3 812 films soumis. Une hausse de 88 oeuvres par rapport à 2010 (voir le palmarès 2010). Le Festival de Sundance ne connaît pas la crise. De l'aveu même de son nouveau directeur, pour qui c'est la deuxième édition, l'état du cinéma indépendant est même en "bonne santé".

115 fictions et documentaires ont été finalement sélectionnés pour être projetés du 20 au 30 janvier 2011. L'espoir est, désormais, de voir des pépites comme pour l'édition 2010 qui comprenait Winter's Bone, The Kids Are All Right, Blue Valentine ou encore Waiting for Superman (voir le palmarès 2010).

Compétition / Fiction

• Another Earth - Mike Cahill, avec William Mapother, Marling, Jordan Baker, Robin Lord Taylor, Flint Beverage.
• Benavides Born - Amy Wendel, avec Corina Calderon, Jeremy Ray Valdez, Joseph Julian Soria, Julia Vera, Julio Cesar Cedillo.
• Circumstance - Maryam Keshavarz, avec Nikohl Boosheri, Sarah Kazemy, Reza Sixo Safai, Soheil Parsa, Nasrin Pakkho.
• Gun Hill Road - Rashaad Ernesto Green, avec Esai Morales, Judy Reyes, Harmony Santana, Vanessa Aspillaga.
• Here - Braden King, avec Ben Foster, Lubna Azabal, Narek Nersisyan, Yuri Kostanyan and Sofik Sarkisyan.
• Higher Ground- Vera Farmiga, avec Farmiga, Joshua Leonard, John Hawkes, Dagmara Dominczyk, Norbert Leo Butz.
• Homework - Gavin Wiesen, avec Freddie Highmore, Emma Roberts, Michael Angarano, Elizabeth Reaser, Rita Wilson, Blair Underwood.
• The Ledge - Matthew Chapman, avec Charlie Hunnam, Liv Tyler, Patrick Wilson, Terrence Howard, Christopher Gorham.
• Like Crazy - Drake Doremus, avec Anton Yelchin, Felicity Jones, Jennifer Lawrence, Charlie Bewley, Alex Kingston.
• Little Birds - Elgin James, avec Juno Temple, Kay Panabaker, Leslie Mann, Kate Bosworth, Kyle Gallner.
• Martha Marcy May Marlene - Sean Durkin, avec Elizabeth Olsen, Brady Corbet, Hugh Dancy, John Hawkes, Sarah Paulson.
• On the Ice - Andrew Okpeaha MacLean, avec Josiah Patkotak, Frank Qutuq Irelan, Teddy Kyle Smith, Adamina Kerr, Sierra Jade Sampson.
• Pariah - Dee Rees, avec Adepero Oduye, Pernell Walker, Kim Wayans, Charles Parnell, Aasha Davis.
• Take Shelter - Jeff Nichols, avec Michael Shannon, Jessica Chastain, Shea Whigham, Katy Mixon, Kathy Baker.
• Terri - Azazel Jacobs, avec Jacob Wysocki, John C. Reilly, Creed Bratton, Olivia Crocicchia, Bridger Zadina.
• The Untitled Sam Levinson Project - Sam Levinson, avec Demi Moore, Kate Bosworth, Jeffrey DeMunn, Ellen Barkin, Ellen Burstyn, Thomas Haden Church.

Compétition / documentaire :

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Un homme et une femme, chacun assis derrière une table où trône un crâne. Autour d'eux, de nombreuses petites bougies, deux grands candélabres et des draps blancs. Sur les paupières closes des deux comédiens sont peints de grands yeux verts au regard vertigineux. Celui de l'âme, rien de moins, qui lit au plus profond des êtres et ne cesse jamais totalement de vous scruter.

