Après les bons chiffres de fréquentation des salles pour Tenet de Christopher Nolan qui ont été reçus par les distributeurs et les exploitants comme un symbole d'une reprise d'attractivité des salles, l'ouverture du 46ème Festival du cinéma américain de Deauville a aussi regonflé les espoirs (masqués).
Bal masqué
La ministre de la culture Roselyne Bachelot est venue amener de la lumière dans la salle obscure de Deauville, deux semaines après que le Premier ministre Jean Castex ait fait de même à Angoulême : « Le cinéma ce n'est pas seulement des films, c'est l'expérience collective du grand écran», en évoquant les prochaines mesures de soutien au secteur qui vont être mise en oeuvre (dont une mise à contribution des diverses plateformes de streaming vod, concurrentes des salles, pour une taxation en direction du CNC pour redistribuera ensuite).
La cérémonie d'ouverture a fait venir certains fidèles de Deauville : des ex-membre de jury comme Régis Wargnier, Clotilde Hesme, Kadija Touré, Anna Girardot, et même l'ex-premier ministre et maire voisin du Havre Edouard Philippe. Deauville a mis l'accent sur une solidarité entre festivals (yes, we Cannes !) - en particulier Annecy et Cannes dont des films de leurs sélections sont invités à être découverts ici. Cannes étant LE festival marqueur de l'année, il était représenté sur scène par Pierre Lescure et Thierry Frémaux. Même leur musique-signature de Saint-Saëns tellement évocatrice de fête du cinéma résonnait en Normandie.
Ennio et Kirk
Deauville a démarré sur des hommages. Des mélodies ont été jouées au piano: du Ennio Morricone. Et puis il y eut Kirk Douglas, à travers un émouvant discours vidéo envoyé par son fils Michael Douglas, racontant les phases de la vie son père (jeunesse, succès, la fin de sa vie) et remerciant le festival pour cette première commémoration post-mortem et post-confinement.
Sa filmographie qui s'étire sur presque 60 ans depuis L’emprise du crime de Lewis Milestone en 1946 avec Barbara Stanwyck et Les griffes du passé de Jacques Tourneur en 1947 avec Robert Mitchum, jusqu’en 2003 avec Une si belle famille (tourné avec sa famille dont son fils Michael Douglas pour la première fois) et 2004 Illusion (à propos d’un artiste à la fin de sa vie).
Kirk Douglas est mort en février 2020 à l’âge de 103 ans : une telle longévité a fait de lui un acteur phare d’un demi-siècle de cinéma américain en traversant l’époque des gros films de studios des années 50 et leur déclin ainsi que le nouvel Hollywood des années 70. Le début des années 80 sera synonyme de ses derniers grands succès avec Saturn 3 de Stanley Donen et surtout Nimitz retour vers l’enfer de Don Taylor. Parmi la multitude de ses rôles, il aura imprimé de sa personnalité l’image d’un héros droit et fort dans ses convictions : sur l’écran autant qu’en privé, Kirk Douglas était opposé à un certain impérialisme américain comme au Maccarthysme des années 50.
Sept jours en mai, de John Frankenheimer.
La dernière apparition de Kirk Douglas dans un film aura été à la télévision (pour Canal+) en 2008 dans le montage de Meurtre à l’Empire State Building du français William Karel qui avait été présenté au festival du film américain de Deauville cette année-là. Kirk Douglas et la France c’est d’ailleurs une longue histoire : il parlait le français, il a été membre du jury du festival de Cannes en 1970, il a reçu un César d’honneur en 1980, il fut chevalier de la Légion d’honneur en 1985, et son visage avec une fossette au menton est devenu un personnage des aventures d' Astérix… Quantité de ses films ont été des succès populaires en France.
Le Gouffre aux chimères, de Billy Wilder.
Il a tourné devant les caméras des plus illustres : Jacques Tourneur, Joseph L. Mankiewicz, Raoul Walsh, Billy Wilder, Howard Hawks, Vincente Minnelli, Richard Fleischer, King Vidor, de John Sturges, Stanley Kubrick, Robert Aldrich, John Huston, John Frankenheimer, Otto Preminger, René Clément, Elia Kazan, Brian De Palma, Stanley Donen, George Miller, John Landis… En tant que producteur il chapeaute plusieurs projets où il se donne bien entendu le premier rôle comme La Vie passionnée de Vincent van Gogh et Spartacus qui sont d’immenses succès. Il s’essaya comme réalisateur avec moins de chance (Scalawag et La Brigade du Texas sont oubliables). Il a reçu trois nominations à l'Oscar du meilleur acteur sans remporter la statuette: c’est un Oscar d’honneur qui lui est alors remis en 1996 pour saluer alors ses 50 ans de carrière.
Spartacus, de Stanley Kubrick.
Sur les planches normandes, il y avait déjà reçu un hommage de son vivant en 1978 et en 1999 (25ème anniversaire du festival). Deauville propose de revoir une large sélection de ses films : La Griffe du passé de Jacques Tourneur (1947), Le champion de Mark Robson (1949), Le Gouffre aux chimères de Billy Wilder (1951) avec un journaliste qui redevient populaire avec ses articles sur l’agonie d’un homme enseveli dans un gouffre (une inspiration du Un jour de chance de Alex de la Iglésia), La Captive aux yeux clairs de Howard Hawks (1952), Les Ensorcelés de Vincente Minnelli (1952), La vie passionnée de Vincent Van Gogh de Vincente Minnelli et Georges Cukor (1956), Les sentiers de la gloire de Stanley Kubrick (1957) dont l’histoire qui dénonce la hiérarchie militaire française a fait que le film n’a pu être visible chez nous avant 1975…, Les Vikings de Richard Fleischer (1958), Spartacus de Stanley Kubrick (1960), Seuls sont les indomptés de David Miller (1962) d’ailleurs le film préféré de Kirk Douglas, Sept jours en mai de John Frankenheimer (1964) où, en tant que militaire, il dénonce sa hiérarchie qui prépare un coup d’Etat contre le président américain favorable au désarmement…, et Nimitz, retour vers l'enfer de Don Taylor (1980), avec un paradoxe temporel en temps de guerre.
Le pitch:1863, dans un convoi qui progresse vers l’Ouest avec l’espoir d’une vie meilleure, le père de Martha Jane se blesse. C’est elle qui doit conduire le chariot familial et soigner les chevaux. L’apprentissage est rude et pourtant Martha Jane ne s’est jamais sentie aussi libre. Et comme c’est plus pratique pour faire du cheval, elle n’hésite pas à passer un pantalon. C’est l’audace de trop pour Abraham, le chef du convoi. Accusée de vol, Martha est obligée de fuir. Habillée en garçon, à la recherche des preuves de son innocence, elle découvre un monde en construction où sa personnalité unique va s’affirmer. Une aventure pleine de dangers et riche en rencontres qui, étape par étape, révélera la mythique Calamity Jane.
