Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après l’actrice Léa Seydoux devant les caméras de Jean-Paul Goude, Wes Anderson et Roman Coppola, voici l’instant Court n° 118.

Parmi les nombreux nouveaux films sortis sur les écrans la semaine du 16 octobre, le monde de l'enfance et les relations parents/enfants sont particulièrement imagés, notamment avec  L'Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet et Au bonheur des ogres... Mais ailleurs, tout n'est pas si rose.

Tout commence par une scène du quotidien, banale. Mais quelque chose ne tourne pas rond…

Voici donc le court-métrage Léo, avec Françoise Cadol et Roméo Périsson, réalisé par Estelle Dumas :

Ecran Noir : Une particularité de Léo, c’est son extrême concision. Comment est arrivée cette idée ?
Estelle Dumas : C’est une longue histoire, que je vais essayer de faire courte. J’étais dans un cours d’écriture de scénario, et à la troisième session la prof nous a parlé du conflit interne et du conflit externe chez des personnages. Elle nous a demandé de s’isoler avec un papier et un crayon pour écrire une séquence avec au moins deux personnages sinon plus en conflit externe dont un avec un conflit interne qui devient le héros. L’histoire qui est devenue ensuite ce court Léo est arrivée de manière très naturelle en partant d’un souvenir de ma maman, pas pauvre comme celle du film, qui voulait que je mange. Donc un conflit entre une mère et son enfant, et pour le conflit interne j’ai travaillé sur la mère. C’est venu très vite, en une trentaine de minutes. C’est devenu mon premier scénario que j’ai toujours gardé dans le cœur et dans le ventre pendant environ deux ans. Alors je me suis dit : "il faut que je le réalise".

EN : C’est ton premier court-métrage, tu t’es préparée avec un storyboard ?
ED : Il y a eu un storyboard, mais pas dessiné : j’ai fait un storyboard filmé en vidéo. Comme c’était mon premier film, j’avais des complexes comme ne pas être à la hauteur de mes techniciens. J’ai fait venir mon chef-opérateur et mon premier assistant et les comédiens sur le lieu du tournage, et avec un petit caméscope tout simple j’ai tourné le court-métrage de la manière dont je voulais le tourner, comme un modèle de ce que ça devrait être. Plutôt que des dessins, le storyboard était ce qui avait été filmé avec ce petit caméscope, pour dire je veux ça cadré comme ça avec les comédiens qui bougent comme ça. Mon scénario faisait quatre pages, et chaque ligne était hyper-visuelle dans ma tête. Je savais ce que je voulais, mais je n’avais pas tous les termes techniques pour l’expliquer à mes techniciens qui sont de haut niveau : mon premier assistant Frédéric Louf est réalisateur de longs métrages (J'aime regarder les filles) et mon chef-opérateur Georgi Lazarevski a eu une palme d’or (pour Entre les murs de Laurent Cantet), donc il ne fallait pas que je me plante. Ce storyboard vidéo a été ma façon de m’exprimer non pas par la parole mais par l’image.

EN : Qu’est-ce qui a été le plus facile ou le plus difficile durant le tournage ?
ED : Je suis une débutante, mais tout a été plutôt facile. J’ai monté mon équipe de 25 personnes en dix jours, je passais un coup de téléphone puis un autre et on ne m’a jamais dit non, ça a été rapide. Je me suis autoproduit, je savais combien je voulais mettre dans le film et le budget n’a pas été dépassé. Je m’attendais à ce que le plus difficile soit de diriger les comédiens, mais je m’y attendais donc ce n’était pas une surprise non plus. J’ai vu plusieurs personnes pour le petit garçon et pour sa maman, c’est un peu une question irrationnelle, le choix ,mais j’ai eu la chance d’avoir deux comédiens exigeants. La direction d’acteur a été peut-être la chose la moins évidente.

