Moins de monde et pourtant...

Aucune projection pour la presse n'affichait complet, pas même celle de Solo, A Star Wars Story. Aux projections officielles auxquelles nous avons assisté, y compris sur des films-événements, il restait pas mal de fauteuils vides. Des hôteliers se plaignaient du nombre de chambres pas occupées. Trois semaines avant le début du Festival, des dizaines d'appartement étaient encore disponibles. Hormis quelques soirs dans quelques restaurants, il était facile de trouver une table en soirée. Bref, on a eu l'impression qu'il y avait moins de monde, malgré deux jours fériés.

Et pourtant, le nombre d'accrédités a augmenté au marché comme au Festival. Beaucoup, cependant, restait moins longtemps (une partie notable des journalistes n'était plus là dès le deuxième mercredi). L'ajout de projections pour la presse a été une excellente idée, permettant à tous de voir tous les films. L'accès à Lumière, même en projection officielle, a été sous-exploitée, question d'habitudes pas encore prises. Il y avait moins de foule, mais il y avait aussi moins de temps perdu pour chacun.

Trop d'abus et pourtant...

Une des raisons à cette fréquentation perçue comme moins importante reste le coût d'un séjour cannois. De Gilles Jacob aux journaux professionnels américains, tous s'accordent à dire que la poule aux œufs d'or de l'hôtellerie est en train de se suicider: inflation des prix quand toutes les entreprises (des médias aux producteurs) contrôlent de plus en plus leurs budgets (quand elles ne licencient pas), réservation obligatoire sur la quinzaine dans certains hôtels, tarif de location exponentiel pour des petits appartements pas vraiment luxueux, un billet d'avion à 300€ minimum, un billet de train qui augmente chaque année... tous profitent de Cannes. Et à force, beaucoup se résignent à ne pas venir, ou quelques jours seulement, ou en faisant des sacrifices. Les supermarchés font ainsi le plein tandis que les restaurants font grise mine. Mais que dire quand un cocktail qui vaut 10-12€ dans une métropole européenne est facturé 16€ à Cannes? Ou trois déjeuners (avec un seul verre de vin et un café par personne) au Californie, en face du Palais, totalisent un montant astronomique de 190€ (sans que la nourriture et les portions soit exceptionnelles). Même à Paris, personne n'ose.

Et pourtant, on revient chaque année. Et tout le monde se débrouille pour faire Cannes. Pour l'instant. S'il est urgent que l'industrie touristique cannoise prenne conscience de ses excès néfastes pour eux-mêmes, on peut au moins se féliciter de voir que dans les soirées, l'alcool coule toujours à flot. Même si ça ne nourrit pas son festivalier.

Pas assez de stars et pourtant...

Oui le tapis rouge manquait peut-être de glamour, hormis le jury. Or, même si on est indifférent à ce défilé haute couture, le red carpet est un élément essentiel de Cannes (comparé aux autres festivals). Cela permet d'élargir le public d'intéressés. De faire de Cannes un événement "people" et populaire. Il est vital pour le Festival d'équilibrer la présence entre "stars" du moment, icônes du 7e art et vedettes du cinéma.

Et pourtant, on a au moins éviter les abus des années passées (télé réalité, sport, mode) où ce n'était plus le cinéma qui était sous les projecteurs. Et rappelons que les vraies stars restent quand même les films sélectionnés. Mais pour qu'un acteur russe ou qu'une jeune cinéaste française inconnus brillent il est vital que la montée des marches fasse l'événement, avec des personnalités que tout le monde reconnaît. L'impression de s'inviter à une grande réception demeure importante. Cette année, ce n'était pas les Oscars.

Trop de sécurité et pourtant...

Il était difficile de circuler sur la Croisette. Le préfet avait encerclé la Croisette de barrières du Majestic au casino. Autrement dit, impossible à cause des barrières, de traverser le boulevard sur 500 mètres. Une perte de temps considérable pour le festivalier. Mais surtout une grosse angoisse en cas de mouvement de foule: finir en compote écrasée sur ces barrières blanches.

Et pourtant il n'y a eu aucune alerte, aucune panique. Surtout, de l'accueil à la sécurité, le personnel était aimable, conciliant (les règles sur les objets tolérés en salles étaient claires) et l'entrée dans le Palais facilité et fluide. Une organisation en nette amélioration.

Pas assez d'éclats et pourtant...

Il n'y a pas eu d'emballements sur un ou deux films. Tout juste quelques coups de cœur, poussées d'adrénaline. Mais rien qui enthousiaste ou qui fasse débat. Chacun avec ses chouchous. On le sait depuis des années: les débats cinéphiliques se raréfient. Pire, on ne voyait plus les festivaliers lire les quotidiens print divers et variés dans Lumière avant la projection du matin.

