Macadam Cowboy (Midnight Cowboy en vo) est une œuvre majeure du cinéma américain de la fin des années 1960. L’adaptation du roman de James Leo Herlihy a été un énorme succès dans les salles puis aux Oscars avec trois statuettes, dont celle de meilleur film, meilleur réalisateur et meilleur scénario. Dustin Hoffman, Jon Voight et Sylvia Miles ont tous été nommés de leur côté.

Considéré dorénavant comme un classique, il aborde des sujets aussi peu populaires que la prostitution masculine, l’homosexualité, la précarité extrême, la mort, et surtout, il dresse une sévère critique à l’égard de l’hypocrisie américaine et de la religion.

Et puis, il y a aussi le style visuel, propre à cette époque, qui tentait de déconstruire la narration en essayant de traduire le subconscient des personnages avec des flash-backs ou des images oniriques. Enfin, il y a la musique, notamment ce tube de Fred Neil, Everybody’s Talkin, qui trotte dans la tête comme nos anti héros se promènent sur les trottoirs…

Le réalisateur John Schlesinger s’était fait connaître avec Darling Chérie quatre ans auparavant. Avec Macadam Cowboy, ce britannique se détournait de ses films avec Julie Christie pour changer complètement d’univers. Sa réalisation marque les esprits grâce à son esthétique tantôt onirique, tantôt psychédélique. On est, comme souvent à la fin des années 60, aux limites de l’expérimental. Schlesinger avoue s’être inspiré d’un film de Andy Warhol pour le style visuel. My Hustler est un moyen métrage sur un homme d’un certain âge cherchant un jeune homme pour compagnie. Mais il a aussi été influencé par un film yougoslave de Zivojin Pavlovic, Quand je serai mort et livide, primé à Berlin en 68. Un film sur la précarité.

Il est étonnant que Macadam Cowboy ait été un aussi gros succès tant le réalisateurr a usé de méthodes narratives peu conventionnelles avec une histoire pas franchement moralement correcte. Il n’hésite pas à filmer les actes sexuels de manière crue et sauvage, il illustre avec des images furtives et sans paroles les hallucinations et les fantasmes, il tente finalement de mettre en parallèle le monde réel, et peu glorieux, et les pensées intérieures, tantôt tourmentées tantôt délirantes.

L’autre gageure du film c’est le numéro d’équilibriste entre la comédie, parfois absurde, notamment quand il montre la futilité de la société de consommation sur les écrans télévisés, et la tragédie, avec la pauvreté qui briserait n’importe quels rêves. Cet oscillement entre le drame humain et les situations parfois cocasses, soutenues par des dialogues souvent cyniques, enrichissent le film et lui donne une couleur indéfinissable : à la fois une critique de l’Amérique puritaine, hypocrite et consumériste et une empathie vis-à-vis de tous ceux que cette même Amérique a abandonné. Cette dualité est permanente dans le film : le Texas et New York, les bourgeois et les gens de la rue, les hommes et les femmes… Ceux qui ont et ceux qui ne sont pas. Une sorte d'antithèse au rêve américain.

Le film est ce qu’on pourrait appeler un Buddy Movie, un genre en soi. Un buddy movie c’est une histoire de binome que tout oppose. Le choix des acteurs est d’autant plus crucial.

L’interprétation de Dustin Hoffman est considérée comme un sans faute. Son personnage de Ratso, paumé parmi les paumés, lui a valu sa deuxième nomination à l’Oscar deux ans après Le Lauréat. On oublie que l’acteur, qui a tourné le film à l’age de 31 ans, n’en est qu'à son quatrième long métrage. Il était alors un jeune premier adulé par une horde de jeunes adolescentes.

