euros vous descendez et vous remontez soit 120 euros aller/retour. Moins cher ? C'est possible aussi. Ouigo propose un TGV Paris Marseille pour 10 euros, une fois arrivé : covoiturage pour Cannes à 10 euros. Soit l'aller/retour à 40 euros. Plus long mais moins onéreux.

Le logement et la nourriture. 9 mètres carrés pour 400 euros c'est trop cher ? Eh bien à 6 km du festival on trouve deux campings avec toujours quelques places. Vous avez une vieille tente, un sac de couchage alors vous voilà parti. Au tarif de 75 euros par personne pour 8 jours, c'est imbattable. Les bus circulent de 6h à 2h pendant le festival et la carte de bus est à 10 euros la semaine. C'est moins confortable qu'un palace, mais c'est aussi bien moins cher et on ne va pas à Cannes pour dormir ! Le budget nourriture peut être faible si on s'incruste dans des soirées ou si on supporte les sandwichs. Au total on en a eu pour environ 8 euros par jour.

Et le plus important : les films. Là, ça se complique, mais plusieurs solutions s'offrent à vous. Déjà, les invitations sont de deux couleurs. Les meilleures sont censées être les bleues, celles pour les sans badge. Mais les roses fonctionnent aussi. Il suffit de demander à quelqu'un d'accrédité de dire au vigile que vous êtes avec lui, et ça marche. Enfin ça marchait en 2013, on espère que le règlement restera toujours le même .

La première : vous connaissez une personne qui bosse dans le cinéma, ou un ami d'un ami connait quelqu'un qui bosse dans ce milieu ? Il y a 80% de chances qu'il soit là-bas, le monde cannois est tout petit donc vous le croiserez et les accréditations pleuvent bien plus vite qu'on ne l'imagine. Ce fut le cas cette année-là. A peine arrivé devant le palais des festivals, voilà venir deux charmantes attachées de presse de Carlotta : « On a deux places pour le film de demain à 8h, ça vous dit ? ». Et voilà déjà un film.

Deuxième solution : vous ne connaissez absolument personne. Sur place, vous vous retrouverez au milieu de gens avec des affiches : « Une place, SVP. » Une chose à savoir : pour la sélection officielle, les places sont gratuites, impossible d'en acheter et nul n'a le droit de vous en vendre, mais on les donne facilement. Pourquoi ? Imaginez une équipe avec 6 personnes accréditées, ils ont 6 places pour tel film mais ils ne sont que 3 à effectivement aller le voir. Si les 3 places restantes ne sont pas utilisées, leur quota d'invitations diminuera. Ils ont donc tout intérêt à les donner. Toutefois, on déconseillera les affichettes ridicules. Vous pourrez vous promener longtemps sans résultat. La seule méthode efficace consiste à aller voir les gens qui ont des tickets dans les mains et tenter votre chance. Ne vous inquiétez pas, ils ont l'habitude. Pour la sélection officielle, toutes séances sauf celle de 19h, le résultat est surprenant. En 3 minutes, voilà deux places pour Only god forgives, en 5 minutes c'est La Vie d'Adèle ou The Immigrant et 30 minutes Only lovers left alive. Parfois très bien placées, à quelques rangs du jury. Tentez aussi les séances de minuit, les gens boivent déjà et des dizaines de places sont disponibles.

Pour 19h et la fameuse montée des marches, c'est autre chose. La meilleure technique : faire le vautour. Enfilez un costume, allez vers les vigiles et attendez. Vous aurez toujours quelques rebelles pour ne pas croire au pouvoir du dress code. Une fois que les vigiles les auront sortis, vous vous (jetez sur eux) les regardez avec compassion et vous récupérez leur place. Il est trop tard pour trouver un costume adéquat, ils n'auront plus rien à faire de leur ticket, donc ils le donneront si tout va bien ! [NDLR : On a vu des festivaliers si mécontents d'être refoulés qu'ils en ont déchiré leur billet. Mais c'est l'exception qui confirme la règle.]

Pour les autres sélections, c'est plus délicat car les badgés entrent sans invitation donc très peu circulent. Pour La Quinzaine des réalisateurs, vous pourrez acheter des places si le portefeuille vous en dit. La Semaine de la critique est toujours bondée, pas de places à acheter et donc difficile d'y entrer. Reste Un certain regard dans le petit palais. Peu d'invitations mais on parvient à en trouver régulièrement car même si les films sont souvent excellents, ils sont moins médiatisés, plus pointus et peu de gens cherchent. Deux dernières programmations : l'ACID un peu excentrée mais les invitations circulent bien et Cannes Classic avec des tickets jaunes qu'on trouve aussi facilement devant le Palais. Moins le réalisateur est connu, plus le film est ancien, plus la séance est tôt ou tard, et plus les places seront faciles à obtenir.