Avant même que la pièce commence, on se laisse ainsi envahir par cette ambiance mi-funèbre, mi-onirique qui est préambule à la suite. En effet, lorsque les acteurs s'animent, ils parviennent sans pourtant jamais quitter leur siège à nous emmener dans un pays lointain où l'on croise ogres, fées et marâtres, mais aussi dans les coulisses de la vie, à quelques encablures seulement de cet au-delà que l'on devine. Car le Garçon Doré, le personnage principal, va mourir. Alors, avant cela, il doit raconter sa vie.

Le texte de Benoit Gautier, fin et ironique, déroule ainsi une existence tragico-comique qui revisite avec férocité les contes de notre enfance. Pas si féériques que cela, d'ailleurs, ces contes où l'on est abandonné par ses parents et sans cesse menacé de mort, ou pire. Le rire naît malgré tout de l'interprétation des acteurs, les formidables Nadine Girard et Sylvain Savard, qui se livrent à une joute verbale joyeuse et généreuse, tantôt complémentaires, tantôt antagonistes. Il faut les voir se glisser miraculeusement dans la peau des différents personnages, simplement en adoptant un accent ou une mimique spécifique.

Mais l'émotion n'est jamais loin pour autant. On pourrait même ressortir totalement bouleversé de cette pièce qui l'air de rien nous met face à nous-mêmes, à nos manques, à nos doutes et à nos angoisses. Le Garçon doré, ce malheureux enfant contraint de réinventer sa vie pour se sentir vivant, est en effet tapis au fond de chacun de nous. Il suffit de clore ses paupières pour l'apercevoir.

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Peau d'âme de Benoit Gautier
mise en scène : Benoit Gautier
Avec Nadine Girard et Sylvain Savard
le 2 décembre au Musée d'Art moderne de Troyes
le 10 décembre au Centre culturel canadien de Paris
renseignements et réservations : 09 52 66 19 59 / bafduska@free.fr

Grâce aux techniques de restauration moderne,  on (re) découvre de plus en plus de chefs d'oeuvre qui semblent presque plus beaux qu'ils ne l'étaient à leur sortie. Derrière l'éclat retrouvé des couleurs et des sons se cache souvent un travail de titan, mais aussi une volonté de fer, celle de ne pas laisser à l'abandon les grands films du passé.

Parmi les acteurs principaux de cette sauvegarde du patrimoine cinématographique mondiale, on retrouve depuis 20 ans Martin Scorsese et l'organisation The Film Foundation qu'il a créée, et à qui l'on doit déjà la restauration du Journal d'une femme de chambre de Jean Renoir, de New York-Miami de Franck Capra ou encore du Salon de musique de Satyajit Ray. Grâce à eux, c'est aujourd'hui au tour du Guépard de Luchino Visconti de s'offrir une nouvelle jeunesse en salles, en DVD et blue-ray, dans une version entièrement remasterisée. Retour sur un véritable sauvetage.

Ecran Noir : Tout d’abord, pouvez-vous nous dire quelques mots sur "The Film Foundation" ?

The Film Foundation : Créée en 1990 par Martin Scorsese, The Film Foundation est une organisation à but non lucratif dont l’objectif est de protéger et préserver le patrimoine cinématographique en attribuant des fonds à des projets de conservation et de restauration. La fondation a éveillé les consciences à l’urgence de la préservation des films et a déjà participé à la sauvegarde de près de 545 films. Aux côtés de Martin Scorsese, siègent au Conseil d’administration Woody Allen, Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Francis Ford Coppola, Clint Eastwood, Curtis Hanson, Peter Jackson, Ang Lee, George Lucas, Alexander Payne, Robert Redford et Steven Spielberg. Par ailleurs, The Film Foundation collabore avec la Guilde des réalisateurs américains (The Directors Guild of America) dont le président et le secrétaire-trésorier siègent à son Conseil d’administration.

(Le guépard avant la restauration)

EN : Comment choisissez-vous les films qui ont besoin d’être restaurés ?

