Michael Lonsdale, né le 24 mai 1931, s'est éteint le 21 septembre 2020, à l'âge de 89 ans. Le comédien, auteur et lecteur laisse une riche filmographie de cinéma, aussi éclectique qu'insondable. Ce fervent catholique avait deux religions: sa foi et son jeu. Sur sa foi, il aura écrit une vingtaine de livres, en plus d'un engagement constant, médiatique comme professionnel. Il a reçu les derniers sacrements, à défaut d'avoir été sacré par sa profession (un modeste César du meilleur second-rôle, un prix Lumière).

A l'affiche au théâtre de 1955 à 2017, s'amusant avec un répertoire divers, et souvent moderne, de ses amis Pérec et Duras à Beckett, Handke, Puig et Albee, Lonsdale aimait transmettre les mots avec sa voix lente et son physique de bourgeois, sa diction parfaite et son allure d'anglais provincial.

Un héros très discret

Cette voix n'était pas son seul atout. Il avait aussi les douleurs enfouies qu'il savait rendre palpables. Une enfance ballotée, un accident de voiture qui aurait pu être dramatique, un amour inconsolable (pour Delphine Seyrig). Tel un homme d'église, il fut un célibataire endurci, dédiant sa vie à son métier et à ses croyances, deux passions pour remplir cette solitude existentielle.

Michael Lonsdale pouvait ainsi tout jouer: le vilain et le sage, le candide et le cynique, le pervers et le calme, l'inquiétant et l'intriguant. Il lui suffisait de varier légèrement la tonalité de son regard, les modulations de sa voix, cassante ou douce. Son corps en apparence immobile faisait le reste. Le mouvement était avant tout facial, oral, mais certainement pas charnel ou corporel. Une économie de moyens qui lui permettait subtilement d'être lui tout en étant un autre, d'être crédible en toutes circonstances.

Sur le grand écran, il a aligné les grands noms, les gros succès, les navets, les audaces et les jeunes talents. Logiquement, il fut de nombreuses fois, père, curé, prêtre, pasteur... mais évidemment, il fut aussi commissaire, détective, inspecteur, avocat, ministre, professeur, magistrat, juge, banquier, médecin... Un notable discret, un homme de manigances ou un révélateur de secrets.

Fidèle à Mocky et Duras

Depuis ses débuts en 1956, il aura traîné sa silhouette dans un cinéma sans frontières et sans étiquettes, curieux de tout, peu soucieux d'une carrière cohérente, tout en restant ambitieux dans certains choix. Michael Lonsdale apparaît d'abord chez Michel Deville et Gérard Oury, chez l'ami Jean-Pierre Mocky aussi, chez Darry Cowl comme chez Marin Karmitz. Son premier grand film, il le doit quand même à Orson Welles, en prêtre dans Le procès en 1962.

Cinq ans plus tard, c'est surtout François Truffaut qui lui offre son premier beau rôle, dans La Mariée était en noir, avant de le réengager dans Baisers volés. Il brouille les pistes en acceptant d'être un savant dans Hibernatus face à Louis de Funès, puis en s'invitant chez Jean-Luc Godard dans British Sounds et Jacques Rivette dans Out 1. Michael Lonsdale est insaisissable, et marquera l'inconscient des cinéphiles à travers une myriade de personnages dans des récits "trans-genres".

James Bond, Belmondo et Delon

Il est aussi devenu incontournable dans les années 1970: entre deux Mocky, il tourne Le Souffle au cœur de Louis Malle, India Song de Marguerite Duras, Papa les p'tits bateaux de Nelly Kaplan, Il était une fois un flic de Georges Lautner, Glissements progressifs du plaisir d’Alain Robbe-Grillet, Stavisky d’Alain Resnais, Le Fantôme de la liberté de Luis Buñuel, Section spéciale de Costa-Gavras... A l'international, fort de sa double culture franco-britannique, il se fait connaître avec le thriller The Day of the Jackal de Fred Zinnemann, des films de Joseph Losey (Une Anglaise romantique, Monsieur Klein), et surtout en méchant Hugo Drax dans Moonraker de Lewis Gilbert, un des James Bond les plus populaires de la franchise.

Cela ne l'empêche pas de rester fidèle à Duras, de fricoter avec Peter Handke ou de s'aventure dans Une sale histoire chez Jean Eustache. Cette ouverture au monde et aux styles perdurera jusqu'à la fin de sa carrière, quitte à passer parfois à côté des grands films de son époque. Lonsdale est au générique de L'Éveillé du pont de l'Alma de Raoul Ruiz comme du Bon Roi Dagobert de Dino Risi, de Billy Ze Kick de Gérard Mordillat comme de Ma vie est un enfer de Josiane Balasko (en archange Gabriel!).