Au final, en huit jours, on aura obtenu des places pour : Bends de Flora Lau, As I lay dying de James Franco, Sarah préfère la course de Chloé Robichaud, Les Salauds de Claire Denis, La Jaula de oro de Diego Quemada-Diez, Magic magic de Sebastián Silva, My sweet pepper land de Hiner Saleem, Plein soleil de René Clément, Borgman d'Alex van Warmerdam, Only God forgives de Nicolas Winding Refn, Nebraska d'Alexander Payne, The Immigrant de James Gray, La Vie d'Adèle d'Abdellatif Kechiche, Zulu de Jérôme Salle, La Vénus à la fourrure de Roman Polanski, Only lovers left alive de Jim Jarmusch, Blind detective de Johnnie To, la cérémonie de clôture d'Un certain regard, une table ronde professionnelle.

On a aussi obtenu des places pour d'autres films, impossibles à voir car ils chevauchaient certaines séances, preuve que les places sont nombreuses. Seuls trois d'entre eux (Borgman, Plein soleil, Magic magic) ont été vus grâce à des connaissances qui nous ont donnés les billets. Le reste : système D expliqué ci-dessus. Films ratés (car oui tout n'est pas parfait, il faut un temps pour se roder) : Inside Llewyn Davis et Behind the candelabra.

Argent dépensé au total : environ 200 euros pour 8 jours, tout compris.

Et pour les chasseurs de tête, quelques personnalités (un tout petit peu connues) passées devant nous (et pas au loin dans une foule) sans même qu'on le cherche : Steven Spielberg, Nicole Kidman, Ang Lee, Christoph Waltz, Tony Leung, Sean Connery, Agnès Varda, Thomas Vinterberg, Alexander Payne, Max Von Sydow, James Franco, Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni, Vincent Lindon, Jane Campion, Kylie Minogue, Leos Carax, Claire Denis, Michael Cera, Mads Mikkelsen, Golshifteh Farahani (deux fois), Alain Delon, Forest Whitaker, et last but not least, le meilleur pour la fin : Bernard Menez (trois fois).

Nicolas Thys de Critique-Film

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-46. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Il y a plusieurs malédictions pour un cinéaste cannois. La plus sensationnelle fut sans doute celle de l'annulation du palmarès en 1968 pour cause de grève générale en France. Imaginez: 25 cinéastes en compétition dont Milos Forman, Alain Resnais, Carlos Saura, Miklos Jancso, Alexandre Zarkhi ou encore Jiri Menzel. Et aucun ne peut recevoir la Palme d'or.

De grands films snobés

L'autre malédiction, c'est évidemment celle de présenter un grand film, si ce n'est son meilleur film, et de repartir bredouille. D'être un immense réalisateur, reconnu, respecté, et de ne pas être consacré à Cannes. Ce n'est pas si rare. On pense à Jean Eustache avec La maman et la putain, Claude Sautet avec Les choses de la vie, Alfred Hitchcock avec L'homme qui en savait trop ou La loi du silence, Joseph L. Mankiewicz avec All about Eve, Vincente Minnelli avec Un Américain à Paris, Eric Rohmer avec Ma nuit chez Maud, François Truffaut avec Les 400 coups, Jacques Tati avec Les vacances de monsieur Hulot ou encore David Lean et son Docteur Jivago.

Et puis surtout, il y a ce sortilège qui s'abat sur certains: de multiples fois sélectionnés, ces habitués, vénérés par les cinéphiles, souvent récompensés au gré des palmarès, et qui ont récolté de beaux prix à Cannes, mais jamais la suprême Palme.

Des habitués refoulés

Et là, avouons-le, la liste est longue. Si longue qu'on ne sait pas comment l'énoncer. Alors on va procéder par une forme de hiérarchie: le nombre de sélection en compétition sans Palme au final. La liste n'est pas exhaustive, mais elle reste significative. En plus d'être sélectionnés plusieurs fois, nombreux sont ceux, dans cette liste, qui ont d'ailleurs reçu un (ou plusieurs) Grand prix du jury ou prix de la mise en scène mais aussi des Ours d'or ou des Lion d'or, des César ou/et Oscars (ou des nominations).

Trois réalisateurs ont ainsi échoué 8 fois. Trois autres 7 fois (mais deux d'entre eux peuvent encore "espérer"). Et quand on regarde ce "panthéon" des maudits, c'est assez digne qu'ils entrent tous dans notre propre cinémathèque. Parfois, certains ont frôlé la Palme, favori des critiques, de certains jurys parallèles. D'autres n'ont pas forcément présenté leur plus grand film. D'autres encore ont tout simplement trouvé plus fort qu'eux dans des années très riches en films de qualité.