TFF : En collaboration directe avec Martin Scorsese et le Conseil d’administration, la fondation passe en revue les propositions soumises chaque année par les archives et décide de la meilleure manière de répartir les fonds. Pour ce faire, nous prenons en compte la rareté des éléments à notre disposition mais aussi le degré d’urgence de la sauvegarde.

EN : Comment était Le guépard avant sa restauration ? Etait-il vraiment très abimé ?

TFF : Le Guépard a été filmé avec un procédé appelé "Technirama" dans lequel les images sont tournées en 35 mm à défilement horizontal et non vertical. L’image anamorphique qui en résulte, deux fois plus grande qu'en 35 mm standard, est extrêmement nette et riche en détails. Mais le négatif de 1963 s’est détérioré et présente la plupart des dégradations propres aux films de cette époque. Ce qu’il est intéressant de noter, c’est que grâce au procédé utilisé, les rayures et les impuretés traversent l’image horizontalement plutôt que verticalement.

(Le guépard après la restauration)

EN : Comment avez vous procédé concrètement ? Quelles sont les différentes étapes du travail de restauration ? Avez-vous rencontré des obstacles particuliers ?

TFF : Pour cette nouvelle restauration, les négatifs originaux en "Technirama" ont été scannés à 8K (8000 lignes de résolution horizontale) soit un total de 21 téraoctets de données. Un interpositif de sauvegarde a également été scanné pour fournir des éléments qui étaient absents sur le négatif original. Après le scan, tous les fichiers ont été convertis en 4K et les finitions de la restauration ont été réalisées numériquement à cette résolution.    Plus de 12 000 heures de restauration manuelle ont ainsi été nécessaires pour faire disparaître 47 années de poussières, rayures et autres défauts accumulés au fil des ans. La bande son originale mono a également fait l’objet d’une restauration minutieuse en ayant recours à une source magnétique en 35 mm enregistrée en numérique puis nettoyée pour ôter les bruits et les parasites tout en conservant fidèlement les caractéristiques du son original.

EN : Finalement, est-ce que le film est aussi beau qu'en 1963 ou encore plus beau ?

TFF : La restauration a permis de conserver et même d'embellir la beauté originelle du film, telle que Visconti l'aurait voulu.

Propos traduits par Claire et MpM

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Le guépard de Luchino Visconti (1963)
En salles depuis le 1er décembre
Edition DVD et Blue-ray

Crédit photo : Images provided courtesy of Twentieth Century Fox and Pathé.

Mc Hale, Mendès, Renner ont présenté les nominations

Winter's Bone part grand favori de la cérémonie des Independant Spirit Awards, les Oscars du cinéma inédpendant américain. Avec 7 nominations, l'histoire d'une jeune fille tentant de sauver une famille en désintégration, avec un père dealer de drogue, le drame de Debra Granik, déjà couronné par les Gotham Awards, deux prix au Festival de Berlin, deux autres à celui de Seattle et surtout le Grand Prix du jury à Sundance, devient un concurrent sérieux pour les Oscars. Il sort en France le 2 mars prochain.

Autre film qui pourrait s'inviter aux Oscars, le nouveau Darren Aronofsky, Black Swan. Il est cité cinq fois. Juste devant trois autres productions qui se partagent quatre nominations chacun : la comédie dramatique homoparentale The Kids are All Right, le nouveau John Cameron Mitchell, Rabbit Hole, et le dépressif Greenberg, avec Ben Stiller.

Mais il faut aussi noter la présence du dernier Danny Boyle, 127 heures, qui fait sensation dans les salles par son réalisme horrifique.