Et pourtant, on parle toujours de cinéma le matin, le midi, le soir. On croise un ami, un confrère? On parle de films. On échange les impressions. On nuance le propos ou on accentue la qualité ou la médiocrité de l'œuvre. Il n'y avait pas de sensations cette année, mais il y avait ce sentiment que le cinéma était toujours important. Le reste du monde n'existe toujours pas dans la bulle cannoise.

Des fêtes moins fun et pourtant...

Cela fait longtemps que l'extravagance des fêtes cannoises a disparu. Ce qui distingue Cannes des autres festivals c'est justement la fête. Or celles-ci sont de plus en plus banales. Entre la Villa Schweppes qui a les allures d'une boîte de nuit élitiste, queue comprise, et les fêtes sur la plage, qui passent toutes la même musique, on a du mal à distinguer les soirées selon si elles sont celles d'un film, d'une sélection ou d'un distributeur. Les listes d'invités n'étant pas mises à jour : on y retrouve toujours les mêmes professionnels, se mélangeant peu entre français et étrangers.

Et pourtant, cette année, il était assez facile de rentrer un peu partout, l'alcool coulait à flots, et peu d'incidents ont été notés. Trop sages les festivaliers?

Pas de Netflix et pourtant...

L'absence de Netflix et dans une moindre mesure le désintérêt des plateformes de streaming pour les films cannois était palpable. On peut blâmer les exploitants français, qui pèse au conseil d'administration de Cannes. On peut regretter que le Festival ait une position rigide à l'encontre de ces nouveaux modes de diffusion. On peut souligner la contradiction du Festival de projeter un film de HBO, et d'avoir dans le passé diffusé des films produits pour le petit écran (Elephant, Ma vie avec Liberace, Le P'tit Quinquin, La chambre bleue...). Il est certain qu'en se coupant de ces nouveaux producteurs sous prétexte que leurs films ne sortent pas en salles, alors que les plus grands auteurs (Cuaron, Scoresese, etc...) n'ont pas d'autres choix pour financer leurs projets, le Festival passe à côté d'une mutation des usages. Pire, on sait que les films d'auteurs cannois, berlinois, vénitiens ont de moins en moins de publics en salles. Face à cette tendance, il devient vital de trouver ceux qui leur donneront une exposition nécessaire pour qu'ils puissent continuer d'exister.

Et pourtant, nombreux sont les films vus à Cannes qui trouveront, selon nous, leur public en salles. Cannes n'est plus un refuge pour des films pointus ou radicaux (il y en a même de moins en moins). De Capharnaüm (qui s'est arraché à prix d'or au marché) à En liberté, de Girl à BlacKkKlansman, de Climax à Cold War, le public sera au rendez-vous. Et nombreux sont les films qui seront aux César ou aux Oscars l'an prochain.

Un agenda perturbant et pourtant...

L'une des raisons du manque d'emballement et d'une impression d'un Festival atone est sans aucun doute le changement de calendrier des projections. Il y avait une distorsion de concurrence entre ceux qui avaient pu voir le film avant la projection presse (à Paris, Los Angeles ou tout simplement en projection officielle) et les autres. Cela a créé un effet secondaire plutôt attendu: l'absence de buzz sur les films. Ce fameux bruit qui parcourait la Croisette tout au long de la journée et qui donnait de l'élan à la montée des marches d'un film. Mais aussi cela donnait des billes aux vendeurs au marché du film pour faire de la surenchère sur les droits de distribution.

Et pourtant, qui en a vraiment souffert au quotidien, dans son travail? Après tout il était assez facile d'aller voir le film en projection officielle (si on connaissait la méthode) et hormis les films qui sortent simultanément (il y a là une vraie réflexion à faire), aucune critique n'est réellement attendue par le public. A l'époque où la vitesse dicte nos vies, prendre son temps pour écrire une critique n'est pas plus mal. Sauf à vouloir faire la course aux clics sur un film égyptien ou colombien. L'important est plutôt de partager un coup de cœur, qui ne s'étiole pas au bout de 24 heures.

Un gros renouvellement et pourtant...

C'était l'année où il y avait peu d'abonnés à la Croisette. Pas de Mike Leigh, aucun Nanni Moretti, nul Xavier Dolan, zéro Pedro Almodovar. Le grand chambardement permettait à de nombreux cinéastes de faire leur entrée en compétition ou même en sélection officielle. Le spectre était large entre cinéastes confirmés voire vétérans, mais rares à Cannes, et nouveaux talents surexposés mais parfois audacieux, passés par les sélections parallèles ou d'autres festivals. De multiples premiers ou deuxièmes films ont été soutenus et applaudis. On reconnaît aussi que les films les plus risqués étaient peut-être surestimés mais hormis un ou deux films, avaient leur place sur les marches de Lumière ou Debussy.