Le nom de la rose et Munich

Dans ces années 1980, on ne retient finalement de lui que sa prestation dans Le Nom de la rose de Jean-Jacques Annaud, une fois de plus en abbé, certes érudit. L'acteur traverse pourtant le cinéma avec son aura, lui ouvrant les portes du cinéma de James Ivory (Les Vestiges du jour, Jefferson à Paris), de Claude Sautet (Nelly et Monsieur Arnaud), de John Frankenheimer (Ronin), de Bertrand Blier (Les acteurs). Il s'amuse aussi en Balzac dans Mauvais genre de Laurent Bénégui, en Don Luis dans le Don Juan de Jacques Weber, en professeur Stangerson dans Le Mystère de la chambre jaune et Le Parfum de la dame en noir de Bruno Podalydès. On le croise chez Mocky, toujours, mais aussi François Ozon (5x2), Milos Forman (Les Fantômes de Goya), Catherine Breillat (Une vieille maîtresse), Alejandro Amenábar (Agora), Ermanno Olmi (Le village de carton), Ermanno Olmi (Gebo et l'ombre), Bouli Lanners (Les premiers, les derniers) et surtout Steven Spielberg (Munich).

Des hommes, des Dieux, des maîtres

Au crépuscule de sa carrière, Michael Lonsdale s'offre une sublime montée des marches à Cannes avec le personnage (réel) du Frère Luc Dochier, moine assassiné dans un couvent en Algérie. Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois est sans aucun doute le film qui lui ressemble le plus, où il est exactement à sa place. A moins que ce ne soit celui du réalisateur Cédric Rovère, double fantasmé d'Eric Rohmer dans Maestro de Lea Fazer. Il y tisse une belle complicité avec son jeune comédien, entre transmission et amitié, respect et dévouement à son art.

L'acteur avait cofondé un groupe de prière, Magnificat, destiné plus spécialement aux artistes, et a été le parrain d'une promotion de l'Institut catholique d'études supérieures situé à La Roche-sur-Yon, en plus d'être membre de la section « arts et lettres » de l'Académie catholique de France. Sa foi n'était jamais loin de son je et de son jeu. Qu'il soit fidèle à Dieu ou aux hommes, Lonsdale se savait éphémère, cherchant la joie plutôt que la souffrance.

Décédé jeudi dernier, Jean-Pierre Mocky a été célébré ce matin à Paris lors de ses obsèques. L'église Saint-Sulpice a accueilli le ministre de la culture Franck Riester, le fidèle, Michael Lonsdale, Dominique Lavanant, Agnès Soral, Dominique Pinon, Daniel Russo, Benoit Magimel, Henri Guybet, Bernard Menez, Daniel Prevost, Elsa Zylberstein, Tom Novembre, ou encore le compositeur Vladimir Cosma.

L'AFP rapporte que sa fille, qu'il a eu avec la mannequin Marisa Nuxen, Olivia Mokiejewski, au nom de tous les enfants du cinéaste, a salué "un regard critique qui réveillait d'un monde aseptisé". "Il nous avait convaincu qu'il vivrait cent ans pour faire des films. Rien n'était normal avec lui". S'il n'était "pas vraiment un père et un mari", il était "génial". Elle a relevé qu'ils "ne s'étaient pas habillés en noir" et que, dans son cercueil, lui-même avait voulu qu'on lui mette "une veste orange, un chapeau, un pantalon treillis et un caleçon Playboy".

Sur RTL, vendredi dernier, elle expliquait : "À la maison, on avait les mêmes coups de gueule, les mêmes indignations qu'il poussait sur les plateaux télévisés", espérant même que sa mort allait "lui rendre justice" car de nombreux films qu'il a réalisés ces dernières années sont restés inconnus et peu distribués.

Son dernier film, Tous flics, tourné au printemps à Dreux, est en fin de montage a-t-elle alors déclaré. Mocky y incarne un flic centenaire dans une farce autour des gilets jaunes.

Toujours selon sa fille, il devait aussi reprendre le tournage d'Un drôle de Président avec Gérard Depardieu le 15 septembre.

Le cinéaste, exploitant, producteur, acteur et auteur Jean-Pierre Mocky est mort, a annoncé sa famille. Il avait 90 ans officiellement, son père ayant modifié sa date de naissance en 1942, qui devient le 6 juillet 1929, pour qu'il puisse voyager seul et rejoindre son oncle en Algérie, durant l'Occupation allemande.

Il a filmé plus de 60 longs métrages entre 1959 et 2017, certains bricolés avec des bouts de ficelle, d'autres dotés de castings prestigieux: Michel Serrault, Jacqueline Maillan, Catherine Deneuve, Bourvil (son "frère"), Charles Aznavour, Anouk Aimée, Michel Galabru, Sabine Azéma... Sa carrière est fluctuante entre fiascos et films populaires, mais son cinéma reste assez constant, flirtant parfois avec le surréalisme, toujours assez fidèle à l'esprit de la Nouvelle Vague, et avant tout colorés par un humour noir et corrosif, un style acerbe et une vision un peu anar du monde.