En fait, les Spirit Awards, qui seront décernés la veille des Oscars, le 26 février, se payent un casting de choc avec la présence de nombreuses stars hollywoodiennes. De quoi intéresser les médias et voler la vedette à la vénérable statuette convoitée par tous : James Franco (présentateur des Oscars, par ailleurs, Ben Stiller, John C. Reilly, Annette Bening, Nicole Kidman, Natalie Portman, Michelle Williams, Samuel L. Jackson, Bill Murray, Mark Ruffalo, Naomi Watts ... Le tapis rouge va voir défiler un nombre impressionnant de vedettes confirmées. Cela démontre que le cinéma indépendant séduit de plus en plus les comédiens "installés", et en creux que le cinéma des studios proposent de moins en moins de rôles et de scénarios intéressants. La frontière entre les deux catégories a implosé.

Enfin, remarquons que, dans la catégorie du meilleur film étranger, la Palme d'or cannoise, Oncle Boonmee, sera en concurrence avec le Grand prix du jury, Des hommes et des Dieux. De même ils seront rivaux d'un autre favori pour les Oscars, The King's Speech, et d'un autre film français, Mademoiselle Chambon, dont le charme semble avoir traversé l'océan.

Les nominations :

Meilleur film : 127 heures ; Black Swan ; Greenberg ; The Kids are all right ! ; Winter's Bone

Meilleur réalisateur : Darren Aronofsky (Black Swan) ; Danny Boyle; (127 Hours) ; Lisa Cholodenko (The Kids Are All Right) ; Debra Granik (Winter's Bone) ; John Cameron Mitchell (Rabbit Hole)

Meilleur acteur : Ronald Bronstein (Daddy Longlegs) ; Aaron Eckhart (Rabbit Hole) ; James Franco (127 Hours) ; John C. Reilly (Cyrus) ; Ben Stiller (Greenberg)

Meilleure actrice : Annette Bening (The Kids Are All Right) ; Greta Gerwig (Greenberg) ; Nicole Kidman (Rabbit Hole) ; Jennifer Lawrence (Winter's Bone) ; Natalie Portman (Black Swan) ; Michelle Williams ( Blue Valentine)

Meilleur second rôle masculin : John Hawkes (Winter's Bone) ; Samuel L. Jackson (Mother and Child) ; Bill Murray (Get Low) ; John Ortiz (Jack Goes Boating) ; Mark Ruffalo (The Kids Are All Right)

Meilleur second rôle féminin : Ashley Bell (The Last Exorcism) ; Dale Dickey (Winter's Bone) ; Allison Janney (Life During Wartime) ; Daphne Rubin-Vega (Jack Goes Boating) ; Naomi Watts (Mother and Child)

Meilleur scénario : The Kids Are All Right ; Winter's Bone ; Please Give ; Rabbit Hole ; Life During Wartime

Meilleur premier film : Everything Strange and New ; Get Low ; Night Catches Us ; The Last Exorcism ; Tiny Furniture

Meilleur premier scénario : Obselidia ; Tiny Furniture ; Lovely, Still ; Jack Goes Boating ; Monogamy

Prix John Cassavetes (film dont le budget est inférieur à 500 000 $) : Daddy Longlegs ;  Lbs. ; Lovers of Hate ; Obselidia ; The Exploding Girl

Meilleure image : Never Let Me Go ; Black Swan ; Tiny Furniture ; Winter's Bone ; Greenberg

Meilleure documentaire :  Exit Through the Gift Shop ; Marwencol ; Restrepo ; Sweetgrass ; Thunder Soul

Meilleur film étranger : Kisses (Irlande) ; Mademoiselle Chambon (France) ; Des Hommes et des Dieux (France) ; The King's Speech (Royaume Uni) ; Oncle Boonmee qui se souvient de ses vies antérieures (Thaïlande)

Prix Acura du cinéaste de demain : Hossein Keshavarz (Dog Sweat ; Laurel Nakadate (The Wolf Knife) ; Mike Ott (Littlerock)

Prix Piaget du meilleur producteur : In-Ah Lee (Au Revoir Taipei) ; Adele Romanski (The Myth of the American Sleepover) ; Anish Savjani (Meek's Cutoff)