Et pourtant, en regardant le palmarès, le jury de Cate Blanchett a choisi des vétérans: Kore-eda, Lee, Pawlikowski, Godard, Panahi, ... Rohrawacher et Garrone sont des habitués des palmarès cannois. Nadine Labacki ne fait que confirmer sa côte avec son troisième film. Bref, c'est un palmarès étonnement senior qui a été délivré. Les Gonzales, Husson, Robert Mitchell, Hamaguchi n'ont pas su, pas pu lutter. D'autant, qu'à bien y regarder, le jury a fait un choix plutôt consensuel, préférant un Cold War grand public à la maestria d'un Serebrennikov, le récit mystico-allégorique d'un Heureux comme Lazzaro à l'histoire plus subtile et intense d'un Lee Chang-dong.

Des histoires d'amour et pourtant...

Du love partout. C'était l'une des grandes tendances des films cannois. L'amour hétéro, homo, parental, filial, fraternel. Toutes les composantes de l'amour étaient représentées. Trahisons, infidélités, passions, amitiés. Les cinéastes restent de grands romantiques.

Et pourtant côté sexe, cette année, Cannes était plutôt frigide. C'est finalement le cinéma gay et lesbien qui s'en sort le mieux, c'est-à-dire qu'il a été moins pudique que les autres. Quelques culs, quelques corps à poil, peu de pénis. Mais pour le reste on reste sur notre faim. Tout le monde a gardé son pantalon, on a caché les seins qu'on ne saurait voir. L'amour était verbal, gestuel, mais pas plus. Rien de torride. Il y avait bien quelques paires s'accouplant. Mais la plupart du temps, les histoires étaient platoniques, pour ne pas dire asexuées. Montrer l'amour sans montrer le désir, c'est un peu comme filmer la guerre sans filmer la mort. Et justement, la tendance c'était plutôt la petite mort. A la main, en solitaire. Triste époque.

On oublie le palmarès, qui reste comme tous les ans un tri sélectif et subjectif (plus ou moins en phase avec la critique). Penchons-nous plutôt sur ce qu'on voulu nous montrer du monde les 21 cinéastes sélectionnés, du Japon à l'Egypte, des Etats-Unis à la Pologne, en passant par l'Italie, le Liban ou la Russie.

Changement d'ère
Plusieurs films se déroulaient à un moment clé de l'histoire de leur pays ou constatait que nous étions à ce moment de basculement. Dans le premier cas, Leto montre l'occidentalisation de la Russie au début des années 80, Cold War suit la montée d'un communisme dur après la guerre, Les éternels observe les mutations de la Chine en moins de vingt ans, Heureux comme Lazzaro passe d'une société rurale à un monde urbain, BlacKkKlansman est un pamphlet politique qui décrypte l'émergence de l'extrême droite et la cristallisation du racisme aux Etats-Unis, 40 ans avant l'arrivée d'Obama puis de Trump, En guerre plaque sa caméra sur un mouvement politique et syndical désarmé face au libéralisme triomphant, et Le poirier sauvage dévoile par petites touches une Turquie où la religion et le business prennent plus d'importance que l'éducation et la culture.

Exploitation
Sans doute que la thématique majeure de cette compétition fut le réveil de la lutte des classes. Une lutte inégale tant les puissants semblent dominants. Exploités, marginaux, chômeurs, esclaves, sans abris: tous les mis à l'écart étaient les "héros" de ces histoires diverses, révélant un monde de plus en plus injuste et inégal. Dans Everybody Knows, les rancœurs et les envies conduisent au kidnapping d'une jeune fille et révèlent des situations personnelles où l'argent et le statut social crispent les relations humaines . Dans Yomeddine, lépreux et orphelins sont ghettoïsés loin des villes. Dans Les éternels, on préfère basculer du côté de la mafia que d'être envoyé à l'autre bout de la Chine pour cause de fermeture de mines de charbon. Dans Trois visages, les habitants du nord-ouest de l'Iran sont ignorés par le pouvoir, et subissent coupures d'eau et d'électricité. Dans Heureux comme Lazzaro, les paysans sont les esclaves d'une aristocrate, qui leur refuse l'éducation, puis, une fois "affranchis" deviennent des clochards égarés dans une grande ville. Dans Une affaire de famille, un groupe compose une famille qui survit dans un taudis, loin des richesses du pays. Dans En guerre, des salariés d'une usine, qui ont sacrifié leurs acquis sociaux, doivent se battre ou se résigner pour sauver leur emploi, variable d'ajustement trop chère pour une multinationale allemande. Dans Burning, la jeunesse sud-coréenne est condamnée aux petits jobs et à l'endettement. Dans Dogman, le petit commerçant est manipulé et exploité par une brute épaisse qui terrorise le quartier. Dans Capharnaüm, immigrés, gamins, miséreux n'existent pas dans le système, qui tolère tout juste ces "parasites". Dans Ayka, la jeune femme est sans papiers et sans boulot, capable de tout accepter pour pouvoir rembourser une dette dans un pays sans pitié pour les exclus.