Cela a conduit le Festival à distribuer des Palmes d'or d'honneur afin de réparer ces oublis, manques, fautes de goût des jurés. Quelques uns ont même été président du jury de la compétition.

8 films
Marco Ferreri (Grand Prix Spécial du Jury pour Rêve de singe) ; Carlos Saura (Grand Prix Spécial du Jury pour Cria Cuervos ; Prix de la meilleure contribution artistique pour Carmen) ; Ettore Scola (Prix de la mise en scène pour Affreux, sales et méchants ; Prix du scénario pour La Terrasse)

7 films

6 films

Ingmar Bergman (Prix de l'humour poétique pour Sourires d'une nuit d'été ; Prix spécial du Jury pour Le Septième sceau ; Prix de la mise en scène pour Au seuil de la vie) ; Atom Egoyan (Grand Prix pour De beaux lendemains) ; Jean-Luc Godard (Prix du Jury pour Adieu au langage) ; James Ivory (Prix du 45e anniversaire pour Retour à Howards End) ; Paolo Sorrentino (Prix du jury pour Il Divo) ; André Téchiné (Prix de la mise en scène pour Rendez-Vous)

5 films

Pedro Almodovar (sélectionné pour la première fois avec son 13e film, il a obtenu le Prix de la mise en scène pour Tout sur ma mère et le Prix du scénario pour Volver) ; Olivier Assayas (Prix de la mise en scène pour Personal Shopper) ; Mauro Bolognini ; Youssef Chahine (Prix du cinquantième anniversaire pour Le Destin) ; David Cronenberg (Prix du jury pour Crash) ; Arnaud Desplechin ; Clint Eastwood (Prix spécial du 61e Festival pour L'Échange) ; Naomi Kawase (Caméra d'or pour Suzaku ; Grand Prix pour La Forêt de Mogari) ; Mario Monicelli ; Manoel de Oliveira (Prix du jury pour La Lettre) ; Alan Parker (Grand Prix pour Birdy) ; Alain Resnais (Grand Prix pour Mon oncle d'Amérique et Prix exceptionnel pour l'ensemble de sa carrière et sa contribution à l'histoire du cinéma pour Les herbes folles); Alexandre Sokourov ; Andrei Tarkovski (Grand Prix pour Solaris et Le Sacrifice et Grand Prix du cinéma de création pour Nostalghia) ; Bo Widerberg (Grand prix pour Les Troubles d'Adalen et Prix du jury pour Joe Hill)

4 films
John Boorman (deux Prix de mise en scène pour Leo the last et The general, Prix de la meilleure contribution artistique pour Excalibur) ; Robert Bresson (au palmarès pour chacun de ses films) ; Jules Dassin (Prix de la mise en scène pour Du rififi chez les hommes) ; James Gray ; Werner Herzog (Grand Prix pour L'Énigme de Kaspar Hauser et Prix du jury pour Fitzcarraldo) ; Aki Kaurismäki (Grand Prix pour L'Homme sans passé) ; Elia Kazan (Prix du film dramatique pour A l'est d'Eden) ; Hirokazu Kore-eda (Prix du jury pour Tel père, tel fils) ; Sidney Lumet (Prix du scénario pour La Colline des hommes perdus) ; Nagisa Ôshima (Prix de la mise en scène pour L'Empire de la raison) ; Satyajit Ray (Prix du document humain pour  La complainte du sentier) ; Istvan Szabo (Prix du scénario pour Méphisto et Prix du jury pour Colonel Redl) ; Wong Kar-wai (Prix de la mise en scène pour Happy together) ; Jia Zhangke (Prix du scénario pour A touch of sin)

3 films
Andrea Arnold (à chaque fois récompensée par un prix du jury) ; Bruce Beresford ; Alain Cavalier (Un prix du jury pour Thérèse) ; Patrice Chéreau (Prix du jury pour La Reine Margot) ; Bruno Dumont (deux fois Grand prix du jury) ; Han Hsiang-li ; Krzysztof Kieslowski (Prix du Jury pour Tu ne tueras point) ; Pier Paolo Pasolini (prix du scénario pour Les jeunes maris de Mauro Bolognini et Grand prix pour Les Mille et une nuits) ; Otto Preminger ; Zhang Yimou (Grand Prix pour Vivre !)