Le cast: Réalisé par Rémi Chayé, avec les voix de Salomé Boulven, Alexandra Lamy, Alexis Tomassian.
L'atout: Grand prix à Annecy hier, Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary est le film d'animation français (pour les plus de six ans) qui s'annonce idéal pour les vacances d'automne. Alors que l'animation française est reconnue comme l'une des meilleures (jusqu'à être nommée aux Oscars, sélectionnée à Cannes, etc...), il reste à retrouver un large public qui se déplace pour Astérix mais qui, depuis les films de Michel Ocelot (Kirikou), n'a pas forcément répondu présent dans les salles.
Puisque cette année, Annecy se déroule en ligne, Ecran Noir se fait votre guide parmi les différentes sections et vous aide à savoir ce qu'il ne faut surtout pas rater ! Pour les plus pressés, nous mettons en lumière chaque jour un film qui nous semble indispensable. Pour les autres, nous ajoutons quelques conseils supplémentaires à grapiller dans le même programme. Et enfin, pour les plus gourmands, on va plus loin avec des idées de films, hors festival, à regarder en ligne pour prolonger le plaisir...
C'est le programme 5 qui nous occupe aujourd'hui, avec en premier lieu Ghosts de la réalisatrice coréenne Park Jee-Youn, une étude assez cynique des rapports de couple. Le personnage principal est une femme mûre vivant en couple avec un homme perpétuellement représenté sous les traits d'un nageur (bonnet de bain et lunettes incluses). Leur univers consiste principalement en une grande pièce (inondée) qui fait à la fois office de chambre à coucher et de cuisine. Il se décline dans des tons de noir, de gris et de blanc, avec parfois des aplats de couleurs localisés.
Le couple vit donc ensemble sans vraiment se voir, devenus "fantômes" l'un à l'autre, et au monde en général. Le réalisatrice joue alors sur un mélange d'images allégoriques et de situations absurdes pour ausculter cet effet du temps et de l'existence sut les êtres. Le décor dans lequel évolue les personnages se fissure, ou en tout cas semble sans cesse inviter à regarder au-delà : des brèches dans le sol, une fente par lequel on regarde, et même un trou béant dans le crâne de l'un des protagonistes. Le personnage féminin ne cesse de vouloir sonder ces cavités / orifices : au départ, elle glisse son oeil par une fente, puis se penche sur différents trous dans le sol. "Qui est là ?" demande-t-elle à plusieurs reprises.
On ne sait exactement où conduisent ces ouvertures, mais elles semblent sans cesse ramener dans l'appartement du couple, ou en tout cas dans son intimité. Différentes dimensions se croisent ainsi dans des scènes de plus en plus étranges et décalées, peuplées d'apparitions spectrales : un poisson géant qui flotte dans la chambre, des nuées de nageurs qui dansent, volent ou plongent, et des corbeaux omniprésents, comme s'ils étaient parfaitement à leur place.
Les dialogues, rares, hésitent eux-aussi entre ironie et cliché. "Alors, heureuse ?" glisse le nageur à sa compagne avant de la caresser presque mécaniquement, jusqu'à ce que sa main traverse son corps. Un autre dialogue faussement éthéré singe les habituelles envolées sentimentales. Quand au plus bel échange du film, il se joue entre deux femmes, et se traduit métaphoriquement par des gouttelettes jaillissant de leur bouche pour venir se percuter dans l'air. Par ces temps de covid, ça fait frémir, mais on adore cette vision d'un dialogue qu'on imagine de sourds, et qui se finit d'ailleurs par un acte de violence. Difficile d'en dire plus sans gâcher complètement le plaisir de spectateur, si ce n'est que l'ambiance du film, et sa manière de jouer sur des motifs récurrents et ironiques, nous ont pas mal emballés.
On se laissera ensuite tenter par My galactic twin Galaction de Sasha Svirsky, parodie d'une séance de "pitch" d'un court métrage de science fiction survitaminé et fourmillant d'idées visuelles. Au fur et à mesure, le réalisateur raconte donc ce qu'est son scénario, une histoire compliquée de jumeau galactique et de terribles ennemis extraterrestres à combattre, tandis que les images partent de plus en plus en roue libre. C'est un délire de collages, de couleurs et de trouvailles kitsches. Il y a même une sorte de chanson. A la fin, on apprend (avec désarroi) que le projet est finalement devenu une version ultra épurée et schématique de ce grand n'importe quoi intersidéral. Si l'on était mauvais esprit, on dirait que cela nous évoque (brillamment) les effets de bord induits parfois par le système de financement du cinéma français.
Autre film qui vaut le détour dans le programme, Friend of a friend de Zachary Zezima, qui met son esthétique ronde et ultra colorée, très pop, au service d'une histoire ambivalente d'agression sexuelle, de vengeance et d'attirance-répulsion. Le réalisateur sonde les coeurs, les âmes et les corps au sein d'un étrange trio constitué d'une femme, de son petit ami, et de l'homme qui a tenté de l'agresser, persuadé qu'il lui avait fait des avances. Le réalisateur ne donne aucune réponse, mais pose des questions dérangeantes autour de la notion de consentement et de la part de violence, réelle ou symbolique, que comportent les relations humaines, amoureuses ou amicales.
Enfin, No, I don't want to dance de Andrea Vinciguerra et Yo de Begona Arostegui complèteront agréablement ce tour d'horizon du dernier programme de la compétition officielle. Le premier met en scène des situations absurdes au cours desquelles un geste d'appel à l'aide est interprété comme un mouvement de danse. C'est sans prétention et plutôt drôle, quoique cruel. Et en plus le film est disponible sur la page vimeo du réalisateur, on vous invite à le découvrir ci-dessous :
Le second est une plongée d'abord joyeuse, puis de plus en plus effrayante dans le quotidien (trop) bien réglé d'un homme qui ne se remet pas d'avoir vu un panneau indiquant "parc" au milieu de son parc préféré. Il se met alors à tout étiqueter avec une constance qui aurait pu être glaçante, si le film n'avait pas choisi de rester sur un registre faussement comique, et surtout terriblement bavard.
Pour compléter cette séance de visionnages (on vous rappelle que l'accréditation pour le festival reste ouverte à tous, à partir de 15 euros), n'hésitez pas à vous rendre sur la page vimeo de Sasha Svirsky, d'Andrea Vinciguerra sur celle de Zachary Zezima, dont on vous invite à découvrir ci-dessous le film It's a date.