Colères
Quand il n'y a pas une forme de résignation ou de soumission, tout cela se traduit par la rage, la colère, la guerre. Elle peut-être musicale (Leto), lacrymale (Everybody Knows), criminelle (Les éternels), sanglante et revancharde (Les filles du soleil), humaine (Yomeddine), rhétorique et politique (BlacKkKlansman), sociale, médiatique et violente (En guerre), passionnelle (Burning), judiciaire (Capharnaüm), misanthrope et critique (Le poirier sauvage), bouillonnante et égoïste (Ayka) ou purement abstraite (Le livre d'image).

Disparitions et évasions
Mais le plus surprenant dans cette compétition est ailleurs: le nombre de disparitions et d'évasions. Asghar Farhadi fait disparaître la fille de Pénelope Cruz (kidnapping) dans Everybody Knows. Il est aussi question d'une enlèvement d'une gamine (maltraitée par sa mère) dans Une affaire de famille de Kore-eda Hirokazu. Et Jafar Panahi prend comme point de départ à Trois visages la disparition d'une jeune fille, peut-être suicidée, ou pas. Lee Chang-dong fait de la disparition de son héroïne dans Burning le moteur de son histoire. De même David Robert Mitchell fait disparaître une jolie voisine attachante, qui va entraîner Andrew Garfield dans une drôle d'enquête dans Under the Silver Lake. Dans Asako de Ryusuke Jamaguchi, la jeune fille ne se remet pas de la mystérieuse disparition de son grand amour, avant de rencontrer un jeune homme qui semble en être le sosie. Le personnage de Zhao Tao recherche aussi son grand amour, aux abonnés absents, après une longue peine de prison, dans Les éternels. Dans Les filles du soleil, la combattante incarnée par Golshifteh Farahani s'évade de ses oppresseurs et cherche son fils enlevé par Daesch. Un lépreux et un orphelin quittent leurs refuges, comme s'il signait une grande évasion, pour s'embarquer dans une grande traversée dans Yomeddine. Pawel Pawlikowski complique la liaison amoureuse entre un musicien et sa chanteuse quand le premier passe à l'Ouest. Quant à Ayka, elle s'évade de l'hôpital, abandonnant son bébé tout juste né. Sinon le jeune Zain dans Capharnaüm fuit le foyer familial quand sa sœur est "vendue" pour un mariage arrangé. Il disparaît aux yeux de ses parents. Enfin, Alice Rohrwacher fait disparaître temporairement son éternel Lazzaro pour bondir de vingt ans dans le temps.

Amours
Comme on le voit, plusieurs films tournent autour du thème indémodable de l'amour. Petit passage en revue des relations amoureuses, qui parfois finissent mal.
- Everybody Knows: une femme, son époux, son ex et son actuelle compagne. Jalousie et désirs font mauvais ménage.
- Leto: une femme amoureuse de son époux, éprise de son rival musical. Dommage, elle fait le mauvais choix.
- Plaire, aimer et courir vite: un homme, dont la fin de vie approche amoureux d'un autre homme, qui a toute la vie devant lui. Mais on se dit qu'un seul des deux était vraiment raide dingue vu la fin. Sinon il y a quelques plans cul et quelques plans de cul.
- Cold War: une passion amoureuse entre un musicien et une chanteuse. L'un part (à l'Ouest), l'autre pas. Et la passion reste.
- Les éternels: une femme et le chef de la mafia locale, dont la relation va être interrompue par une peine de prison. Forcément, il ne l'a pas attendue. Mais elle ne s'avoue pas vaincue.
- Les filles du soleil: deux veuves qui n'ont plus que leur enfant. Du coup elles en parlent souvent.
- Une affaire de famille: tout est amour dans cette famille "composée".
- Asako: une jeune fille amoureuse de son fantasme de jeunesse puis d'un homme qui en a tous les atours.
- BlacKkKlansman: un jeune flic qui cherche à s'intégrer dans une société WASP et une étudiante révolutionnaire et idéaliste.
- Under the Silver Lake: un voisin qui passe son temps à observer les blondes de son voisinage. Il se branle, baise une ex, et finalement va finir avec l'une des deux, même si ce n'était pas son premier choix. Affreusement pas #metoo.
- Burning: un aspirant écrivain et un richissime écrivain se "disputent" l'intérêt d'une jeune femme triste et belle. Le premier se masturbe en pensant à elle. Le second paraît platoniquement psychopathe.
- Dogman: un toiletteur pour chiens qui n'a que sa fille et ses animaux comme source d'affection. Ça ne l'empêche pas de prendre la décision la plus conne du festival.
- Capharnaüm: incontestablement Zaïn, enfant de 12 ans, aime beaucoup sa sœur et adore Yonas, bébé d'un an. Sinon, c'est plutôt une histoire de détestation.
- Un couteau dans le cœur: Une grande histoire sur sa fin entre une productrice et sa monteuse et une autre inassouvie, achevée tragiquement il y a plus de 15 ans. Les deux conduisent la productrice et le survivant à la folie. Tout ça n'empêche pas un certain érotisme et de jolies fesses.
- Le poirier sauvage: ici c'est un amour amer filial qui occupe toute l'histoire. Le fils étant trop plouc et trop fauché pour avoir une fiancée.

