Un rôle inattendu pour Gal Gadot, connue désormais pour incarner Wonder Woman, dont la suite, Wonder Woman 1984, est actuellement en tournage.

L'actrice devrait se mettre dans la peau de l'icône Hedy Lamarr, star de l'âge d'or hollywoodien (Casbah, La fièvre du pétrole, Samson et Delilah) et inventrice (notamment de techniques ayant permis le Wifi et le GPS), dans une série qui chroniquerait son parcours, de l'Autriche bourgeoise puis nazie aux Etats-Unis, et sa carrière. Elle est à la fois sur le Walk of Fame d'Hollywood avec son étoile et au National Inventors of of Fame.

Showtime a demandé à Sarah Treem (In Treatment, House of Cards, The Affair) d'écrire la série.

L'intérêt pour l'actrice a ressuscité avec le documentaire Bombshell: The Hedy Lamarr Story, d'Alexandra Dean, sorti en juin en France, accompagné de la parution de son autobiographie jusque là inédite.

A l'occasion de cette pause estivale, Ecran Noir part à la rencontre du cinéma d'animation. Six réalisatrices et réalisateurs de courts métrages parlent de leur travail, de leurs influences et du cinéma en général.

Pour ce quatrième épisode, nous avons posé nos questions à Justine Vuylsteker, cinéaste d'animation française révélée en 2015 avec Paris, l'un des films de la collection « En sortant de l’école » consacrée à Robert Desnos, qui mêlait papier, sable et végétaux.

Après s'être familiarisée avec la technique spécifique de l'écran d’épingles lors d'un atelier donné par la réalisatrice Michèle Lemieux à Annecy, elle a réalisé son premier court métrage professionnel avec cet objet unique et singulier qui permet de travailler directement la matière et de littéralement sculpter les ombres. Le film, bien nommé Etreintes, a fait sa première mondiale à Annecy en juin dernier. Il s'agit d'une oeuvre à l'extrême délicatesse, qui revisite dans un jeu intime et sensuel de noirs, de blancs et de gris, le motif universel du désir et des élans amoureux.

Ecran Noir : Comment est né le film ?

Justine Vuylsteker : Ce film est né d’avoir pu travailler avec un outil comme l’écran d’épingles. C’est en ayant été confrontée à cet instrument, ses possibilités plastiques et son histoire, que la première étincelle, qui a donné ensuite Etreintes, a pu jaillir. On pourrait presque dire que le film est la mise en forme des sensations que j’ai ressenties en travaillant avec l’Epinette, l’extrême sensualité de sa matière, l’ambiguïté de sa force et de sa fragilité simultanées et le sentiment de m’engouffrer dans une temporalité où présent et passé se confondent.

EN : Justement, Etreintes est le premier film réalisé en France avec un écran d'épingles, depuis la disparition de ses créateurs Alexandre Alexeïeff et Claire Parker au début des années 80. Pouvez-vous nous dire quelques mots de cette technique singulière ?

JV : Les écrans d’épingles sont effectivement des instruments rares, fruits de la rencontre d’Alexandre Alexeieff et Claire Parker, qui ensemble, ont passé leurs vies à inventer et perfectionner cette technique si singulière : utiliser des épingles pour pouvoir sculpter leurs ombres, et réussir à animer des blancs, gris, noirs, d’une extrême richesse. Après la mort du couple, il n’est longtemps resté qu’un seul écran en activité, celui qu’ils avaient confié à l’Office national du Film du Canada. C’est grâce à l’initiative du Centre national de la Cinématographie et à l’effort conjugué de Jacques Drouin et Michèle Lemieux, les cinéastes de l’écran montréalais, qu’un autre écran Alexeieff-Parker a pu refaire son entrée dans le paysage de la production d’animation. C’est seulement en 2015, après plusieurs années de restauration, que l’Epinette, dernier écran construit par le couple en 1977, a pu être remis entre les mains de réalisateurs.

EN : L'écran d'épingles impose des contraintes spécifiques. Dans quelle mesure a-t-il influé sur les choix esthétiques et le résultat final ?