Pour obtenir ce rôle aux antipodes de l’image qu’il véhiculait, il a donné un rendez-vous à un cadre du studio producteur au coin d’une rue de Manhattan. Le décideur ne l’a pas remarqué, il ne voyait qu’un mendiant réclament quelques cents aux passants… Ce mendiant c’était bien sûr l’acteur qui dévoila alors son identité, et empocha son contrat. Il apportera sa minutie légendaire à la construction de son personnage. Lorsqu’il tombe malade, ses quintes de toux l’ont presque fait vomir. Et pour boiter en permanence de la même façon, il ajoutait des cailloux dans ses chaussures…

Face à lui, Jon Voight, le père d’Angelina Jolie. Lui aussi fut nommé à l’Oscar pour ce film. Il a sensiblement le même âge que Hoffman et n’en est qu’à son troisième long métrage de cinéma. Il a remplacé de nombreux comédiens qui ont refusé ou se sont désistés pour ce rôle périlleux. Ce playboy naïf presque analphabète déguisé en cowboy est tout aussi « loser » que son compagnon d’infortunes. Mais son personnage de Joe Buck, s’il est moins excentrique que celui de Ratso, est aussi plus attachant. Séducteur, cerné par les femmes depuis son enfance, ne voyant pas le mal à se prostituer et faire plaisir aux dames, c’est Candide débarquant à Babylone. Il incarne un idéal physique masculin, admirant son corps, reproduisant le mythe de l’étalon. Il va évidemment tomber de haut mais jamais il ne perdra sa dignité et ses valeurs fondamentales.

Car Midnight Cowboy c’est avant tout une grande histoire d’amitié, où chacun essaie de faire atteindre son rêve à l’autre. Leur binôme va évoluer au fil du film. Hoffman va jouer les grands frères, sauf par la taille évidemment, durant une grande partie du film. Mais Voight, sur la fin, se transformera en père essayant de sauver son enfant.

On peut avoir l’impression que Macadam Cowboy se disperse dans tout ce qu’il veut montrer. Pourtant, le film est porté par un pilier : l’identité masculine. Déjà en 1969, celle ci est trouble, elle vacille sous les coups de butoir du féminisme. L’humiliation n’est jamais loin. La dégradation de cette identité traverse de nombreuses scènes, qu’elle soit matérielle ou physique. La figure paternelle est un mythe au même titre que le cowboy, que ce soit John Wayne ou celui qui hante Joe dans ses souvenirs d’enfance. C’est la virilité absolue, mais ce n’est qu’une image. Les hommes sont méprisables : illuminés de Dieu, que Jésus ne sauve d’aucun de leurs vices, homosexuels efféminés noctambules comme les Vampires, étudiant ou père de famille n’assumant pas leurs actes clandestins… Tout est refoulé, amenant ainsi une violence contenue qui parfois s’évacue en mots grossiers ou en coups de poings…

Le sexe est tabou, salle, interdit. Il envoie l’amour d’adolescence de Joe à l’asile. Il est aussi un jouet pour les femmes new yorkaises. La scène la plus marquante du film est celle où Joe trouve enfin une cliente riche, avec un contrat clair. Une passe qui lui donne l’espoir de pouvoir enfin concrétiser ses rêves et ceux de Ratso. Mais il subit une panne sexuelle. Elle s’en amuse en usant de métaphores vexantes. Un artisan avec un outil cassé… Elle prolonge l’humiliation en lui donnant une leçon au Scrabble. Joe n’a que deux petits mots : Man et Mony, Homme et Argent. Mais il écrit mal Mony. Il l’écrit comme les grosses lettres lumineuses qu’il a vu sur un building… A force de perdre, Joe, lui aussi refoulé, humilié, blessé, va vouloir reprendre le dessus. Mais là aussi, la femme domine : c’est elle qui le chevauche, qui l’agresse, qui l’allume. C’est la femme qui veut prendre son plaisir, qui ne veut pas simplement l’égalité des sexes, mais la toute puissance de son sexe. Sur une musique de Western, la bête, c’est à dire l’Homme, se fera domptée et même sa jouissance n’est qu’un piètre réconfort : le mâle a perdu la bataille. Il n’est plus qu’un objet de désir.

