« Je suis comme une muse, prenant plaisir à observer le talent de l'artiste qui fait son portrait, et qui ne vient à la vie qu'au travers de celui qui lui donne forme. Au fond cela ressemble à l'amour : on ne se donne avec ardeur et générosité qu'à celui qui saura nous faire vibrer et nous révéler à nous-mêmes. » Ce sont les mots de Monica Bellucci, pour la préface du livre de ses plus belles photos, à propos de ses diverses expériences devant un objectif de caméra. Lors de sa conférence de presse, l'ex-mannequin passée actrice internationale a refusé de séparer la mode, la photo et le cinéma: "Le monde de l'image m'a toujours inspiré."

Une poignée de films tournés presque à la suite révèle à la planète Monica Bellucci l'actrice aux multiples facettes; à la recherche d'esthétiques ou d'expériences éclectiques : L'Appartement de Gilles Mimouni, Dobermann de Jan Kounen, Malèna de Giuseppe Tornatore, Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre d'Alain Chabat, Irréversible de Gaspar Noé. Dès lors c'est toute une galaxie de réalisateurs qui ont voulu la filmer : le duo Wachowski, Mel Gibson, Spike Lee, Terry Gilliam, Bertrand Blier, Alain Corneau, Marina De Van, Philippe Garrel, Emir Kusturica...

Durant ce Dinard Film Festival britannique on découvre Monica Bellucci dans un nouveau rôle, celui de présidente du jury. A l'heure du thé elle s'est prêtée au jeu des photos et de quelques confidences.

Monica, la spectatrice: "Le cinéma est un message important pour la culture et l'esprit, ce qui nous fait évoluer. Je suis une spectatrice avec un regard presque enfantin, j’ai toujours cette capacité d’être éblouie. Mon amour pour le cinéma a commencé avec les films italiens de Rossellini, Fellini, Visconti, ..."

Monica, l'actrice : "Toute jeune ça m’arrivait de regarder 2 ou 3 films par jour, toute seule. Le cinéma français m’a accueillie, et ensuite mon parcours est passé par des tournages dans plein de pays différents. Je mesure cette chance. Je ne choisi pas un projet en fonction du temps de présence à l’écran du personnage, ce qui compte pour moi c’est surtout le scénario. Par exemple j’ai travaillé plusieurs années sur le film de Emir Kusturica et trois minutes avec David Lynch. J’ai dit non à certaines propositions de très grands réalisateurs à cause du scénario."

Monica, la présidente : "Quand on est jeune on est d’abord jurée et plus tard on est président de jury : l’âge a ses avantages (sourire). C’est parce que j’ai déjà eu cette expérience de jurée à Cannes que j’ai accepté ce rôle de présidente de jury à Dinard. La sélection des films est très étonnante, mais je ne peux rien vous dire encore de mon préféré. Ce que j’attends c’est la surprise."

Et si on lui demande dans quel film d'Hitchcock elle aurait aimé jouer, elle répond tout simplement: "J'étais trop brune pour lui".

Le Dinard Film Festival est lancé, depuis le 26 septembre jusqu'au 30. C'est la 29e édition de ce festival du film britannique : toute la ville s'est mise à l'heure anglaise avec drapeaux et cabine téléphonique d'outre-Manche. C'est l'occasion de découvrir en avant-première sur grand-écran un large panorama de films inédits avec, au générique, Emily Mortimer, Bill Nighy, Andrew Garfield, Claire Foy, Glenn Close, Gillian Anderson, Terence Stamp, Tom Wilkinson, Colin Firth, Paddy Considine, Jodie Whitaker, Billy Zane, Sam Claflin, Toby Jones, Paul Bettany, Judi Dench, Maggie Smith, Eileen Atkins, Kelly Reilly... La crème de la crème anglaise...

Des hommes cassés

Dinard c'est aussi le festival qui révèle au public français les jeunes talents en devenir de demain : par exemple l'acteur Andrew Garfield a vu son premier film Boy A recevoir il y a 10 ans le Grand prix du jury Hitchcock d’or et le Prix du public en 2008. Cette année, le film d'ouverture est justement le premier film en tant que réalisateur de Andy Serkis (Gollum, César et autres performances numériques), Breathe avec en vedette ce même Andrew Garfield et Claire Foy. Il s'agit du biopic bouleversant de Robin Cavendish qui, à peine marié, avec son épouse (enceinte) est atteint par la polio, qui va le paralyser de tout ses membres. Il se retrouve allongé relié à une machine respiratoire, emprisonné dans une existence qu'on pense de courte durée, mais l'amour de sa femme lui redonne goût à la vie : une chaise roulante équipée du respirateur va lui permettre de rentrer à la maison et même de voyager! Cette renaissance aventureuse et romantique va au fil des années poser des questions comme l'intégration du handicap dans la société ou le choix de l'euthanasie... Le film a été initié et produit par leur fils.

Par ailleurs le premier film de Paddy Considine Tyrannosaur avait remporté en 2011 le Grand prix du jury Hitchcock d’or et le Prix du scénario. C'est comme une évidence de voir ici son nouveau long métrage Journeyman dans lequel il se donne le premier rôle avec Jodie Whittaker (venue plusieurs fois à Dinard). La thématique de guérison quand on a tout perdu traverse là aussi cette histoire : un champion du monde de boxe s'effondre victime d'un grave traumatisme crânien, il a besoin de rééducation des membres mais surtout il a perdu la mémoire et ne reconnait plus sa femme, son bébé ni même ses amis...