Puisque cette année, Annecy se déroule en ligne, Ecran Noir se fait votre guide parmi les différentes sections et vous aide à savoir ce qu'il ne faut surtout pas rater ! Pour les plus pressés, nous mettons en lumière chaque jour un film qui nous semble indispensable. Pour les autres, nous ajoutons quelques conseils supplémentaires à grapiller dans le même programme. Et enfin, pour les plus gourmands, on va plus loin avec des idées de films, hors festival, à regarder en ligne pour prolonger le plaisir...
On se penche aujourd'hui sur le programme 1 de la compétition officielle de courts métrages qui propose une sélection riche et dense de films marquants à ne surtout pas rater. Le plus saillant est sans doute Carne, premier court métrage de Camila Kater, sélectionné à Locarno en 2019, un documentaire qui donne la parole à cinq femmes d'âges et d'origines différentes, livrant chacune l'expérience intime et personnelle qu'elles ont de leur corps. La métaphore de la "viande", filée de bout en bout, renvoie sans cesse à la manière dont la société considère le corps des femmes : objets destinés au plaisir d'autrui, qu'il soit purement esthétique ou carrément sexuel, et à la reproduction.
On est donc enthousiasmé par la spontanéité avec laquelle chacune des cinq interlocutrices se livre sur des sujets généralement tabous ou juste totalement inexistants. Il y a une adolescente qui raconte la détestation de sa mère pour son corps qui ne correspond pas aux critères de beauté en vigueur. Une autre parle de ses premières règles, et du formidable sentiment d'appartenance qui l'a accompagnée. Une femme trans pointe l'hypersexualisation permanente de la femme noire, et l'intolérance brutale qui la suit partout. Une femme plus mûre aborde le passage de la ménopause et dénonce comment, parce qu'elle est lesbienne et sans enfants, on a voulu la priver de son utérus. Enfin, une comédienne désormais âgée de 79 ans donne une vision peu orthodoxe de la vieillesse, qui n'est pas nécessairement un naufrage.
L'animation change en fonction des chapitres, tantôt illustrative et presque naïve, tantôt complètement abstraite, jouant avec les représentations visuelles que l'on a généralement du corps. Si ce travail formel est souvent très expressif, synthétisant en quelques images les grandes idées sous-tendues par chaque récit, on peut malgré tout reprocher au film son rythme trépidant, presque frénétique. On aurait aimé qu'il ménage des moments de pause dans les témoignages aussi denses que passionnants, laisse l'image exister au-delà du texte et le spectateur respirer à l'intérieur de chaque partie, pour mieux accompagner chaque femme dans sa démarche. Mais qui sait, peut-être cet excellent concept pourra-t-il s'étoffer, ou se décliner à l'avenir sous une forme plus longue, car ce qui est certain, c'est que Carne est loin d'épuiser son sujet.
Au sein du même programme, 4 films ont retenu notre attention. D'abord, il y a Genius Loci d'Adrien Mérigeau, autre premier court métrage dont nous avons déjà eu l'occasion de vous parler lors de son passage à Clermont-Ferrand. Une errance narrative syncopée qui donne l'impression d'imiter les volutes du jazz, improvisant en toute liberté, ajoutant ici des images à peine esquissées qui se superposent au plan ; là, au contraire, dépouillant le cadre de tout détail superflu. Une esthétique changeante qui est le reflet des émotions de son héroïne, et des sensations qu'elle traverse face à la vitalité invisible du monde.
Autres films pour le moins attendus, les nouveaux courts métrages de Kaspar Jancis, Kosmonaut, et Niki Lindroth von Bahr, Something to remember. Le premier oscille entre humour noir et mélancolie profonde dans son portrait d'un vieux cosmonaute qui continue de vivre comme s'il était dans l'espace. Il y a à la fois le personnage de la fille totalement indifférente (elle vérifie juste avec un miroir que son père respire encore, avant de s'éclipser sans un mot), du bébé casse-cou qui frôle de multiples accidents domestiques et du gendre scotché à son téléphone, et celui, magnifique, de ce vieil homme solitaire, enfermé dans son passé (on aura compris que son présent ne vaut pas tellement le déplacement) et qui, après avoir été un héros, est devenu un fardeau.
Dans le second, Niki Lindroth von Bahr poursuit sa veine de comédie musicale nihiliste avec des animaux coincés dans les mêmes situations désespérantes que les humains : un petit pigeon visite un zoo vide en chantant une étrange comptine sur la diable, un escargot médusé vérifie sa tension chez le médecin, des insectes travaillant au CERN supplient Dieu de leur donner "quelque chose dont se souvenir". C'est à la fois désespéré et ironiquement drôle, exactement comme l'existence.
Enfin, on avait également envie de souligner Time O' the signs de Reinhold Bidner qui dresse un portrait si brutal de nos vies numériques, vaines et abrutissantes, qu'il nous donne envie de déconnecter pour se consacrer à des choses importantes (comme voir plus de courts métrages sur la plate-forme d'Annecy). La critique est relativement facile et pas forcément d'une grande subtilité, mais le geste esthétique est réussi, avec de très beaux plans, et une manière plutôt efficace de capter l'air du temps.
Puisque cette année, Annecy se déroule en ligne, Ecran Noir se fait votre guide parmi les différentes sections et vous aide à savoir ce qu'il ne faut surtout pas rater ! Pour les plus pressés, nous mettons en lumière chaque jour un film qui nous semble indispensable. Pour les autres, nous ajoutons quelques conseils supplémentaires à grapiller dans le même programme. Et enfin, pour les plus gourmands, on va plus loin avec des idées de films, hors festival, à regarder en ligne pour prolonger le plaisir...
En ce premier jour, une évidence, un film dont on vous disait déjà tout le bien que l'on pensait en novembre dernier : Physique de la tristesse de Theodore Ushev, disponible dans la compétition de courts métrages dite "L'officielle" n°4.
Il s'agit incontestablement de l'un des courts métrages incontournables de l'année passée, dont la carrière a brillamment commencé à Toronto (prix du meilleur court métrage). Un film-somme intime et introspectif, qui frôle les 30 minutes de plaisir cinématographique pur.
Adapté du roman Physique de la mélancolie de l'écrivain bulgare Gueorgui Gospodinov, il s'agit d'un récit à la première personne qui fait écho avec acuité à la propre vie du réalisateur, et plus généralement de quiconque a connu l'exil, le désenchantement et la nostalgie de l'enfance. "J’avais l’impression d’y trouver, non seulement ma propre vie, mais celle de toute une génération également", explique Theodore Ushev, qui a lui-même quitté la Bulgarie pour le Québec à la fin des années 90.
Il est réalisé dans une technique d'animation unique que le cinéaste est le premier à mettre au point, celle de la peinture à l'encaustique. Jouant sur la perpétuelle métamorphose de l'image et sur la dualité lumière-obscurité, ce récit poignant nous entraîne dans les souvenirs d'un narrateur qui se remémore son enfance et sa jeunesse, tout en évoquant le déracinement et la mélancolie prégnante de ceux qui ne se sentent chez eux nulle part.