Je vais encore me faire des amis !

Il tourne beaucoup, tutoie le gotha du cinéma français, a la langue bien pendue. Parfois, lorsqu'il évoque ses souvenirs, on pourrait le prendre pour un mythomane. Mocky était presque plus connu pour ses révélations et son franc-parler que pour ses films, ces vingt dernières années. Cet artisan, qui peut réaliser un film en moins de deux semaines, parie sur l'efficacité plutôt que les effets de style. La caméra doit raconter l'histoire, à base de plans fixes et de courte focale.

Les réalisateurs d'aujourd'hui sont tellement inféodés aux exigences racoleuses de leurs producteurs qu'ils finissent par y perdre leur âme.

Ce qui frappe chez lui, c'est évidemment l'esprit de satire, le goût de la moquerie, la défiance aux systèmes - politiques, économiques, religieux, sport (A mort l'arbitre, sans doute l'un de ses films les plus noirs) - et un appétit pour le libertinage, et notamment la liberté sexuelle des femmes. Lui-même a su en profiter, n'étant pas très #MeToo en apparence, et fanfaronnant qu'il avait 17 progénitures. Il aimait provoquer et même choquer jusque dans ses affiches, comme celle d'Il gèle en enfer qui avait fait scandale en présentant deux anges sexués.

Son cinéma, romantique et révolutionnaire, anarchiste et presque punk, féministe tout en étant assez binaire dans les genres, reposait sur l'art habile de mélanger des vedettes et des gueules, des personnalités plutôt que des comédiens techniquement parfaits. Il aimait employer les gros cachets pour pas grand chose et surtout pour un contre-emploi (Deneuve en frisée rousse et vieille fille en est le meilleur emblème dans Agent Trouble, 630000 curieux au compteur). Pour lui, tout est dans le jeu, en rappelant : "Je suis un comédien qui est devenu metteur en scène parce qu’il n’avait pas de rôle. Nous étions toute une cuvée, dans les années 50, qui sortait du Conservatoire, Marielle, Girardot, Belmondo. Tous ont réussi. Il faut dire qu’on avait Louis Jouvet comme prof."

Mocky soit qui mal y pense

Il y a dans le cinéma de Mocky la même aspiration (et inspiration) que pour un caricaturiste: il grossit le trait. Ce n'est pas du cinéma réaliste, même si son univers est très réel, et souvent du côté des "petites gens". Il peut en faire une comédie ou un polar, cela reste des fables, des nouvelles, des contes visuels influencés par le cinéma américain des années 1930 ou d'Hitchcock.

Par exemple, c’est Hitchcock qui m’a donné le goût de tourner vite : lorsqu’en 1962 je l’ai rencontré à Los Angeles, chez Maurice Jarre, il m’a confié que douze à quinze jours lui suffisaient pour mettre un film en boîte.

Depuis quelques années, son œuvre, si singulière, si impressionnante, faisait l'objet de rétrospectives ou de prix honorifiques. Evidemment aucun César, même pour l'honneur. Trop décalé? Trop marginal? L'ancien propriétaire du cinéma Le Brady à Paris (durant 17 ans) et propriétaire du Despérado (l'ancien Action Ecoles) a pourtant essayé de transmettre en tant qu'écrivain (avec ses Mémoires, qui se vendaient bien) et en tant qu'exploitant sa passion pour le cinéma. Lui qui avait commencé comme acteur en Italie, stagiaire chez Fellini et Visconti, n'était sans doute pas reconnu à sa juste valeur, même si la moitié de sa filmographie est oubliable. Il a, malgré tout, connu de gros succès comme Les dragueurs en 1969 (1,5 million d'entrées), La bourse et la vie (625000 spectateurs), La grande frousse (680000 spectateurs), Un drôle de paroissien (2,3 millions d'entrées), Y-a-t-il un Français dans la salle? (800000 français dans la salle) ou Les saisons du plaisir (770000 spectateurs) ou Le miraculé (820000 fidèles)....

M. le Mocky

On se souviendra surtout de ses conflits récurrents avec la profession, qui ne lui a pas facilité la vie. Il s'est progressivement fâché avec tout le monde, y compris avec son ami Godard, à force de ne mélanger personne. Il considérait le ministère de la Culture comme son ennemi. Il balançait sur le sexe et les femmes. Bref, Mocky se plaignait d'être maudit, tout en étant béni par les journalistes qui se régalaient à l'avance du buzz qu'il allait produire. Et lui-même adorait parler devant un micro, tout en se plaignant de ne plus pouvoir avoir l'argent nécessaire pour faire ses films.