Brexin

Cette année la présidente du jury est Monica Bellucci. Une italienne. Elle avait fait succomber l'agent secret britannique James Bond dans Spectre.Mais, après tout, la nationalité des cinéastes ou des comédiens, importent peu. Il suffit de voir The Bookshop, typiquement britannique dans son ADN (intrigue, décors, acteurs, ...), qui est réalisé par la catalane Isabel Coixet. Là aussi d'ailleurs on y voit un homme brisé (Bill Nighy, formidable) par les hypocrisies et les méchancetés des gens, et qui se réfugie dans les livres, tout en renouant avec le goût de la vie grâce à une libraire.

Autour d'elle, il y a Rupert Grint (de la sage Harry Potter), très entouré de jolies filles aux soirées, Emmanuelle Bercot, Kate Dickie, fidèle et adorée du festival, Sabrina Ouazani, Thierry Lacaze, de Studiocanal, Alex Lutz, et l'acteur Ian Hart  (auquel Dinard va rendre hommage). Pour la récompense du Hitchcock d'or, ils verront, comme le nouveau jury de la presse qui décernera le premier Hitchcock d'or de la critique:

- Funny Cow d'Adrian Shergold (Prix du public à Dinard en 2006), avec Maxine Peake, Paddy Considine et Stephen Graham.
- The Happy Prince de Rupert Everett, avec Rupert Everett, Colin Firth et Emily Watson. Premier film de l'acteur, présenté à Sundance et Berlin.
- Jellyfish de James Gardner, avec Liv Hill, Sinead Matthews et Cyril Nri. Double prix d'interprétation à Edimbourgh cet été, après avoir été présenté au Festival de Tribeca.
- Old Boys de Toby MacDonald, avec Alex Lawther, Pauline Etienne et Denis Ménochet. Le film a fait son avant-première à Edimbourgh.
- Pin Cushion de Deborah Haywood, avec Lily Newmark et Joanna Scanlan. Prix du public à Créteil, trois fois nommé aux British Independent Film Awards et en sélection à Venise l'an dernier.
- Winterlong de David Jackson, avec Francis Magee, Carole Meyers et Doon Mackichan. Premier film présenté en avant-première à Edimbourgh.

Malgré le soleil radieux de la Bretagne, les salles obscures sont pleines. A quelques mois du Brexit qui menace la Culture au Royaume-Uni, notamment dans ses liens avec les coproducteurs européens, le cinéma britannique montre encore sa vitalité et sa diversité.

Du 26 au 30 septembre, le 29e Dinard Film Festival, anciennement Film du festival britannique, posera déroulera son tapis rouge et déploiera les Union jacks dans la ville bretonne. Le jury, présidé par l'italienne Monica Bellucci, sera composé d'Emmanuelle Bercot, Kate Dickie, grande chouchou du Festival, Sabrina Ouazani, Rupert Grint, loin de Poudlard, Ian Hart, Thierry Lacaze et Alex Lutz.

Les vedettes seront aussi nombreuses à l'écran avec plusieurs des films britanniques de la saison, même si on peut regretter l'absence du Mike Leigh, en compétition à Venise cette semaine. Ainsi les festivaliers pourront voir des films avec Emily Mortimer, Bill Nighy, Andrew Garfield, Claire Foy, Max Irons, Glenn Close, Gillian Anderson, Terence Stamp, Tom Wilkinson, Forest Whitaker, Eric Bana, Paddy Considine, Jodie Whitaker, Billy Zane, Sam Claflin, Toby Jones, Paul Bettany, Judi Dench, Maggie Smith, Eileen Atkins, Luke Evans, Kelly Reilly...

Outre les films qui seront présentés, Dinard rendra hommage à Agatha Christie avec 6 adaptations dont le récent Crooked House, de Gilles Paquet-Brenner, et une conférence sur l'écrivaine. D'autres événements sont prévus: une rencontre accompagnée d'une série de courts métrages sur l'état actuel du Royaume Uni, des masterclasses sur la série Peaky Blinders, sur les héros de la classe ouvrière dans le cinéma social britannique, sur les "Teen-series), la traduction de films, sur John Lunn, qui a travaillé à la Hammer et surtout signé la série "Downtown Abbey", et une rencontre professionnelle sur la place des femmes dans la programmation du festival.

La compétition pour le Hitchcock d'or est composée de six films.
- Funny Cow d'Adrian Shergold (Prix du public à Dinard en 2006), avec Maxine Peake, Paddy Considine et Stephen Graham.
- The Happy Prince de Rupert Everett, avec Everett, Colin Firth et Emily Watson. Premier film de l'acteur, présenté à Sundance et Berlin.
- Jellyfish de James Gardner, avec Liv Hill, Sinead Matthews et Cyril Nri. Double prix d'interprétation à Edimbourgh cet été, après avoir été présenté au Festival de Tribeca.
- Old Boys de Toby MacDonald, avec Alex Lawther, Pauline Etienne et Denis Ménochet. Le film a fait son avant-première à Edimbourgh.
- Pin Cushion de Deborah Haywood, avec Lily Newmark et Joanna Scanlan. Prix du public à Créteil, trois fois nommé aux British Independent Film Awards et en sélection à Venise l'an dernier.
- Winterlong de David Jackson, avec Francis Magee, Carole Meyers et Doon Mackichan. Premier film présenté en avant-première à Edimbourgh.