A voir dans le même programme, et c'est là aussi un incontournable, 10 000 ugly Inkblots, le nouveau film du réalisateur russe Dmitry Geller (primé à Annecy en 2001 avec Hello from Kislovodsk) : qui raconte les retrouvailles entre deux artistes ne s'étant pas vus depuis longtemps. Le titre fait référence à un tableau du peintre chinois paysagiste du XVIIe siècle, Shitao, réalisé à l'encre de Chine et au lavis, qui représente un paysage dans une forme presque abstraite, annonçant plusieurs siècles à l'avance le pointillisme comme le travail de Pollock.
Le récit s'attache principalement au trajet des deux hommes, et à leur attente à un passage à niveau, racontés par un mélange de plans relativement traditionnels sur les deux personnages et sur ce qui les entoure, et de passages beaucoup plus graphiques qui jouent sur l'esquisse des lignes et des fameuses tâches d'encre du titre. On est comme happé par ce travail de recherche sur le trait, la texture et les nuances de noir de ces éléments basiques qui reviennent aux origines du dessin, et se succèdent au rythme entêtant d'une musique jazzy presque stridente.
Autre film très attendu, Homeless home d'Alberto Vazquez signe le retour du réalisateur culte de Decorado et Psiconautas. Il nous entraîne dans un univers d'heroic fantasy parodique et désespéré, dans lequel nos propres maux (reproduction sociale, quête de soi-même, violence endémique) apparaissent comme dans un miroir grossissant. Comme toujours avec le cinéaste espagnol, le résultat est à la fois d'une noirceur extrême et d'une drôlerie grinçante et irrésistible.
Enfin, on vous conseille également Rivages, premier court produit de Sophie Racine, film sensoriel et immersif qui prend le temps d'observer la nature en action : des oiseaux dans le ciel, des herbes agitées par le vent, la mer qui se précipite sur des rochers... Le trait est extrêmement délicat, précis et sensible, et propose une oeuvre à la fois graphique et contemplative qui prend le contrepied d'un cinéma parfois excessivement narratif.
Et pour prolonger la (re)découverte de ces films et de leurs auteurs, nous vous encourageons à revoir Decorado et Sangre de Unicorno d'Alberto Vazquez et à vous pencher sur la travail de Theodore Ushevproposé sur le site de l'ONF ainsi que sur celui de Dmitry Geller, disponible sur sa page Vimeo. Nous vous invitons également à aller sur la page de Sophie Racine, où l'on trouve notamment son très beau premier court métrage, réalisé lors de ses études à la Cambre : L'échappée, à voir ci-dessous.
Puisqu'une édition physique était impossible, le Festival d'Annecy se tiendra donc en ligne du 15 au 30 juin prochain. L'ambiance électrique du festival, les rencontres, les retrouvailles avec la petite planète animation, les fondues au champagne et le lac nous manqueront. Voir les films sur grand écran, aussi.
Mais à quelque chose malheur est bon puisque cette année, la manifestation s'offre au monde entier par le biais d'accréditations grand public au tarif attractif de 15 euros. L'occasion de mettre le festival à la portée de tous, ou presque, et d'apporter le cinéma d'animation sous toutes ses formes jusque dans votre salon.
En plus des différentes compétitions de courts métrages dévoilées en avril dernier, l'accréditation permettra de découvrir une grande partie des deux compétitions de longs métrages : 12 films sur 20 pourront en effet être regardés intégralement sur la plate-forme. Pour des questions de droits, il ne sera possible de découvrir que des extraits des autres, ainsi que des making-off ou vidéos de présentation.
Parmi les films sélectionnés cette année, on retrouve Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary de Rémi Chayé (dont on vous parlait ici), Petit Vampire de Joan Sfar, Lupin III The First de Takashi Yamazaki ou encore Kill it and leave this town de Mariusz Wilczynski, qui avait fait sensation à Berlin en février dernier. Pour des raisons logiques de calendriers, des films très attendus comme Josep d'Aurel (Label Cannes 2020) ou La Traversée de Florence Miailhe (dont la sortie a été reportée à 2021) ne sont pour leur part pas présents cette année... Il faudra donc s'armer une nouvelle fois de patience avant de les découvrir.
Les festivaliers frustrés pourront se consoler (et probablement voir naître de nouveaux motifs de frustrations) avec les Work in Progress et les Preview, qui mettent en avant des films en train de se faire, présentant notamment les différentes étapes de fabrication et parfois des images inédites. En l'occurence, il y a de quoi faire avec Insula d'Anca Damian, Interdit aux chiens et aux Italiens d'Alain Ughetto (dont on vous parlait ici), Le Sommet des Dieux de Patrick Imbert, Sirocco et le royaume des courants d'air de Benoit Chieux, Wolfwalkers de Tomm Moore et Ross Stewart ou encore Inu-Oh de Masaaki Yuasa.
Enfin, les festivaliers pourront aussi découvrir la compétition VR, des programmes spéciaux, dont l'incontournable sélection What The Fuck qui réunit des films "décloisonnés, décomplexés et libres", et assister (virtuellement) aux différentes leçons de cinéma : "la violence sexuelle en animation" par les frères Blies (Zero impunity, découvert l'an dernier), Conversation entre Henri Selick et Bruno Coulais, Conversation avec Dean DeBlois...
Pour compléter cette offre pléthorique, les courts d'animation fleurissent un peu partout sur la toile. Dès maintenant, Arte propose sept films en avant-première, dont Something to remember, le nouveau film de Niki Lindroth von Bahr (The Burden, Cristal en 2017). Le magazine en ligne Bref mettra lui-aussi le Festival à l'honneur dès le 17 juin à travers plusieurs films sélectionnés et primés lors des éditions précédentes. Enfin, Format Court proposera à partir du 15 juin sa propre sélection de films passés par Annecy disponibles gratuitement en ligne, dont trois qui concourent cette année : No I don't want to dance de Andrea Vinciguerra, Mashrou' Leila "Radio Romance" de Vladimir Mavounia-Kouka et Catgot de Tsz Wing Ho.
De son côté, Ecran Noir vous fera vivre la manifestation au plus près, avec des conseils quotidiens sur les films à ne pas louper, et un guide des courts métrages d'animation à découvrir facilement sur la toile. Pour commencer, on ne résiste pas à la tentation de partager avec vous un court métrage étudiant présenté l'an dernier à Annecy dans la sélection What The Fuck : We are Future shock de Zohar Dvir avec rien de moins que Jesus Christ et Elvis Presley aux côtés d'un grizzli, d'un chat qui fume et de poissons volants.