Et les absents...
Pour conclure, si certains regrettaient l'absence de stars (alors que fondamentalement, Cannes n'est pas qu'un tapis rouge avec des marches, rappelons-le), ce qui frappait c'était l'absence des talents en compétition à Cannes. Kirill Serebrennikov et Jafar Panahi, qui n'avaient pas le droit de sortir de leur pays. Les comédiens de Yomeddine, a priori bloqués dans le leur. Andrew Garfield, occupé à Broadway. Et bien sûr Jean-Luc Godard, qui a quand même réussi à être présent en conférence de presse grâce à Facetime.
Heureusement, Terry Gilliam, contre qui tout a été fait pour qu'il ne puisse pas venir, était bien présent, et debout, pour la clôture du Festival.

Le 71e Festival de Cannes s'achève ce samedi avec son palmarès dont voici les lauréats. Il est forcément différent du notre (lire notre palmarès). Mais on y retrouve quelques films communs pour notre plus grand plaisir... Il y a des évidences (le prix d'interprétation féminine par exemple et dans une certaine mesure le prix du jury), des facilités un peu contestables (prix de la mise en scène, prix d'interprétation masculine), un drôle de partage (prix du scénario), une audace salutaire (une Palme d'or spéciale).

Mais on ne peut que se féliciter le jury pour le grand doublé Spike Lee (Grand prix du jury) / Kore-eda Hirokazu (Palme d'or), deux de nos films favoris à Cannes. C'est la cinquième Palme d'or japonaise (et la première depuis 1997).

Notons que la Caméra d'or a été décernée à Girl, déjà lauréat d'un prix d'interprétation par le jury Un certain regard, du prix Fipresci Un certain regard et de la Queer Palm. Un carré d'as.

Compétition

Palme d'or: Une affaire de famille de Kore-eda Hirokazu
Palme d'or spéciale: Jean-Luc Godard (Le livre d'image)
Grand prix du jury: BlacKkKlansman de Spike Lee
Mise en scène: Pawel Pawlikowski pour Cold War
Interprétation féminine: Samal Yeslyamova (Ayka)
Interprétation masculine: Marcello Fonte (Dogman)
Scénario: Alice Rohrwacher (Heureux comme Lazzaro) et Jafar Panahi & Nader Saeivar (Trois visages)
Prix du jury: Capharnaüm de Nadine Labacki

Court métrage
Palme d'or du court métrage: Toutes ces créatures de Charles William
Mention spéciale Court métrage: On the border de Wei Shujun

Caméra d'or (meilleur premier film toutes sélections confondues)
Girl de Lukas Dhont, "qui a su allier une immense délicatesse et une puissance."

La FIPRESCI a rendu son verdict. Trois films cannois ont été récompensés cet après-midi, à quelques heures du palmarès officiel.

Burning de Lee Chang-Dong a reçu le prix pour la compétition, le jury saluant "Un film visuellement époustouflant et un commentaire émotionnellement complexe sur la société contemporaine."

Déjà primé au palmarès d'Un certain regard et lauréat de la Queer Palm, Girl de Lukas Dhont a remporté le prix pour la section Un certain regard, "pour son intégrité audacieuse dans la lutte contre les problèmes de genre tout en affichant un équilibre incroyable de la part d'un primo-réalisateur qui décrit le rapport délicat et touchant dans une relation père-fille magnifiquement dépeint par les deux acteurs."

Enfin, pour le prix sacrant un film issu des sélections parallèles, c'est la semaine de la critique qui est récompensée avec Egy nap (One Day) de Zsofia Szilàgyi. "Le travail précis de la caméra et la mise en scène puissante traduisent l'intensité et la tension extraordinaires d'une situation tout à fait ordinaire par le sentiment, l'humour et le drame. Un début remarquablement confiant" explique le jury.

"C'est une évidence !" Voilà ce que l'on a pu entendre de manière très distincte hier soir, lors de l'annonce du gagnant de la Queer Palm 2018. Pour cette neuvième édition, les organisateurs avaient décidé de déménager leur traditionnelle soirée sur le rooftop du Five Seas Hotel. Un choix couillu !

Mais s'il y en a qui avait de quoi sourire, c'était bien Lukas Dhont, le réalisateur de Girl. Le Belge a en effet remporté la Queer Palm avec son premier long métrage qui traite de la transition d'un jeune danseur vers le sexe féminin. Brillamment pensé autour d'une double quête, ce film présenté à Un Certain Regard était reparti quelques heures plus tôt avec un prix d'interprétation pour Victor Polster, l'acteur principal. Du côté des courts métrages, le prix Queer Palm Hornet est revenu à The Orphan de la réalisatrice brésilienne Carolina Markowicz.