Parmi les avant-premières, on notera The Bookshop d'Isabel Coixet, Breathe d'Andy Serkis, Forgiven de Roland Joffé, Journeyman de Paddy Considine, le docu Nothing Like a Dame de Roger Mitchell ou encore Outfall de Suzi Ewing.

A trois mois du Festival du film britannique de Dinard, ses organisateurs viennent d'annoncer que l'actrice italienne présidera la 29 édition qui se tiendra comme toujours en Île-et-Vilaine. Elle fait suite à Nicole Garcia.

Une présidente pas comme les autres

Révélée au grand public par L'Appartement de Gilles Mimouni, qui lui a valu une nomination aux César dans la catégorie meilleur espoir féminin, Monica Bellucci est ce que l'on appelle communément une star mondiale. Icône populaire et passionnée de cinéma d'auteur, elle s'est fait une place de choix dans le cœur des Français grâce à ses performances dans Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre, Le Pacte des loups ou encore Irréversible.

Maîtresse de cérémonie du Festival de Cannes en 2003 et 2017, elle a déjà fait ses preuves sur la scène internationale en apparaissant entre dans Matrix Reloaded et Matrix Revolutions, La Passion du Christ, Shoot' Em Up : Que la partie commence, L'Apprenti sorcier et à 50 ans dans 007 Spectre, devenant ainsi la James Bond Girl la plus âgée de la saga.

Régulièrement classée parmi les femmes les plus sexy de la planète, Monica Bellucci présidera donc le Festival de Dinard du 26 au 30 septembre prochains. Et comme tous les ans, cette vitrine d'un cinéma pointu et populaire tentera de permettre à des films originaux de rencontrer distributeurs et public français.

Ténu et fragile, Daphné de Peter Mackie Burns est le portrait peu complaisant d'une trentenaire insidieusement mal dans sa peau, en panne dans sa vie, dont on suit la trajectoire intime à travers une (longue) succession d'épisodes tantôt cocasses, tantôt désespérants. Le film, découvert au dernier Festival d'Edimburgh où il a reçu le prix de la meilleure actrice, puis au Festival du film britannique de Dinard où il a remporté le prix du scénario, s’inspire du court métrage Happy Birthday to Me de Peter Mackie Burns dans lequel Emily Beecham tenait déjà le rôle principal. Nico Mensinga en était également déjà le scénariste.

Portrait de femme. Peter Mackie Burns observe son héroïne dans son quotidien, entre excès et coups de folie, répliques mordantes et comportement borderline. Ce qu'elle recherche, et ce qui lui manque, n'est au départ pas réellement concret. Malgré l'humour des situations, la frénésie du scénario et l'ironie (mordante) du personnage, on a donc tendance à rester un peu extérieur à ses atermoiements, jusqu'à ce que la dernière partie du film éclaire subitement le personnage et ses aspirations, nous le rendant enfin plus compréhensible et attachant. Au final, il y a une profonde mélancolie dans ce beau portrait introspectif, tout en creux et en subtilité.

Révélation. Une comédienne est née ! Emily Beecham, aperçue à la télévision dans des séries britanniques comme The fear ou The village, est exceptionnelle en jeune femme tourbillonnante, misanthrope, insupportable et irrésistiblement drôle et intelligente à la fois, qui finit peu à peu par accepter le malaise qui la ronge. On la reverra forcément très vite, et vous l'aurez découverte avant tout le monde dans Daphné !

Féminisme. Ce qui est formidable avec le personnage de Daphné, c'est qu'elle ne se laisse jamais enfermer dans aucun des rôles généralement dévolus aux femmes : épouse, petite amie, mère, fille obéissante... Peter Mackie Burns et Nico Mensinga voulaient faire un film sur un personnage plus complexe que ces stéréotypes habituels, tout en la rendant à la fois singulière et attachante. Son charme réside justement dans sa volonté de se tenir à la marge, et dans son combat (parfois maladroit, mais sincère) pour rester elle-même coûte que coûte.

Pour la 2e année consécutive, le Festival de Dinard proposait une compétition de courts métrages constituée de douze films datant des deux dernières années. Le jury présidé par Phil Davis et composé de la productrice française Manon Ardisson, la journaliste française Stéphanie Chermont et l’acteur britannique Michael Smiley, a décerné deux récompenses : une mention à The party de Andrea Harkin (drame sur le conflit irlandais mettant en scène des règlements de comptes sanglants entre une milice protestante et des adolescents catholiques) et le Grand Prix à We love Moses de Dionne Edwards (drame intime autour de l'homosexualité raconté à la première personne par une jeune adolescente). Le public, lui, à plébiscité The driving seat de Phil Lowe, comédie sur un couple d'âge mûr qui tente de pimenter sa vie sexuelle en faisant l'amour dans sa voiture.

Leurs choix vont dans le sens de la sélection elle-même, qui privilégiait majoritairement une forme de cinéma classique, narratif et consensuel, donnant du court métrage une vision assez balisée et traditionnelle : histoire courte reposant sur une idée ou un sujet, tenant souvent uniquement par ses dialogues, et ménageant une forme de chute finale. Face à ces propositions, le jury est allé dans la direction la plus logique, privilégiant un cinéma de bonne facture, pas franchement subtil, mais au sujet facilement identifiable et à l'impact émotionnel indéniable sur le spectateur.