JV : Certaines de ces contraintes sont d’ordre pratique, comme le temps de chauffe avant l’utilisation, ou l’ergonomie de travail, éprouvante pour les épaules et le dos, ce qui impose des journées de six heures de manipulation, maximum, sous peine de blessures sur le long terme. Je dirais que les contraintes esthétiques sont plus cachées ; on ne les rencontre qu’en travaillant. J’ai par exemple eu l’effrayante surprise de découvrir au tournage l’impossibilité de réaliser des parfaites verticales, alors que l’un de mes motifs principaux, à l’écriture, était le cadre d’une fenêtre… Mais l’écran ne nous laisse jamais sans solution lorsqu’il nous confronte à l’impossibilité de sculpter ce à quoi l’on avait pensé… alors le cadre rigide est devenu un rideau souple, et le tournage a pu aller de l’avant.

A vrai dire tout est dans ce bout de phrase : « ce à quoi l’on avait pensé ». Les contraintes que l’on dit rencontrer face à l’écran d’épingles, sont bien souvent des contraintes que l’on se crée de toutes pièces, parce qu’on a, en amont, trop projeté en perdant de vue sa matière. Ce sont toutes les choses que j’avais pensées en dehors de l’écran d’épingles qui se sont ensuite révélées infaisables, ou peu intéressantes. L’écran d’épingles a ça de fantastique : on doit construire le film avec et pour lui, sinon c’est implacable, ça ne fonctionne pas. Là où une autre matière courberait l’échine. C’est une très belle leçon que d’avoir dû rester à l’écoute de l’instrument, sans plaquer sur lui des choses qui ne lui correspondent pas.

EN : Quel a été le principal challenge au moment de la réalisation ?

JV : Certainement de travailler avec une structure mouvante, jusqu’à la fin de la fabrication. L’écran d’épingles, par la configuration singulière de tournage qu’il impose, un tête-à-tête réalisateur-matière, a permis de défendre l’idée de ne pas figer le film sous la forme d’un story-board ou d’une animatique, avant même que le dialogue avec l’instrument n’ait commencé. Et même si le travail d’écriture avait été important, et mené dans cette perspective d’improvisation à venir, avancer avec une structure en constante recomposition a été un challenge de tous les jours.

EN : Quel genre de cinéphile êtes-vous ?

JV : Très infidèle au cinéma. Je suis spontanément bien plus attirée par la littérature, la danse, la poésie ou les arts plastiques… alors pourtant que le cinéma est mon médium d’expression. Lorsque ponctuellement je reviens vers les films, c’est souvent très intense, pour ne pas dire boulimique. Je peux ne faire que ça pendant des jours, pour ensuite ne rien vouloir voir pendant des mois. Beaucoup d’inconstances donc, et très peu de mesure !

EN : De quel réalisateur, qu’il soit ou non une référence pour votre travail, admirez-vous les films ?

JV : Michelangelo Antonioni. Et plus que les films, je dirais que c’est la recherche, qui traverse tout son travail et qui se prolonge toujours un peu plus d’un film à l’autre, sans changer d’essence, et sans pour autant se répéter, que j’admire profondément. Il y a d’ailleurs une phrase de lui que je me répétais systématiquement, pendant la fabrication d’Etreintes : "Je déteste ce que je ne comprends pas. S’il y a quelque chose d’énigmatique dans ce que je fais, c’est moi qui me trompe. Le problème est que mes erreurs sont peut-être ce qu’il y a de plus personnel dans mes films." L’erreur comme gage d’honnêteté, alors que la tendance va à l’ultra-perfection, c’est particulièrement inspirant, et émouvant, à lire.

EN : Quel film (d’animation ou non) auriez-vous aimé réaliser ?

JV : Summertime de David Lean.

EN : Comment vous êtes-vous tournée vers le cinéma d’animation ?

JV : Le cinéma d’animation donne la possibilité du travail solitaire. Ce n’est pas une obligation, ni nécessairement une norme, mais c’est une possibilité. On peut faire (les images d’) un film, seul. Et il y a quelque chose là-dedans qui m’attire beaucoup, ou peut-être qui m’est nécessaire. Le silence et la solitude, pour créer. Il y a aussi que le travail de la matière m’est particulièrement cher, et l’animation, c’est exactement ça, de la matière qui s’exprime par le mouvement.
Alors comment j’en suis arrivée au cinéma d’animation ? Par hasard, après avoir vu des oeuvres qui m’ont fait me dire : je veux faire ça ! C’est seulement une fois que j’ai commencé que j'ai réalisé à quel point c’est l’art qui me donne les moyens de mettre le plus justement en forme mon imagination.

