Pour sa première journée, la 74e Mostra de Venise présente deux films qui interrogent la religion : en compétition First Reformed de Paul Schrader ou avoir vraiment la Foi en Dieu devient incompatible avec la folie des hommes ; et hors-compétition The Devil and Father Amorth de William Friedkin où nos croyances sont défiées, qu'on soit d'un côté ou de l'autre... Dans les deux films la religion est soit un boulier soit une béquille face aux faiblesses de l'Homme, mais il s'agit surtout des deux dernières oeuvres de cinéastes cultes...

First Reformed, de Paul Schrader :
Ethan Hawke est un homme d’église qui décide d’écrire un journal intime pendant un an. Il voudra détruire cette forme très personnelle de prière, peut-être parce qu’il sait que sa santé n’est plus bonne. Un jour à l’église Amanda Seyfried, enceinte, lui demande de passer à la maison pour parler avec son mari : un activiste écologiste très pessimiste à propos de l’avenir et des conséquences des changements climatiques, au point de ne pas vraiment souhaiter qu’un enfant naisse pour grandir sans espoir… Le révérend essaie de le réconforter "le courage est la solution au désespoir, la raison n’apporte pas de solution". Le film est composé jusque là uniquement de plans fixes avec deux personnages qui dialoguent ou avec seulement une voix-off. On se demande où tout cela va conduire mais il faut attendre la suite... First Reformed est le dernier film écrit et réalisé par Paul Schrader, célèbre comme scénariste (Raging Bull, La dernière tentation du Christ, À tombeau ouvert, et surtout Taxi driver) et en tant que réalisateur de films poisseux comme Hardcore où l’année dernière Dog eat dog (à Cannes). On s'attend à ce que First Reformed, surtout centré sur la religion dans sa première partie, glisse vers une forme de violence, et c’est ce qui va suivre. Plusieurs éléments vont conduire le révérend de l’église vers une réflexion extrême, la forme du film même évolue avec des plans en mouvements (dont une séquence mystique) et peu à peu c’est un plan mortel qui se met en place… Si les voies de Dieu sont impénétrables, le révérend va vouloir provoquer un choc parmi sa communauté. Pour Paul Schrader : "Une éducation catholique sous-entend que l'on peut être lavé de ses pêchés dans le sang : c'est intéressant ce concept pour un film. L'humanité est certainement un problème pour la planète, peut-être en particulier ma génération." Même si le festival de Venise ne fait que commencer, Ethan Hawke est déjà parmi les favoris à un prix d'interprétation.

The Devil and Father Amorth, de William Friedkin :
William Friedkin réalise là un documentaire sur la pratique de l’exorcisme, une quarantaine d’années après son grand succès  L'Exorciste qui était l’adaptation d’un roman inspiré d’un possible cas en 1949... Lui-même n’avait jamais assisté à ce rituel, et comme il paraît qu’environ 500000 personnes y ont recours chaque année en Italie, William Friedkin y est allé : pour filmer un exorcisme pratiqué par le prêtre Amorth sur une dame qui a fait appel à lui, pour la neuvième fois ! La femme bien que maintenue par des proches s’agite vivement avec un ‘jamais’ d’une voix gutturale quand le prêtre avec sa prière demande à Satan de quitter ce corps... La séquence est longue, trop longue et pénible, et on se demande si Friedkin a l’intention de convertir ses spectateurs avant que sa démarche ne trouve son intérêt dans la seconde moitié de son documentaire : il montre les images filmées de cet exorcisme à différents médecins (neurologue, psychiatre) pour leur demander leur avis : si une tumeur pourrait expliquer un état de délirium, si une éducation religieuse incite à croire qu’on puisse être victime d’une possession démoniaque… William Friedkin a directement interrogé la salle : "C'est tellement facile d'être sceptique. Est-ce que quelqu'un ici est certain qu'il n'y a pas de Dieu ?"
Un bien étrange documentaire dont le contenu autant que la durée (68 minutes) en ferait un élément de bonus pour une nouvelle édition vidéo de L'Exorciste...

Le soleil est déjà chaud sur la lagune, les membres des différents jurys sont arrivés sur le Lido, tout est prêt pour l’ouverture de cette 74e édition du Festival de Venise.