EN : Qu’est ce que tu ferais différemment ?
ED : Rien. Il y a plein de gens quand ils revoient leurs films qui se disent qu’ils feraient telle ou telle chose autrement, mais pas moi. Je ne dis pas que c’est un chef d’œuvre, j’y trouve des défauts mais je les aime aussi, et surtout j’aime mon film. J’entends des gens qui disent qu’ils ne comprennent pas bien ou que ce n’est pas assez long dans les critiques négatives mais moi je ne veux rien changer. J’ai voulu que ce film soit très court, j’avais plein de choses à dire mais je voulais être concise dans l’écriture et la réalisation, alors que dans la vie je suis une grande bavarde.

EN : Et depuis Léo ?
ED : Le film tourne encore dans les festivals, il a eu un prix d’interprétation pour la comédienne l’année dernière au festival de Pontault-Combault. Il a été sélectionné au festival de Clermont-Ferrand et dans plein d’autres festivals comme Vaulx-en-Velin, Grenoble, Vannes… Pendant ce temps, j’écris un long-métrage qui s’appelle pour l’instant Séance Spéciale, qui est l’histoire d’une jeune femme qui part faire de l’humanitaire en ex-Yougoslavie pendant la guerre. Le projet est déjà bien avancé, mais il y aura peut-être un court métrage entre-temps.

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage A Corps Perdu et la rencontre avec son actrice Marie Payen, voici l’instant Court n° 117.

Le film La vie d’Adèle, chapitre 1 et 2 auréolé de la palme d’or pour son réalisateur Abdellatif Kechiche et ses actrices Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux est à l’affiche depuis le 9 octobre dernier.

Plusieurs controverses ont précédées la sortie du film : l’avis de l’auteure de la bande-dessinée (qui a inspiré l’histoire) à propos notamment de la représentation des scènes de sexe, la plainte de techniciens à propos de l’organisation des journées de travail, la presse qui amplifie une déclaration des comédiennes sur les conditions de tournage…

Un buzz propice à créer une certaine attente avant la sortie du film, et un mauvais buzz pour Abdellatif Kechiche qui se laisse entraîner à son tour dans cette spirale de petites phrases négatives : « Léa Seydoux vole la vedette au film, ainsi qu’à Adèle Exarchopoulos, et elle ne mesure pas les conséquences désastreuses de ses propos… ».

S'il s’agit d’un débordement plutôt maladroit, cela rappelle aussi que la "valeur" d’une actrice peut également se mesurer avec son "potentiel commercial". Une actrice est un vecteur pour mieux vendre un magazine (pour le lancement de la nouvelle formule de Lui, Léa Seydoux était nue en couverture) ou bien évidement un produit de beauté (nombreuses sont les actrices qui sont amenées à monter les marches du festival de Cannes pour représenter L’Oréal)…

Les marques investissent de plus en plus le monde du cinéma pour faire leur publicité, de manière très voyante comme Shalimar de Guerlain qui place une longue pub de 5 minutes (avec Natalia Vodianova) sur les écrans des salles de cinéma ou de manière plus discrète comme Ralph Lauren qui coproduit un court-métrage de Benjamin Millepied avec Léa Seydoux (à revoir ici).

Voici donc différentes publicités avec l’actrice Léa Seydoux qui incarne une femme explosive, excessive et passionnée qui danse devant la caméra de Jean-Paul Goude ; puis celles de Wes Anderson et Roman Coppola pour une trilogie influencée par Jules et Jim de François Truffaut.

La publicité réalisée par Jean-Paul Goude :

La trilogie réalisée par Wes Anderson et Roman Coppola :

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Léa Seydoux sera à l’affiche de The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson, Adèle Exarchopoulos va tourner dans M le premier long-métrage réalisé par Sara Forestier.

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, voici l’instant Court n° 116.

Avec les feuilles qui tombent et le début de l'automne est arrivé le film Mon âme par toi guérie, grand retour du réalisateur François Dupeyron qui met en lumière la fine fleur des comédiens français comme Grégory Gadebois et Céline Sallette, sans oubier la lumineuse Marie Payen.