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-47. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

La sélection officielle en 2016 fut quasiment une exception : il y eut beaucoup d'occasions de sourire voire de rire franchement, grâce aux facéties du père dans Toni Erdmann pour redonner le sourire à sa fille, cadre dynamique trop froide ; à une euthanasie administrée via des voies naturelles inattendues dans Rester vertical d'Alain Guiraudie ; aux failles morales et vestimentaires des sinistres bourgeois de Ma Loute de Bruno Dumont ; à la liberté de ton d'Isabelle Huppert alias Elle pour Paul Verhoeven ou grâce au désormais fameux carton d'introduction de The Last Face de Sean Penn. Cette liste valide cette idée que la franche comédie - ce qu'aucun de ces films n'est – reste bien rare en compétition. Et au passage, rappelons que tous ces films sont repartis bredouilles…

La Palme d'or... et comment l'avoir pour une comédie

En 1965, contre toute attente, alors que la sélection comprenait des futurs classiques bien sombres (La 317e Section de Pierre Schoendoerffer, L'Obsédé de William Wyler, La Colline des hommes perdus de Sidney Lumet...), le jury présidé par Olivia de Havilland ose l'inattendu : remettre une Palme d'or à une comédie, une vraie : The Knack... et comment l’avoir de Richard Lester. Un film délirant, à la croisée du slapstick de l'âge d'or du muet et de la folie furieuse de Helzappoppin (sommet de burlesque sans queue ni tête des années 40), mais dans le style plus réaliste et humain du Free Cinema qui bouleversa les codes du cinéma anglais dans les années 60.

Dans cette chronique romantique chorale se croisent quelques jeunes hommes et femmes vivant avec plus ou moins de sérieux et de bonheur leur quête d'amour ou d'affections éphémères. Dans un entretien accordé aux Cahiers du Cinéma à Cannes cette année là, le réalisateur précisait ses intentions : «The Knack est un film sur la non-communication des jeunes entre eux : ils sont dans une pièce, et chacun parle pour soi, chacun parle de choses différentes, sans écouter les autres, ce qui est très réaliste. Cela me fait penser à un vieux sketch radiophonique : il y a quatre boutons, correspondant à quatre programmes, un agricole, un religieux, un musical, un d'information. Si l'on appuie sur les quatre à la fois, on obtient un torrent d'absurdités. Voilà ce qu'est The Knack».

De ces oppositions et enchevêtrements de situations souvent embarrassantes naît le rire franc, net, massif mais aussi une forme de tristesse, liée à la complexité des relations amoureuses. The Knack, sans être parfait, est une heureuse combinaison d'un portrait réaliste de la jeunesse contemporaine du temps de son tournage et d'un décalage cartoonesque (voir le montage à la Tex Avery dans la scène des portes ci-dessous). Lester avait auparavant dirigé les Beatles dans Quatre garçons dans le vent (A Hard Day's Night) et c'est accompagné de John Lennon qu'il récupéra son trophée, ce dont peu de réalisateurs peuvent se vanter. Petite ironie de l'histoire, il réalisa une dizaine d'années plus tard La Rose et la flèche, avec Audrey Hepburn dans le rôle de Marianne, l'éternelle fiancée de Robin des Bois immortalisée à la fin des années 30 par Olivia de Havilland ! L'autre grand film comique anglais, et plus franchement drôle encore, récompensé à un niveau élevé est le film à sketchs des Monty Python, le Sens de la vie (voir notre texte sur John Cleese).

Etaix bien sérieux, tout cela ?

La même année que The Knack, une comédie plus poétique était également en lice : Yoyo de Pierre Étaix, jolie rencontre quasiment muette entre un milliardaire désabusé, ancien clown (heureux) devenu très très riche (et très très malheureux) et un charmant petit garçon qui va lui redonner le goût de la liberté. Le scénario écrit avec Jean-Claude Carrière est un hommage à un certain génie du cinéma américain des débuts du 7e Art, Chaplin étant clairement l'inspiration première, dans sa capacité à émouvoir et amuser. Petite digression charmante : lors d'une présentation à la Cinémathèque, un enfant rêveur demanda à Etaix pourquoi l'écharpe du personnage était orange. L'acteur-réalisateur-clown fut désarmé par cette question délicieusement absurde, le film étant en noir et blanc !

Pierre Etaix a également contribué à Mon Oncle de Jacques Tati (prix spécial du jury en 1958) en imaginant quelques gags et en interprétant plusieurs petits rôles. Les Vacances de Monsieur Hulot du même Tati fit partie de la compétition en 1953, Etaix signera d'ailleurs une affiche pour l'une de ses multiples rééditions. Ces deux grands noms de la comédie française, aux univers visuels et comiques bien particuliers, n'ont ainsi pas été oubliés par des sélectionneurs attentifs, lorsque qu'ils trouvent des candidats de qualité suffisante, à inviter des comédies soignées et au fort potentiel populaire. Parmi les regrets évoqués par Gilles Jacob sur les grands absents de ses sélections, deux comédies qui résistent fort bien à l'épreuve du temps : Femmes au bord de la crise de nerfs de Pedro Almodovar et Quatre mariages et un enterrement de Mike Newell. Nobody's perfect comme dirait Osgood Fielding !