Pour rappel, Girl fait suite à 120 battements par minute (2017), Les Vies de Thérèse (2016), Carol (2015) et Pride (2014). Le film de Lukas Dhont avait pour principaux adversaires Carmen et Lola d'Arantxa Echevarria, Cassandro the Exotico de Marie Losier, Un couteau dans le cœur de Yann Gonzalez, Plaire, aimer et courir vite de Christophe Honoré et Rafiki de Wanuri Kahiu.

Le Jury de l’Œil d’Or, présidé par le cinéaste Emmanuel Finkiel a remis son prix à Samouni Road de Stefano Savona (Quinzaine des Réalisateurs). Le film qui revient sur l’opération "Plomb durci" menée par l’armée israélienne à Gaza en 2009, le réalisateur restitue le quotidien d’une famille pendant et après le deuil, mêlant prises de vues réelles et animation.

"Le jury a décidé de décerner L’Œil d’or – Le Prix du documentaire au film Samouni Road de Stefano Savona, pour l’intelligence de son dispositif, la juste distance du point de vue, la délicatesse de son regard, la brillante et subtile utilisation de l’animation et pour la force de sa proposition narrative. Autant d’éléments qui contribuent à nous plonger dans une proximité exceptionnelle avec des êtres pris dans la réalité insupportable du conflit israélo-palestinien" a déclaré le jury.

Le jury a aussi distingué deux autres documentaires avec une mention spéciale ex-aequo pour The Eyes of Orson Welles (Sélection Officielle - Cannes Classics) de Mark Cousins et Libre (Sélection Officielle - Séances Spéciales) de Michel Toesca.

Pour sa première édition, le Prix de la Citoyenneté, initié par Laurent Cantet et dont le jury était présidé par Abderrahmane Sissako, a récompensé l'un des favoris pour la Palme d'or: Capharnaüm de Nadine Labaki, qui l'errance d'un enfant et d'un bébé livrés à eux-mêmes dans les zones misérables de Beyrouth.

Le 71e Festival de Cannes s'achève. Sans film qui nous emballe mais avec une qualité d'ensemble plutôt bonne, puisque peu de films de la compétition nous ont profondément déplus. Si on fait une synthèse, la maîtrise de la mise en scène de la plupart des films présentés l'emporte souvent sur des scénarios affichant leur faiblesse. Globalement, avec de nombreux films pouvant toucher un public assez large, et de très rares propositions radicales, la compétition n'a pas donné de favori consensuel mais chacun pouvait y trouver son bonheur.

Palmarès de MPM:
Palme d'or: En guerre de Stéphane Brizé
Grand prix: BlacKkKlansman de Spike Lee
Mise en scène: Kirill Serebrennikov pour Leto
Scénario: Kore-eda Hirokazu pour Une affaire de famille
Interprétation masculine: Zain Alrafeea dans Capharnaüm
Interprétation féminine: Samal Yeslyamova dans Ayka
Prix du jury ex-aequo: Asako et Un couteau dans le cœur

Palmarès de Vincy:
Palme d'or: BlacKkKlansman de Spike Lee
Grand prix: Une affaire de famille de Kore-eda Hirokazu
MIse en scène: Stéphane Brizé pour En guerre
Scénario: Ryusuke Hamaguchi, Sachiko Tanaka pour Asako
Interprétation masculine: Zain Alrafeea dans Capharnaüm
Interprétation féminine: Samal Yeslyamova dans Ayka
Prix du jury ex-aequo: Leto et Burning

Notre anti-Palmarès:
Palme sentimentaliste: Yomeddine
Grand prix mystique: Heureux comme Lazzaro
Mise en scène toc: Under the Silver Lake
Scénario Harlequin: Cold War
Interprétation masculine plombante: Marcello Fonte dans Dogman
Interprétation féminine surjouée: Pénélope Cruz dans Everybody Knows
Prix du jury de bonne conscience: Les filles du soleil

Puisque cette 71e édition nous emmène dans les étoiles avec l’avant-première mondiale de Solo: A Star Wars Story, nouvel épisode de l'univers étendu de la saga Star Wars, présenté hors compétition, et la projection de 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick dans une nouvelle copie 70 mm restaurée (sans modification numérique de l'oeuvre de 1968) à Cannes Classics, profitons-en pour un petit tour d’horizon des « Space opéras » qui ont eu les honneurs de la sélection officielle.

Cannes ce n'est à priori pas le lieu où on s'imagine voir un film de vaisseau spatial et de bataille intergalactique, et pourtant certains gros films de science-fiction ont bel et bien décollé depuis la croisette.
Par exemple, retour en 1997...