EN : Comment vous situez-vous par rapport au long métrage ? Est-ce un format qui vous fait envie ou qui vous semble accessible ?

JV : Pour qui utilise le cinéma comme moyen d’expression, le long métrage, tout ce temps, c’est forcément quelque chose qu’il est difficile de ne pas avoir envie de s’approprier. Mais c’est aussi une énorme responsabilité, que de vouloir remplir tout cet espace, devoir en créer sa densité, sa profondeur, sa structure. Il me semble factice d’envisager le long métrage, pour faire un long métrage. C’est si un projet se forme, qui a besoin de ce temps-là pour respirer et résonner à sa pleine puissance, que la question a seulement raison de se poser.

EN : Comment voyez-vous l’avenir du cinéma d’animation ?

JV : Je crois qu’il y a beaucoup d’avenirs possibles pour le cinéma d’animation. Si aux yeux du grand public, et de la critique, nous sommes longtemps restés dans l’ombre du cinéma de prises de vues continues - en partie à cause de l’étiquette pour enfant posée par l’hégémonie Disneyenne - il y a comme une prise de conscience qui est en train d’opérer, sur ce qu’est, et pourrait être, le cinéma d’animation. Prise de conscience qui peut nous faire espérer l'entrée dans une nouvelle ère, plus adulte, pour cette forme de cinéma. C’est le long-métrage qui porte ici tout l’enjeu de cette métamorphose, puisque le court-métrage est depuis longtemps déjà un formidable lieu de maturité et d’expérimentations. Tous les espoirs sont donc permis, pour le long métrage, et la série d’ailleurs, pour peu que les instances de financements et de diffusion réussissent à s’engager et prendre les « risques » nécessaires pour accompagner cette dynamique vertueuse. Je reste néanmoins sur mes gardes, et ne crierais pas victoire trop vite, parce qu’une telle croissance est évidemment fragile. Il me semble nécessaire d’être vigilant à ce que, dans un tel moment, les exigences artistiques et poétiques réussissent à primer sur les considérations marchandes et financières, si l’on veut véritablement pouvoir dire que le cinéma d’animation est en train de grandir.

Universal a retiré Cowboy Ninja Viking de son calendrier. Prévu pour une sortie le 28 juin 2019, ce blockbuster est en panne.

Il y a 8 ans, Disney avait acquis les droits de la bande dessinée éponyme de A.J. Lieberman et Riley Rossmo, lancée en 2009 (inédite en France). Mais Disney abandonne après une première version d'un scénario a priori trop coûteuse. Universal reprend les droits en 2012 et enrôle Marc Forster (World War Z). Deux ans plus tard, Chris Pratt est rattaché au projet. Les Gardiens de la Galaxie cartonne au box office et il a déjà tourné Jurassic World, dont on devine déjà le triomphe en salles. En 2015, Forster laisse sa place. Il faut attendre janvier 2018 pour que le studio choisisse sa remplaçante, Michelle MacLaren (Game of Thrones, Westworld, The Walking Dead, Better Call Saul. Deux scénaristes, Ryan Engle et Dan Mazeau, sont engagés en mai. La pré-production commence un mois plus tard. Autant dire que tout va trop vite. Le tournage débute en juillet. Priyanka Chopra est d'ailleurs recrutée pour jouer le rôle principal féminin.

C'est l'histoire d'un homme atteint de multiples troubles de la personnalité qui, grâce à un programme gouvernemental, est transformé en un super-soldat ayant les attributs d'un cowboy, d'un ninja et d'un Viking.

Mais avec un budget conséquent mais pas astronomique (65M$) et un scénario toujours en écriture et toujours peu satisfaisant, Universal a appuyé sur pause pour éviter le carnage. Le tournage devait commencer en septembre à Londres. Officiellement, le studio a retardé indéfiniment ce projet. Il reste en développement, mais n'est plus d'actualité, libérant ainsi les acteurs de leurs engagements.

S'il était urgent pour Pratt de le tourner rapidement, pour cause d'agenda bien rempli, son calendrier s'est pour l'instant aéré puisque le tournage du troisième opus des Gardiens de la Galaxie est en suspens, alors qu'il devait être tourné en février prochain. Il vient de terminer The Kid de Vincent D'Onofrio, avec Ethan Hawke et Dane DeHaan. Le prochain Jurassic World ne se tournera pas avant la fin 2019 pour une sortie en 2021.