Le reste de la sélection proposait notamment un court métrage maladroit sur les expulsions locatives à Londres (The nest de Jamie Jones), une comédie sympathique sur le sexisme bon teint de la première moitié du XXe siècle (Domestic policy d'Alicia MacDonald), un drame complaisant sur le veuvage et la difficulté de faire la paix avec son passé (Edith de Christian Cooke), une blague programmatique sur le décalage entre le discours d'experts et leur comportement (Bad advice de Matthew Lee) ou encore une allégorie un peu simpliste autour de la parentalité (Homegrown de Quentin Haberham). Des œuvres inégales qui ne brillent pas plus par leurs qualités cinématographiques que par leur finesse d'écriture.

On peut malgré tout distinguer Ghosted de Neville Pierce, sorte de comédie romantique hantée dans laquelle une jeune veuve (Alice Lowe) est importunée par le spectre de son mari (infidèle, en plus) lors de chacun de ses rendez-vous amoureux. Les dialogues loufoques et la construction assez rythmée font oublier l'aspect légèrement répétitif des situations, et surtout font pardonner une fin que l'on voit venir de loin.

Se détachent également deux films singuliers qui apportent à la sélection une autre forme de cinéma : White riot : London de Rubika Shah est un documentaire sur les affrontements liés aux questions d'immigration et de racisme qui ébranlèrent la Grande Bretagne à la fin des années 70. Avec des images d'archives et des témoignages actuels, il retrace la naissance d'un mouvement punk réuni autour du fanzine Temporary Hoarding qui relayait les informations tues par les autres médias, et dresse le parallèle avec la société actuelle.

Le principal reproche que l'on puisse faire au film est d'être trop court, ce qui tombe bien, car la réalisatrice a décidé de traiter le même sujet dans son premier long métrage.

Dans une veine plus expérimentale, mais tout aussi passionnante, Dear Marianne de Mark Jenkin est une succession de cartes postales en super 8 enregistrées par un voyageur originaire de Cornouailles qui cherche des points communs entre sa terre natale et les comtés irlandais de Wexford, Waterford et Cork qu'il traverse. Très simple et assez hypnotique, le film a à la fois une grande puissance d'évocation et une tonalité éminemment poétique. Quelque chose entre la magie de la découverte et la nostalgie des lieux de son enfance.

Et si tout cela reste forcément très subjectif, c'est sans hésiter le film que l'on retiendra de cette sélection en demi-teinte, dont on voit bien qu'elle se cherche encore,  essayant pour le moment de privilégier la pédagogie (amener le grand public au court métrage) au détriment d'une certaine audace de programmation.

C'est une compétition étonnamment homogène que propose cette année le Festival de Dinard. En tout six longs métrages britanniques dans lesquels le parcours individuel prime sur le collectif, et dans lesquels on assiste presque systématiquement à un combat pour sortir d'une impasse ou atteindre une certaine forme de rédemption. On peut ainsi dresser d'importants parallèles entre les personnages, tous aux prises avec un moment charnière de leur existence, en quête d'un sens à leur vie, contraints de se battre (au propre comme au figuré, chacun avec ses propres armes) pour atteindre le but qu'ils se sont fixés et, peut-être, retrouver leur dignité, ou tout simplement le bonheur.

Même la construction des films se répond, qui montrent tous des êtres en situation d'échec auxquels un cheminement initiatique permettra de sortir de l'impasse, ou de prendre un nouveau départ : une femme abandonnée, malade et pauvre dans Pili de Leanne Welham ; un boxeur alcoolique et raté dans Jawbone de Thomas Napper ; un adolescent mal dans sa peau et dans sa vie dans England is mine de Mark Gill ; une trentenaire à la dérive dans Daphne de Peter Mackie Burns ; un Britannique mi-boxeur mi-dealer condamné à une lourde peine de prison en Thaïlande dans Une prière avant l'aube de Jean-Stephane Sauvaire ; un jeune homme malheureux et frustré dans une ferme du Yorkshire dans Seule la terre de Francis Lee.

D'ailleurs, les situations se répondent : Daphne et le jeune agriculteur de Seule la terre noient leur mal-être dans l'alcool et les aventures sexuelles sans lendemain ; les boxeurs de Jawbone et Une prière avant l'aube jettent toutes leurs forces dans un ultime combat en forme de coup de dé ; et tous savent saisir l'opportunité qui leur est offerte, parfois à n'importe quel prix, et souvent à l'issue d'un long combat intérieur. Pili doit décider jusqu'où elle est prête à aller pour obtenir un kiosque de commerçante, le jeune Steven Morrissey doit mettre ses réticences et son angoisse de côté pour avoir le courage de refonder un groupe ; l'éleveur de Seule la terre doit apprendre à communiquer pour ne pas passer à côté de sa vie...