Le tournage du biopic sur Louis Wain va démarrer demain à Londres, avec, sur le plateau Benedict Cumberbatch, Claire Foy, Andrea Riseborough et Toby Jones.

Produit par StudioCanal, SunnyMarch, Shoebox, Film4 et Amazon Studios, Louis Wain va être réalisé par Will Sharpe (la série "Flowers"), qui a coécrit le scénario avec Simon Stephenson, qui signe là son premier long métrage en solo.

Louis Wain (1860-1939) était un artiste connu pour ses dessins d'animaux anthropomorphes, et notamment ses chats qui se comportaient comme des humains. Son enfance ne fut pas très heureuse, entre un bec de lièvre le défigurant, une sœur admise en asile, les autres qui vécurent toute leur vie avec la mère... Ado errant, il devient malgré tout professeur de dessin, épouse la gouvernante de ses sœurs (qui décède rapidement d'un cancer), et commence à publier ses premières illustrations de chatons (qui financèrent la vie de cette famille de femmes.

Son épouse sera incarnée par Claire Foy. Le mariage fut considéré comme scandaleux puisqu'elle avait 33 ans, lorsqu'il n'en avait que 23. Durant la maladie de sa femme, il découvre qu'il peut la divertir en apprenant des tours à leur chat, ce qui deviendra son obsession créative. Mais, instable mentalement, Wain sera interné durant les quinze dernières années de sa vie. Mais auparavant, ses dessins de chats, parmi les premiers comic-strips, connurent un grand succès. Cependant, à cause de sa naïveté, il cédait ses droits pour une bouchée de pain ou se faisait avoir par les éditeurs.

Benedict Cumberbatch et Claire Foy ont déjà travaillé ensemble en 2011 dans le drame de Dictynna Hood, Wreckers.

Le cinéaste, exploitant, producteur, acteur et auteur Jean-Pierre Mocky est mort, a annoncé sa famille. Il avait 90 ans officiellement, son père ayant modifié sa date de naissance en 1942, qui devient le 6 juillet 1929, pour qu'il puisse voyager seul et rejoindre son oncle en Algérie, durant l'Occupation allemande.

Il a filmé plus de 60 longs métrages entre 1959 et 2017, certains bricolés avec des bouts de ficelle, d'autres dotés de castings prestigieux: Michel Serrault, Jacqueline Maillan, Catherine Deneuve, Bourvil (son "frère"), Charles Aznavour, Anouk Aimée, Michel Galabru, Sabine Azéma... Sa carrière est fluctuante entre fiascos et films populaires, mais son cinéma reste assez constant, flirtant parfois avec le surréalisme, toujours assez fidèle à l'esprit de la Nouvelle Vague, et avant tout colorés par un humour noir et corrosif, un style acerbe et une vision un peu anar du monde.

Je vais encore me faire des amis !

Il tourne beaucoup, tutoie le gotha du cinéma français, a la langue bien pendue. Parfois, lorsqu'il évoque ses souvenirs, on pourrait le prendre pour un mythomane. Mocky était presque plus connu pour ses révélations et son franc-parler que pour ses films, ces vingt dernières années. Cet artisan, qui peut réaliser un film en moins de deux semaines, parie sur l'efficacité plutôt que les effets de style. La caméra doit raconter l'histoire, à base de plans fixes et de courte focale.

Les réalisateurs d'aujourd'hui sont tellement inféodés aux exigences racoleuses de leurs producteurs qu'ils finissent par y perdre leur âme.

Ce qui frappe chez lui, c'est évidemment l'esprit de satire, le goût de la moquerie, la défiance aux systèmes - politiques, économiques, religieux, sport (A mort l'arbitre, sans doute l'un de ses films les plus noirs) - et un appétit pour le libertinage, et notamment la liberté sexuelle des femmes. Lui-même a su en profiter, n'étant pas très #MeToo en apparence, et fanfaronnant qu'il avait 17 progénitures. Il aimait provoquer et même choquer jusque dans ses affiches, comme celle d'Il gèle en enfer qui avait fait scandale en présentant deux anges sexués.