A Brighter Summer Day d'Edward Yang (1991)

L'histoire: Dans les années 60, Xiao Si'r, jeune adolescent, fils d'un réfugié politique chinois, vit à Taiwan. Comme tous les jeunes gens de sa condition il fréquente les gangs qui se mènent une guerre sans merci.

Pourquoi il faut le voir? Edward Yang transpose ici une histoire vraie aussi dramatique que douloureuse. Le cinéaste taïwannais, né à Shanghaï, est mort à l'âge de 59 ans aux Etats-Unis il y a 11 ans. C'est un cinéaste peu connu a priori, par rapport à ses compatriotes (dont Hou Hsiao-hsien pour le quel il a été interprète et compositeur de la musique du film Un été chez grand père). Pourtant ses 7 longs métrages ont reçu de prestigieuses récompenses à Locarno, Berlin et à Cannes (prix de la mise en scène pour l'ultra sensible Yi Yi en 2000). C'est la jeunesse qui l'intéresse ici dans ce "Roméo et Juliette" violent où des ados paumés cherchent à exister au milieu d'une société moralisatrice. A Brighter Summer Day est considéré comme l'un de ses deux chefs d'œuvre avec Yi Yi. Cette chronique sensible et sociale décrypte (avec une sublime esthétique) aussi le phénomène de groupe, le lien entre père et fils, la vaine révolte de la jeunesse face aux institutions (nation, parents, éducation, culture, etc....). Tout est affaire de lien chez lui, de ces relations qui forgent l'identité malgré soi.

A Scene at the Sea de Takeshi Kitano (1991)

L'histoire: Un jeune éboueur sourd-muet se prend d'une passion obsessionnelle pour le surf. Soutenu par le regard protecteur de sa fiancée, sourde-muette comme lui, le jeune homme progresse, d'apprentissages éprouvants en compétitions harassantes, jusqu'à ce que la mer les sépare.

Pourquoi il faut le voir? Tout le monde connaît Kitano en Yakuza et autres rôles de flics et films de mafias. Mais dans les années 1990, Kitano a été un cinéaste marquant pour ses histoires douce-amère, à l'humour ironique, à la sensibilité palpable, et même à l'émotion débordante. A Scene at the Sea est un tournant, pour ne pas dire un virage dans l'œuvre de "Beat Takeshi". C'est son premier film sans gangsters. Le héros est sourd muet et se réfugie dans la passion du surf. Romantique, le film est aussi naturaliste avec cette mer comme horizon indépassable, ce soleil éclatant, le silence et l'amour comme seuls bruits au chaos environnant. Le plus surprenant finalement c'est qu'il s'agit d'un film en apparence légère et en profondeur sublime. Car ce film sur un exclu de la société est peut-être son plus beau, son plus lumineux, son plus coloré. Il y a quelque chose de californien dans l'air et même de hippie. Kitano n'hésite pas à fustiger l'exploitation, la soumission, les inégalités, l'injustice. Même si le soleil se noircit sur la fin, le bonheur est quand même là, dans une larme et un sourire.

Le lieutenant souriant d'Ernst Lubitsch (1931)

L'histoire: L'empereur du Flausenthurm et sa fille, la princesse Anna, sont en visite à Vienne. Pendant le défilé, le lieutenant Niki lance un sourire à son amie Franzi mais la princesse Anna le prend pour elle. Niki doit l'épouser pour réparer l'offense...

Pourquoi il faut le voir? Un roman de Hans Müller, une opérette (1907) et puis un film, inconnu, d'Ernst Lubitsch. Un film musical avec sa dose de "tubes" de l'époque un peu désuet, avec deux stars: le Français Maurice Chevalier et la future oscarisée (et née en France) Claudette Colbert. Le premier était à son apogée, la seconde à ses débuts de vedette. Ce fut la plus grosse recette de l'année pour la Paramount. Aux débuts du cinéma parlant, Lubitsch expérimentait toutes les possibilités offertes par le son. Le lieutenant souriant a été nommé à l'Oscar du meilleur film. Mais ce qui rend le film précieux, outre la mise en scène déjà virevoltante du réalisateur et son talent pour les duos alchimiques, c'est que le film est rare. A cause d'une sombre affaire de droit d'auteur lié à la version muette de l'opérette au cinéma (Rêve de valse, 1925), le film a longtemps été impossible à projeter ou diffusé puis considéré comme perdu. Il a fallu attendre les années 1990 pour retrouver une copie. L'état de la copie a nécessité un long travail de restauration et il ne fut visible qu'à partir de 2008. Une occasion en or pour découvrir ce joyau joyeux du patrimoine.