L'autre grand point commun entre ces six films est qu'ils sont tous, à leur manière, porteurs d'espoir. Les personnages ne se laissent enterrer ni par la vie, ni par le scénario, et tous trouvent ce qu'ils cherchaient au bout du chemin, que ce soit le pardon, la rédemption, la paix intérieure ou tout simplement l'amour. Un constat plutôt optimiste assez symptomatique d'une époque où chacun aspire à un accomplissement personnel et à une existence pleinement choisie. C'est ici le matériau humain qui est au centre des récits, bien plus que les grands sujets de société qui émaillent parfois les récits. Peut-être est-ce justement le constat d'un certain échec du collectif. Puisque la société semble incapable de résoudre les problèmes de ses membres, c'est à chacun de trouver ses propres ressources pour trouver le bonheur. Puisqu'il est impossible de changer le monde, commençons-donc par nous changer nous-mêmes.

England is mine de Mark Gill

Ce premier long métrage de Mark Gill, dont le titre original est Steven before Morrissey, est un biopic étrange qui pourrait aussi bien être un récit initiatique sur un adolescent lambda et archétypal qui se rêve en artiste. On y suit en effet le combat d'un jeune homme introverti et pas du tout adapté à son époque, quoique convaincu de sa propre valeur, pour trouver sa voie dans le monde de la musique.

Très rythmé, avec des dialogues efficaces, et une bonne dose d'ironie, le film raconte brillamment les quelques années ayant précédé la création du groupe The Smiths. Ne prenant jamais son personnage au premier degré (le génie méconnu), il le montre dans toute sa complexité, ses contradictions et ses travers. On sent ainsi à la fois la frustration de ne pas réussir, et le décalage fondamental entre ses aspirations et la réalité. L'une des meilleures idées du scénario est également de ne quasiment jamais montrer le personnage en train de chanter, mais de lui avoir au contraire donné la parole dans des monologues intérieurs d'une grande puissance.

Jawbone de Thomas Napper

Dans Jawbone, on suit un ancien boxeur ayant échoué après avoir été un jeune champion prometteur. Seul, à la rue, aux prises avec une addiction à l'alcool... le personnage semble dans un premier temps condamné par le récit qui ne lui laisse guère d'échappatoire. Mais c'est pour mieux mettre en lumière ce moment charnière de son existence où il essaye d'effacer en un coup toutes les erreurs du passé. Il s'extrait ainsi de la fatalité dans laquelle on le croyait enfermé, et va jusqu'au bout de son combat pour une vie meilleure.

On est dans un schéma assez classique à la fois pour ce qui est du "film de boxe", mais aussi du film de rédemption. Rien de très original, non, et d'indéniables longueurs qui alourdissent le propos déjà pas franchement subtil du film. Les séquences de combat posent malgré tout la question du corps des hommes, moins exposé que celui des femmes, et pourtant soumis à la même terrible contrainte économique : le personnage livre son corps en pâture aux coups de son adversaire, et accepte de risquer sa vie pour gagner un peu d'argent. Le film induit la question de la fatalité : dans quelle mesure a-t-il le choix de refuser ce combat de tous les dangers alors qu'il a déjà tout perdu  ?

Pili de Leanne Welham

Pili est une mère courage qui se bat pour réunir la somme d'argent lui permettant d'ouvrir un petit commerce, et de quitter la dure vie d'ouvrière agricole. Cette intrigue extrêmement classique (voire rebattue) permet au film de dresser un portrait très riche de la vie dans la campagne tanzanienne.

La réalisatrice a rencontré 80 femmes pour écrire le scénario du film, et a condensé leurs histoires en un seul personnage, ce qui se sent dans la profusion de tuiles qui tombent sur la jeune femme en quelques jours. Le résultat est presque anecdotique, et plein de bons sentiments. Malgré tout, on retrouve au coeur du film la volonté indéfectible du personnage d'atteindre son but : obtenir une vie meilleure, coûte que coûte.

Une prière avant l'aube de Jean-Stéphane Sauvaire

Une prière avant l'aube mélange les passages obligés du film de prison avec ceux du film de boxe. Cela donne une oeuvre assez classique dans son écriture, et qui ne recule devant aucun cliché. Mais son principal problème vient de sa mise en scène absurdement "arty", avec une caméra qui ne tient pas en place, rendant souvent l'action illisible, et a contrario de longs plans insistants sur les éléments les plus complaisants, de la promiscuité dans les cellules aux viols en passant par une pendaison.

Là encore, le film est par moments un prétexte pour parler des prisons thaïlandaises : trafics illégaux, gangs rivaux, violence latente... Tout y passe, dans une surenchère qui donne assez rapidement l'impression que plusieurs histoires (vraies, puisque le film s'inspire d'une histoire vraie) ont été condensées en une.

Daphné de Peter Mackie Burns

Plus ténu, Daphe est le portrait peu complaisant d'une trentenaire insidieusement mal dans sa peau, en panne dans sa vie, dont on suit la trajectoire intime à travers une (longue) succession d'épisodes tantôt cocasses, tantôt désespérants.

Ce que recherche l'héroïne, et ce qui lui manque, est moins tangible, moins concret que dans les autres films. On est sur un destin plus intérieur, moins immédiatement appréhendable. On a donc tendance à rester extérieur aux atermoiements de la jeune femme, jusqu'à ce que la dernière partie du film éclaire subitement le personnage et ses aspirations, nous le rendant enfin plus compréhensible et attachant.