Elle était en sélection officielle au Festival de Cannes en 1999 avec le film Nos vies heureuses de Jacques Maillot, et l'année suivante à la Quinzaine des Réalisateurs avec le court-métrage A Corps Perdu réalisé par Isabelle Broué, qui elle-même avait été scripte de Jacques Maillot (et également de Gaël Morel et François Ozon) avant de réaliser plus tard la comédie romantique Tout le plaisir est pour moi.

Voici donc le court-métrage A Corps Perdu avec Marie Payen : l'histoire d'une jeune femme en quête d'elle-même...

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Ecran Noir : Quel souvenir gardez-vous du Festival de Cannes 1999 où le film Nos Vies Heureuses était en compétition, mais sans avoir été récompensé ni à Cannes ni aux Césars?
Marie Payen : C’était très joyeux, c’était le premier long-métrage dans lequel j’avais un rôle principal et j’avais été hyper-heureuse sur le tournage. Je trouve que le réalisateur Jacques Maillot était génial et j’avais des partenaires sublimes comme Sami Bouajila. J’ai découvert un univers de cinéma que je connaissais très peu alors et la grâce du tournage a été totale : je trouvais très normal que le film soit en compétition à Cannes ;-) Notre vécu de Cannes était beau parce qu'il y a eu une projection magique avec une énorme standing ovation d’un quart d’heure, des gens pleuraient, c’était fabuleux.

Sur le moment je n’ai pas été triste que le film n’ai pas été primé, mais je l’ai été à contre-temps plus tard. En fait beaucoup de critique ont été négatives, je n’avais pas vraiment d’expérience de ce qui entoure une sortie de film et je croyais que ça allait marcher quand-même. Le film n’a pas vraiment marché dans la sens où il n’a pas eu le succès qu’il aurait mérité, mais pour les gens qui l’ont aimé, c’est un film culte. Je croise beaucoup de gens qui m’en parlent encore, les gens qui l’ont vu adorent ce film, il y a quand même quelque chose qui a été impactant et qui pour moi était suffisant à l’époque.

Maintenant, je me dis que c’est dommage parce que Nos Vies Heureuses est un film particulier, gracieux, avec une originalité et une force. Peut-être que Nos Vies Heureuses était trop ample, peut-être qu’il y avait un peu trop de choses à "manger" dans ce film et que les gens ont pu se sentir un peu gavés. Il y a 6 personnages principaux ! Les sujets étaient abordés avec beaucoup de générosité, beaucoup d’élan et beaucoup d’humanité. Le film n’a pas été assez reconnu mais ça nous échappe.

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Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage Deep Inside avec deux figurants sur le tournage d’un film de zombies, voici l’instant Court n° 115.

Le blockbuster estival est de sortie avec Pacific Rim où le talent de conteur visuel de Guillermo Del Torro s’efface face aux images générées par ordinateur pour un scénario héroïque à l’américaine avec robot jaeger contre monstre kaiju... Le film est malheureusement plus proche des Transformers de Michael Bay que de Patlabor version Mamoru Oshii…

Dans Pacific Rim une petite fille est choquée par l’horreur avant d’être en admiration devant un robot… La même idée d’une fillette traumatisée qui sera consolée par une créature est développée dans un format bien plus court, où en 4 minutes on trouve un mecha-design plus original et plus d’émotion humaine, alors qu’il s’agit d’un film d’animation.

Voici donc le court-métrage Consurgo co-réalisé par Tom Hankins, René Hoekstra et Gijs Van Kooten, des étudiants à l' Utrecht School of Arts in the Netherlands :

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait de Consurgo

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage En Douce avec Camille Claris, voici l’instant Court n° 114.