Prix Aveeno du documentariste de demain : Ilisa Barbash, Lucien Castaing-Taylor (Sweetgrass) ; Jeff Malmberg (Marwencol) ; Lynn True, Nelson Walker (Summer Pasture)

Prix Robert Altman (réalisateur, directeur de casting et l'ensemble du casting) : Please Give, de Nicole Holofcener, avec Ann Guilbert, Rebecca Hall, Catherine Keener, Amanda Peet, Oliver Platt, Lois Smith, Sarah Steele

Pour des millions de fans, Irvin Kershner est et restera comme l’homme providentiel ayant accepté de signer le meilleur épisode de la saga des Star Wars (l’Empire contre-attaque, 1980, soit l'Episode V)). Artisan habile et techniquement très doué sachant raconter une histoire sans ambages, il débuta sa carrière de cinéaste vers la fin des années 50, précisément en 1958, avec le polar Stakeout on Dope Street. S’il traversa tranquillement les années 60, il fit jouer des acteurs de la trempe des Robert Shaw, Sean Connery, George Segal ou encore Barbara Streisand.

Sa notoriété connue un coup d’accélérateur au milieu des années 70 quand, peu après Les S pions avec Elliot Gould et Donald Sutherland (le joyeux duo du M.A.S.H. de Robert Altman), il réalise un triller fantastique scénarisé par John Carpenter et réunissant la belle Faye Dunaway et le prometteur Tommy Lee Jones, Les Yeux de Laura Mars (1978). Le film triple presque son budget et permet à son auteur d’être choisi par un certain George Lucas qui fut, quelques années auparavant, son élève à la Southern University. Ami et mentor de ce dernier, Lucas n’a pas tardé à réagir dans un communiqué : "Le monde a perdu un grand réalisateur et une des personnes les plus authentiques qu'il m'ait été donné de connaître. Irvin Kershner était un vrai gentleman dans tous les sens du mot".

Ce choix, brillant avec le recul, permet à Irvin Kershner de prouver son immense talent et de réaliser sans doute la meilleure suite du cinéma au côté de The Dark Knight. En un film il devient un cinéaste culte, vénéré comme un dieu, adulé, respecté. Le Space Opéra tient enfin ses lettres de noblesse. Par la suite il tourna peu mais réalisa en 1983 un James Bond dissident (Jamais plus Jamais avec un Sean Connery sur le retour, et sur le départ) et une suite au Robocop de Paul Verhoeven de bonne facture (Robocop 2, 1990).

Irvin Kershner abandonna par la suite l’univers des plateaux de cinéma pour s’adonner à ses nombreuses passions (composition, peinture, photographie…). Un hommage en forme de reconnaissance lui a été rendu quand on lui proposa d’être en 2007 le président du festival Fantastic’Arts de Gérardmer. Ce qu’il accepta pour le plus grand plaisir de ses nombreux fans.

L'histoire : Sam, libraire le jour et musicien la nuit, perd la femme de sa vie, Joséphine, et de fait, le sens de son existence. Jusqu’à sa rencontre incongrue et quelque peu loufoque avec une jeune femme mystérieuse, Pi, qui devient synonyme de renaissance : pendant que Sam reprend goût à la vie et à la musique, Pi déchiffre la part du mystère qu’elle porte en elle. Une étrange relation se noue entre eux à travers la porte d’une salle de bains… absurdité et beauté des hasards de la vie à New York…

Notre avis : Sur le papier, le scénario de Lullaby pouvait être une bonne idée. Cette rencontre particulière entre Pi (Clémence Poésy) et Sam (Rupert Friend), qui apprennent à se connaitre sans se voir, par l’intermédiaire d’une porte de salle de bain, avait un côté assez original. Mais sur l’écran quelle déception !

Pour son premier long métrage, Benoit Philippon a commis un certain nombre d’erreurs. Tout d’abord avec un film trop long et un scénario qui perd le fil assez vite. Ce va et vient entre les deux personnages qui une fois veulent être ensemble puis la minute suivante se déchirent, s'avère un schéma trop systématique et par conséquent irritant.