Les étoiles des critiques ?
On se croirait à une distribution de prix à la fin de l'année.
Les critiques sont-ils des profs et nous des élèves ?
Quelle connerie !
Comment expliquer ce paradoxe : un film sort et il est aussitôt étoilé :
une, deux, trois étoiles, comme dans le Guide Michelin. Et même des quatre étoiles.
Quand il passe à la télé, le film de quatre étoiles n'en a plus que deux ou une ou pas du tout.
Je ne vois pas d'autre explication : on met une cotation d'office quand le film
sort en salle pour faire venir les gens, et quand il passe à la télé, on note pour ce que ça vaut, ces cons de téléspectateurs vont avaler le navet cuit de toute façon.

Son cinéma épuré, ses dialogues très travaillés et ses comédiens toujours bien dirigés pourraient, pourtant, mériteraient qu'on s'attarde un peu plus sur sa filmo. Le cinéaste, résolument indépendant et sûrement très fier d'être le canard noir du métier (ça le distinguait), restait finalement le symbole d'une époque révolue où une certaine liberté de ton et d'expression étaient encore possibles, quitte à passer sur la fin pour un vieux schnock. Tout était un peu défraîchi, poussiéreux. Mais il n'avait rien perdu de sa verve. Cela lui a permis de devenir comique cathodique et radiophonique et conférencier. Cet homme d'images a finit avec l'art de la parole, faute de moyens. Nostalgique sans doute de ce 7e art qu'il a toujours vénéré mais qui lui échappait de plus en plus.

Capricci Films et Les Bookmakers vont sortir le 13 septembre un film inédit en salles de Jean-Luc Godard, Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma.

Ce téléfilm avait été diffusé en 1986 en première partie de soirée sur TF1 et n'était disponible qu'en VHS ou dans des événements lors de festivals. Ce 21ème épisode de la Série Noire proposée alors sur la chaîne TV devrait être un thriller, adapté du roman Chantons en chœur de James Hadley Chase. Godard a préféré s'approprier le sujet pour en faire un manifeste sur le cinéma avec Jean-Pierre Léaud dans le rôle d'un cinéaste préparant un film et Jean-Pierre Mocky incarnant un producteur en faillite, mais aussi des chômeurs et Nathalie Richard.

Le 13 septembre sortira aussi Le Redoutable, de Michel Hazanavicius, film autour de la relation entre Jean-Luc Godard et Anne Wiazemsky. Godard y est incarné par Louis Garrel.

Le réalisateur suisse est toujours occupé par la postproduction de son nouveau film Image et Parole, qu'on pressent aller à Cannes en 2018.

On parle souvent de cinémas qui ferment, de quelques multiplexes en projets ou qui ouvrent. Et si, pour une fois, on célébrait l'anniversaire d'une salle emblématique, atypique et toujours debout?

Le Brady n'a pas d'allure vu de l'extérieur. Seul cinéma dans son quartier à Paris, coincé entre les théâtres et les coiffeurs ethniques, sur un boulevard (Sébastopol) où il n'y a aucune grande marque de fringues ni Starbucks, mais des vieux troquets, le Brady est un survivant sur une quatre voies urbaine où l'on ne s'arrête jamais.

Né le 25 juin 1956, Le Brady propose alors 300 places dans le populaire Xe arrondissements (et dans le seul quartier de cet arrondissement qui a encore ce côté populaire). A l'époque, ce sont les séries B, films d'aventures, comédies et westerns qui attirent un public familial.

Mocky avait besoin d'une salle pour diffuser ses films

Pour survivre à l'arrivée de la télévision et des grandes chaînes comme Gaumont, le Brady devient un cinéma spécialisé dans les films d'horreur dans les années 1960. Déjà underground. Les amateurs d'épouvante cohabitent avec les marginaux et les premiers recalés de la crise pétrolière.

"En travaillant au Brady comme projectionniste au tout début des années 2000, j'ai assisté à la fin d'un phénomène né dans les années 1970. J'ai eu envie de comprendre : comment des clochards en arrivent-ils à dormir dans une salle de cinéma ? ", raconte Jacques Thorens dans Le Brady. Cinéma des damnés (Verticales).

Métamorphose

Le Brady décline alors lentement. La consommation de cinéma évolue. les multiplexes naissent, les salles se rénovent. Le Brady reste dans son jus. Authentique. Le réalisateur Jean-Pierre Mocky en devient propriétaire il y a 22 ans pile-poil. Il ajoute une deuxième salle, toute petite (39 fauteuils), pour offrir des programmations plus audacieuses. Durant seize ans, Mocky dirigera ce cinéma culte.