On se pose les questions qui sont dans l'air du temps, comme par exemple la présence dans un festival de films produits par Netflix ou d'épisodes d'une série télé... ou encore la représentation en compétition de films réalisés par une femme. A ce sujet, la présidente du jury Annette Bening n'est pas pour que ça soit un critère dans une sélection : «Je ne suis pas intéressée par une étiquette "film de femme" dans un festival, ce qui compte c'est qu'un femme réalisatrice puisse faire son film, et que ce film parle à un grand nombre de spectateurs.»

John Landis a lui la charge de présider le jury de sélection réalité virtuelle, inaugurée cette année : «Avec le cinéma tel qu'on le connaît c'est le réalisateur qui guide votre regard et décide de ce que vous voyez avec le montage. Dans un film en réalité virtuelle le spectateur peut aller regarder un peu partout autour de lui, c'est très différent. Je veux apprendre comment on peut jouer avec ça pour la narration d'une histoire.»

Les films en compétition :
L’Italie est présente avec 4 films : Ammore e Malavita de Antonio et Marco Manetti, Una famiglia de Sebastiano Riso (avec la présence de Patrick Bruel !), Hannah de Andrea Pallaoro (avec Charlotte Rampling et André Wilms) et The Leisure Seeker de Paolo Virzì  avec une dimension plus internationale puisque qu’il réunit Helen Mirren et Donald Sutherland.

Pour la France, c’est aussi 3 films qui d’ailleurs étaient prêts pour Cannes mais sans être retenus pour différentes raisons : La Villa de Robert Guédiguian (avec ses habitués Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier…), Mektoub is Mektoub de Abdellatif Kechiche très attendu après sa palme d’or, et Jusqu'à la garde de Xavier Legrand (avec Denis Ménochet et Léa Drucker) encore auréolé de sa nomination à l'Oscar 2014 pour son court-métrage…

Hormis Three Billboards Outside Ebbing, Missouri de Martin McDonagh et Lean on Pete Andrew Haigh pour représenter le Royaume-Uni (mais avec des acteurs américains…), aucun autre pays européen ne figure en compétition. Ce qui laisse de la place pour par exemple L'Insulte de Ziad Doueiri et The Third Murder de Hirokazu Kore-eda.

Grosse présence américaine également avec notamment Downsizing de Alexander Payne (en ouverture), Bienvenue à Suburbicon de George Clooney, First Reformed de Paul Schrader, The Shape of Water de Guillermo Del Toro et Mother! de Darren Aronofsky…, et donc la présence attendue sur le tapis rouge de Matt Damon, Julianne Moore, Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ethan Hawke, Amanda Seyfried, Woody Harrelson… Il y aura 21 films en compétition, pas d’animation mais à noter la présence de 2 documentaires.

Des film hors-compétition de prestige :
Robert Redford et  Jane Fonda vont recevoir chacun un Lion d'Or pour l'ensemble de leur carrière en venant pour Our Souls at Night, et le réalisateur Stephen Frears recevra le prix ‘Glory to the Filmmaker’ en présentant Confident Royal (Victoria & Abdul). Il y aura également The Devil and Father Amorth de William Friedkin, The Private Life of a Modern Woman de James Toback, Zama de Lucrecia Martel, Piazza Vittorio de Abel Ferrara, le documentaire Jim & Andy: The Great Beyond : the story of Jim Carrey & Andy Kaufman… Ainsi que Le Fidèle de Michaël R. Roskam avec Matthias Schoenaerts et Adèle Exarchopoulos (déjà le film choisi par la Belgique aux Oscar), et le retour de Takeshi Kitano avec Outrage Coda.

Des sections parallèles curieuses :
Le cinéma français sera bien représenté à Venise avec dans l’une ou l’autre des différentes sections M de Sara Forestier, Les garçons sauvages de Bertrand Mandico, Espèces Menacées de Gilles Bourdos, Marvin d' Anne Fontaine… On pourra aussi y découvrir le nouveau film de Pen-ek Ratanaruang Samui Song et un portrait de la chanteuse du Velvet Underground dans Nico, 1988 de Susanna Nicchiarelli. Et donc cette année Venise lance une nouvelle section compétitive ’Venice Virtual Reality’ pour les films en réalité virtuelle.

Le magazine américain Variety a dévoilé la nouvelle il y a peu : l'acteur de 23 ans Stephan James sera la star du prochain film de Barry Jenkins. Après avoir atteint les sommets avec Moonlight, Oscar 2017 du meilleur film, Barry Jenkins est en pleine préparation de l'adaptation de Si Beale Street pouvait parler, le célèbre roman de James Baldwin.