Fraise et Chocolat de Tomas Gutierrez Alea (1994)

L'histoire: Dans un quartier de la Havane, David, un étudiant militant du parti communiste est chargé d'enquêter sur les activités transfuges d'un marginal, Diego. Ce dernier, homosexuel et fier de son pays, tombe amoureux de David.

Pourquoi il faut le voir? Alors que Cuba ouvre la voie au mariage entre personnes du même sexe, il y a près de 25 ans, le cinéma cubain nous offrait l'un des plus beaux films "queer" (interprété par des acteurs à la beauté ravageuse). Torride, sensuel, mélodramatique, le film a d'abord été un immense triomphe dans les festivals (9 prix à celui de La Havane, un prix spécial du jury et le Teddy Award à Berlin, le prix spécial du jury à Sundance, un Goya espagnol du meilleur film hispanophone, une nomination à l'Oscar du meilleur film en langue étrangère). Ce film où se côtoient politique et sexualité a étonnement réussi à franchir les grilles de la censure castriste. Après tout, l'idée de départ est quand même d'espionner un homme, homosexuel et érudit, suspecté comme dissident au régime communiste. Un étudiant militant, hétéro, beau comme un Dieu va en fait devoir s'ouvrir l'esprit et les deux hommes vont apprendre à dépasser leurs préjugés. Ce n'est pas un film gay mais plutôt un film sur la tolérance face à une société rigide. Toute l'histoire tend vers le contact entre les deux hommes: se toucheront-ils enfin? Il n'est pas question de sexe, mais c'est finalement plus pour contourner la censure. Le cinéaste a préféré la parabole. La force de Fraise et Chocolat est finalement d'être un des plus beaux récits sur l'homophobie, évoquant aussi bien la répression des homosexuels que la paranoïa de l'Etat. Malgré cela, sans doute à cause du régime dictatorial de son pays, le cinéaste évite les sujets qui auraient pu fâcher Cuba frontalement.

Alors que Marvel vient de faire un un carton en sortant à la suite Black Panther, Avengers : Infinity War et Ant-Man et la Guêpe, DC Comics tente de riposter. Malgré des projets porteurs dévoilés au Comic-Con, le salut pourrait bien venir avec une certaine kryptonienne !

Un projet plus fun

D'après les informations recueillies par Deadline, le scénariste de The Cloverfield Paradox et 22 Jump Street Oren Uziel est actuellement en pleine écriture d'un script pour un potentiel film centré sur la cousine de Superman. Comme le rappelle très justement le webzine, la possibilité d'un nouveau film centré sur Superman est en discussions depuis 2013. Sous les traits du kryptonien le plus célèbre de la planète, Henry Cavill avait essuyé pas mal de critiques émanant de la presse lors de la sortie de Man Of Steel. Néanmoins, le film a rapporté plus au box-office mondial que Justice League (!) ou encore Batman Begins.

Vivement moqué pour son désir de créer un univers particulièrement sombre dès l'intronisation de Batman, DC Comics tenterait aujourd'hui d'offrir un ton plus léger à ses films. Un changement que l'on a pu voir dans Wonder Woman, seul film de l'écurie pour le moment à disposer d'une femme à la réalisation. Bien qu'il soit encore trop tôt pour se demander qui interprétera le rôle-titre de ce Supergirl, force est de reconnaître que cela permettrait de remettre Henry Cavill sur le devant de la scène.

Plus qu'applaudi pour sa performance dans Mission : Impossible - Fallout face à un Tom Cruise plus en forme que jamais, l'acteur de 35 ans demeure l'un des favoris des fans de DC Comics. Son personnage, figure majeur de la pop culture, était déjà un élément-clé de Batman v Superman et Justice League. Une apparition dans Supergirl permettrait de rassurer les fans et de déclencher officiellement le développement d'un nouveau film centré sur son personnage - si Henry Cavill est toujours sous contrat à ce moment-là.