A l’affiche depuis mercredi dernier, World War Z n’est pas du tout le meilleur film de la semaine ni le meilleur film de zombies, mais l’invasion de Brad Pitt est mondiale. Cette adaptation du roman de Max Brooks semble d’autant plus décevante que son autre bouquin Guide de survie en territoire zombie est sur la table de chevet de ceux qui attendent voracement la quatrième saison de la série Walking Dead…

Le tournage de cette grosse production américaine World War Z a eu lieu dans plusieurs pays avec plus d’un millier de figurants (et un petit rôle pour le français Grégory Fitoussi). Un court-métrage avait déjà imaginé les conditions de ce type de tournage justement du point de vue de deux figurants, c’était il y a deux ans en 2011 dans le cadre de l’opération ‘Talents Cannes Adami’.

Ce soutien aux jeunes talents en direction des professionnels (directeurs de casting, producteurs…) fêtait ses 20 ans cette année, et ce sont d’anciens ‘Talents’ des années précédentes qui sont passés derrière la caméra avec le thème  « Les moments forts d’un acteur, d’une actrice » : Aure Atika (Talents Cannes 1994), Léa Drucker (Talents Cannes 1995), Clément Sibony (Talents Cannes 1996), Elodie Navarre (Talents Cannes 1996), Tomer Sisley (Talents Cannes 1999), Alice Taglioni (Talents Cannes 2002) et Pierre Niney (Talents Cannes 2007).

Parmi les courts-métrages ‘Talents Cannes Adami’ réalisés en 2011 il y avait Deep Inside qui donc montrait avec humour les 8 minutes de préparation de deux figurants avec le clap ‘action’ d’une production américaine d’un film de zombies avec une star, ici Keira Knightley. On y évoque la méthode d’acting à l’américaine d’être habité par le vécu de son personnage, et le stress de rater sa performance aussi courte soit-elle…

Voici donc ici le court-métrage Deep Inside réalisé par par Marc Gibaja (Ma vie n'est pas une comédie romantique), avec Juliette Lamboley et Vincent Menjou-Cortès. Les Américains tournent à Paris, au cimetière du Père-Lachaise, un film de zombie avec Ashton Kutcher et Keira Knightley. Dans une tombe, deux figurants français maquillés en morts-vivants, attendent le mot magique « action » pour sortir de leur trou et vivre enfin leur moment de gloire...

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait de Deep Inside.

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage Time Doesn’t Stand Still avec Léa Seydoux et après une rencontre avec le réalisateur Edouardo Williams, voici l’instant Court n° 113.

Le Festival de Cabourg a doublement récompensé le court-métrage On the beach de Marie-Elsa Sgualdo (meilleur court et meilleure actrice).

En 2009, le prix de la meilleure actrice dans un court-métrage avait été décerné (à raison !) à la débutante Camille Claris pour le court En Douce. Depuis Camille s’est révélée jeune talent à suivre…

Voici donc ici le court-métrage En Douce réalisé par Vanessa Lépinard avec Camille Claris :

Cécile est une adolescente de quinze ans. Dans deux jours, elle part… Elle sait qu'elle va laisser derrière elle José, son voisin, un homme de trente ans qu'elle fréquente en secret. José est attiré par elle, Cécile hésite...

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EcranNoir : On t’a découverte dans le court-métrage En Douce au Festival de Cabourg en 2009 avec d’ailleurs le prix de meilleure actrice, et on te retrouve de nouveau à Cabourg en 2013 cette fois dans un long-métrage, Macadam Baby : comment ça se fait qu’on ne t’ai pas vu entre-temps dans d’autres films courts ou longs au cinéma plutôt que dans des séries à la télévision ?
Camille Claris : C’est parce que j’ai passé beaucoup plus de castings pour la télé, en fait c’est moins facile de passer des castings pour le cinéma déjà parce qu'il y en a moins et puis d’une certaine façon le mur est plus grand. Cependant j’ai eu la chance de faire je crois de la belle télé en jouant dans des séries vraiment intéressantes comme Clash et 1788 et demi (diffusées sur France Télévision à 20h50). Ce sont des séries qui pour moi ont une âme et où le réalisateur était vraiment impliqué artistiquement parlant. C’était plusieurs belles expériences et j’ai appris énormément dans ce genre de projet-là. Pour 1788 et demi par exemple j’ai dû apprendre à faire de l’escrime et du cheval, et j’ai joué avec Sam Karmann.

