Clermont-Ferrand 2020 : rencontre avec Marion Lacourt, réalisatrice de Moutons, loup et tasse de thé

Posté par MpM, le 17 février 2020

Sélectionné au dernier festival de Locarno, puis auréolé du prestigieux prix Emile Reynaud, Moutons, loup et tasse de thé fut l'une des grandes découvertes de 2019, qui figurait déjà en bonne place dans notre florilège des courts métrages français de l'année.

Sa sélection en compétition nationale à Clermont-Ferrand, d'où ses productrices Nidia Santiago et Edwina Liard (Ikki Films) sont d'ailleurs reparties avec le prix Procirep 2020 du meilleur producteur, est l'occasion de revenir plus longuement sur le film avec sa réalisatrice Marion Lacourt.

Dans un entretien au long cours, elle nous parle de son processus de création particulier, de la technique du multiplans qui donne à cette fable hypnotique des teintes lumineuses et chatoyantes, de dessin sur celluloïd, mais aussi de rituels familiaux, de contes enfantins et de gravure.

A noter que Moutons, loup et tasse de thé est en ligne sur le site d'Arte jusqu'au mois d'octobre 2020, ainsi qu'un making-off qui permet d'en savoir plus sur la conception du film et de voir la réalisatrice au travail.

Ecran Noir : Quelle place occupe le film dans votre parcours personnel ?

Marion Lacourt : C’est mon premier film en tant qu’auteure. Avant, j’ai eu une expérience de film de commande dans le cadre de « En sortant de l’école » [une collection de courts métrages animés consacrés à la poésie], produit par Tant Mieux Prod et diffusé sur France Télévisions. J’avais fait le film Page d’écriture, sur le poème de Jacques Prévert du même nom. C’était mon premier challenge avec la technique du multiplans, et c’est ce qui m’a donné le courage et l’ancrage pour partir dans un projet personnel avec cette technique. Sur Page d’écriture, je n’ai pas eu autant de temps pour le développement que pour Moutons, loup et tasse de thé... .C’est-à-dire pour tout ce qui est purement dessin et recherches sur la palette chromatique. Il y a donc un côté beaucoup plus direct, très flashy, mais qui collait bien avec l’idée de faire un film « pour les petits ».

EN : Pouvez-vous nous parler de cette fameuse technique du multiplans ?

ML : Je travaille avec l’outil banc-titre multiplans : le principe est d’avoir un appareil-photo fixé au-dessus de plusieurs plaques de verre et un rétro-éclairage en-dessous de ces dernières. La lumière remonte à travers mes quatre plaques de verre pour finir dans l’objectif de l’appareil. Sur les trois plaques du bas, j’utilise des encres de gravure dont les pigments attrapent la lumière, ce qui me permet d’avoir ces couleurs justement très lumineuses. Sur la dernière plaque, il y a tout un travail de cernes noirs qui vont définir les contours du décor et des personnages. La majeure partie du temps, les décors sont dessinés directement sur la plaque de verre. Ensuite, en fonction du type d’animation que je veux, je vais soit animer directement sous la caméra, en dessinant au feutre sur ma plaque, image par image, soit je vais passer par une animation plus traditionnelle sur celluloïd.

EN : Qu’apporte le dessin sur celluloïd ?

ML : Il me fallait un support transparent, pour pouvoir poser mes feuilles sur la plaque de verre. C’est pour cela que j’ai utilisé du celluloïd. Dessiner les images sur un support permet un acting plus précis que l'animation directe sur verre. Le celluloïd n’est pas une matière évidente non plus, surtout quand on ne l’a jamais utilisé. Mais c’est aussi ce qui m’a permis de travailler avec d’autres personnes, quatre dessinateurs qui progressivement sont venus m'aider, car sur le banc-titre, j’étais seule du début à la fin.

EN : Et comment se passe l’animation directe sur la plaque de verre ?

ML : L’intérêt de l’animation directe sur le banc-titre, c’est que ça permet de créer de la matière par les résidus subsistant d'une image à l'autre. Chaque fois que je prends une image, j’efface une partie du trait, je le redessine un peu plus loin, et ainsi de suite. Je fais aussi bouger les plaques de couleurs : si je veux plus de blanc, je laisse passer la lumière en « débouchant » une partie de mes trois plaques couvertes d'encre, par exemple. Ces trois plaques de couleurs s’animent donc en fonction de l’animation de la ligne sur la plaque du dessus.