Seule la terre de Francis Lee

Probablement le film le plus accompli de la sélection, malgré quelques longueurs, Seule la terre suit John, un jeune éleveur du Yorkshire coincé dans une vie rude et monotone qu'il n'a pas choisie. Frustré, malheureux, incapable de communiquer avec les autres, il va peu à peu retrouver une raison de se battre et d'aspirer au bonheur.

On admire la finesse d'écriture du scénario qui sans jamais surligner le moindre effet, nous permet peu à peu de comprendre le personnage principal, la situation de blocage dans laquelle ils se trouve, et le lent processus qui lui permet de s'ouvrir aux autres et à lui-même. Un premier long métrage intelligent, drôle, et très joliment filmé, qui a des faux airs de feel good movie rural et romantique.

Le Festival du film britannique de Dinard avait plusieurs fois invité le réalisateur Christopher Smith à présenter ses films: une chance puisque puisqu'il s'agit souvent de la seule occasion de les voir dans une salle de cinéma en France.

Cette année le Festival lui rend un hommage, offrant ainsi l'opportunité de voir les différentes facettes de son travail. Une femme enfermée la nuit dans les couloirs du métro qui va découvrir qu'il y aurait une sorte de monstre (Creep), les employés d'une entreprise en week-end d'intégration qui vont être désintégrés les uns après les autres dans une comédie à l'humour noir sanglant (Severance), une naufragée en pleine mer sauvée par l'apparition d'un paquebot où apparemment il n'y a personne mais pas totalement (Triangle), dans l'Angleterre du 14ème siècle ravagée par une peste mortelle il y aurait un petit village où des gens survivraient (Black Death), un petit garçon et ses parents qui vont devoir aider le Père Noël à s'évader d'une prison (Get Santa) [par ailleurs Jim Broadbent joue dans ce film et il sera aussi honoré à Dinard] ou encore un jeune homme engageant un couple de voyous pour tuer son beau-père mais (Detour)... autant de personnages, de genres (de la comédie familiale au road-movie sanglant), de contre-point au formatage cinématographique qui font de ce cinéaste méconnu un auteur à découvrir.

L'occasion pour Ecran Noir de lui poser trois questions.

EcranNoir : On vous a découvert avec Creep il y a une dizaine d’années : au fil du temps, qu’est-ce qui est devenu plus facile ou plus compliqué pour faire un film ?
Christopher Smith : On pourrait croire qu’avoir un nom de réalisateur un peu connu dans la profession c’est plus facile, oui bien sûr, mais pas vraiment. Il y a l’idée générale dans la vie de gagner plus d’argent et d’en dépenser moins pour ça : la production d’un film c’est un peu pareil. Parfois pour tourner un film je dispose d’un budget confortable pour ce que je veux faire, comme par exemple le dernier Detour (photo) que j’ai pu faire comme il fallait. Pour d’autres films précédents, j’avais une très grande ambition qui devait s’arranger d’un budget un peu insuffisant. Je suis en train d’écrire un scénario qui devrait être un film à gros budget, je ne sais pas ce qui arrivera...

C’est naturel de vouloir se dépasser et d’avoir des ambitions créatives plus fortes. Après avoir fait Get Santa, on aurait pu penser que c’était le genre de "film de noël commercial" qui aurait du succès, et en fait il n'en a pas eu pas tellement à l’international, donc ça n’est pas plus facile ensuite. Pour le film Triangle, à priori plus bizarre, ça a pris beaucoup de temps pour pouvoir le faire (ndlr : voir ce qu'il nous en disait ici). Et pendant que j’étais sur ce projet de Triangle j’ai eu la proposition de réaliser Black Death juste après. j'ai donc enchaîné deux films à la suite mais après; j'ai dû attendre quatre ans pour revenir au cinéma. Ce que j’essaye de dire c’est qu’il faut un certain temps et un certain budget pour réaliser un film en respectant son imagination et ses ambitions. Woody Allen a fait des dizaines de films avec un petit budget avec lequel il peut contenir son monde, son imaginaire. J’écris des films pour lesquels souvent le budget ne peut pas contenir mon monde, alors ça prend plus de temps de pouvoir les faire.

EN : En France vos deux premiers films Creep et Severance sont sortis dans les salles de cinéma, mais pour les suivants Triangle, Black Death et Get Santa ça n’a pas été le cas et ils sont arrivés directement en dvd…
Christopher Smith : Je sais que je ne devrais pas dire ça comme ça, mais je ne veux pas y accorder une trop grande importance car ce qui compte vraiment c’est que les films circulent et qu’ils puissent être vus. Par exemple le cas de Get Santa est révélateur de ce genre de chose. On a découvert que, à moins d’être un très gros film de studio qui sort partout, en fait chaque pays semble sortir son propre film de Noël local quand il y en a un, mais pas un film venu d’ailleurs aussi bon soit-il. Pour Triangle c’est probable que Melissa George n’était pas considérée suffisamment comme une grande tête d'affiche. Black Death est sorti aux Etats-Unis dans un petit réseau de salles et son distributeur a pu gagner pas mal d’argent; j’aurais parié que ça arrive en France mais ça n’a pas été le cas, alors qu'il est sorti au cinéma en Allemagne. On ne sait jamais comment le film sera distribué. Pour le dernier Detour il y aurait une date de sortie en salles (ndr : en fait il est arrivé en dvd). C’est vraiment dommage parce que Black Death est un grand film qui mérite un grand écran dans une salle, je considère que c’est mon meilleur film (ndr : revoir ce qu'il nous en disait là).