Au final, le spectateur reste frustré et perplexe tant de nombreux points essentiels de l’histoire restent flou. Autre problème, la prestation de la charmante Clémence Poésy qui en fait beaucoup trop dans l’émotion. Trop de pleurs, trop de manières qui deviennent insupportables, trop d'excès qui tuent les nuances.

Heureusement la bande originale de Charlie Winston permet de rythmer le film à défaut de donner du tempo au scénario.

Il faut rajeunir l'audience des Oscars? Alors rajeunissons les présentateurs! Adieu les vétérans (Steve Martin et Alec Baldwin l'an dernier), oublions le multi-talents (Hugh jackman, Whoopi Goldberg), les vedettes de la télévision (Jon Stewart) ou les spécialistes du stand-up (Chris Rock, Billy Crystal). Prenons deux des stars de la nouvelle génération les plus "hot" de la décennie passée et les plus connus dans le monde (pour leur physique comme pour leurs succès au box office).

James Franco (Spider-Man) et Anne Hathaway (Le Diable s'habille en Prada) feront un duo inédit : un homme et une femme. L'un est né en 1978, l'autre en 1982. Un bond en avant. Le 27 février ils feront ce qui n'a jamais été fait : un duo paritaire.

Le premier est actuellement à l'affiche de 127 heures, de Danny Boyle, tandis que la seconde donne la réplique à Jake Gyllenhaal dans Love et autres drogues. Hathaway a déjà été nommée à l'Oscar de la meilleure actrice en 2009.

Les Oscars seront décernés le 27 février prochain.

Mario Monicelli, 95 ans, s'est suicidé en se jetant par une fenêtre de l'hôpital San Giovanni de Rome où il était soigné. Né le 15 mai 1915 à Viareggio, en Toscane,il était devenu l'un des maestro de la comédie à l'italienne, tournant avec les plus grandes stars, y compris françaises (Philippe Noiret, Catherine Deneuve, Bernard Blier...).

"La mort ne me fait pas peur, elle me dérange. Cela me dérange par exemple que quelqu'un puisse être là demain et que moi je n'y sois plus. Ce qui m'ennuie c'est de ne plus être vivant, pas d'être mort" confessait-il il y a trois ans.

Il a commencé sa carrière en 1934, passant par tous les métiers : scénariste, co-réalisateur, assistant réalisateur. C'est en mettant en scène la star locale Totò, le "Prince du rire", qui se fera une réputation de cinéaste de films comiques.

On lui doit ainsi Gendarmes et voleurs, Pères et fils, Au diable la célébrité. En 1958, il réalise Le Pigeon (avec Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni et Claudia Cardinale), puis l'année suivante, La grande guerre, deux gros succès. De Casanova '70 à Mes chers amis, il vadrouille entre le bon et le navet, y compris des segments de films collectifs. Mes chers amis . Ce dernier, sorti en 1975 a battu les Dents de la mer (en tête au box-office dans le monde entier, sauf en Italie). "Des producteurs d'Hollywood nous ont proposé de travailler ensemble mais aucun de nous ne comprenait un mot de ce qu'ils disaient et tout s'est terminé par un bon repas. On ne les a jamais revus", s'était-il amusé.

Un bourgeois tout petit petit en 1977 prolonge l'état de grâce, en étant sélectionné à Cannes. En 1986, il réalise Pourvu que ce soit une fille, autre gros succès transalpin. Il tournera plus rarement à partir de 1992, ne réalisant que trois films en 15 ans, dont le dernier, Les roses du désert.