Il cède cependant le cinéma en 2010 au programmateur de la salle, Fabien Houi, qui engage un lourd chantier de rénovation. Le Brady n'est plus la vieille salle un peu miteuse d'autrefois. Ici, on peut y voir des films "officiellement" sortis de l'affiche, mais qui en fait continue leur carrière à raison d'une ou quelques séances par semaines. La grande salle (qui ne compte que 100 places désormais) peut désormais servir de salle de spectacle. Du blockbuster au film restauré, en passant par des films pour la jeunesse et des cycles (comme Bollywood) ou des festivals (comme celui du cinéma turc, en plein quartier turc, c'est assez logique), le Brady s'est diversifié et résiste au formatage.

Évènements et célébrations

Pour son anniversaire, le cinéma s'est offert une exposition à la nouvelle Médiathèque Françoise Sagan (elle aurait aimé), toute proche, "Le Brady, 60 ans de projection", qui a lieu jusqu'au 18 septembre. A partir du 16 septembre, les vendredis et samedis soir, pour accompagner la sortir de Juste la fin du monde, de Xavier Dolan, film adapté d'une pièce de Jean-Luc Lagarce, sera jouée une pièce de l'auteur, Derniers remords avant l'oubli.

La finale de l'EURO 2016 est jouée : ce sont les joueurs de l'équipe du Portugal qui sont devenus les nouveaux champions d'Europe de football, et pas ceux de l'équipe de France.

Les médias vont enfin parler d'autre choses que de foot (La loi 'travail'? Les tensions au Soudan Sud? La crise institutionnelle en Europe? Camping 3?), et la télévision va de nouveau diffuser des films à 20h50. Il n'empêche que la victoire des bleus tant espérée par la France n'a pas eu lieu.

C'est l'occasion de s'interroger sur cette puissante et presque universelle force d'attraction qu'est le football, alors qu'après tout ce n'est qu'un sport.  On aime à dire que le football c'est beaucoup de cinéma (dans tout les sens du terme), et dans ce domaine-là oui les français sont devenus des champions (avant comme après 1998 et le titre de champion du monde des bleus), même si le ballon rond a fasciné de nombreux cinéastes (lire notre article sur ce sujet avant l'Euro de 2008). Notre cinéma sait s'interroger sur le football, sur les personnes qui sont dedans, autour, devant... Retour sur une dizaine de films de cinéma (donc on passe sur 3 zéros de Fabien Onteniente ou Les seigneurs de Olivier Dahan, plutôt hors-jeu...) où le football est roi.

10 films français avec du foot à (re)voir :

Coup de tête, 1979, réalisé par Jean-Jacques Annaud : Un joueur de foot qui bouscule l’attaquant vedette de son équipe est en disgrâce et se retrouve exclu, et même en prison pour tentative de viol suite à des faux témoignages. Plus tard l’équipe de foot a besoin de lui pour gagner, et il marque deux buts pour la victoire. Dès lors il va se venger… Avec un Patrick Dewaere enflammé, mais aussi Jean Bouise et Michel Aumont, ce second film de Annaud après avoir reçu un Oscar pour son précédent, a été écrit par Francis Veber qui à l’époque alternait script de comédie et drame policier. Ici le personnage de Patrick Dewaere s’appelle François Perrin comme les personnages de Pierre Richard (qui deviendront François Pignon par la suite…). Le foot c’était déjà magouille et compagnie ?

A mort l’arbitre, 1983, réalisé par Jean-Pierre Mocky : L'un des plus grands succès public et critique de Mocky. Après la défaite de leur équipe, des supporters poursuivent l’arbitre Eddy Mitchell par vengeance pour le lyncher. On y croise également Michel Serrault et Carole Laure. La bêtise de certains supporters-casseurs est ici particulièrement violente… Et, hélas, toujours d'actualité.

Delphine 1 Yvan 0, 1996, réalisé par Dominique Farrugia : Un film d’amour commenté par les commentateurs de foot Thierry Roland et Jean-Michel Larqué avec les différentes étapes d’un couple pendant un an : séduction, s’installer ensemble, rencontrer la famille de l’autre, être témoin des galères de couples des potes, la tentation de l’infidélité… Film culte autant que comédie romantique très drôle avec en vedette Serge Hazanavicius et Julie Gayet (qui devient populaire cette année-là avec plusieurs succès). Il s’agit du premier film de Dominique Farrugia (et premier film en solo d’un membre de Les Nuls) avec la participation évidente d'Alain Chabat et Chantal Lauby, mais aussi celles de Lionel Abelanski, Daniel Russo, Amelie Pick (malheureusement devenue invisible), Olivier Loustau (dont le premier film est produit par Julie Gayet)…  A noter que le film est co-écrit par Farrugia et Michel Hazanavicius (OSS 117, The Artist) qui lui aussi connaît ici son premier succès comme scénariste.