Son cinéma, romantique et révolutionnaire, anarchiste et presque punk, féministe tout en étant assez binaire dans les genres, reposait sur l'art habile de mélanger des vedettes et des gueules, des personnalités plutôt que des comédiens techniquement parfaits. Il aimait employer les gros cachets pour pas grand chose et surtout pour un contre-emploi (Deneuve en frisée rousse et vieille fille en est le meilleur emblème dans Agent Trouble, 630000 curieux au compteur). Pour lui, tout est dans le jeu, en rappelant : "Je suis un comédien qui est devenu metteur en scène parce qu’il n’avait pas de rôle. Nous étions toute une cuvée, dans les années 50, qui sortait du Conservatoire, Marielle, Girardot, Belmondo. Tous ont réussi. Il faut dire qu’on avait Louis Jouvet comme prof."

Mocky soit qui mal y pense

Il y a dans le cinéma de Mocky la même aspiration (et inspiration) que pour un caricaturiste: il grossit le trait. Ce n'est pas du cinéma réaliste, même si son univers est très réel, et souvent du côté des "petites gens". Il peut en faire une comédie ou un polar, cela reste des fables, des nouvelles, des contes visuels influencés par le cinéma américain des années 1930 ou d'Hitchcock.

Par exemple, c’est Hitchcock qui m’a donné le goût de tourner vite : lorsqu’en 1962 je l’ai rencontré à Los Angeles, chez Maurice Jarre, il m’a confié que douze à quinze jours lui suffisaient pour mettre un film en boîte.

Depuis quelques années, son œuvre, si singulière, si impressionnante, faisait l'objet de rétrospectives ou de prix honorifiques. Evidemment aucun César, même pour l'honneur. Trop décalé? Trop marginal? L'ancien propriétaire du cinéma Le Brady à Paris (durant 17 ans) et propriétaire du Despérado (l'ancien Action Ecoles) a pourtant essayé de transmettre en tant qu'écrivain (avec ses Mémoires, qui se vendaient bien) et en tant qu'exploitant sa passion pour le cinéma. Lui qui avait commencé comme acteur en Italie, stagiaire chez Fellini et Visconti, n'était sans doute pas reconnu à sa juste valeur, même si la moitié de sa filmographie est oubliable. Il a, malgré tout, connu de gros succès comme Les dragueurs en 1969 (1,5 million d'entrées), La bourse et la vie (625000 spectateurs), La grande frousse (680000 spectateurs), Un drôle de paroissien (2,3 millions d'entrées), Y-a-t-il un Français dans la salle? (800000 français dans la salle) ou Les saisons du plaisir (770000 spectateurs) ou Le miraculé (820000 fidèles)....

M. le Mocky

On se souviendra surtout de ses conflits récurrents avec la profession, qui ne lui a pas facilité la vie. Il s'est progressivement fâché avec tout le monde, y compris avec son ami Godard, à force de ne mélanger personne. Il considérait le ministère de la Culture comme son ennemi. Il balançait sur le sexe et les femmes. Bref, Mocky se plaignait d'être maudit, tout en étant béni par les journalistes qui se régalaient à l'avance du buzz qu'il allait produire. Et lui-même adorait parler devant un micro, tout en se plaignant de ne plus pouvoir avoir l'argent nécessaire pour faire ses films.