EN : Quel souvenir tu as du tournage de ce court-métrage En Douce ?
Camille Claris : C’était mon premier tournage donc je m’en souviens très bien. J’étais au cours Florent où on donne des photos de nous qui peuvent servir par exemple dans le cas où un agent passerait par l’école, ça a été mon cas et ensuite j’ai passé quelques castings ; et un jour j’ai passé le casting pour ce court En Douce et ça a fonctionné, j’ai été choisie. C’était ma première expérience professionnelle, je regardais tout ça en n’y connaissant strictement rien, je regardais tout ça avec énormément de concentration et de curiosité. La réalisatrice Vanessa Lépinard voulait vraiment faire quelque chose de joli, elle était très passionnée par son sujet et du coup c’était passionnant pour moi. Pour certains moments où je suis toute seule elle laissait tourner la caméra pour voir ce qui venait. Pour la scène intime avec le voisin, ça a été une scène qui a été minutieusement réglée pour que tout le monde soit à l’aise avec. J’étais très jeune, c’était très rassurant que la réalisatrice sache très exactement ce qu’elle voulait faire.

EN : Et quel souvenir tu as du prix de meilleure actrice pour ce court En Douce au festival de Cabourg en 2009 ?
Camille Claris : Quand j’ai débarqué ici, j’ai trouvé ça un super festival. Le soir de la remise de prix la réalisatrice avait été mis au courant, mais moi pas du tout et ça a été la surprise. C’était un grand bonheur d’avoir ce prix, et surtout un bel encouragement. En Douce a été sélectionné dans d’autres festivals, il a eu le prix du public au festival de Angers, le film est aussi allé dans des festivals dans d’autres pays comme par exemple celui de Saint-Pétersbourg.

EN : Raconte un peu l’aventure du court-métrage Social Butterfly qui a été sélectionné au dernier festival de Sundance…
Camille Claris : C’est vrai qu’on en parle pas assez de ce court Social Butterfly, la production semble assez tournée vers l’international pour faire voyager ce court le plus possible, il a été montré quand-même le mois dernier durant le festival de Cannes. Social Butterfly a donc été sélectionné au festival de Sundance aux Etats-Unis, et ça a été une expérience formidable. Avec l’équipe on est allé là-bas pendant dix jours, c’est en plein milieu des montagnes avec de la neige, c’est une ambiance de festival qui fait un peu vacances… Social Butterfly est visible en ce moment en vod sur internet.

EN : Retour à Cabourg donc pour accompagner cette fois un long-métrage : Macadam Baby…
Camille Claris : C’est avec une bande de garçons très drôles; François Civil, Arthur Jugnot, Arthur Dupont, Arsène Mosca ; du coup l’ambiance du tournage était vraiment super. Et d’ailleurs le réalisateur m’a repéré en m’ayant vue à la télé dans la série 1788 et demi, ensuite j’ai passé les essais et donc j’ai été prise.

EN : Quelle différence tu as pu noter entre ce tournage pour le cinéma et un tournage pour la télé ?
Camille Claris : Pour ce film Macadam Baby, on allait assez vite quand-même, le tournage a duré à peine un mois et demi. Il y a des tournages télé où on a droit à une quinzaine de prises si c’est nécessaire, et d’autres tournages télé où on a droit qu'à deux prises et si ce n’est pas parfait ce n’est pas grave on passe à la suite. Un rythme de tournage où ça va très très vite, ça peut être un peu angoissant. Dans ce cas c’est assez étrange en tant que jeune comédienne de se dire que ‘bon, je n’ai pas fait au mieux’ mais faut faire confiance à l’équipe.