EN : Avec ce dernier film Detour pour la première fois le décor n’est plus britannique, il a été tourné aux Etats-Unis : est-ce que faire un film là-bas, où il est plus naturel de voir des armes à feu, a une influence sur l’histoire qu’on écrit ?
Christopher Smith : Il y a eu dans le passé, dans les années 50, plein de polars qu’on relie au genre film noir américain. J’adore ce type de film noir et aussi plein de thrillers américains du débuts des années 80. En fait j’aime particulièrement ce que j’appelle les ‘thrillers imaginatifs’, comme par exemple L'Inconnu du Nord-Express de Hitchcock. J’ai eu l’idée de l’histoire de Detour il y a longtemps en 2007, pendant que je cherchais le financement de Triangle. A cette époque j’étais beaucoup focalisé sur les structures d’un récit. Et pour cette histoire particulière il fallait des personnages américains dans un décor américain. On a l’impression que certaines choses ne peuvent se passer qu’aux Etats-Unis et que ça ne serait peut-être pas logique ailleurs. J’avais d’ailleurs eu à l’époque un producteur exécutif américain qui était partant pour lancer une production mais le projet a été mis en parenthèse puisque j’ai pu faire Triangle puis Black Death. Ce n'est que plusieurs années plus tard que j’ai développé de nouveau l’idée de Detour.

Si j’avais fait Detour en Angleterre ça aurait été à propos de l’Angleterre ou ici en France ça aurait été à propos de la France, le film aurait eu la couleur du pays. Faire ce film aux Etats-Unis , ce n'est pas à propos du pays mais c’est tout de suite directement en rapport avec les films américains, avec une certaine mythologie de codes du cinéma américain que, bien entendu, j’ai manipulé à ma façon. J’ai commencé avec l’idée d’un jeune qui voudrait tuer son beau-père et que son destin serait différent selon s'il le tuait ou pas. Detour est un jeu de structure avec des twists que le spectateur doit lui reconstruire, il fallait quelques balises. Pour revenir à ce qu’on disait, le processus de faire un film c’est comme l’expression 'man plans, God laughs', il y a tellement de paramètres incontrôlables…

Ce 28ème Festival du Film britannique de Dinard a programmé des projections de Severance, Triangle, Black Death . Une rencontre avec le public est également prévue.

Le Festival du cinéma britannique à Dinard commence aujourd'hui. L'an dernier, tout le monde était sous le choc du Brexit. Depuis de l'eau a coulé dans la Manche, et les hésitations de la Première ministre, la détermination des négociateurs européens, les inquiétudes et incertitudes sur l'avenir du Royaume-Uni ont donné plutôt raison à ceux qui prônaient le maintien dans l'Europe.

Pendant ce temps là, le cinéma britannique continue d'être l'un des plus appréciés et respectés, dans les festivals et dans les salles. Bien sûr, il n'a pas forcément le succès des années 1990 quand les comédies sociales et drames d'époque envahissaient les palmarès et remplissaient les fauteuils. L'humour et l'élégance british n'ont pourtant pas disparu. Mais la nouvelle génération de cinéastes a plus de mal à s'imposer, toujours dans l'ombre des vétérans (Loach, Frears, Leigh, Boyle...). Il faut dire que le cinéma britannique est devenu presque schizophrénique pour ne pas dire tripolaire. Il y a un cinéma dramatique, plutôt d'auteur, souvent social. Des films coproduits avec la France ou les studios américains qui valorisent le patrimoine littéraire ou théâtral britannique. Et des grosses productions américano-anglaises destinées aux multiplexes.

Ce qui est intéressant à travers ces trois "familles" de film, c'est qu'il traduit l'esprit britannique du moment. Le regard juste sur une société morcelée, dure, précaire, à l'écart de la mondialisation. L'envie de retrouver une gloire culturelle perdue, tels la série The Crown par exemple entre perte de l'Empire et élan vers une société moderne, ou des films comme Le discours d'un Roi et Le Vice-Roi des Indes (et d'une certaine manière Dunkerque). Le fantasme d'être encore une puissance qui sauve le monde avec des super-agents comme James Bond ou ceux de Kingsman (au passage, ils collaborent toujours avec "l'ami américain" et jamais avec Interpol, Europol et les Européens, notamment parce que ces films sont davantage américains qu'anglais).

A l'exception des Bridget Jones (avec une actrice américaine pour incarner la plus célèbre des célibataires londonniennes), les comédies british, mixant drame, social et comédie, ont disparu de nos grands écrans. Certes, il reste de la fantaisie (Wallace & Grommit, Paddington) dans l'animation. Mais les Full Monty, Quatre mariages et un enterrement, Billy Elliot, Petits meurtres entre amis et autres The Snapper semblent loin.
Confident Royal (Victoria and Abdul), qui fait l'ouverture du Festival de Dinard, est presque une exception. Et une belle synthèse du cinéma britannique, alliant le rire, la fracture sociale (et "raciale"), l'Histoire et l'impérialisme. Le film de Stephen Frears, Le Vice-Roi des Indes, T2: Trainspotting et Kingsman 2 sont les quatre seuls longs métrages à se classer dans le les 50 premiers du box office anglais cette année. C'est dire l'effondrement du cinéma national. Il faut remonter à 2014 pour trouver deux cartons locaux dans le Top 10 (Paddington, The Inbetweeners 2).