Les étoiles des critiques ?
On se croirait à une distribution de prix à la fin de l'année.
Les critiques sont-ils des profs et nous des élèves ?
Quelle connerie !
Comment expliquer ce paradoxe : un film sort et il est aussitôt étoilé :
une, deux, trois étoiles, comme dans le Guide Michelin. Et même des quatre étoiles.
Quand il passe à la télé, le film de quatre étoiles n'en a plus que deux ou une ou pas du tout.
Je ne vois pas d'autre explication : on met une cotation d'office quand le film
sort en salle pour faire venir les gens, et quand il passe à la télé, on note pour ce que ça vaut, ces cons de téléspectateurs vont avaler le navet cuit de toute façon.

Son cinéma épuré, ses dialogues très travaillés et ses comédiens toujours bien dirigés pourraient, pourtant, mériteraient qu'on s'attarde un peu plus sur sa filmo. Le cinéaste, résolument indépendant et sûrement très fier d'être le canard noir du métier (ça le distinguait), restait finalement le symbole d'une époque révolue où une certaine liberté de ton et d'expression étaient encore possibles, quitte à passer sur la fin pour un vieux schnock. Tout était un peu défraîchi, poussiéreux. Mais il n'avait rien perdu de sa verve. Cela lui a permis de devenir comique cathodique et radiophonique et conférencier. Cet homme d'images a finit avec l'art de la parole, faute de moyens. Nostalgique sans doute de ce 7e art qu'il a toujours vénéré mais qui lui échappait de plus en plus.

Guillermo Del Toro, Lion d'or et Oscar du meilleur réalisateur pour La Forme de L'eau, a inauguré son étoile sur le Walk of Fame d'Hollywood. Mais son acyualité est plutôt du côté de son prochain film derrière la caméra. Fox Searchlight, pour l'instant rescapée de la fusion Disney-Fox, a confirmé qu'il s'agirait de Nightmare Alley.

A l'origine, Leonardo DiCaprio devait en être le rôle principal. mais la star hollywoodienne semble opter pour le nouveau film de Martin Scorsese comme prochain projet. Bradley Cooper aurait été choisi pour le remplacer selon la presse américaine. A ses côtés, Cate Blanchett est en discussions pour incarner le rôle principal féminin, qui était convoité par Toni Collette. Willem Dafoe et Richard Jenkins ont également été pressentis au générique.

Il s'agit de l'adaptation du roman de William Lindsay, traduit en France sous le titre Le Charlatan. Le roman noir avait déjà fait l'objet d'une adaptation au cinéma en 1947, réalisée par Edmund Goulding, avec Tyrone Power. Dans l'univers underground de l'industrie du divertissement des années 1940, un petit escroc pourri et une psychiatre pas très nette s'amusent à manipuler les gens pour leur extorquer leur fric. Ce qui fait leur petite fortune, jusqu'à ce que la manipulation se retourne contre l'arnaqueur.

Le tournage doit commencer d'ici quelques mois. Avant que le réalisateur ne se lance dans son Pinocchio en stop-motion pour Netflix.

Chanteur dans le groupe de rock Dionysos et écrivain, Mathias Malzieu tourne cet été son second long métrage adapté de son dernier roman, Une Sirène à Paris.

Adaptation conforme

Pour son premier film en prise de vues réelles, Mathias Malzieu a donc décidé d’adapter un autre de ses romans, le plus récent, publié cette année aux éditions Alvin Michel. Déjà auteur des bouleversants Journal d’un vampire en pyjama et La Mécanique du cœur, le Valençois de 45 ans n'est en effet pas à son premier coup d'essai côté cinéma. Après avoir co-réalisé le film d'animation Jack et la mécanique du coeur (2013), il s'était attelé au court-métrage fantastique avec Le Distributeur automatique d'aurores boréales (2016).

Cette semaine, le distributeur Sony révèle par ailleurs que le tournage d'Une Sirène à Paris aura lieu du 29 août au 17 octobre en France ainsi qu’en Macédoine. Prix Babelio Imaginaire 2019, l’adaptation sur grand écran d’Une Sirène à Paris sera portée par Nicolas Duvauchelle (Un beau soleil intérieur) et Marilyn Lima (Bang Gang) dans les rôles principaux. Compositeur de la bande originale, Mathias Malzieu officiera également comme co-scénariste sur Une Sirène à Paris, aux côtés de son collaborateur de longue date Stéphane Landowski.