EN : Et ton prochain tournage ?
Camille Claris : Je devrais commencer à tourner dans un autre long métrage en octobre : c’est le prochain film réalisé par Mélanie Laurent. C’est une amitié entre deux filles dans un lycée où il va y avoir du harcèlement et de la manipulation. J’ai un second rôle d’une fille de la bande… Je suis très très contente, Mélanie Laurent elle est vraiment super. [ndr : il s'agit d'une adaptation du roman Respire de Anne-Sophie Brasme, avec les actrices Joséphine Japy et Lou de Laâge].

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait de En Douce.

A Ecran Noir, on aime vous faire partager nos découvertes. Alors après Time Doesn’t Stand Still, réalisé par Benjamin Millepied et Asa Mader, voici l’instant Court n° 112.

Rares sont les jeunes réalisateurs qui peuvent se targuer d'être sélectionnés deux années de suite au Festival de Cannes comme c'est le cas d'Eduardo Williams, Argentin de 26 ans dont le court métrage Puede ver un puma figurait parmi la sélection de la Cinéfondation en 2012 et qui, un an plus tard, était de retour avec son nouveau film, Que je tombe tout le temps ?, cette fois à la Quinzaine des Réalisateurs.

Mais si le jeune homme (désormais étudiant au studio national du Fresnoy) devient un habitué de la Croisette, ce n'est ni un hasard ni une coïncidence. Son cinéma épuré, elliptique et purement sensoriel frappe dès la première vision. A mille lieues des courts métrages "traditionnels", souvent très narratifs, très resserrés autour d'une intrigue immédiatement identifiable (comme ceux auxquels Que je tombe tout le temps ? était confronté cette année à la Quinzaine), il laisse une grande part d'interprétation au spectateur, avec des personnages, des situations et des récits qui se font écho d'un film à l'autre.

Radical, Eduardo Williams ? Pas volontairement, en tout cas. "J'essaye avant tout d'être très sincère avec ce que je voudrais voir, avec ce que je voudrais partager avec les spectateurs. Je n'y pense pas beaucoup quand je travaille, ce sont des choses qui viennent comme ça. Le fait d'être très sincère avec moi-même, ça crée un peu de radicalité, peut-être. Je n'y pense pas en ces termes : je fais ce qui me semble bien, ce que j'aimerais, moi, regarder et après je le partage. Bien sûr, on ne sait jamais ce qui va être reçu par le spectateur. Mais s'il y a une forme de radicalité, elle vient de là, pas d'une volonté d'être radical pour être radical."

En quelques courts métrages, le jeune cinéaste a ainsi réussi à créer un univers cohérent et personnel qui s'appuie sur une recherche formelle extrêmement rigoureuse pour parler de relations humaines, de quêtes personnelles, de communications brouillées et d'incommunicabilité latente. Du monde actuel, tout simplement.

Démonstration faite à nouveau avec Que je tombe tout le temps, qui se concentre plus particulièrement sur un personnage à la recherche d'une mystérieuse graine. Ce héros dont on ne saura rien traverse différents lieux à la fois familiers et déroutants, comme pris dans un labyrinthe cosmique qui relierait les uns aux autres tous les endroits du monde.

Après la projection cannoise, Eduardo Williams s'est confié à Ecran Noir, sur ses thèmes de prédilection et sa vision du cinéma :

Et en bonus, le trailer de Que je tombe tout le temps ? :

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le clip College Boy, réalisé par Xavier Dolan pour le groupe Indochine, voici l’instant Court n° 111.