Monicelli n'avait rien de réalisateur mineur. Pour un spécialiste des films légers, il avait un lourd palmarès : Lion d'or à Venise (pour La Grande guerre puis l'ensemble de sa carrière en 1991), trois fois Ours d'argent du meilleur réalisateur à Berlin (Pères et fils, Caro Michèle, Le Marquis s'amuse), quatre fois primés par les Césars italiens, les David di Donatello, en tant que metteur en scène, trois fois nommé à l'Oscar du meilleur film en langue étrangère (Le pigeon, La Grande guerre, la fille au pistolet) et deux fois pour le meilleur scénario (Casanova '70, Les camarades), cinq fois sélectionné en compétition à Cannes (de 1952 à 1985).

Il aura tourné une soixante d'oeuvres, des téléfilms comme des documentaires. Mario Monicelli, proche de la gauche, avait notamment collaboré à un documentaire sur le sommet du G8 à Gênes en 2001, où des centaines de militants alter-mondialistes avaient été blessés dans des affrontements avec la police. En juin dernier, il avait provoqué la colère du ministre de la Culture en appelant
des étudiants à "se rebeller" contre des coupes budgétaires. "Vous devez utiliser votre force pour subvertir, pour protester, faites-le vous qui êtes jeunes, moi je n'en ai plus la force", avait-il lancé à une assemblée d'élèves de l'Institut d'Etat pour la cinématographie et la télévision.

"La génération née à la fin du fascisme a reconstruit le pays, s'est retroussé les manches, était solidaire. Les générations suivantes ont transformé l'Italie en un tas de ruines; tout a été détruit et corrompu. C'est justement ce que raconte Gomorra : un pays cynique et corrompu", déclarait-il à La Stampa en juin 2008.

“ Si ?nous? voulons ?que ?tout ?reste ?comme ?avant, ?il? faut ?que? tout? change.”

Le Guépard de ?Luchino ?Visconti ressort en? salles, ?DVD? et? Blu-ray ?le? 1er? décembre ?2010 dans une version? remasterisée ?par ?The ?Film ?Foundation (Martin Scorsese), présentée en exclusivité au récent Festival du Film de Rome. Contrairement à la célèbre réplique du film, rien n'a changé, à part la qualité de l'image, vraiment somptueuse. Le film ressort de l'ombre, pour entrer en pleine lumière, 47 ans après, et la magie opère toujours.

Pour ceux qui ne savent pas qui est ce Guépard, voici l'histoire. En mai 1860, lorsque Garibaldi et ses chemises rouges débarquent en Sicile pour renverser la monarchie des Bourbons de Naples et l’ancien régime, le Prince Don Fabrizio Salina (Burt Lancaster, lion fatigué), sa famille et le Père Pirrone (Romolo Valli), quittent  Palerme pour son palais urbain de Donnafigata, tandis que son neveu Tancrède (Alain Delon, beau comme une statue de la Renaissance) rejoint les troupes de Garibaldi. Période troublée qui conduira in fine à l'unification de l'Italie. Le désargenté Tancrède, d'abord chemise rouge puis faisant partie de l'armée, s’éprend d’Angelica, (Claudia Cardinale, sublissime), la fille de Don Calogero,  le riche maire de Donnafigata. Contre toute attente, le Prince Salina décide d'arranger leur mariage, se sachant dépassé (vaincu ?) par le temps qui passe et par les événements de la petite et de la Grande Histoire.

Ce film fleuve est l'adaptation d'un roman écrit en 1957 par Tomasi di Lampedusa,  Le Guépard. C'est aussi, sans doute, la réalisation la plus critiquée des 14 films de Visconti. Oeuvre charnière loin d'être damnée, ce septième film a remporté une Palme d'Or à l'unanimité lors du festival de Cannes en 1963.

Trois heures (et quelques) comme un rêve atemporel remises valeur par une image restaurée magnifique.

Une scène de bal légendaire, des dialogues inspirés, drôles ou quasi-philosophiques, la musique somptueuse de Nino Rota, le travail minutieux des couleurs (la séquence la plus symbolique est le visage blanc de poussières des aristocrates  à la messe donnée lors de leur arrivée. On dirait un masque mortuaire... ) : ce n'est pas un film qui se raconte, c'est une expérience à vivre. Et  à revivre, tant le film est complexe, et finement détaillé.