En raison de ma pratique de la gravure, j’ai été très attentive tout au long de la fabrication, à ce qui se passait sur mes plaques de verre quand j’effaçais mes décors d’un plan à l’autre. Souvent, au fil du temps, ça crée des résidus, et il y a là des matières que je n’imaginais pas avant de commencer le film. Par exemple, dans l’univers cosmique, je savais que j’allais faire des nébuleuses au coton-tige, en étalant une encre bleue dans laquelle je ferais des percées de lumière, mais tout le reste, je l’ai trouvé en regardant ce qui se passait lorsque j’effaçait mes plaques. C’est un travail que j’ai fait en amont, en notant à chaque fois comment j’obtenais chaque effet. J’ai beaucoup aimé travailler comme ça.

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Clermont-Ferrand 2020 : Les mondes rêvés de Rosto au Musée d’Art Roger Quilliot

Posté par MpM, le 8 février 2020

Le réalisateur néerlandais Rosto nous a quittés prématurément en mars 2019, laissant une oeuvre tentaculaire dans laquelle tout est extrêmement cohérent, de son roman graphique en ligne Mind my Gap (commencé en 1998) aux chansons créées au sein de son groupe The Wreckers créé au début des années 90, qui renaîtra sous une forme virtuelle (Thee Wreckers) après sa dissolution, en passant bien évidemment par ses films, dans lesquels apparaissent les membres du groupe, et dont certains s'inspirent directement d'épisodes de Mind my Gap.

Sélectionné et récompensé par les plus grands festivals (il reçut notamment le Grand Prix Canal+ à la Semaine de la Critique en 2005 pour Jona/Tomberry et le Grand prix à Ottawa pour Lovely Bones en 2013), Rosto était un habitué de Clermont-Ferrand où il a présenté presque tous ses films, et pour lequel il avait réalisé l'affiche officielle en 2007.

Le Festival tenait donc cette année à lui rendre un hommage tout à fait exceptionnel à travers deux expositions et un programme spécial, en présence de sa famille et des autres membres du groupe. En partenariat avec la société de production Autour de Minuit qui a produit les quatre derniers films de Rosto (Le Monstre de Nix, Lonely Bones, Splintertime, Reruns) et distribue tous les autres, le Musée d'Art Roger Quilliot de Clermont-Ferrand propose ainsi jusqu'au 29 mars l'exposition Les Mondes rêvés de Rosto, plongée immersive dans l'univers si personnel de l'artiste.

Installée dans un espace circulaire situé à l'étage inférieur du Musée, l'exposition débute par cette citation : "D'aussi loin que je me souvienne, je me suis toujours rendu, quand je m'endors, dans un lieu spécial que j'appelle ma "Ville-rêvée", qui est presque un lieu réel avec ses propres fondations, sa propre topographie où les mêmes événements se reproduisent." On y est accueilli par des mannequins taille réelle des personnages des Wreckers, portant les masques qui avaient été moulés sur les visages des membres du groupe pour le film Splintertime en 2014. De quoi se replonger immédiatement dans l'ambiance singulière et hypnotique du cinéma de Rosto qui s'apparente parfois à une forme très élaborée de cauchemar éveillé, peuplé de créatures à la fois humaines et monstrueuses.

Sont exposés pêle-mêle des accessoires utilisés sur les différents tournages, des pages de storyboard, des recherches préparatoires, ainsi que des affiches, des photos et des objets personnels, tels que le prix Allegorithmic des effets visuels que Rosto avait reçu pour Reruns en 2018. De nombreux panneaux explicatifs permettent également de mieux comprendre le processus créatif du réalisateur qui mélangeait inlassablement les techniques (2D, 3D, motion capture, prise de vues réelles, marionnettes...), n'hésitant pas à combiner images de synthèses et effets visuels plus artisanaux, comme l'animation d'une tête au bout d'un pique dans un aquarium.

Une place importante est également consacrée aux films eux-mêmes, qu'il est possible de visionner sur place, ainsi qu'à la musique de  Thee Wreckers et à l'édition physique de Mind my Gap, éditée par Autour de Minuit grâce à une campagne de financement participatif, et qui sera disponible à partir du 4 mars.

Une bonne nouvelle ne venant jamais seule, sont également attendus un vinyle (So far so evil qui inclut 10 morceaux issus des courts métrages de Rosto - dans les bacs le 6 mars), un double album digital (Songs from my gap, 30 titres inédits du double album de Thee Wreckers, disponibles sur les plateformes également le 6 mars) et surtout la sortie en salles le 4 mars prochain du programme Thee Wreckers Tetralogy qui réunit No place like home, Lonely bones, Splintertime et Reruns ainsi que le documentaire Everything is different nothing has changed). Enfin, il a été confirmé que la suite du Monstre de Nix, souhaitée par Rosto et intitulée Return to Nix, serait réalisée par sa compagne Suzie Templeton (Oscar du meilleur court métrage d'animation en 2008 pour Pierre et le loup) à l'horizon 2023.