Ce dernier raconte notamment la course contre la montre que traverse Tish, une jeune épouse enceinte de 19 ans qui doit prouver l’innocence de Fonny, accusé à tort d'avoir violé une jeune Porto-Ricaine. Tout cela avant la naissance de leur enfant ! Si Stephan James incarnera Fonny, l'identité de sa co-star n'a pas encore été révélée. Et cela devient urgent puisque le tournage doit débuter en octobre.

Pour rappel, Stephan James s'est fait remarquer grâce à son rôle dans la série post-Black Lives Matter Shots Fired, diffusée sur Fox au printemps dernier. Avant cela, il a incarné l'athlète afro-américain Jesse Owens dans le drame La Couleur de la victoire. De son côté, Barry Jenkins a récemment réalisé un épisode (le meilleur !) de la série de Netflix Dear White People.

En 2073, la Terre est surpeuplée, aussi le gouvernement décide d’instaurer une politique d’enfant unique, appliquée de main de fer par le Bureau d’Allocation des Naissances, sous l’égide de Nicolette Cayman. Confronté à la naissance de septuplées, Terrence Settman décide de garder secrète l’existence de ses 7 petites-filles. Confinées dans leur appartement, prénommées d’un jour de la semaine, elles devront chacune leur tour partager une identité unique à l’extérieur, simulant l’existence d’une seule personne : Karen Settman. Si le secret demeure intact des années durant, tout s’effondre le jour où Lundi disparait mystérieusement…

Un scénario qui aime surprendre. La première chose qui frappe le spectateur, c'est l'inventivité du pitch. Cette dystopie cauchemardesque n'est que le cadre d'un formidable film "choral" où sept femmes/sœurs jumelles très différentes par leur personnalité doivent faire face à la disparition de l'une d'entre elles, puis d'une deuxième, d'une troisième... Ce qui vaut de multiples interrogations, pistes tortueuses, et surtout une flopée de rebondissements et de surprises. On ne s'ennuie jamais car Seven Sisters veut déstabiliser le spectateur avec une série d'incertitudes. Ajoutons à cela un environnement despotique et cruel, fascisant pour tout dire, et l'histoire devient vite passionnante. Seule l'issue, un double duel (Glenn Close contre Noomi Rapace et un autre qu'on ne divulguera pas) résoudra ce récit où même les héroïnes meurent. Ce qui est assez rare et d'autant plus trippant.

Une actrice qui aime étonner. Les sept sœurs sont toutes incarnées par Noomi Rapace. Depuis Millénium, on sait l'actrice très à l'aise dans les genres (thrillers, action, SF, ...). Pas étonnant alors de la voir faire des cascades improbables, se battre à poings nus ou à coup de portes de frigo, tirer avec un flingue sans être ridicule. Seven Sisters lui permet également de montrer l'étendue de son registre en interprétant sept femmes aux personnalités et looks très différents. Un cadeau pour une comédienne, rendu possible grâce à la magie des effets spéciaux. Cette multiplicité lui offre l'occasion d'occuper l'écran de bout en bout. Charismatique et crédible, Noomi Rapace a trouvé ici sans aucun doute le film qui correspond le mieux à son talent: une femme forte, émancipée, indépendante et résistante.

Un thriller-SF comme on aime. Un scénario sans temps morts et une actrice idoine ne suffisent pas à faire un bon film. Tommy Wirkola, jusque là réputé pour ses films de zombies (Dead Snow) et son ratage fantasy (Hansel et Gretel), a, semble-t-il, été bien plus inspiré par ce thriller futuriste. Il maîtrise parfaitement les méandres du script, réussit la composition des séquences avec sa comédienne démultipliée et surtout, à quelques rares exceptions, ne s'égare jamais dans les scènes d'action, en faisant au plus sobre quant à l'unité de temps et de lieu. Le découpage n'est pas frénétique et le rythme reste pourtant soutenu. Alternant explications qui font avancer le récit, présentation psychologique des personnages, et poursuites/combats/meurtres, le cinéaste réalise un divertissement "à l'ancienne" de haute volée où le spectateur n'est jamais pris pour un décérébré.