Souris, puisque c'est grave

L'une des Palmes d'or les plus drôles de l'histoire est un film situé dans un contexte tragique. Avec les mésaventures de chirurgiens potaches dans un hôpital militaire de campagne durant la guerre de Corée, Robert Altman est distingué en 1970 pour ce qui était clairement dans son intention un brûlot anti-Vietnam, comme il l'expliquait au journaliste David Thompson dans son livre d'entretiens Altman on Altman : « J'avais réussi à cacher le fait que l'histoire se déroulait en Corée mais le studio m'a imposé un carton d'introduction. Je voulais que M.A.S.H. soit vu comme une œuvre contemporaine et toutes les considérations politiques dans le film évoquent Nixon et le Vietnam ». Nul n'est dupe en réalité, et la charge est féroce. La causticité du propos repose sur l'attitude faussement désinvolte de Hawkeye (Donald Sutherland) et Trapper (Elliott Gould) alors que la guerre fait rage quelques kilomètres plus loin. Observateurs relativement protégés des combats, ils cultivent le mauvais esprit contre leurs supérieurs trop sérieux et multiplient les blagues d'ados attardés, visant surtout l'infirmière major guindée, surnommée par leurs soins Lèvres de feu et dénudée bien malgré elle en public. Lire le reste de cet article »

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-48. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

On connaît depuis mercredi l'affiche qui accompagnera l'édition anniversaire du Festival. Claudia Cardinale y danse, comme en suspension, au-dessus du célèbre tapis rouge cannois. Une image qui respire la vitalité, la joie et la spontanéité. Presque aussitôt, la première polémique du 70e anniversaire a éclaté : la silhouette de l'actrice a été retouchée (elle a perdu un tour de taille dans l'opération). Procédé malheureux et désespérant qui donne l'impression que l'originale n'était pas assez "bien" pour le Festival.

Peut-être faudrait-il retirer Photoshop à certains créatifs un peu trop conformistes dont on veut croire qu'ils ont plus agi par habitude que par sexisme. Mais ne les accablons pas, ils doivent déjà se sentir assez bêtes (et inélégants) comme ça d'avoir retouché ce pur symbole de la beauté et de la grâce. Si ça vous intéresse, allez voir l'image originale, elle ne gagne vraiment rien à l'opération, on mise donc plus sur le réflexe conditionné que sur la volonté d'amincir l'actrice. On n'a pas dit que c'était moins triste, par contre ça en dit long sur l'époque.

70 ans de Festival en textes et images

Mais la tradition de l'affiche du Festival existait bien avant l'invention de Photoshop (et lui survivra, on le souhaite). Les réunir toutes ensemble ici a d'ailleurs quelque chose d'émouvant car ce sont 70 ans de cinéma qui défilent devant nos yeux.

Les premières années, l'affiche est dessinée et fait la part belle au texte qui occupe parfois la moitié de l'image (par exemple en 1953), voire devient le sujet lui-même (centré dans une sorte de cadre de pellicule en 1956, puis occupant tout l'espace les 3 années suivantes).

Au-delà des immuables informations traditionnelles, on retrouve dans ce texte quelques variantes : en 1955, la mention "60e anniversaire du cinéma" est ajoutée ; à partir de 1957, on nous précise que Cannes est "le grand rendez-vous du cinéma mondial" ; en 1960, le Festival est couplé aux "Floralies", un rassemblement des plus belles fleurs du monde (ce qui explique le foisonnement de fleurs sur l'affiche) ; en 1966, c'est le 20e anniversaire qui est mis en avant (il s'agit du 19e festival) alors que l'année suivante, la 20e édition justifie un gigantesque XX qui mange les deux tiers de l'image.

Entre psychédélisme et hommages

En 1994, l'affiche est dédiée "A Federico Fellini" qui est décédé quelques mois plus tôt, et porte un dessin original du Maestro. C'est la deuxième fois qu'il a cet honneur après l'affiche de 1982. En 2003 (période où le Festival se cherche dans le domaine), il sera à nouveau mentionné à travers la mention "Viva il Cinema !" et la phrase "Mention à Fellini".

Alors que les affiches 1972 et 1973 mettent l'accent sur la mer qui baigne cannes, 1974 signe une nouvelle période... plus psychédélique. On y voit un spectateur sans tête, surmonté d'un œil géant et ailé. Les années suivantes sont à l'avenant, et il faut reconnaître que ce n'est pas toujours très heureux. Lorsqu'on regarde l'affiche de 1976, on se demande même un peu s'il s'agit d'un festival de cinéma ou d'un congrès de Raël...