DC Comics cherche une pépite

La société à qui l'on doit notamment Suicide Squad n'est pas prête de s'arrêter là dans son développement de films centrés sur des super-héros. Aquaman est toujours attendu pour le 19 décembre tandis que Shazam! devrait prochainement disposer d'une date de sortie. Par la suite, Todd Phillipps réalisera The Joker, avec Joaquin Phoenix dans le rôle principal et Robert De Niro comme mentor. Le tournage débute en septembre à New York et le film devrait sortir en octobre 2019.

Dans la foulée, DC Comics entamera la production de Birds Of Prey, film permettant de faire revenir Harley Quinn, le personnage campé par Margot Robbie dans Suicide Squad. Réalisé par Cathy Yan, le film verra se croiser des anti-héroïnes toutes plus remarquables les unes que les autres. Enfin, le réalisateur des deux derniers La Planète des Singes, Matt Reeves, réalisera Batman. Un projet sur lequel Ben Affleck avait jusque-là la main mise. Pour le plus grand bonheur des fans, il a été complètement écarté du projet. Le film doit désormais s'intéresser à un Batman plus jeune, permettant de reconquérir le cœur de cible de DC Comics, les jeunes fans de romans graphiques. Enfin, notez que le tournage de The Flash débutera (enfin) en février prochain avec toujours Ezra Miller en tête d'affiche

La nouvelle est tombée il y a quelques jours sur le site Deadline. Ben Affleck réalisera prochainement un film sur une arnaque plutôt comique au début qui a défrayé la chronique aux Etats-Unis par la suite.

Happy Meal et happy end ?

Selon les informations du média américain, Fox est sur le point d'acquérir les droits d'un récit tiré de faits réels écrit par Jeff Maysh. Cet écrivain a récemment publié sur le site de The Daily Beast l'article "How An Ex-Cop Rigged McDonald’s Monopoly Game And Stole Millions" qui revient les péripéties d'un ex-policier qui aurait volé plus de 24 millions de dollars grâce à une arnaque bien huilée. L'histoire débute en 2001 à Rhode Island alors qu'un chèque d’un million de dollars est remis à un homme qui déclare avoir remporté le grand prix après avoir collecté des pièces de Monopoly attachées à des produits de McDonald's.

Une équipe de tournage se rend chez l’homme qui a gagné pour écouter son histoire. Mais il s'agit d'agents du FBI qui ne mettent pas longtemps à comprendre que quelque chose dans cette histoire cloche. l'homme qui n'avait qu'une chance sur 250 millions de remporter le grand prix enchaîne les mensonges et fait mention d'un certain "oncle Jerry" qui vendait de fameuses pièces de jeu volées. Par la suite, ils découvrent qu'un certain Jerry Jacobson, responsable de la sécurité dans une société de Los Angeles fait partie d'une conspiration faisant intervenir gangsters, trafiquants de drogue, propriétaires de clubs de strip-tease ainsi qu'une famille mormonne qui assure avoir gagné 24 millions de dollars grâce au fameux jeu.

Un pitch très apprécié

Très intéressés par cette histoire, les différents studios en concurrence auraient accepté de mettre une option de 350.000 dollars sur le projet et d'ajouter 1 million si le celui-ci finit par devenir un film. Payés bien plus que cela, Ben Affleck et Matt Damon ont trouvé dans ce pitch l'occasion de se retrouver devant la caméra. D'après les informations recueillies par Deadline, Ben Affleck filmera son ami avec lequel il a remporté un Golden Globe et un Oscar du meilleur scénario original pour Will Hunting à la fin des années 1990.

Et les deux hommes devraient être particulièrement bien entourés. L'écriture du scénario aurait été confié à Paul Wernick et Rhett Reese, les scénaristes de Deadpool. Ben Affleck et Matt Damon produiront le film via leur société Pearl Street Films. Enfin déjà à l'oeuvre sur The Town, Matt Reilly jouera officiera comme producteur exécutif pour Fox.

Il y a quelques heures, l'acteur révélé par le film d'Olivier Ducastel et Jacques Martineau Théo et Hugo dans le même bateau a posté sur Facebook quelques photos de la fin du tournage pour fêter celui-ci

Un film dans l'ère du temps

A l'heure où les Gay Games viennent de débuter à Paris, le synopsis de Les Crevettes pailletées est d'autant plus parlant. On y suit les péripéties de Matthias, un champion olympique en fin de carrière. Usé par des années d’effort, il est condamné, après avoir tenu des propos homophobes, à coacher les Crevettes pailletées, une équipe amateur gay et légèrement foutraque de water-polo. Celle-ci n’a qu’une idée en tête : se qualifier pour les Gay Games à Budapest.