Tobe Hooper, réalisateur américain considéré comme l'un des pionniers du cinéma de genre, est décédé samedi 26 août à l'âge de 74 ans. Son œuvre compte une quinzaine de longs métrages de cinéma et une dizaine de réalisations pour la télévision, mais il est principalement connu pour deux films : Massacre à la tronçonneuse et Poltergeist.

Le premier est un film à petit budget tourné en 1974 avec notamment les professeurs et les élèves de son école. Il suit un groupe d'étudiants insouciants aux prises avec la violence la plus débridée, à la merci d'un tueur sanguinaire et d'une tribu cannibale. L'approche réaliste de Hooper et son sens du détail (gore) créent un niveau d'angoisse rarement atteint au cinéma. Bien qu'ayant subi plusieurs interdictions (en France, il est retiré des salles après une semaine d'exploitation, et n'y réapparaîtra qu'en 1982), le film est devenu un classique, et surtout une référence du genre pour de nombreux cinéastes. Il connaîtra plusieurs suites (dont une réalisée par Hooper lui-même en 1986) et même un remake en 2003.

Poltergeist, l'autre grand fait d'arme du réalisateur, est produit et coécrit par Steven Spielberg en 1982 et sera un immense succès au box-office. Il raconte l'histoire d'une famille dont la maison est hantée par des fantômes vindicatifs, et bénéficiera lui-aussi de plusieurs suites.

Malgré le bon accueil reçu, Tobe Hooper ne parviendra pas à capitaliser autant qu'on aurait pu le croire sur ce succès. Ses films suivants convainquent moins, et certains ne sortent même pas en salles. Il poursuit malgré tout dans la veine horrifique, avec des titres comme Les envahisseurs de la planète rouge, Nuit de la terreur ou Mortuary et des réalisations pour la télé, à l'image des épisodes des Contes de la crypte et le pilote de Freddy, le cauchemar de vos nuits, prequel du film de Wes Craven.

Preuve de l'immense reconnaissance dont il était l'objet, l'annonce de son décès a suscité des réactions bien au-delà du cercle un peu restreint du cinéma de genre, de John Carpenter à James Gunn, d'Eli Roth à Edgar Wright en passant par William Friedkin ou encore Scott Derrickson.

C'est bien la première fois que Mireille Darc ne nous aura fait ni sourire, ni fondre. L'inoubliable héroïne du Grand blond avec une chaussure noire, dans lequel elle portait cette fameuse robe noire dénudant vertigineusement le dos, vient de disparaître à l'âge de 79 ans, laissant orphelin le cinéma français qui aura décidément payé un lourd tribu cet été.

Quand on pense à Mireille Darc, c'est tout un pan du cinéma des années 60 et 70 qui vient immédiatement à l'esprit. La grande sauterelle (ça restera son surnom), Des pissenlits par la racine (elle y incarne Rockie la braise, ça ne s'invente pas), La blonde de Pékin, Elle boit pas, elle fume pas, elle drague pas, mais... elle cause, Fleur d'oseille, Fantasia chez les ploucs... même les titres sont évocateurs d'une époque et d'une certaine forme de cinéma.

C'est que Mireille Darc faisait partie de la "bande" de Michel Audiard et surtout de Georges Lautner, avec lequel elle tourna 13 films, dont le monument Les barbouzes en 1964, avec Lino Ventura, Bernard Blier ou encore Francis Blanche, mais aussi Les bons vivants (1965) ou encore Ne nous fâchons pas (1966). Elle tourna également avec Jean Giraud (Pouic Pouic, son premier grand rôle au cinéma), Edouard Molinaro (La chasse à l'homme, le téléphone rose...), Jean-Luc Godard (Week-end), Jacques deray (Borsalino) et bien sûr Yves Robert (Le grand blond...).

En tout une cinquantaine de longs métrages où elle apparaissait en femme fatale bienveillante ou en sex-symbol accessible, souvent drôle et malicieuse, dans des comédies policières loufoques ou des parodies décalées. Elle était ainsi le symbole d'une féminité émancipée et joyeuse, mais aussi d'une certaine force de caractère. A la fois populaire et mythique, libérée et rassurante, drôle et sensuelle.