Didier, 1997, réalisé par Alain Chabat : Il a reçu un César du meilleur premier film avec cette idée farfelue d’un chien qui se transforme en être humain, par ailleurs prodige de football, ce qui va arranger les affaire de Jean-Pierre Bacri qui justement avait besoin d’un nouveau talent pour son équipe… La fin montre un match avec l’équipe du PSG dans le stade du Parc des Princes, à l’intérieur le personnage de Farrugia suit le match sur une petite télé portative en déplorant l’absence d’écran géant (après le film, le stade sera équipé de deux écrans géants dans les virages).

Deuxième Vie, 2000, réalisé par Patrick Braoudé : La France est battue en finale, dans cette histoire. Ça arrive déjà en 1982. Suite à un accident de voiture le héros Patrick Braoudé se retrouve après un bon dans le temps seize ans plus tard en 1998 lors d’une autre finale mais autour de lui ses proches ont bien changé et sont devenus du genre qu’il détestait, alors il voudrait revenir en arrière vers sa vie d’avant… On y voit deux versions - avant et après - de personnages joués par Maria de Medeiros, Thierry Lhermitte, Daniel Russo, Isabelle Candelier, Élie Semoun et Gad Elmaleh… On refait le match ?

Grégoire Moulin contre l’humanité, 2001, réalisé par Artus de Penguern : Quand il était enfant, sa famille voulait faire de lui un footballeur mais il détestait ça. Devenu adulte à 35 ans, il est un médiocre agent d’assurances et il déteste toujours le foot. Le soir d’un match de foot de Coupe de France la ville est perturbée par l’évènement et ses supporters tandis que lui va essayer de rejoindre tant bien que mal la femme qu’il aime… Artus de Penguern comédien se met en scène lui-même et surtout démontre un talent d’habile metteur en scène comique (avec d’ailleurs une épatante séquence de soirée costumée) avec ce premier film (le second sera réalisé en 2012 juste avant sa mort). Artus était un numéro 10…

Comme un lion, 2011, réalisé par Samuel Collardey : Deuxième film du réalisateur qui s’attache à montrer autant que possible une forme de narration proche du documentaire ou d’une certaine réalité. Le film commence au Sénégal où un jeune garçon est repéré pour son talent au football. On demande à sa grand-mère de payer et de s’endetter pour l’envoyer en France, mais c’est une manœuvre qui ne le mène à rien puisqu’il va se retrouver abandonné et placé dans un foyer. Avec toujours son rêve de devenir footballeur et le devoir d’envoyer de l’argent au pays pour sa grand-mère, il parvient à intégrer un petit club amateur où Marc Barbé et Anne Coesens vont peu à peu s’attacher à lui pour l’aider… Le foot, ce sport où des enfants déracinés sont victimes de marchandage, de racisme… et toujours une sorte de grand marché où les occidentaux jouent les colonialistes.

Les petits princes, 2013, réalisé par Viannet Lebasque : Le rêve du jeune ado Paul Bartel est de jouer au foot dans une équipe pro et justement il intègre un centre de formation, mais il cache à presque tout le monde qu’il est atteint d’une malformation cardiaque incompatible avec ce sport… Avec aussi Reda Kateb en entraineur, Olivier Rabourdin, Eddy Mitchell, Samu Seghir, et la belle révélation Margot Bancilhon. L’histoire est inspirée de cas réel de sportifs ayant caché leur état à risque de malformation cardiaque, plusieurs sont morts d’un arrêt cardiaque sur le terrain…

Les rayures du zèbre, 2013, réalisé par Benoît Mariage : Le réalisateur belge retrouve une nouvelle fois son acteur fétiche Benoît Poelvoorde. Il y est un agent de footballeurs en quête d’un nouveau prodige qu’il pourrait acheter et revendre (le point de vue opposé à Comme un lion). En Côte d’Ivoire il découvre le jeune Marc Zinga qu’il parvient à ramener avec lui en Europe, mais ensuite rien ne se passe pas comme prévu… Le duo Mariage/ Poelvoorde s’éloigne cette fois de la comédie pour évoquer le drame du commerce d’enfants d’Afrique en vue de spéculer sur leur côte de star potentielle… Le foot complice d’une nouvelle forme d’esclavage ?

Goal of the Dead, 2014, réalisé par Benjamin Rocher & Thierry Poiraud : Autant film de foot que film de zombies (d’enragés plutôt), en fait une œuvre de 2h20 en deux parties et deux films avec Goal of the dead :première mi-temps de Rocher et Goal of the dead :seconde mi-temps de Poiraud. A la fois amusant, féroce, inventif, sensationnel, original, la bonne surprise est totale et aussi de tout les instants : Goal of the Dead est un des meilleurs films de 2014. Le foot est un sport collectif, pas la survie ?