Attendu en salle pour le 11 mars 2020, Une Sirène à Paris raconte la rencontre hasardeuse entre Gaspard (Nicolas Duvauchelle), un crooneur au coeur brisé qui s'est juré de ne plus retomber en amour et Lula (Marilyn Lima), jolie sirène qui n'a que le chant pour se défendre des hommes, en faisant s’emballer leur coeur jusqu’à l’explosion. Lorsque la Seine en crue vient déposer Lula eu pied du Flowerburger, la péniche-cabaret où chante Gaspard, c’est un mini-tsunami qui va bouleverser leur existence. Lui, l’homme qui a souffert d’avoir trop aimé, et elle, la créature qui n’a jamais connu l’amour, vont apprendre à se connaître. Et à chanter d’une même voix.

Un deuxième musée sur Louis de Funès a été inauguré mercredi 31 juillet à Saint-Raphaël. Le Musée de Louis de Funès a ouvert ses portes le lendemain. A 40 kilomètres du musée de la Gendarmerie, déjà consacré à l'acteur français, ce musée grand public a été conçu à très grande vitesse, à deux pas du lieu de la scène de son dernier film Le Gendarme et les Gendarmettes, sorti en 1982.

Pour célébrer cette ouverture, la ville de Saint-Raphaël organise un cycle Louis de Funès en plein air, avec 7 de ses grands films. Et à partir de demain jusqu'au 6 août, au Centre culturel de la ville, est organisée une exposition temporaire, "Louis de Funès : regardez-moi là !".

350 pièces peuplent ce parcours. Des documents de l'INA, des collections de Gaumont, des photographies personnelles et d'autres de tournages, des films personnels en super 8, des dessins, des scénarios annotés de la main de l'acteur, des affiches, des lettres, des accessoires de films comme le chapeau de Rabbi Jacob, le casque de la Grande Vadrouille ou la bourse de l'Avare, son César d'honneur, et même des jeux pour les enfants s'ajoutent à des extraits de films et leurs séquences cultes. Il y a aussi de vieux téléphones où l'on peut entendre le comédien raconter sa vie, son travail, ses anecdotes, au gré des interviews ressuscitées.

De l'Atlantique à la Méditerranée

Toute la collection est issue de la famille, et autrefois hébergée par le musée de Louis au château de Clermont, à Cellier, en Loire-Atlantique. Le musée a fermé en 2016 quand le bâtiment fut vendu. Un musée à Nantes fut alors envisagé. On aurait pu croire alors que Saint-Tropez allait le récupérer, puisque la ville du "Gendarme" est déjà doté (depuis 2016) du Musée de la gendarmerie et du cinéma, dédié à la célèbre franchise (mais pas seulement).

Dans Var Matin, Olivier de Funès explique la raison: "Lorsque le musée du Cellier a fermé, on a pensé en faire un autre à Nantes qui n’est qu’à 25 km. Par rapport au parcours de mon père, cela aurait eu du sens. Mais la municipalité s’en moquait, tout autant que la Région. J’ai écrit à la mairie de Saint-Tropez qui… ne m’a jamais répondu. Puis ma fille Julia a été en contact avec Grégory Bozonnet, le directeur de cabinet du maire de Saint-Raphaël, et ça a tout de suite accroché! Du coup, je suis très content que le musée soit ici. Mon père était un fils d’immigrés espagnols qui ont su s’adapter à leur nouveau pays?; Louis saura s’intégrer à Saint-Raphaël!"