Dans les années 80, une opération à coeur ouvert et un grave accident de voiture interrompent sa carrière. Elle tournera malgré tout son premier long métrage en tant que réalisatrice (La Barbare, en 1986) et apparaîtra une dernière fois chez Lautner, pour un petit rôle non crédité (La vie dissolue de Gérard Floque, en 1986). Ensuite, c'est la télévision qui lui fait un pont d'or, avec notamment les séries Coeurs brûlés (1992),  Les yeux d'Hélène (1994), Terre indigo (1996)...

La réaction la plus touchante à l'annonce de son décès est celle de Pierre Richard, son partenaire dans Le grand blond... : "Plus je suis triste, moins j'ai envie de parler… et là, je suis abattu par la disparition de Mireille…"

Plus je suis triste, moins j'ai envie de parler… et là, je suis abattu par la disparition de Mireille… pic.twitter.com/yXvKCS85Fp

— Pierre Richard (@PierreRichardPR) August 28, 2017

C'est un beau cadeau que nous fait Arte à quelques jours de la rentrée scolaire, en diffusant en avant-première le mercredi 30 août Jeannette, l'enfance de Jeanne d'Arc de Bruno Dumont qui sortira en salles le 6 septembre prochain. Cette déconcertante comédie musicale sur l'enfance de Jeanne d'Arc, adaptée de Jeanne d’Arc et Le Mystère de la charité de Jeanne d’Arc de Charles Péguy, est co-produite par la chaîne de télévision, et avait été sélectionnée à la Quinzaine des Réalisateurs lors du dernier festival de Cannes. Si le réalisateur de L'Humanité, Camille Claudel et Ptit Quinquin nous a habitués à la fois à une certaine radicalité et aux ruptures de ton les plus insolites, son nouveau film est probablement le film le plus audacieux et le plus totalement décalé de sa filmographie.

On y suit en effet une petite fille, Jeannette, qui garde ses moutons et s'interroge (souvent en chantant) sur le monde dans lequel elle vit : où est donc le Seigneur dont tout le monde attend le retour ? Pourquoi Dieu n'exauce-t-il pas les prières ? Comment lutter contre le mal universel dont sont même complices les hommes de bien ? Comment sauver tous les êtres à la fois, quand la guerre et la misère font rage ? Des questions d'ordre religieux mais aussi humaniste et même politique dont la profondeur abyssale tranche avec la jeunesse et la naïveté de celle qui les pose dans un langage bien trop précis et recherché pour son âge.

Toute la dialectique de Péguy (car tout le texte est de lui) est ainsi incarnée par un dialogue aussi charmant qu'intense entre la petite Jeanne et son amie Hauviette, la première étant dans une grande douleur qui la conduit à la rébellion, tandis que la seconde, sage et raisonnable, affirme sa totale soumission à Dieu.

On peut être un peu gêné par la démarche sans concession de Dumont (qui ajoute à ce mélange déjà hétéroclite la musique électro-baroco-heavy metal d'Igorrr et les chorégraphies endiablées de Philippe Decouflé), mais en réalité, si l'on s'abandonne à cette oeuvre sidérante par sa puissance d'évocation et sa beauté quasi mystique, c'est une réussite totale. Une oeuvre en état de grâce, telle que l'on n'en avait peut-être jamais vu, et dont la singularité envoûtante rime avec la plus grande simplicité stylistique. Décor naturel, son direct, comédiennes à la fragilité bouleversante, mise en scène dépouillée... tout ramène au texte et à la force des idées qu'il véhicule.

Un pari forcément gonflé à l'époque d'un cinéma de la surenchère et du spectaculaire à tout prix, bien que le film ne s'interdise ni les effets (les fameuses "voix"), ni l'humour plutôt tendre et le décalage permanent entre la solennité des propos et le contexte dans lequel ils s'inscrivent. L'oncle de Jeannette s'improvise ainsi rappeur tandis que la religieuse à qui elle demande conseil est incarnée par des sœurs jumelles qui tombent la cornette pour révéler une chevelure flamboyante qu'elles agitent en cadence sur fond de hard rock. Déconcertant, osé, iconoclaste... et complètement épatant. De par l'intelligence du propos d'une part, et par la fulgurance artistique du geste formel d'autre part. Comme si le cinéaste avait réussi à combiner l'exigence intellectuelle forte d'une poésie habitée avec la simplicité désarmante d'une âme d'enfant et la fantaisie d'une interprétation musicale et chorégraphique débridée et joyeuse.