C'était le mercredi 7 mai 1997, en début de soirée pour la cérémonie d'ouverture du Festival de Cannes, les photographes crépitent car l'équipe du film arrive en smoking : il y a la star américaine Bruce Willis, notre réalisateur-star Luc Besson, et cette grande fille à la robe plus que minimaliste dont on apprendra rapidement le nom : Milla Jovovitch. Les invités et les festivaliers trépignent d'impatience avant de découvrir ce film futuriste, Le Cinquième Elément, parce que la rumeur en a déjà fait le film événement de l'année. En fait, partout en France, il y a déjà cette grande affiche multicolore avec la mention "ouverture officielle Cannes 1997". Le film sort d'ailleurs le même jour dans les salles et le public se presse depuis le début de la journée. Avant même cette cérémonie, les premiers retours à Cannes sont très élogieux : Luc Besson a déjà gagné son pari. Deux jours après, le 9 mai, le film sort aux Etats-Unis et s'impose à la 1e place du du box-office : "le film européen le plus cher de l'histoire" est aussi "la nouvelle oeuvre du réalisateur français qui ose défier les Américains sur leur propre terrain", Luc Besson et les équipes de Gaumont sont ivres.

Luc Besson était déjà le réalisateur qui avait conquis non seulement la France mais plus largement le monde : il avait derrière lui les succès à l'international de Le Grand Bleu en 1988 (déjà en ouverture de Cannes, mais avec un accueil plutôt décevant), Nikita en 1990 et de Leon en 1994. Le Cinquième Elément devenait en quelque sorte le couronnement de sa carrière.

Il avait déjà écrit la base de cette histoire futuriste en 1975 (à 16 ans) : un certain 2300 Zaltman Bléros y gagnait un voyage vers Fhloston Paradise et tombait amoureux d'une Sabline : une vingtaine d'année plus tard, c'est devenu Korben Dallas qui récupère dans son taxi volant Leeloo pour aller chercher quelque chose sur Fhloston Paradise car Zorg et le Mal menacent de tout détruire... La préparation du film démarre au début des années 90 (juste après Nikita) : des dessinateurs sont rassemblés pour imaginer le design visuel comme Moebius et Jean-Claude Mézières (dont l'oeuvre Valérian inspire déjà Luc Besson, qui en fera un film 20 ans après), mais aussi Jean-Paul Gaultier pour les costumes. Tout s'arrête car c'est beaucoup trop cher et trop compliqué. Tant-pis, le cinéaste s'investit dans un nouveau projet plus léger avec son acteur fétiche Jean Réno : ça sera le film Léon, et encore un succès. La production du Cinquième Elément reprend, le scénario est affiné, les dessins deviennent des décors et des costumes, la star Bruce Willis dit oui, c'est toujours le budget le plus cher et le tournage va se dérouler pendant 21 semaines aux studios de Pinnewood et en Mauritanie.

Ce 7 mai 1997 au soir, le palais du Festival de Cannes vient de passer 2 heures au 23e siècle avec Bruce Willis blond, Milla Jovovitch rousse, Gary Oldman et une mèche hitlérienne, une diva bleue, des voitures volantes, des Mondoschawans, des Mangalores, et beaucoup sont un peu amoureux de Leeloo. La cérémonie fut suivie d'une fête immense avec un défilé de personnages avec les costumes du film et un concert.

Comme en écho de cette ouverture exceptionnelle, il y aura cette année à Cannes une nouvelle projection du Grand Bleu sur la plage (30 ans après avoir ouvert l'édition de 1988), et Gary Oldman viendra (21 ans après Le Cinquième Elément) pour une masterclasse.

Plus tôt cette semaine, la Croisette accueillait la traditionnelle cérémonie Chopard. Bien évidemment, la presse people, qu'elle soit française ou étrangère, est restée bloquée sur la robe transparente de Kendall Jenner, la petite sœur de Kim Kardashian. A tel point que la plupart d'entre nous est passée à côté de l'information capitale : les acteurs Elizabeth Debicki et Joe Alwyn étaient les lauréats des trophées Chopard.

La première, âgée de 27 ans, a d'ores et déjà fait des ravages à Hollywood. Du haut de son mètre quatre-vingt-dix, l'actrice à la double nationalité australienne et polonaise s'est offerte des incursions dans Men in Black 3, Gatsby le Magnifique, MacBeth et Agents très spéciaux : Code UNCLE. Dans Les Gardiens de la Galaxie Vol. 2, elle incarnait ni plus ni moins que la prêtresse recouverte d'or. Tout cela avant de prêter sa voix à l'un des personnages principaux de Pierre Lapin.