Le Festival du film de La Rochelle, qui a lieu chaque année fin juin début juillet, est l’occasion de découvrir des films inédits, avant-premières, rééditions, et surtout des hommages et des rétrospectives. Cette année, furent notamment à l’honneur les films muets du Suédois Victor Sjöström (1879-1960) et les dix premiers films de l’Américain Arthur Penn (1922-2010), un des pères du Nouvel Hollywood. Parmi les nouveautés, fut remarqué le très bel essai de Frank Beauvais, Ne Croyez surtout pas que je hurle, qui sortira le 25 septembre 2019 (lire aussi notre article lors de sa projection à la Berlinale). Ces cinéastes questionnent chacun à leur manière la place de l’individu dans la collectivité. Tour d’horizon en trois chapitres.

Suite du chapitre 3

Aussi intime que soit le texte, Ne croyez surtout pas que je hurle n’est pas un film égotiste. La rupture n’est pas le sujet. C’est un point de départ, un incident déclencheur : le manque du petit ami est très peu raconté, et quand il revient chercher ses affaires à la fin, la scène est une anecdote, rien de plus. La mort du père, autre scène inaugurale, est autrement plus inoubliable : un soir, devant un film de Grémillon, le père s’écroule et meurt dans les bras de son fils, image d’une piéta inversée. Si le texte nous donne à voir la scène, les images, elles, racontent déjà l’absence du corps : un fauteuil vide, un canapé, un écran de télé, une fenêtre, le sol. Le souvenir personnel devient une image à combler, collectivement.

Cette façon de faire entrer spectateur dans le film vient autant de la distance de l’image et du son que de la façon avec laquelle les événements ayant marqué 2016-2017 s’invitent dans l’intimité du réalisateur. Les attentats du Bataclan, de Nice, les réfugiés en Méditerranée donnent à sa dépression un tour politique. C’est un mal être historique qui est ici représenté, et l’impression d’être enfermé devant un écran est d’autant plus forte que la vie du village, marqué par le sceau de l’extrême droite, n’amène qu’à davantage d’exclusion. La description d’une France profonde à la servitude et à l’aveuglement volontaires a rarement été aussi glaçante. La souffrance ne vient dès lors pas tant d’être exclu, d’être isolé, que de faire partie de ce monde-là, un monde hostile.

La douceur de la voix de Ne croyez surtout pas que je hurle n’y trompe pas : le titre est une antiphrase, et le film tout entier un cri. S’il va vers la lumière, c’est que les films vus, névrose obsessionnelle symptôme de la maladie, sont peut-être aussi un médicament. Les images pansent. L’autre antidote, ce sont les amis. Le film saisit une forme d’échec des élans collectifs, mais il reconstruit in fine une nouvelle façon d’être à plusieurs – un concert avec la mère, une nuit à boire et parler avec un ami, un ex qui vient aider… La reconnaissance des solitudes transforme alors la triste multitude des « je » en un « nous » revigorant. Sur l’écran noir du générique, peut enfin défiler le titre des films cités, et résonner la magnifique chanson de Bonnie Prince Billy, I see a Darkness : « And did you know how much I love you / Is a hope that somehow you, you / Can save me from this darkness. »

Le Festival du film de La Rochelle, qui a lieu chaque année fin juin début juillet, est l’occasion de découvrir des films inédits, avant-premières, rééditions, et surtout des hommages et des rétrospectives. Cette année, furent notamment à l’honneur les films muets du Suédois Victor Sjöström (1879-1960) et les dix premiers films de l’Américain Arthur Penn (1922-2010), un des pères du Nouvel Hollywood. Parmi les nouveautés, fut remarqué le très bel essai de Frank Beauvais, Ne Croyez surtout pas que je hurle, qui sortira le 25 septembre 2019 (lire aussi notre article lors de sa projection à la Berlinale). Ces cinéastes questionnent chacun à leur manière la place de l’individu dans la collectivité. Tour d’horizon en trois chapitres.