Organisé par le festival Tribeca à New York, le festival "We are one : a global film festival" - qui regroupe 21 festivals de la planète dont Annecy, Berlin, Cannes, Locarno , San Sebastian, Sundance et Venise - proposera du 29 mai au 7 juin des séances gratuites sur Youtube (Tout le programme sur le site).
Sur environ 135 films, on dénombre 34 longs métrages. Parmi eux, seront diffusés plusieurs films ayant brillé dans différents festivals: 45 Days in Harvar, Air Conditioner, Amreeka, Bridges of Sarajevo, Eeb Allay Ooo, Late Marriage, Mystery Road, Ticket of No Return...
Il y a au total 23 films d'animation, principalement grâce à Annecy, et 33 films documentaires dans la programmation. On retrouvera entre autres les premiers courts métrages de Dreamworks Animation, les courts métrages animés en avant-première que sont Shannon Amen de Chris Dainty et Le cortège de Pascal Blanchet et Rodolphe Saint-Gelais. Cannes a opté pour les courts métrages de sa 72e édition (Anna, Butterflies, The Distance Between The Sky And Us - Palme d'or du court -, The Jump...)
Et on pourra aussi voir des films en réalité virtuelle, des web séries et des documentaires.
"La plupart de ces titres feront des débuts au cours du festival, avec une programmation composée de plus de 100 films, dont 13 premières mondiales, 31 premières en ligne et cinq premières internationales en ligne" précise le communiqué.
Enfin, des conversations et masterclasses seront organisées avec des personnalités comme Francis Ford Coppola, Jane Campion, Nadav Lapid, Steven Soderbergh, Guillermo del Toro, John Waters, Claire Denis, Diego Luna, le duo acteur-réalisateur Song Kang-ho et Bong Joon-ho, Ang Lee avec Hirokazu Kore-eda ou encore Jackie Chan.
La 73e édition du festival de Locarno est annulée. Venise sera-t-il le seul grand festival européen de la saison? Dans le même temps, et pour soutenir le secteur cinématographique fortement impacté par la crise sanitaire actuelle, les organisateurs lancent "Locarno 2020 – For the Future of Films".
Avec des projets ciblés, le festival cherchera à apporter "un soutien au cinéma d’auteur indépendant et aux salles de cinéma en proposant au public et aux professionnels de l’industrie du 7e art des contenus spéciaux sur diverses plateformes et notamment, si les scénarios, qui ne cessent d’évoluer, le permettent, par des projections physiques en toute sécurité".
Le programme "est conçu pour intervenir sur l’immobilité forcée de l’industrie du cinéma, en interagissant avec les cinéastes qui ont dû interrompre le tournage de leurs films et en attribuant des Léopards spéciaux, ainsi que d’autres prix, à des productions cinématographiques internationales et suisses à l’arrêt à cause de l’urgence sanitaire planétaire."
Trait d'union et tous pour un
L'annulation de Locarno est d'autant plus surprenante que la Suisse se déconfine lentement depuis cette semaine. Lili Hinstin, la nouvelle directrice artistique, affirme que "Le festival doit avant tout servir les films, et organiser des premières en ligne au mois d’août ne nous semble pas être la meilleure manière de le faire. Notre rôle est de servir de trait d’union entre les films, l’industrie et le public, et nous avons donc réfléchi à des propositions alternatives pour remplir notre mission, en cherchant à déterminer là où notre intervention pouvait se révéler la plus utile en ce moment. Nous sommes en train de travailler à la conception d’un projet cohérent, en accord avec l’histoire du Festival et à l’enseigne de la solidarité, qui puisse bénéficier à notre public et aux réalisateurs en difficulté."
Locarno a aussi rejoint l'événement "We are One : A global film festival", initié par le Festival de Tribeca, lui-même annulé, et qui propose aux internautes de la planète de se retrouver du 29 mai au 7 juin prochains sur la plateforme Youtube, partenaire du rendez-vous. Les autres Festivals impliqués dans le rendez-vous sont Annecy, Berlin, Londres, Cannes, Guadalajara, Macao, Jérusalem, Mumbai, Karlovy Vary, lui-même annulé, Marrakech, New York, San Sebastian, Sarajevo, Sundance, Sydney, Tokyo, Toronto, Tribeca et Venise.
Accessible gratuitement, l'événement propose de faire des dons à la Fondation des Nations Unies qui seront reversés à des fonds luttant contre la pandémie de coronavirus.
Le Japon avait beau être à l'honneur cette année à Annecy, c'est pourtant l'animation française qui a brillé de mille feux avec des propositions puissantes et éclectiques, et une démonstration magistrale d'inventivité et de savoir-faire. Tout, de l'esthétique aux sujets, en passant par les modes de narration et les techniques, est venu prouver l'immense vitalité d'un cinéma qui ne cesse d'expérimenter et d'explorer les possibilités infinies de son format.
Côté courts, la France n'était évidemment pas en reste, prouvant son excellente forme en remportant notamment le Cristal du court métrage. On doit bien avouer que l’on n’est guère amateur de Mémorable de Bruno Collet, mélodrame grandiloquent sur un artiste atteint de la maladie d'Alzheimer. L’idée d’aborder le sujet par le prisme de l’humour n’est pas en cause, mais rend paradoxalement presque chaque "bon mot" attendu, et de fait un peu poussif. Les voix ont d’ailleurs tendance à sonner faux, trop déclamatoires et trop écrites. Enfin, la musique vient sans cesse souligner les effets, quand on aurait eu besoin de distance et de légèreté scénaristique.
Sur le même sujet, on préfère le film étudiant (suisse) Élise de Valentine Moser, qui joue sur une temporalité totalement mêlée pour traduire les sensations d’une vieille dame elle aussi atteinte de la maladie d'Alzheimer. Plus minimaliste, bien sûr, mais parvenant avec beaucoup d’ingéniosité à fusionner fond et forme.
Couronné du prix du jury, Oncle Tomas, la comptabilité des jours a pour sa part toute sa place au palmarès. Coproduction entre le Portugal, la France et le Canada (via l’ONF), le nouveau film de Regina Pessoa est une œuvre extrêmement personnelle, que la réalisatrice narre elle-même à la première personne. Elle y dresse le portrait de son oncle, sorte d’original brisé par la vie auprès duquel elle trouvait refuge dans son enfance.
Mêlant notamment gravure et animation en volume, il prend son temps pour nous cueillir, révélant peu à peu, par petites touches, la palette d’émotions complexes qui infusent la relation ténue entre la petite fille et son oncle. Qu’ils peignent ensemble sur un mur, ou partent en randonnée, le lien qui les unit n’est jamais asséné ou sur-expliqué. La voix-off reste même pudiquement à la surface des choses, laissant le spectateur combler lui-même les silences. C’est cette relative simplicité narrative qui permet au film d’atteindre une telle force d’évocation.
A noter que le film est en ligne jusqu'au 22 juin !