Les années 80 reviennent heureusement à des allusions plus cinématographiques à travers l'hommage à Fellini, puis à Kurosawa (1983), Eadweard Muybridge (1985) et le décor d’Alexandre Trauner (1984). Il faut aussi mentionner l'affiche de 1980, reprise presque telle quelle en 1981, et qui évoque une Marilyn Monroe nimbée de lumière. L'actrice est elle aussi est revenue à plusieurs reprises sur le visuel cannois : sous forme d'une silhouette en 2004, et à travers une photo inédite en 2012, pour célébrer les 65 ans du Festival.

L'ère des stars

D'autres stars ont les honneurs de l'affiche à partir des années 90, entre un hommage aux mouettes (si, si, en 1987, notamment) et un travail autour de la Palme (balbutiant en 1963, plus élaboré en 90, 91 et 97). Marlene Dietrich est ainsi devenue l'objet d'une anecdote célèbre : sublimée sur l'affiche du 45e Festival en 1992, elle n'aura pas l'occasion de la voir au fronton du Palais et meurt la veille de l'ouverture.

L'année suivante, c'est au tour de Cary Grant et Ingrid Bergman (dans Les Enchaînés d'Alfred Hitchcock), puis Maggie Cheung en 2006 (en ombre chinoise, d'après une scène d'In the mood for love de Wong Kar Wai) ; sans oublier l'affiche collective de 2007 qui réinvente l'oeuvre culte du photographe américain Philippe Halsman, en créant la "new jumpology" avec Pedro Almodovar, Juliette Binoche, Jane Campion, Souleymane Cissé, Penélope Cruz, Gérard Depardieu, Samuel L. Jackson, Bruce Willis et Wong Kar Wai.

La tendance se confirme au cours de la dernière décennie avec Juliette Binoche en 2010 (encore !), Faye Dunaway en 2011, Joanne Woodward et Paul Newman (sur le tournage de La Fille à la casquette de Melville Shavelson) en 2013, Marcello Mastroianni en 2014, Ingrid Bergman en 2015 et donc Claudia Cardinale cette année.

Les inoubliables

Si l'on devait subjectivement choisir parmi les affiches plus jolies, on retiendrait celle du Festival 49, avec sa danseuse vêtue de drapeaux et jouant avec une pellicule, celle de 1965 qui reprend un peu la même idée, avec cette fois une danseuse en pellicule, celle de 1990 avec la Palme qui prolonge une main et celles déjà mentionnées de 1992, 1993, 2006 et 2012.

Mais également celle de  2009 autour de L'avventura d'Antonioni et bien sûr celle de 2016 qui évoque Le Mépris de Godard, avec cet escalier interminable qui vient prolonger les marches du Palais des Festivals.

Si on part du principe que l'affiche donne d'une certaine manière le ton de la manifestation, on se prépare donc, après l'édition solaire de 2016, à vivre une édition passionnée et joyeuse.

Que demander de plus ?

Marie-Pauline Mollaret pour Ecran Noir

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Aujourd'hui, J-49. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Un des plus beaux films de l’histoire du cinéma en général et de Cannes en particulier, El Sur (Le Sud, Víctor Erice, 1983), est un film inachevé. Il a été présenté en compétition en 1983, à côté d’autres œuvres merveilleuses, telles que L’Argent de Robert Bresson et Nostalghia d’Andreï Tarkovski qui, par ailleurs, allaient recevoir le Grand Prix du cinéma de création ex-aequo, à l’unanimité du jury.

El Sur est un film basé sur le récit homonyme d’Adelaida García Morales, qui raconte la relation entre un père et sa fille, Estrella, dans un petit village au nord de l’Espagne, quelques années après la fin de la guerre civile espagnole. Estrella, adolescente, se réveille un matin en apprenant que son père, Agustín, vient de se suicider.

Mais pourquoi dit-on que c’est un film inachevé ? Víctor Erice répondait à cette question dans un reportage de Televisión Española : « El Sur a eu beaucoup de succès auprès du public et de la critique mais, pour moi, il restera à jamais un film inachevé. On ne s’en rappelle pas toujours quand on en parle mais c’est tellement évident, on ne peut pas le nier ». Le tournage de El Sur commença le 6 décembre 1982 à Ezcaray (La Rioja, Espagne). Le tournage fut soudainement interrompu au bout du 48e jour, alors que la société de production, dirigée par Elías Querejeta, avait prévu 81 jours de tournage.

Que s’est-il vraiment passé ? La société de production avait avancé comme raison majeure le défaut de gestion du budget de la part du réalisateur. Elle prétendait que celui-ci avait trop tourné et qu’elle ne pouvait plus assumer les coûts de production. José Luis Alcaine, chef opérateur de El Sur, contesta ces propos avec une extrême vigueur, lors d’une interview accordée au journal El Mundo en 2012 : « C’est complètement faux. Il s’agissait d’un problème personnel. Erice et Querejeta ne s’entendaient pas bien, et ce dès le début. Erice en a payé le prix fort car la version officielle disait qu’il avait dépensé beaucoup trop d’argent. Ces déclarations lui ont fait du mal ».