Chapitre 3 : Le « je » et le monde

2016. A 45 ans, Frank Beauvais vient d’être quitté par l’homme avec qui il vivait. Il est à présent seul, sans permis de conduire, dans une maison isolée, en Alsace. Pendant quelques mois, sa routine dépressive l’empêche de presque tout, sauf de regarder des films – quatre ou cinq par jour. Au son, il n’y a que sa voix, comme un journal des événements de son quotidien et des pensées qui le traversent face à l’état du monde. A l’image, un montage de plans des films vus pendant cette période tour à tour illustre le texte ou s’en éloigne. Si ce procédé s’inscrit dans une droite ligne moderne (Debord, Duras, Godard, Marker), Ne croyez pas que je hurle est un essai sensitif, jamais théorique.

Déjà, dans son moyen métrage Compilation, 12 instants d’amour non partagés (2007), le cinéaste filmait de façon forcenée le visage d’un jeune homme dont il était épris et y accolait des chansons d’amour qui jamais ne semblaient toucher, atteindre le visage. Cri sans écho, distance infranchissable entre une parole pourtant sans ambigüité et ce visage/image. A l’inverse ici, il n’y quasiment aucun visage : des nuques, des mains, des pas, des objets, des lieux vides… C’est comme si, dans sa dépression, Beauvais ne pouvait plus discerner ce qui fait qu’un être est humain. Cette absence participe aussi du fait que jamais le spectateur n’est tenté de reconnaître les films qui défilent – noirs et blancs, couleurs, anciens, récents, peu importe : ils deviennent des impressions plus que des citations. Seule la voix nue nous guide.

Bien que le casting comporte également Elizabeth Debicki, Robert Pattinson, Aaron Taylor-Johnson, Kenneth Branagh, Clémence Poésy, Dimple Kapadia et Michael Caine, ceux-ci ne figurent pas dans la vidéo de 40 secondes. Attendu pour le 22 juillet 2020 en France, le 11e long-métrage de Christopher Nolan est à nouveau produit par Syncopy Films et distribué par Warner Bros.

Alors que Martin Scorsese s'apprête à montrer son plus gros budget cet automne, The Irishman (lire actualité d'hier), la presse professionnelle américaine s'emballe sur une possible réunion entre le cinéaste, son acteur fétiche des années 1970-1990 et son autre acteur fétiche des années 2000-2010, respectivement Robert De Niro et Leonardo DiCaprio.

Les deux acteurs pourraient se retrouver dans Killers of the Flower Moon, qui devrait être le prochain film de Martin Scorsese.

Le réalisateur aurait confirmé la présence de Robert De Niro au générique lors de sa rencontre avec le chef de la nation Osage, Geoffrey Standing Bear, chef de la nation Osage. de Niro incarnerait le tueur en série William Hale.

Leonardo DiCaprio et Martin Scorsese ont lancé le projet il y a deux ans. Il s'agit de l'adaptation du polar Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI, livre signé David Grann (La cité perdue de Z), traduit en France sous le titre La note américaine. Au départ le film devrait être tourné l'année dernière, mais Scorsese a pris du retard sur The Irishman et DiCaprio, entre temps, s'était engagé sur le nouveau Tarantino, Once Upon a Time in Hollywood.

Une des premières enquêtes du FBI

Le scénario est écrit par Eric Roth (Forrest Gump, Benjamin Button). L'histoire se passe dans les années 1920. Alors que l'on découvre du pétrole dans le sol de l'Oklahoma, des membres de la nation Osage, une tribu amérindienne affiliée aux Sioux, sont mystérieusement tués. Ce sera l'une des premières grandes enquêtes du FBI. Les agents découvrent une gigantesque conspiration et met au jour une série de crimes choquants et effrayants.

Paramount doit distribuer le film.

De Niro et DiCaprio ont déjà été réunis deux fois au cinéma, dans Blessures secrètes de Michael Caton-Jones (1993) et Simples secrets de Jerry Zaks (1996). Scrosese les a aussi fait jouer ensemble, avec Brad Pitt, dans le court métrage The Audition.