La vie de château, présenté en section télévision, fait incontestablement partie des belles découvertes de cette édition. C’est Clémence Madeleine-Perdrillat (scénariste notamment pour les courts métrages La Chanson et Les Bigorneaux mais aussi réalisatrice du Cow-Boy de Normandie et de Gigot bitume) qui cosigne ce récit ultra sensible (son premier court métrage animé) avec Nathaniel H'Limi dont c’est le premier film. Une première fois sous les meilleurs auspices tant l’histoire de cette petite fille qui se reconstruit lentement après la mort de ses parents est à la fois délicate et bouleversante. Destiné aux enfants à partir de 6 ou 7 ans, il aborde avec pudeur la question du deuil mais aussi, de manière absolument lumineuse, l’idée de ces familles que l’on se choisit. Il offre également au public adulte une double lecture pleine de sensibilité, qui évoque en creux l’un des grands traumatismes nationaux de ces dernières années.
Formellement, le film joue beaucoup sur les échelles (dans les bras de son oncle, la petite Violette fait l’effet d’une poupée qu’il étreint avec une infinie délicatesse) et quelques idées visuelles de toute beauté. On aime notamment la magnifique séquence du feu, durant laquelle les deux personnages se confient l’un à l’autre avec simplicité, alors que des ombres chinoises apparaissent dans les flammes comme pour redonner vie à leurs souvenirs.
Hors palmarès, les (re)découvertes ne manquaient pas. Une nouvelle fois, Je sors acheter des cigarettes d’Osman Cerfon (prix Emile-Reynaud en 2018) a fait mouche. Toujours aussi puissant, même après plusieurs visions, le film demeure l’un des plus importants de l’année écoulée avec son mélange d’humour décapant et de tendresse bouleversante. Jonathan, un adolescent de 12 ans, habite avec sa sœur et sa mère dans un appartement où les placards et les tiroirs dissimulent des hommes qui ont tous le même visage.
Le réalisme brut du début laisse alors peu à peu place à cette métaphore visuelle pour raconter le sous-texte de l’intrigue, et extérioriser les sentiments qui animent le personnage. Ce mélange d’ironie décalée et d’étrangeté est le cocktail idéal pour évoquer l’éternelle recherche d’un père absent, figure à la fois honnie et fantasmée, qui hante au sens propre la vie du jeune garçon.
C'était en revanche la première fois que l'on découvrait Sous la canopée de Bastien Dupriez, qui creuse son sillon en proposant à nouveau un film expérimental qui combine abstraction et propos narratif. Le réalisateur, dont on aimait déjà beaucoup Aérobie et Sillon 672, utilise la gravure sur pellicule et la peinture sur verre pour nous emmener au cœur d'une forêt peuplée de paradisiers multicolores. Au fur et à mesure du film, les beaux oiseaux se muent en taches de couleur qui virevoltent au rythme de la musique envoûtante d'Antoine Zuccarelli, puis semblent se mêler dans une explosion de teintes vives et joyeuses.
Petit à petit, pourtant, l'angoisse sourd. La musique se fait mécanique, le noir et des dégradés de rouge-orangé envahissent l'écran. Quelque chose menace la forêt. On aperçoit furtivement une forme humaine, puis des silhouettes d'arbres qui se tordent et tombent à terre. Des formes et des couleurs en mouvement, qui cherchent bien moins à représenter concrètement qu'à traduire en sensations cette destruction qui est à l'oeuvre sous nos yeux.
Toujours en compétition, on a également été séduit parTétard de Jean-Claude Rozec, un récit anxiogène qui repose à la fois sur la cruauté enfantine, et sur l'ambivalence des rapports au sein d'une fratrie. La grande sœur ne cesse de raconter à son impressionnable petit frère qu'il est en réalité un enfant-crapaud, échangé avec le véritable bébé, et l'entraîne dans des jeux effrayants au bord d'un marécage. La montée en tension du récit est ainsi assez réussie, alternant humour noir et peurs véritables, jusqu'au déstabilisant dénouement final.
Dans un autre style, L'espace commun de Raphaële Bezin juxtapose des visions de Rome issues de l'imaginaire collectif en collant et mélangeant à l'écran des extraits de films (26 en tout) tournés dans la capitale italienne. Avec le jeu des surimpressions, elle fait parfois cohabiter des images de différentes époques tournées dans un même lieu, donnant à voir de manière simultanée les différences architecturales au fil du temps.
En sous-titres, un texte condense les conversations que la réalisatrice a eues avec des Romains au sujet justement du rapport que la ville entretient avec le cinéma. Le fait que ce texte soit écrit, et non dit en voix-off, lui donne un aspect de vérité universelle, de propos indépassable, qui rend l'expérience réellement fascinante.
Le jongleur de Skirmanta Jakaite est une coproduction avec la Lituanie, dont on a pu voir à Annecy quelques passionnants specimen de cinéma absurde et déroutant. Celui-là ne fait pas exception, avec son récit déconstruit, sa voix off mécanique et monocorde, qui vient parfois doubler ce qui est écrit à l'écran dans une typographie de machine à écrire, et ses saynètes en apparence décousues qui passent d'un personnage à l'autre sans raison évidente.
Tout est d'un gris vibrant, sans cesse troublé par des éclats de rouge ou de vert. On ne sait si on est dans l'au-delà, ou pour la première fois face au monde tel qu'il est réellement. Cette étrangeté brute et implicitement inquiétante nous laisse ainsi dans un état troublé et confus qui renvoie à de vastes interrogations existentielles sur la vie, l'univers et le reste.
Du côté de la compétition étudiante, on s’est également régalé avec des propositions fortes, personnelles, parfois engagées et presque toujours poétiques, qui viennent confirmer l'espoir que l'on peut placer dans l'animation française d'auteur. L'une d'entre elles est Sahara place de Zélie Durand-Khalifat, évocation sensible du grand-père de la réalisatrice et de son projet de film qui ne s'est jamais fait.
Mêlant stop-motion, prise de vue réelles et photographies, c'est une oeuvre incontestablement intime, qui explore une histoire familiale que l'on devine douloureuse, mais en restant toujours sur le fil, à mi-chemin entre le récit personnel et l'écho d'une fiction onirique qui n'a jamais vu le jour.
Baransu d'Alice Lahourcade est quant à lui d'inspiration japonaise. La réalisatrice imagine en effet la rencontre entre deux yokais (des esprits dans la culture nippone) à la fois opposés et complémentaires : l'un chérit les cailloux, qu'il compte une fois par an ; l'autre a pour habitude de les lancer sur les humains pour les éloigner.
Tandis que les deux personnages s'opposent, leur histoire prend vie sur la scène d'un théâtre kabuki. En français, Baransu signifie équilibre, ce qui convient parfaitement à la morale joliment malicieuse de la fable.