Le travail de restauration lui rend un digne hommage. Il suffit de comparer deux images pour constater l'ampleur de la restauration et le formidable travail qui a été fait. Le Guépard a été restauré en association avec la Cineteca di Bologna, L'Immagine Ritrovata, The Film Foundation, Pathé, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, la Twentieth Century Fox et le Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale. Restoration funding provided by Gucci and The Film Foundation.

« Nous étions les guépards, les lions, ceux qui les remplaceront seront les chacals, les hyènes, et tous, tant que nous sommes, guépards, lions, chacals ou brebis, nous continuerons à nous prendre pour le sel de la terre ». À méditer.

L'histoire : Daniel Toscan du Plantier. Producteur infatigable, notamment de Fellini, Pialat, Antonioni, Scola, Wajda, Deville, auteur de quatre livres, chroniqueur, directeur d’une maison de disques et d’une maison d’édition, président d’Unifrance… Impossible de réduire Daniel Toscan du Plantier à une fonction ou à son image médiatique. A sa disparition, quarante ans de vie par et pour le cinéma et l’opéra s’envolent.  Sous des dehors de baladin flamboyant qui célébrait l’art et la vie comme une fête, l’homme rayonnait par son esprit et son talent pour transmettre sa passion à chacun. En reconstituant à partir de plusieurs centaines d’interviews réalisées sur près de 30 ans le puzzle de cette pensée si fidèle à elle-même, ce documentaire souhaite souligner combien la conviction et l’enthousiasme de Daniel Toscan du Plantier restent décidément indispensables.

Notre avis : Manque-t-il vraiment ? Peu importe : Daniel Toscan du Plantier était une particule noble du cinéma français. Bien sûr, des films se produisent toujours, sans lui. Le cinéma français se promeut toujours à l’étranger, sans lui. La musique classique s’écoute toujours, sans lui. Mais, à l’instar de Claude Berri, il était une sorte d’ambassadeur incontournable, représentatif de toute une époque, un défenseur d’une cinéphilie exigeante, qui elle risque de disparaître.

En voyant le documentaire d’Isabelle Partiot-Pieri, on est touché par la passion, la sensibilité, la détermination, l’engagement de ce Seigneur. Un de ces nababs, aux allures de Dandy, qui ont forgé l’idée qu’un cinéma pouvait être audacieux, que le métier était avant tout un risque, que les Rois étaient les artistes. C’est sans doute cela qui a disparu : une forme d’ambition, une volonté de se protéger, une industrialisation des méthodes. Bien sûr, on imagine bien que l’Homme, qui a toujours été patron de quelque chose, n’était pas un tendre. Il avait aussi quelques fêlures mal cicatrisées, et un attachement sans doute trop subjectif au cinéma, pour ne pas être exposé aux critiques, et même aux jalousies. Fin politique, à la fois affable pour séduire et hargneux pour défendre ses intérêts, il a su se rendre indispensable. Se stariser même. L’ego n’est jamais loin des opportunités.

Mais reconnaissons qu’en domptant un Pialat, produisant Fellini et Wajda et tant d’autres, en alliant l’opéra au cinéma, il fait momentanément taire quelques points de vue discordant sur cette vanité affichée, cette puissance désirée, et même son goût pour le champagne et les paillettes.

Le documentaire ne prend aucun point de vue. Nous sommes dans un portrait, plutôt laudateur, avec de nombreuses interviews du défunt. Visuellement, le film aurait pu aller au-delà de cette image si télévisuelle.  Quelque part, avec cette dimension cinématographique oubliée, il enterre définitivement un homme qui n’aimait que les choses en grand, comme un écran de cinéma, plus grand que la vie, aussi grand que lui.