Colonisé par le cinéma hollywoodien, le cinéma britannique ne peut compter que sur sa langue (qui lui facilite l'accès au marché nord-américain), la notoriété de ses acteurs (qui bénéficient de leurs rôles à Hollywood), de ses grands auteurs, et sur les festivals pour exister.

Au Festival de Karlovy Vary, Ken Loach a même prédit la fin du cinéma britannique: "Nous allons sortir de l’UE d’une façon ou d’une autre. Nos contrats de coproductions dépendent des travailleurs d’autres pays venant collaborer sur nos films au Royaume-Uni. Si ça devient très bureaucratique et compliqué, si nous quittons l’UE, ça rendra ce processus très difficile et il y a de bonnes chances que ça se produise." "Cela va freiner ces coproductions car elles deviendront trop lourdes" affirme-t-il.

Mais ne soyons pas aussi pessimiste que Loach. Malgré le Brexit, l'Europe cinématographique n'est pas prête à lâcher ses liens avec la patrie de Shakespeare, Hitchcock et des Beatles. Le Festival du cinéma européen des Arcs a ainsi choisi Andrea Arnold, trois fois Prix du jury à Cannes, comme présidente cette année. Le Festival des films d'histoire de Pessac sera sur le thème "So British !", avec une édition entièrement consacrée au Royaume-Uni.

En tant que Festival du cinéma britannique, Dinard va avoir le devoir d'être le village gaulois breton qui vient en aide aux "Bretons" pour résister à l'envahisseur américain et assurer la diversité cinématographique. Car en trente ans, derrière les Palmes d'or, Oscars et blockbusters, on voit bien que le cinéma venu d'Outre-Manche a perdu de sa "hype". "La nation britannique est unique à cet égard. Ils sont les seuls à aimer qu'on leur dise combien les choses sont mauvaises, à qui on aime se dire le pire" disait Churchill. Et si on regardait ce qu'il y avait de meilleur?

Un peu plus d'un mois avant son ouverture le 27 septembre prochain, le Festival du Film britannique de Dinard a dévoilé la majeure partie de son jury et de sa programmation. Comme tous les ans, Ecran Noir vous le fera vivre de l'intérieur. Mais avant cela, on fait le point sur les grandes lignes de cette 28e édition.

Ouverture

C'est le nouveau film de Stephen Frears, Victoria and Abdul (Confident royal) qui aura les honneurs de la soirée d'ouverture à quelques jours de sa sortie officielle le 4 octobre. Une histoire vraie et inattendue qui réunit notamment Judi Dench, Ali Fazal et Eddie Izzard.

Jury

On connaissait déjà le nom de la présidente du jury, Nicole Garcia. On sait désormais qu'elle sera accompagnée de Roger Allam (acteur), Philippe Besson (écrivain, scénariste), Valérie Donzelli (réalisatrice, actrice), Annette Dutretre (monteuse), Vincent Elbaz (acteur), Annette Lévy-Willard (romancière, journaliste), Alice Lowe (réalisatrice, actrice), Clémence Poésy (actrice), Michael Ryan (producteur, vendeur), Mélanie Thierry (actrice).

Compétition

Six longs métrages sont en compétition : A Prayer Before Dawn (Une Prière avant l’aube) de Jean-Stéphane Sauvaire, God’s Own Country (Seule la terre) de Francis Lee, England is mine (Steven before Morrissey), de Mark Gill, Daphne de Peter Mackie Burns, Jawbone de Thomas Napper, Pili de Leanne Welham.

Avant-premières

Une vingtaine de films sont présentés en avant-première et en compétition : The Killing of a Sacred Deer (La Mise à mort du cerf sacré) de Yorgos Lanthimos, The Bookshop de Isabel Coixet, Butterfly Kisses de Rafael Kapelinski, A Date for Mad Mary de Darren Thornton, Final Portrait de Stanley Tucci, In Another Life de Jason Wingard, The Levelling de Hope Dickson Leah, The Limehouse Golem de Juan Carlos Medina, Mammal (Margaret) de Rebecca Daly, Mum’s List (Quelques mots d’amour) de Niall Johnson, Patrick’s Day de Terry McMahon, Sea Sorrow de Vanessa Redgrave, The Sense of an Ending de Ritesh Batra, Their Finest de Lone Scherfig, The Death of Stalin de Armando Iannucci, That Good Night de Eric Styles.

Hommages

Cette année, trois personnalités seront à l'honneur : le comédien Jim Broadbent, l'acteur et réalisateur Phil Davis et le réalisateur Christopher Smith. Tous trois seront présents pour une rencontre avec le public à l'issue d'une des projections.

Courts métrages

Pour la 2e année consécutive, une compétition de courts métrages est également organisée. Elle réunit 11 films : Ghosted de Nev Pierce, The Nest de Jamie Jones, Domestic Policy de Alicia MacDonald, Edith de Christian Cooke, Dear Marianne de Mark Jenkin, The Party de Andrea Harkin, Bad Advice de Matthew Lee, White Riot : London de Rubika Shah, The Driving Seat de Phil Lowe, Homegrown de Quentin Haberham, We Love Moses de Dionne Edward.