Le second, également âgé de 27 ans, est surtout connu pour faire battre le cœur de miss "Look What You Made Me Do" depuis maintenant un an. Rarement vus en public ensemble, ils se murmurent qu'ils redoublent de vigilance au moment de sortir et que Taylor Swift aurait arboré des perruques et divers accessoires pendant toute la période où ils apprenaient à se connaître... Dans un registre plus professionnel, Joe Alwyn a aussi tenu le rôle-titre d'Un jour dans la vie de Billy Lynn d'Ang Lee. Cette année, on pourra le voir dans pas moins de trois films : The Favourite de Yorgos Lanthimos, Opération finale de Chris Weitz et Boy Erase de Joel Edgerton.

Depuis leur création en 2001, les trophées Chopard récompensent chaque année deux jeunes acteurs (un homme et une femme) au talent déjà apprécié dans des films distribués internationalement. L'an dernier, les lauréats n'étaient autre que Anya Taylor-Joy (Split) et George MacKay (Captain Fantastic).

Puisqu'on célèbre cette année les 50 ans de mai 68, et l'anniversaire de ce festival qui n'eut pas lieu, c'est l'occasion d'explorer les rapports de Cannes avec la Révolution. Sur la croisette, où les spectateurs défilent en smoking et robes de soirées, où un simple selfie est jugé "irrespectueux", et où toute la société festivalière est organisée en castes strictes, les mouvements de révolte et de contestation eurent souvent les honneurs d'une sélection. C'est là tout le paradoxe d'une manifestation très attachée à ses traditions, et qui n'a pourtant cessé de montrer, défendre et encourager ces moments de l'Histoire où des hommes et des femmes ont pris leur destin en mains.

En 2011, l'actualité la plus récente s'invite sur la Croisette. 18 jours, co-réalisé par dix réalisateurs égyptiens (Sherif Arafa, Yousry Nasrallah, Mariam Abou Ouf, Marwan Hamed, Mohamed Aly, Kamla Abou-Zikri, Chérif Al-Bendari, Khaled Marei, Ahmad Abdalla et Ahmad Alaa), raconte en dix chapitres la Révolution égyptienne qui vient de se tenir du 25 janvier au 11 février, et a abouti au départ du président Housni Moubarak, après 30 années de pouvoir sans partage.

Le projet s'est monté très vite, à l'issue d'une seule réunion de préparation. Les réalisateurs étaient libres de choisir leur sujet, tout en veillant à une certaine "cohérence thématique", et en respectant les consignes de tournage : deux jours de tournage maximum, avec des caméras numériques. Aucun budget n'a été alloué au film. "Pas de budget, c'est notre budget" a été la devise des producteurs.

Les dix courts métrages ont ainsi été tourné dans l'urgence (certaines images avaient été filmées au cœur des manifestations, avant même que le projet ne soit lancé), avec l'envie de témoigner de manière un peu brute des réalités de la Révolution. Chaque film aborde ainsi à sa manière la révolution en train de se produire : un couple sur le point de rompre à cause du contexte de révolte, la vision des événements depuis un salon de coiffure ou un établissement psychiatrique, la révolution en ligne avec un jeune homme qui vit le Printemps arabe sur son ordinateur, l'arrestation d'un leader révolutionnaire, les tentatives de deux marginaux de profiter du mouvement pour s'enrichir...

Avec ses scènes immersives au milieu de la foule, ses plans larges sur la place Tahrir occupée, sa manière de montrer l'impact du collectif sur les destins personnels, 18 jours propose un instantané précieux d'un moment finalement très bref, mais fondamental, de l'Histoire égyptienne. En l'invitant dans la foulée en séance spéciale, le Festival de Cannes affirme son désir de rester en prise avec l'actualité, et la volonté qui a toujours été la sienne de témoigner de son époque.

Au moment de la projection, des polémiques viennent gâcher la fête : Marwan Hamed et Sherif Araf sont accusés d'avoir collaboré avec le régime de Moubarak (en 2006, Sherif Arafa a filmé une interview de Moubarak et Marwan Hamed a réalisé une pub pour le Parti national démocratique de Moubarak). Tous les deux ont aussi réalisé des films critiques comme L’Immeuble Yacoubian pour Marwan Hamed et Terrorisme et Kébab pour Sherif Arafa. Yousri Nasrallah prend la défense de ses confrères en écrivant notamment ce commentaire sous un article des Inrocks qui les incrimine : "Le fait est que Marwan Hamed était avec nous (les manifestants anti-Moubarak) depuis le 28 janvier, et j’ai vu Sherif Arafa sur la place dès le 1er février. Il faut pouvoir vivre avec l’idée que certains cinéastes et intellectuels de talent puissent changer de cap, même à la dernière minute (qui n’est pas le cas de ces deux cinéastes, puisque Marwan était là dès le début et c’est lui qui, le 29 janvier, sur la place Tahrir, nous a proposé de tourner ces courts-métrages)."

La polémique s'essouffle, reste le film qui sort en salles le 7 septembre 2011. La révolution égyptienne, elle, connaît l'épilogue que l'on sait. Mais l'énergie et la réalité des événements sont fixées pour toujours, et Cannes a contribué à ce que le monde en prenne connaissance.