C'est cette semaine que se tient la sixième édition du Festival 2 Valenciennes. Comme chaque année, le festival récompense d'une part les films documentaires venus du monde entier et de l'autre les long-métrages de fiction. Hier soir, la cérémonie d'ouverture de la catégorie fiction a permis de lancer la seconde partie du festival et de récompenser les meilleurs films de la première. Ainsi, le Prix des Etudiants a été remis à Ultimo Tango de German Kral tandis que le Prix du public a été décerné à Il m'a appelée Malala de Davis Guggenheim. Le Prix de la Critique est allé à No Lands' Song d'Ayat Najafi - qui est également reparti avec le Grand Prix !

Fortement décalée à cause des problèmes de transport des membres du jury et autres invités (merci la SNCF), cette cérémonie a été l'occasion de rendre un bel hommage à Diane Kurys et d'assister à une prestation des dresseurs Thierry Le Portier et Félindra, venus accompagnés d'un fauve (!). Plus encore, nous avons pu mettre des visages sur les noms des jurés Jeunes Etoiles 2 Valenciennes et du jury Fictions (présidé par Jean-Pierre Mocky, accompagné entre autres par Frédérique Bel, Cécile Bois et Frédéric Chau).

Par la suite, l'équipe du film Tout pour être heureux a pu lancer la compétition pour la partie fictions. Deuxième long-métrage de Cyril Gelblat, le film raconte comment Antoine (Manu Payet), quadra qui ne trouve pas sa place dans le foyer, décide de le quitter pour une histoire sans lendemain. Centré sur ce père qui n'a jamais vraiment eu à assumer sa paternité, le film est un véritable régale et n'a pas manqué de faire rire et d'émouvoir l'assistance. Manu Payet y prouve une fois encore qu'il n'est pas juste doué pour la comédie. Avec Audrey Lamy et Aure Atika à ses côtés, l'acteur rayonne. Le film sort en salles le 13 avril prochain et il va sans dire que l'on vous en reparlera !

Pour plus d'informations concernant le Festival 2 Valenciennes, c'est par ici.

Pour sa sixième édition, le Festival 2 Valenciennes accueille professionnels, passionnés et curieux du 14 au 20 mars. Intéressé par les films venus du monde entier, celui qui remplace le festival du film d'aventures de Valenciennes rend toujours hommage aux œuvres de fiction et documentaires avec des activités parallèles. Après nous avoir fait découvrir des films tels que Take Shelter (2011), Mud (2013), Eastern Boys et Tom à la ferme (2014), le Festival 2 Valenciennes proposera cette année encore une sélection de films tous très attrayants.

Avec Linda Hardy en maîtresse de cérémonie et Diane Kurys et Nathalie Baye en invitées, le festival devrait attirer en masse.  En effet, le programme impressionne et surprend. Les plus jeunes pourront par exemple découvrir les méthodes de travail de Thierry le Portier, dresseur de fauves avant de mater L'Odyssée de Pi quand les plus grands seront sans doute tentés par le Gladiator de Ridley Scott. Côté sélection officielle de films documentaires, Free to Run de Pierre Morath et Royal Orchestra de Heddy Honigmann nous ont déjà mis l'eau à la bouche. Tandis que la compétition côté films de fiction sera marquée par Tout pour être heureux (avec Manu Payet et Audrey Lamy), Colonia (avec Emma Watson et Daniel Brühl), L'Avenir de Mia Hansen-Love , Quand on a 17 ans d'André Téchiné ou encore Demolition de Jean-Marc Vallée !

Avec un peu de chance, nous retrouverons Frédérique Bel, Antoine Chappey, Frédéric Chau et Jean-Pierre Mocky parmi le jury officiel. Rencontres, dédicaces ou master classes, tout a été pensé pour satisfaire la curiosité des festivaliers toujours plus nombreux. En partenariat avec l'Académie de Lille, les Jeunes étoiles 2 Valenciennes proposeront une sélection de 10 court-métrages réalisés par ds élèves en audiovisuel. Et pour les fêtards, notez qu'après la projection du film de clôture (Médecin de campagne avec François Cluzet), vous pourrez venir faire la fête avec nous à l'Ephémère ! On vous le dit, cette sixième édition du Festival 2 Valenciennes est à ne manquer sous aucun prétexte. Pour plus d'informations, rendez-vous sur le site de cet événement culturel incontournable du mois de mars.

Fils de Jacques Demy, dont on célèbre les 45 ans du tournage des Demoiselles de Rochefort ces jours-ci et d'Agnès Varda, Mathieu Demy avait déjà réalisé deux courts métrages : Le Plafond en 2000 et La bourde en 2005. Il passe dorénavant dans la cour des grands avec la réalisation d'un premier long métrage : Americano. Le film a été tourné à Los Angeles, Paris et Tijuana (frontière mexicaine au sud de San Diego) en septembre et octobre dernier et, actuellement en post-production, devrait arriver dans les Festivals de la fin d'été.