Víctor Erice raconte que lors de la deuxième semaine de tournage, Querejeta se présenta sur le tournage pour annoncer que le financement du film, provenant essentiellement de Televisión Española, venait de se compliquer car le nouveau directeur général de la chaîne ne voulait pas assumer les engagements de son prédécesseur, qu’il venait de remplacer. Lors du 48e jour de tournage, Querejeta envoya une lettre à Erice : « On peut faire un film très intéressant avec ce que nous avons déjà tourné. Il nous manque juste la partie plus faible du scénario à tourner, ce n’est donc pas grave si nous ne le terminons pas ». Erice accepta de commencer le montage définitif du film et Querejeta s’engagea à faire aboutir le projet tel qu’il était écrit à l'origine, dès que possible.

Le piège de la sélection cannoise

Le réalisateur, ne voulant soumettre son film à aucun festival de cinéma avant qu’il ne soit complètement terminé, fut surpris de recevoir une invitation de Gilles Jacob pour aller présenter son film au Festival de Cannes 1983. Gilles Jacob serait sorti très ému lors d’une projection du film à Madrid et tenait absolument à que le film soit présent en compétition. Complètement dévasté par cette nouvelle, Erice rédigea une lettre pour annoncer à Jacob qu’il n’assisterait pas au Festival car il considérait que son film était inachevé et ne voulait pas défendre un film qu’il jugeait incomplet.

Cependant, le matin du jour de la projection du film, Pilar Miró, la cinéaste espagnole, alors à la tête de la Direction générale du cinéma, appela Víctor Erice afin de le convaincre de se déplacer. « C’est trop tard », répondit-il. Miró insista : « Va tout de suite à l’aéroport et viens ! ». Lors de la conférence de presse, il ne dit rien sur son désaccord avec son producteur : « Il n’était pas présent et comme il n’était pas présent, je n’avais rien à dire ».

Le bon accueil du public et la critique acheva complètement le rêve d’Erice de finir son projet. Elías Querejeta a toujours utilisé cette bonne réception du film pour défendre sa position et affirmer que le film était très bien comme il était et que « cette histoire d’inachèvement n'intéressait que les intellectuels ». Lire le reste de cet article »

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-50. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

On ne peut pas vraiment dire qu'entre Cannes et le documentaire, ce soit une grande histoire d'amour. Le cinéma documentaire est ainsi toujours minoritaire, en sélections officielle ou parallèles, par rapport au cinéma de fiction. Jugez plutôt : en 69 éditions, deux films documentaires seulement ont reçu la Palme d'or. Aujourd'hui, dans le cadre de notre compte à rebours jusqu'au 17 mai, nous allons nous attarder sur ces deux Palmes, sorties à plus de quarante ans d'intervalle.

Le monde du silence : l'avis aquatique

Les images du Monde du silence semblent importantes dans l'imaginaire cinématographique collectif. De par ses images sous-marines par exemple : cela m'a frappé en découvrant il y a peu Opération Tonnerre, sorti 10 ans après le documentaire, mais aux images sous-marines semblables... la présence de James Bond en plus. De par la figure de Cousteau ensuite : le vaillant explorateur des fonds-marins a irrigué La vie aquatique de Wes Anderson, un hommage explicite, et le commandant a même eu droit à son propre biopic, sous les traits de Lambert Wilson, il y a quelques mois (L’Odyssée de Jérôme Salle). Il semble facile de comprendre ce qui a plu au jury à l'époque, tant les images sous-marines capturées par Cousteau et Louis Malle sont encore fascinantes aujourd'hui. Pourtant, de nos jours le film n'aurait sans doute pas reçu le même accueil. Le romancier et cinéaste Gérard Mordillat est d'ailleurs revenu sur le film l'année dernière, le qualifiant de "film naïvement dégueulasse".

En effet, à une époque où nous sommes de plus en plus nombreux à être sensibilisés à la protection environnementale et animalière, difficile de regarder avec autant d'émerveillement qu'en 1956 le film palmé. La flore sous-marine est dynamitée, les requins capturés, les tortues chevauchées. Ce qui est sûr, c'est qu'ici le cinéma, et en particulier le documentaire, dresse un portrait de son temps... Qui sait, peut être qu'un documentaire présenté à Cannes en 2017 soulèvera de vives polémiques en 2077 ! L'autre documentaire palmé, lui, en soulève dès qu'il est récompensé. Mais si avec Le monde du silence on ne critiquait pas la forme mais le propos du film, ce sera le contraire avec Fahrenheit 9/11.