Bruno Dumont lui-même parle d'un "opéra cinématographique" (qui lui seul serait capable de rendre justice aux mots de Péguy), et c'est vrai qu'il y a quelque chose de cet ordre, monumental et écrasant, dans cette Jeannette réjouissante, et quoi qu'il en soit unique en son genre. Il ne faut donc la louper sous aucun prétexte, que ce soit le 30 août sur petit écran, ou dès le 6 septembre sur le grand. Voire les deux.

Asghar Farhadi, deux fois oscarisé, Ours d'or à Berlin, et multi-primé à Cannes, s'apprête à tourner son nouveau film, Todos lo saben (Tout le monde sait), annoncé en mai 2016 (lire notre actualité).

Pour ce tournage qui débute à Madrid cette semaine, le cinéaste iranien s'est entouré du gratin hispanophone: Ricardo Darin, Javier Bardem, Penélope Cruz, Barbara Lennie (La piel que habito), Eduard Fernández (L'homme aux mille visages), Elvira Minguez (Truman), Roger Casamajor (Pain noir), Ramón Barea (Psiconautas), Inma Cuesta (Blancanieves) et Carla Campra (Veronica).

Alberto Iglesias, compositeur attitré des films d'Almodovar, assure la musique et José Luis Alcaine (chef op de plusieurs films du même Almodocar) se charge de la photographie. A l'origine, les frères Almodovar devaient d'ailleurs produire le film, mais ils s'en sont désengagés.

Dans ce film, Carolina retourne avec sa famille, de Buenos Aires, dans son village natal, à l’occasion d’une célébration. Ce qui devait être une courte visite va être perturbé par plusieurs événements imprévus qui vont totalement changer leurs vies à tous.

En France, le film sera distribué par Memento Films, qui est aussi coproducteur. Ça sent la sélection au prochain festival de Cannes. Le dernier film d'Asghar Farhadi, Le client, était reparti avec deux prix lors de son passage sur la Croisette.

Le couple Bardem-Cruz est aussi à l'affiche de Loving Pablo, sélectionné à Venise et Toronto ces jours-ci. Penelope Cruz sera aussi à l'affiche en décembre du Crime de l'Orient-Express de Kenneth Branagh, tandis que Javier Bardem est au générique de Mother!, le dernier Darren Aronovsky, en compétition à Venise. Ricardo Darin, qui sera honoré à San Sebastien fin septembre, a présenté à Cannes en mai dernier La Cordillera.

Le format court sous toutes ses formes sera à l'honneur en septembre à Epinal avec le nouveau festival Regards sur Courts. Nouvelle appellation du Festival de l'image (ou Festival d'Art numérique) créé dans la cité vosgienne en 1961, cette manifestation couplera cette année pour la première fois courts métrages photos (c'est-à-dire réalisés en image fixe) et courts métrages de cinéma traditionnels.

La compétition de courts métrages photos est le résultat d'un travail de présélection parmi les oeuvres proposées par leurs auteurs. Elle réunira 58 concurrents venus d'Italie, de Norvège, de France ou encore d'Australie, tous en lice pour la très convoitée Coupe de l'Europe.

La compétition de courts métrages de cinéma a elle été l'objet d'une sélection spécifique permettant d'offrir un panorama varié de ce qu’est le court métrage contemporain en termes de genres (comédie, thriller, intimiste, social, historique, fantastique…) comme de styles (animation, prise de vue réelles, format hybride…). Elle est constituée de douze films venus de Grèce, des Pays-Bas, du Canada, de France, du Brésil... et dont la moitié sont réalisés ou co-réalisés par des femmes.

Si les deux formes de création auront chacune leur section compétitive, elles seront bel et bien réunies lors de la séance spéciale qui viendra clôturer l'édition 2017. L'occasion d'observer les nombreux points communs entre les deux formes de création, au-delà de leur format.

Parmi les films sélectionnés, on retrouve des oeuvres ayant déjà connu une belle carrière internationale, à l'image de Delusion is a redemption for those in distress de Fellipe Fernandes (vu à la Semaine de la Critique à Cannes en 2016) et Hiwa de Jacqueline Lentzhou (en compétition à Berlin cette année), mais aussi un film autoproduit dont on vous a déjà parlé : AXN de Jean-Marie Villeneuve, un film d'école repéré à Poitiers, Meral, Kizim de Süheyla Schwenk, ou encore le film précédent de Matthew Rankin (sélectionné à Cannes cette année avec Tesla : lumière mondiale) : Mynarski chute mortelle.