Jonathan Phanhsay-Chamson n'est pas exactement un inconnu puisqu'il présentait déjà Les enfants du béton l'an dernier en section films d'études à Annecy. Avec Big boy, il prend une direction nouvelle, moins directement politique et plus introspective. A l'origine de ce nouveau film, il y a un poème à la beauté époustouflante accompagnant les images d'un homme seul dans le désert, en quête de rédemption.
On se laisse envoûter par ce récit initiatique à l'esthétique minimaliste (personnage anguleux stylisé, aplats de couleurs pour les décors) mais à l'onirisme attachant. On est d'autant plus intrigué que le court serait une base pour un long métrage en développement que l'on a absolument hâte de découvrir.
On a également revu avec beaucoup de plaisir Swatted d'Ismaël Joffroy Chandoutis, film hybride qui mêle vidéos youtube et images vectorielles issues d'un jeu vidéo pour raconter le phénomène du "swatting", un acte de cyber-harcèlement consistant à faire intervenir le SWAT armé jusqu'aux dents au domicile d'un gamer en plein streaming.
Au-delà du vrai danger que représentent ces prétendus "canulars", le réalisateur interroge la frontière floue entre réalité et virtuel, donnant la sensation vertigineuse que ce sont les personnages du jeu qui finissent par jaillir, fusils au poing, dans le salon des joueurs.
Enfin, s’il n’était finalement présenté dans aucun sélection à Annecy, il faut dire un mot du lauréat du prix André Martin du court métrage, remis chaque année à l’occasion du festival. Mon juke-box de Florentine Grelier, qui succède à Ce Magnifique gâteau, propose un regard tendre et complice sur la relation qui unit la réalisatrice à son père, grand connaisseur de juke-box. Comme ces machines qu'il affectionne tant, lui-même a mille anecdotes à raconter, démarrant au quart de tour à l'évocation d'un lieu ou d'une époque de sa vie.
Réalisé dans une indéniable économie de moyens, le film a quelque chose d'artisanal qui non seulement lui permet de se rapprocher formellement de son propos, mais qui le rend aussi extrêmement touchant. Sûrement parce que l'on aime tant lorsque le cinéma essaye et expérimente, on se laisse emporter, et même submerger, par ce récit intime qui ne triche jamais.
Le Japon avait beau être à l'honneur cette année à Annecy, c'est pourtant l'animation française qui a brillé de mille feux avec des propositions puissantes et éclectiques, et une démonstration magistrale d'inventivité et de savoir-faire. Tout, de l'esthétique aux sujets, en passant par les modes de narration et les techniques, est venu prouver l'immense vitalité d'un cinéma qui ne cesse d'expérimenter et d'explorer les possibilités infinies de son format.
Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si quatre longs métrages français étaient en compétition, représentant 40% de cette sélection, et si plusieurs des principaux prix toutes sélections confondues sont allés à des productions ou coproductions françaises : J'ai perdu mon corps de Jérémy Clapin, Mémorable de Bruno Collet, La vie de château de Clémence Madeleine-Perdrillat et Nathaniel H'Limi, Le Parfum d’Irak "Le Cowboy de Fallujah" de Léonard Cohen... D'où l'envie de consacrer deux articles distincts à la richesse exponentielle d'un cinéma qui semble au firmament, en s’attachant d'abord au cas particulier du format long, avant de se tourner vers ce qui est traditionnellement le cœur d'Annecy, à savoir le format court
Côté longs métrages, c'était donc une année exceptionnelle pour le cinéma français, avec un deuxième Cristal d'affilée : J'ai perdu mon corps de Jérémy Clapin, déjà historiquement récompensé à Cannes du Grand prix de la Semaine de la critique, succède en effet à Funan de Denis Do qui avait triomphé l'an passé. A ses côtés, quoique repartis bredouilles, La fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti, Les Hirondelles de Kaboul et L'Extraordinaire voyage de Marona d'Anca Damian ont créé l'événement. Dans la nouvelle compétition Contrechamp, c'est le documentaire Zero impunity qui dénonce les violences sexuelles dans les conflits armés actuels, qui a également beaucoup fait parler de lui.
Enfin, deux séances événements ont permis de découvrir le nouveau film de Jean-François Laguionie, Le Voyage du Prince, et le passage réussi au long de Bonjour le monde, la série télévisée d'Anne-Lise Koehler et Eric Serre.
C'est incontestablement le grand gagnant de cette édition, qui cumule Prix du Public et Cristal du meilleur long métrage, en plus d'un bouche-à-oreille en béton armé. Avec sa trame narrative très simple et son spleen ténu, le premier long métrage de Jérémy Clapin impressionne autant par ses qualités de mise en scène que par son atmosphère ultra sensible. Tour à tour film de genre, portrait délicat d’un jeune homme qui cherche sa place, récit initiatique et même rencontre amoureuse, il suit en alternance une main coupée qui part à la recherche de son corps, et Naoufel, un jeune homme qui change de vie par amour. C’est dans cette juxtaposition des temporalités que se tisse le fil rouge du récit, la question du destin et de la manière dont il s’écrit, se suit et se contrarie.
Malgré l’humour de certaines situations, voire l’autodérision des dialogues, c’est une profonde mélancolie qui habite le film, portée par la très belle musique de Dan Levy et les teintes désaturées de l’image, éclairée ponctuellement par quelques touches de couleur vive, comme des gouttes de sang ou le manteau jaune et les écouteurs fluo de Gabrielle. Cette mélancolie sourde est celle des souvenirs et des regrets, la nostalgie d’un temps révolu, un sentiment d’errance. Naoufel, comme la main coupée, comme nous tous, n’en finit plus de chercher sa place dans le monde
Explosion de couleurs et d'émotions, le nouveau long métrage d'Anca Damian est une splendeur visuelle qui raconte la vie mouvementée d'une petite chienne nommée Marona. On a rarement vu un film destiné à un public familial qui respecte autant l'intelligence et le sens esthétique des enfants, comme des adultes. Malgré un scénario a priori tragique, rien n'est en effet jamais mièvre ou facile, chaque élément dramatique étant systématiquement contrebalancé par une touche d'humour et de poésie.
Formellement, Anca Damian s'offre toutes les libertés, et notamment de multiplier les styles graphiques, allant parfois très loin dans l'abstraction, ou dans une représentation stylisée du monde. On a la sensation qu'elle applique au long métrage ce qu'on aime tant dans le court : cette audace formelle qui ne s'interdit aucune expérimentation, et propose un cinéma libéré des contraintes esthétiques ou narratives traditionnelles, débordant d'idées visuelles et poétiques. Tout fonctionne, nous surprenant souvent, nous éblouissant sans cesse, et nous emportant dans les souvenirs doux amers du personnage. Avec elle, on se met à porter un regard différent sur le monde et sur nos semblables.