Pour ça, il a réussit à réunir un joli triplé de comédiennes très cosmopolites : Salma Hayek, Géraldine Chaplin (L'orphelinat, Parle avec elle) et Chiara Mastroïanni. L'acteur Demy, qu'on peut voir actuellement à l'affiche de Tomboy, sera aussi de la partie, ainsi que Carlos Berdem (Cellule 211) et le cinéaste Jean-Pierre Mocky.

Avec ce scénario, il avait été le lauréat de l'aide à la production de la Fondation Groupama en 2009.

Le film suit un certain Mathieu qui s’appelait Martin quand il était enfant et vivait à Los Angeles. Martin a grandi et vit à Paris. Lorsqu’il perd sa mère, restée en Californie, il doit retourner dans la ville de son enfance pour s'occuper des formalités liées à son héritage. Mais incapable de faire face à la mort, il fuit vers Tijuana et s’égare sur les traces d'une danseuse Mexicaine qu’il a connue jadis, et qui avait depuis occupée une place importante dans la vie de sa mère. Pour faire son deuil, Martin devra revisiter son passé. Pour faire son film, Mathieu doit se réapproprier Martin, l’enfant fictif d’un film d’Agnès…

Le sport le plus populaire du monde, c'est-à-dire le plus joué, le plus regardé à la télévision, générant le plus d’argent, est sans conteste le football, ou soccer aux Etats-Unis. Pas étonnant, qu’il soit aussi très courtisé par le cinéma. Cette année, entre le documentaire (raté) de Kusturica sur Maradona et le (très beau) film de Walter Salles (Linha de Passe) où l’un des frères se rêve footballer dans la patrie du ballon rond, le festival de Cannes introduisait l’Euro de football. Au détour d’une scène ou au cœur du film, un match de foot défie l’imaginaires des cinéastes et nargue les chef op’ : la télévision, avec sa multitude de caméra et sa prise de vue en direct se sait imbattable en matière d’adrénaline.

Aussi le cinéma préfère en faire un prétexte pour des initiations individuelles ou des drames sociaux. De Goal (trilogie raté à la gloire d’une nouvelle star du foot) à des films sur la violence dans les stades, du récent Affaire de famille (avec Grenoble en vice-champion de France !) des comédies (l’absurde Didier, le populo Trois zéros), la fiction explorent tous les recoins de ce sport. On répertorie quelques 200 films sur le sujet, et autant de documentaires (notamment Zidane en France, Libero en Allemagne, Pelé au Brésil). Les cinémas anglais, italien et allemand n’ont pas ménagé leur inspiration autour du sujet. Grandes nations de foot, comme le Brésil, elles aiment glisser un extrait radio, télé ou même une séquence sur la pelouse.

Cependant, on prend rarement son pied avec les films « de foot ». Depuis plus de cent ans, des équipes fictives s’affrontent avec plus ou moins de bonheur. Il faut signaler qu’hormis Loach, peu de grands auteurs ont mis leur crampon. Il faut attendre les années 70 pour voir des films de haute tenue. Jean-Jacques Annaud donne son Coup de tête en 1979, avec un scénario de Francis Veber, et Patrick Dewaere en ailier vedette. Deux ans plus tard, John Huston signe A nous la victoire (avec Caine, Stallone, Von Sydow, Pelé et Carole Laure), où le football est un passe-temps de prisonnier de la seconde guerre mondiale où il faut initier un Américain à jouer au ballon… En 1984, Jean-Piere Mocky, dans sa période faste, clame A mort l’arbitre, avec là encore Carole Laure et surtout le duo Mitchell-Serrault. Véritable critique à charge du milieu, le film est sans doute celui qui révèle les plus bas instincts réveillés par le sport.

Cinq films contemporains méritent les éloges :  les britanniques My Name is Joe (équipe amateure de Glasgow) et Looking for Eric par le grand fan Ken Loach et Joue-la comme Bekham (ascension d’une jeune footballeuse  sur fond de querelles de tradition, révélant au passage Keira Knightley) ; et les asiatiques Shaolin Soccer (Stephen Chow en super-man du but, délirant) et La coupe (film bhoutanais sur l’obsession de jeunes moines bouddhistes pour voir le match France Brésil de 1998 en direct).

En l’absence d’Hollywood dans la compétition, difficile de faire mieux. Les studios américains ont commencé, cependant, à filmer le foot pour deux raisons : le sport est populaire dans le monde et notamment chez tous les immigrés latino-américains, africains et européens ; il plaît aux mères de familles américaines par son aspect non –dangereux.

On finira sur deux petites perles. Un court métrage signé Tati sur le club de foot de Bastia (Forza Bastia 78) lors d’une finale de coupe d’Europe. Et dans Le petit monde de Don Camillo (1952), le foot divise et unit les frères ennemis Peppone et Don Camillo. Mais aucun chef d’œuvre, comme pour la boxe…