On peut également noter la présence en séance spéciale de L'immense retour de Manon Coubia, Léopard d'or à Locarno en 2016, et de KL de William Henne & Yann Bonnin, découvert à Annecy en juin dernier. De quoi offrir aux festivaliers spinaliens un bel aperçu de la production contemporaine de films courts, et de son immense vitalité.

La compétition de Courts métrages

Airport de Michaela Müller
AXN de Jean-Marie Villeneuve
Chez soi de François Raffenaud
La convention de Genève de Benoit Martin
Cour de récré de Francis Gavelle et Claire Inguimberty
Delusion is redemption to those in distress de Fellipe Fernandes
Hiwa de Jacqueline Lentzou
Import de Ena Sendijarevic
Meral, Kizim de Süheyla Schwenk
Mynarski chute mortelle de Matthew Rankin
The National Garden de Syni Pappa
We Will Never Be Royals de Mees Peijnenburg

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Regards sur Courts
Du 7 au 10 septembre 2017
Infos et programme sur le site de la manifestation
A suivre sur la page Facebook

Un peu plus d'un mois avant son ouverture le 27 septembre prochain, le Festival du Film britannique de Dinard a dévoilé la majeure partie de son jury et de sa programmation. Comme tous les ans, Ecran Noir vous le fera vivre de l'intérieur. Mais avant cela, on fait le point sur les grandes lignes de cette 28e édition.

Ouverture

C'est le nouveau film de Stephen Frears, Victoria and Abdul (Confident royal) qui aura les honneurs de la soirée d'ouverture à quelques jours de sa sortie officielle le 4 octobre. Une histoire vraie et inattendue qui réunit notamment Judi Dench, Ali Fazal et Eddie Izzard.

Jury

On connaissait déjà le nom de la présidente du jury, Nicole Garcia. On sait désormais qu'elle sera accompagnée de Roger Allam (acteur), Philippe Besson (écrivain, scénariste), Valérie Donzelli (réalisatrice, actrice), Annette Dutretre (monteuse), Vincent Elbaz (acteur), Annette Lévy-Willard (romancière, journaliste), Alice Lowe (réalisatrice, actrice), Clémence Poésy (actrice), Michael Ryan (producteur, vendeur), Mélanie Thierry (actrice).

Compétition

Six longs métrages sont en compétition : A Prayer Before Dawn (Une Prière avant l’aube) de Jean-Stéphane Sauvaire, God’s Own Country (Seule la terre) de Francis Lee, England is mine (Steven before Morrissey), de Mark Gill, Daphne de Peter Mackie Burns, Jawbone de Thomas Napper, Pili de Leanne Welham.

Avant-premières

Une vingtaine de films sont présentés en avant-première et en compétition : The Killing of a Sacred Deer (La Mise à mort du cerf sacré) de Yorgos Lanthimos, The Bookshop de Isabel Coixet, Butterfly Kisses de Rafael Kapelinski, A Date for Mad Mary de Darren Thornton, Final Portrait de Stanley Tucci, In Another Life de Jason Wingard, The Levelling de Hope Dickson Leah, The Limehouse Golem de Juan Carlos Medina, Mammal (Margaret) de Rebecca Daly, Mum’s List (Quelques mots d’amour) de Niall Johnson, Patrick’s Day de Terry McMahon, Sea Sorrow de Vanessa Redgrave, The Sense of an Ending de Ritesh Batra, Their Finest de Lone Scherfig, The Death of Stalin de Armando Iannucci, That Good Night de Eric Styles.

Hommages

Cette année, trois personnalités seront à l'honneur : le comédien Jim Broadbent, l'acteur et réalisateur Phil Davis et le réalisateur Christopher Smith. Tous trois seront présents pour une rencontre avec le public à l'issue d'une des projections.

Courts métrages

Pour la 2e année consécutive, une compétition de courts métrages est également organisée. Elle réunit 11 films : Ghosted de Nev Pierce, The Nest de Jamie Jones, Domestic Policy de Alicia MacDonald, Edith de Christian Cooke, Dear Marianne de Mark Jenkin, The Party de Andrea Harkin, Bad Advice de Matthew Lee, White Riot : London de Rubika Shah, The Driving Seat de Phil Lowe, Homegrown de Quentin Haberham, We Love Moses de Dionne Edward.