Sortie : 8 janvier 2020
La fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti (compétition)
Déjà présenté à Cannes, en section Un Certain regard, La fameuse invasion des ours en Sicile est l'un des films d'animation les plus attendus de l'année, signé par l'illustrateur et auteur BD Lorenzo Mattotti. Il s'agit d'un conte, adapté du seul roman jeunesse de Dino Buzatti, et scénarisé par le duo gagnant Thomas Bidegain et Jean-Luc Fromental, qui met en scène Léonce, le roi des Ours, parti en guerre contre les hommes après l'enlèvement de son fils Tonio.
Visuellement époustouflant, notamment dans la richesse de ses décors et de ses paysages naturels, le film fait le grand écart entre son inconstatable maîtrise technique, et le choix d'un positionnement un peu trop prudent. On sent que le film a été voulu pour plaire au (très) jeune public, quitte parfois à édulcorer le récit original, plus féroce, avec des éléments comiques comme les baladins ou les personnages fantoches. La trame narrative semble aussi expédiée, comme s'il s'agissait moins de critiquer et dénoncer la société que de proposer des péripéties romanesques. Malgré tout, le film reste une fable très plaisante, charmante et joyeuse, qui témoigne de la grande force de l'animation française contemporaine.
Un an à peine après Parvana de Nora Twomey, l'Afghanistan des Talibans était de retour à Annecy avec cette adaptation inégale du roman de Yasmina Khadra pensée comme une plongée sans fard dans une société rongée par l’obscurantisme, l’hypocrisie et la bêtise. Les personnages, malgré leurs différences sociales et culturelles, sont uniformément écrasés par le joug terrible qui régit les moindres détails de leur vie (la manière de s'habiller, le droit de rire, que dire et que penser) et fait peser sur eux une menace sourde et permanente.
Mais si l'on est convaincu par l'aspect esthétique du film, et notamment ses très beaux plans larges sur la ville, esquissée à grands traits dans des teintes désaturées, et ses personnages stylisés, on a plus de mal avec l'orientation clairement mélo-dramatique du récit, qui ajoute sans cesse de l'émotion à l'émotion. On a l'impression que ce type de cinéma "à sujet" finit par atteindre ses limites, parce qu'il ne parvient plus à s'extraire de l'incontestable noblesse de sa cause. Bien sûr, on ne peut qu'être sensible à l'hymne à la libération des consciences que véhicule le film, mais malgré tout on est déçu par son incapacité à aller au-delà d'une narration schématique et manichéenne.
Sortie : 4 septembre 2019
Zero impunity de Nicolas Blies, Stéphane Hueber-Blies et Denis Lambert (Contrechamp)
Ce documentaire engagé fait partie d'un vaste projet transmédia global combinant journalisme d'investigation et activisme, dont le but est de dénoncer l'impunité des violences sexuelles dans les conflits armés actuels, mais aussi de lutter pour y mettre fin. Construit en différents chapitres, le film aborde la question du viol comme arme de guerre ou de torture en Syrie, dans le Donbass, en République démocratique du Congo et aux Etats-Unis.
Les témoignages recueillis ont été reconstitués en animation, tandis que des experts témoignent à visage découvert dans les parties en prise de vue réelle. C'est dans les deux cas édifiants, avec la dénonciation d'une utilisation systématique du viol comme un outil d'humiliation, voire de destruction des individus, mais aussi comme un prolongement d'exploitation sociale. En s'attachant à des cas de figure très différents les uns des autres (notamment la violence sexuelle d'état à Guantanamo et les viols camouflés en prostitution volontaire en République démocratique du Congo), le film montre que le problème est loin d'être localisé dans une partie du monde ou un camp en particulier, même si l'on peut malgré tout être surpris qu'il fasse l'impasse sur de nombreux autres cas de violences sexuelles (on s'attendait par exemple à voir évoqués les viols systématiques perpétrés avec une rare violence dans la région du Kivu, également en République démocratique du Congo). Il s'agit quoi qu'il en soit d'un film indispensable, pensé avant tout comme un plaidoyer puissant et habité.
Sortie : à venir
Le voyage du prince de Jean-François Laguionie (séance événement)
Vingt après la sortie du Château des singes, Jean-François Laguionie lui donne une suite à travers cette sorte de journal de voyage tenu par le prince que l'on découvrait dans le premier volet. Celui-ci a traversé la mer pour aller à la rencontre d'une autre civilisation de singes. S'il est au départ fasciné par ce peuple qui vit dans une métropole moderne et industrialisée, il s'aperçoit pourtant rapidement que la société tout entière est régie par la peur. Dans cet univers très codifié, la haine et le rejet de l'autre sont en effet érigés en valeurs sûres, notamment au nom de la suprématie des uns sur les autres, mais aussi de la sécurité nationale.
Avec une forme d'humour léger, et à travers des images superbes, dans des teintes douces presque délavées, le réalisateur s'amuse une fois encore des travers de ses semblables, entre tentation du repli sur soi et tendance à l’inaction confortable. Son Prince vieillissant est comme un double de lui-même, personnage bienveillant et chaleureux qui observe avec curiosité et ironie le monde dans lequel il évolue, ne parvenant jamais à étancher sa soif de connaissances. Malgré la douceur du trait et l'humour du propos, l'urgence de celui-ci nous parvient 5 sur 5 : quand enfin cesserons-nous de prendre prétexte d'être les singes "les plus évolués de la création" pour asservir et ostraciser les autres ?
Sortie : 4 décembre 2019
Bonjour le monde de Anne-Lise Koehler et Éric Serre (séance événement)
Demain le monde est à l’origine une série télévisée destinée aux plus petits, dont le concept est de montrer la vie de bébés animaux. Après avoir été diffusée sur France 5, et avoir notamment gagné un Cristal à Annecy en 2015, elle devient désormais un long métrage qui fait se croiser autour d’une mare une faune diverse composée de castors, ablettes, tortues, salamandres et autres hibous.
Il faut le reconnaître, le ton volontairement pédagogique du film risque de décourager les plus âgés, de même que l’anthropomorphisme systématique dans le propos des animaux (« j’existe, c’est merveilleux ») finit par être assez agaçant. De la même manière, les voix donnent souvent faux, même en considérant que ce sont des animaux qui parlent. Malgré tout, on aura envie de montrer aux plus petits ce programme tout doux dans lequel les animaux sont des marionnettes de papier mâché (les caractères d’imprimerie sont encore lisibles) qui évoluent dans de somptueux décors colorés. On est en effet séduit par la réalisation extrêmement soignée et délicate, de même que par la manière dont le film stimule l’imaginaire des enfants tout en leur donnant une foule d’informations vraies sur la nature et son fragile équilibre.
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