Clermont-Ferrand 2020 : nos premiers coups de coeur dans la compétition nationale

Posté par MpM, le 7 février 2020

Véritable paradis du cinéphile cinéphage, Clermont-Ferrand propose 31 programmes de cours métrages, rien qu'en compétition. Il faut ajouter à cela les différentes sections rétrospectives ou thématiques, ce qui porte à un niveau vertigineux le nombre d'oeuvres présentées.

Dans ce foisonnement, certains films sont déjà fortement identifiés suite à leur sélection dans d'autres festivals. D'autres, en revanche, avaient jusque-là échappé à notre attention. Parmi ceux-là, nous en avons retenu trois, issus de la compétition nationale, qui auront vraiment marqué cette 42e édition.

Genius loci d'Adrien Mérigeau


On comprend aisément pourquoi Genius loci enchaîne en quelques semaines le Festival Premiers plans d'Angers, Clermont-Ferrand et la compétition officielle de la Berlinale. Le premier court métrage en solo d'Adrien Mérigeau (avec des décors signés Brecht Evens et une séquence animée par Céline Devaux) est une splendeur visuelle et intellectuelle que l'on serait bien en peine de résumer, si ce n'est que son personnage principal, Reine, s'échappe de chez elle et s'enfonce dans le chaos urbain de la nuit, guidée par son écho.

Nous voilà donc face à une errance narrative syncopée, qui donne l'impression d'imiter les volutes du jazz, improvisant en toute liberté, ajoutant ici des images à peine esquissées qui se superposent au plan ; là, au contraire, dépouillant  le cadre de tout détail superflu. Cette esthétique changeante d'une image à l'autre, reflet des émotions de la jeune femme, et des sensations qu'elle traverse, est un tourbillon de formes, de couleurs et de mouvements qui matérialisent la vitalité invisible du monde, ce que l'auteur appelle le chaos urbain.

Le spectateur est pris dans l'énergie débordante de ce flot d'images, envoûté par la virtuosité avec laquelle la ville s'esquisse et se transforme sous ses yeux. Comme si au contact de Reine, les choses étaient soudainement refaçonnées par ses pensées intérieures et par sa vision du monde, à l'image de ces trois harceleurs de rue qui se décomposent en tableaux cubistes, avant de se muer en un minotaure qu'elle abandonne derrière des barreaux. Les allers et retours entre abstraction et dessin figuratif sont également incessants, comme si le film hésitait entre deux manières complémentaires de représenter la réalité dans sa dimension la plus foisonnante. Le résultat est assez époustouflant, à la fois d'une incroyable beauté visuelle et d'une grande force d'évocation, avec une séquence finale qui va crescendo dans l'expression des sentiments intimes les plus enfouis, qui trouvent enfin la possibilité de s'extérioriser.

Jusqu'à l'os de Sébastien Betbeder


Ce n'est pas nous qui allons nous plaindre de la rapidité avec laquelle tourne Sébastien Betbeder, dont on a vu en 2019 successivement deux longs métrages, Ulysse et Mona et Debout sur la montagne. Son nouvel opus est un moyen métrage formidable qui renoue avec la veine la plus absurde et décalée de son cinéma, dont on aime tant la liberté de ton et la vivacité d'esprit.

Il s'agit donc de la rencontre entre Thomas, pigiste au Courrier Picard, et Usé, musicien et ancien candidat aux élections municipales d'Amiens, qu'il est chargé d'interviewer. Le premier plan nous montre Thomas qui explique à son interlocuteur qu'il lui a menti pour expliquer son retard : non, son père n'a pas eu d'AVC. Il a juste eu du mal à se remettre d'une soirée trop arrosée. A ce stade, la situation pourrait être délicate, et compromettre l'interview. Sauf qu'Usé s'avère très compréhensif, et même compatissant. On s'en rendra vite compte, ces deux-là sont faits pour s'entendre, et se sont bien trouvés. D'ailleurs, on les prend pour des frères jumeaux.

De scènes hilarantes (la longue tirade d'Usé imitant Emmanuel Macron devant son ancien lycée) en idées poétiques (brûlant un cierge pour que son ex-copine revienne vers lui, Thomas se laisse parasiter par un autre souhait, qui finira bien par être exaucé), Jusqu'à l'os est une balade punk et ultra-contemporaine dans le monde d'aujourd'hui. Pas dans le monde trop réel des violences policières et des grands capitaux qui marchent au pas, non, mais plutôt dans celui, plus fantasmé et fantaisiste, de ceux qui refusent de céder à la peur et à la bêtise. Les personnages ont l'esprit, l'attitude, l'idéalisme des gens qui luttent, même si c'est par des actes plus poétiques que politiques, et que le "parti sans cible" créé par Usé n'a recueilli que 2,2% des voix aux élections municipales de 2014. On se laisse donc entraîner sans la moindre arrière-pensée dans le périple joyeux et fraternel de ces deux héros magnifiques, notre seul regret étant de ne pas pouvoir passer plus de temps avec eux.