Réalisé par Cédric Le Gallo et Maxime Govare, Les Crevettes pailletées est porté par une belle brochette d'acteurs. Outre Geoffrey Couët (au centre), on y retrouvera également Nicolas Gob (à gauche) que l'on a pu voir dans Camping 2 et La Belle et la Bête. Mais c'est bien dans des séries (Un village français, Chefs, Candice Renoir, L'Art du crime) que cet acteur belge de 35 ans s'épanouit le plus. A leurs côtés, impossible de ne pas évoquer Alban Lenoir (à droite). En 2015, il brillait en skinhead repenti dans Un Français de Diastème.

Habitués des seconds rôles loufoques (20 Ans d'écart, Papa ou Maman 2), Michaël Abiteboul sera également de la partie. A l'instar de David Baiot (Libre et assoupi). Et pour grossir les rangs de ces crevettes pailletées, Cédric Le Gallo et Maxime Govare ont pu compter sur Romain Lancry (Taxi 5) et Roland Menou (Da Vinci Code).

Un tournage riche en émotions

Dans son message posté sur Facebook, Geoffrey Couët écrit avec mélancolie : "Après deux mois aussi intenses que réjouissants, il est temps de retirer nos maillots et bonnets de water-polo (...) Quel plaisir infini d’être de cette équipe folle et passionnée, exigeante et légère, sérieuse et amicale. Devant, autour et derrière la caméra, vous allez me manquer, notre groupe va me manquer !"

Si certaines scènes ont été tournées en Croatie, les réalisateurs ont posé leurs valises à Strasbourg et Mulhouse pendant près d'un mois. Les dernières prises de vue ont été réalisées à Paris, lors de la cérémonie d'ouverture des Gay Games. Pour rappel, le film est produit par Les Improductibles et Kaly Productions, avec le soutien à la production de la Région Grand Est (en partenariat avec le CNC).

Une fois n'est pas coutume, le festival du cinéma américain de Deauville a choisi de récompenser cette année des actrices qui ont d'ores et déjà marqué le grand et le petit écrans : la jeune Elle Fanning, la star des ados Shailene Woodley et l'anglaise Kate Beckinsale.

Place à la jeune génération

Pour sa 44e édition, le festival qui se déroulera cette année du 31 août au 9 septembre a décidé de célébrer la jeune génération. Le film d'ouverture ne sera autre que Le Secret des Kennedy de John Curran. Réalisateur de Stone et Tracks, John Curran pourra compte sur le soutien de Jason Clarke, un acteur au visage reconnaissable et que l'on a déjà vu dans Terminator Genisys et Mudbound. Prochainement à l'affiche de First Man, le nouveau film de Damien Chazelle, Jason Clarke tournera bientôt dans la mini-série de HBO Catherine the Great. Mais en attendant, il recevra cette année un Deauville Talent Award.

Ce sera également le cas de Kate Beckinsale, une actrice qui a su prouver qu'aucun genre n'était réservé à la gent masculine. De Pearl Harbor à Underworld en passant par Contrebande et Aviator, elle a tourné avec les plus grands. Et elle ne sera pas la seule femme à faire rêver festivaliers et journalistes. La très jeune Elle Fanning sera récompensée d'un Nouvel Hollywood. Passée par Babel, Somewhere, Super 8, Twixt et The Neon Demon, l'actrice de 20 ans électrise tous les plateaux sur lesquelles elle passe.

Il en va de même pour Shailene Woodley, également à l'honneur cette année. Sacrée d'un Nouvel Hollywood, la jeune femme aura l'occasion d'évoquer son travail sur la saga pour jeunes adultes Divergente et les tournages de The Descendants, The Spectacular Now, Nos Etoiles contraires, Snowden ou encore la série de HBO Big Little Lies ! Enfin, notez que Mélanie Laurent sera également de la partie puisqu'elle se rendra à Deauville pour présenter son premier film américain, Galveston. Le scénario a été écrit par Nic Pizzolatto, le créateur de la série True Detective tandis qu'Elle Fanning tient l'un des rôles principaux.