Farenheit 9/11 : Bush Metal Jacket ?

En s'attardant sur la liste des films en compétition, on peut dire que la sélection du Festival de Cannes 2004 avait quelque chose de spécial. En plus de ce Farenheit 9/11, un autre documentaire était à l'affiche, Mondovino, qui jouait apparemment lui aussi sur la provocation, mais on retrouvait aussi deux films d'animations (sur lesquels on reviendra dans quinze jours), Shrek 2 et Ghost in the shell : innocence. Surtout, une ribambelle d'habitués de Cannes, dont certains n'auraient pas démérité une Palme, étaient présents.

A posteriori, la liste semble une réunion d'habitués, ce qui était moins vrai à l'époque. On retrouve deux films français de premier plan (Clean, d'Olivier Assayas et Comme une image d'Agnès Jaoui), un Paolo Sorrentino (les conséquences de l'amour), le Japonais Kore Eda avec Nobody Knows, Wong Kar-Wai avec 2046, un Apichatpong Weerasetakul (Tropical Malady) et un Emir Kusturica (La vie est un miracle). Tant qu'à faire, deux cinéastes coréens devenus phares y étaient (Park Chan-Wook pour Old Boy et Hong Song-Soo pour La femme est l'avenir de l'homme), même les frères Coen - pour leur plus mauvais film, le remake de Ladykillers -, et jusqu'à l'incontournable film-engagé-avec-Gael-Garcia-Bernal (Carnets de voyage). Bref, il y en avait des potentiels films "palmables". Pour autant, cette année-là le jury présidé par Quentin Tarantino a fait le choix du documentaire de Moore. Un choix qui selon le président était avant tout artistique.

Pourtant, difficile de ne pas voir le geste politique accompagnant cette remise de prix. Car le documentaire de Moore est un réquisitoire assumé, et nécessaire dans l'Amérique post-9/11 de Bush. Dans sa forme, le film n'est pas infaillible : on peut ne pas être sensible à la manière qu'a Moore de critiquer la politique de Bush, le ridiculiser était-il le meilleur moyen de le dénoncer ? Idem pour certains raccourcis que le réalisateur n'hésite pas à prendre : il donne par exemple une vision paradisiaque de l'Irak avant l'invasion américaine. Une vision linéaire qu'il a conservée : dans son dernier documentaire, Where to invade next, il dresse les louanges de la politique de pays européens en prenant des exemples loin d'êtres répandus (je n'ai jamais vu de cantines scolaires aussi appétissantes, et encore moins une table entière d'enfants ne connaissant pas le Coca-cola !).

Pour autant, difficile de ne pas saluer le geste de Moore, qui derrière ses actions provocatrices dénonce l'absurdité du comportement de Bush suite aux attentats. On peut aussi se dire que le documentaire permet de toucher un large public grâce à son format. Comme l'explique Youssef Chanine dans les bonus du DVD : "le documentaire avait une valeur essentielle à un moment essentiel".  Mais récompense t-on un film avec la Palme d'Or pour une raison politique, pour son geste ? A la veille de la prochaine édition du Festival, on se rappelle encore de l'octroi de la récompense à Moi, Daniel Blake l'année dernière. Tout comme Farenheit 9/11, c'est plus la dénonciation politique que le cinéma en lui-même qui semble avoir été salué ...

Les deux documentaires à avoir obtenu la Palme d'Or ont donc soulevé des polémiques importantes. D'autres documentaires, et non des moindres, ont été présentés, voire primés, tout au long de l'existence du Festival, ne citons que les moins choquants (sauf rejet inattendu sur leurs sujets) Le Mystère Picasso d'Henri Georges Clouzot, prix spécial du Jury en 1956, la même année que le Cousteau donc, ou encore Woodstock, le documentaire hippie fleuve qui eut droit à sa sélection en 1970. Certains ont suscité, sinon des polémiques, au moins de fortes réactions, ce qui n'est pas si étonnant, un documentaire s'attachant, par essence, à refléter son époque. On ne connaît pas encore les films qui seront présents cette année sur la croisette, mais si un documentaire apparaît lors de l'annonce de la sélection officielle, il s'agira certainement d'une œuvre dont la présence se justifiera par sa capacité à déranger, heurter ou éveiller les consciences de festivaliers parfois éloignés de certaines réalités du monde. L'idée de scandale étant dans l'ADN du Festival, ou au moins de ses commentateurs, que cela passe par le documentaire a quelque chose d'assez réjouissant, non ? Même si depuis Moore, c'est devenu bien rare, le genre étant relégué aux séances hors-compétition.

Nicolas Santal de Critique-Film