Qu'importe si les bêtes meurent de Sofia Alaoui


Cette coproduction franco-marocaine menée de main de maître par la réalisatrice Sofia Alaoui relève le pari osé de proposer un film d'anticipation épuré et minimaliste dans les montagnes de l'Atlas. Abdellah, un jeune berger, doit descendre au village pour acheter de quoi nourrir ses bêtes qui dépérissent. Mais il découvre que tous les villageois sont partis, effrayés par l'arrivée de créatures venues d'une autre planète.

Avec une âpreté d'écriture renforcée par la topographie austère des  lieux où se déroule le récit, le film ausculte le bouleversement que produit chez les différents personnages la pensée que l'être humain n'est pas seul au monde. Il y a la jeune femme qui voit une bénédiction dans cette révélation, parce qu'elle lui permet de prendre son destin en mains. Le fou du village, lui, s'enthousiasme sur ces extraterrestres qui viennent "éclairer notre ignorance". Et puis il y a le père d'Abdellah qui le traite de mécréant, et ne peut supporter de voir son système de pensées remis en cause.

Sofia Alaoui ajoute ainsi à son récit de science fiction ultra-naturaliste et parfaitement tenu une dimension de parabole métaphysique qui vient remettre en cause tout azimut les traditions, les coutumes et les croyances humaines. "Et si tout ce que nous croyons était faux ?" balbutie Abdellah, abasourdi par l'étendue du vide qui s'ouvre soudain sous ses pieds. La fin ouverte nous renvoie à nos propres certitudes, et aux difficultés que nous avons parfois à les voir questionnées.

Clermont-Ferrand célèbre Olivier Smolders, Rosto, la Pologne et les « mondes paysans »

Posté par MpM, le 3 février 2020

La 42e édition du Festival de Clermont-Ferrand bat son plein jusqu'au 8 février, portant comme chaque année un coup de projecteur capital sur l'univers du court métrage. La manifestation peut se réjouir de son succès sans cesse renouvelé (il a comptabilisé en 2019 plus de 165 000 entrées dans ses salles et réuni 3 600 professionnels accrédités), qui en fait le carrefour incontournable du format court à l'échelle internationale.

Cette année, c'est la Pologne qui est à l'honneur à travers une sélection de films, pour la plupart inédits à Clermont, datant des 10 dernières années. En parallèle, une rétrospective est proposée autour des "mondes paysans", réunissant des films d'Alain Cavalier (La Gaveuse), Frédéric Back (L'Homme qui plantait des arbres) ou encore Hubert Charruel (Les Vaches n'auront plus de nom).

Un hommage sera également rendu au cinéaste belge Olivier Smolders (Adoration, Petite anatomie de l’image, Axolotl...), qui recevra un Vercingétorix d’honneur, ainsi qu'au Néerlandais Rosto, disparu prématurément en 2019, à qui sont consacrées deux expositions et un programme spécial.

Enfin, les trois compétitions traditionnelles permettront de (re)découvrir le meilleur du court métrage du moment, répartis entre sections nationale, internationale et "labo". On y croisera des incontournables comme L'Heure de l'ours d'Agnès Patron, La distance entre le ciel et nous de Vasilis Kekatos, Moutons, loup et tasse de thé de Marion Lacourt, She runs de Qiu Yang, Physique de la tristesse de Theodore Ushev, Acid rain de Tomek Popakul, et des nouveautés attendues, à l'image de Genius Loci d'Adrien Mérigeau (également présenté à Berlin), Teen horses de Valérie Leroy, No one is crazy in this town de Wregas Bhanuteja ou Jusqu'à l'os, le nouveau film de Sébastien Betbeder.

Les festivaliers ne manqueront donc pas d'occupations lors de cette semaine au rythme du court métrage. Heureusement, l'un des grands avantages du format court est qu'il multiplie les plaisirs, permettant de voyager en Indonésie, en Géorgie, au Brésil, puis au Canada et en Allemagne en l'espace d'un seul programme ! Alors n'hésitez plus : comme on se plaît à le répéter, si vous aimez le cinéma, allez à Clermont !

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42e édition du Festival de Clermont-Ferrand
Du 31 janvier au 8 février 2020
Programme et informations sur le site du festival