Le film La vie d’Adèle de Abdellatif Kechiche et ses actrices Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux est donc la palme d’or de ce festival de Cannes 2013. La jeune Adèle est la révélation de Cannes, après plusieurs petits rôles elle était déjà l’héroïne du film Des morceaux de moi sorti en février, à tout juste 20 ans elle est déjà sacrée meilleur espoir féminin de l’année. On lui souhaite d’avance un parcours semblable à celui de sa partenaire : choisir un film moins pour le rôle que pour le réalisateur…

Léa Seydoux est peu à peu devenue l’actrice de la fine fleur du cinéma français (Christophe Honoré, Bertrand Bonello, Sébastien Lifshitz, Rebecca Zlotowski, Benoit Jacquot...) et s’affiche au générique des cinéastes américains les plus connus : Quentin Tarantino, Ridley Scott, Raoul Ruiz, Woody Allen, Amos Gitaï, avec Tom Cruise, prochainement dans le nouveau films de Wes Anderson… Rares sont les actrices qui ont une telle filmographie à seulement 27 ans (c’était le cas de Catherine Deneuve qui avait tourné avec Claude Chabrol, Jacques Demy, Roman Polanski, Jean-Paul Rappeneau, Luis Buñuel, François Truffaut…).

Il arrive souvent qu’une jeune actrice suscite le désir de saisir le mystère de sa beauté du moment avec beaucoup de très nombreux gros plans (tout comme Adèle Exarchopoulos dans La vie d’Adèle), et c’est en fait dans un court-métrage que Léa Seydoux rayonne le plus à l’image : dans Petit tailleur réalisé par Louis Garrel, nommé au César et disponible en dvd.

Il y a plusieurs années, le réalisateur Asa Mader a rencontré Benjamin Millepied qui était alors à la tête du ballet de New-York (avant qu’il ne devienne connu comme le chorégraphe du film Black Swann). Ils décidèrent d’une collaboration qui se concrétisa avec le court-métrage Time Doesn’t Stand Still. Les mouvements de danse font office de langage non-verbal du couple joué par Benjamin Millepied et par Léa Seydoux, les gestes du tango comme langage plus universel que les mots pour les souvenirs d’une histoire d‘amour suspendue... A noter qu’on y entend de la musique de Angelo Badalamenti, le compositeur habituel des films de David Lynch.

Voici donc le court-métrage Time Doesn’t Stand Still co-réalisé par Asa Mader et Benjamin Millepied, et avec Léa Seydoux :

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait de Time Doesn’t Stand Still.

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage The Dance de Pardis Parker, voici l’instant Court n° 110.

Le jeune cinéaste canadien Xavier Dolan qui a été révélé au festival de Cannes avec ses trois films est depuis une semaine aussi un réalisateur de clip qui fait sensation : son premier clip est presque partout sur internet et dans les médias. Il s’agit d’images pour la chanson College Boy du groupe Indochine (auparavant Dolan avait voulu incorporer une de leurs chansons dans son film Laurence Anyways).

Le clip arrive en écho direct de l’actualité des diverses manifestations de la part de groupes dits catholiques contre le mariage pour tous : un jeune garçon (supposé homosexuel) est harcelé et violenté dans une école catholique sans la défense de personne (ni autre élève, ni prof, ni police). « Je serai trop différent pour leur vie si tranquille, pour ces gens… J’aime pourtant tout leur beau monde, mais leur monde ne m’aime pas, c’est comme ça. Et souvent j’ai de la peine quand j’entends tout ce qu’ils disent derrière moi… »

Les images font débat et internet de s’agiter pour ou contre, le chanteur du groupe Nicola Sirkis ayant dès l’origine indiqué que le clip peut ne pas convenir à des enfants de moins de 14 ans.

Le buzz sur le web (médias et réseaux sociaux) provoque un effet boule de neige et dans la foulée un début de polémique avec le Conseil Supérieur de l'Audiovisuel par la voix de Françoise Laborde (membre du CSA pour le groupe de travail sur la jeunesse et la protection des mineurs) qui voudrait en interdire la diffusion à la télévision aux moins de 16 ans ou 18 ans (avec pour conséquence une diffusion possible seulement après 22h30 ou durant la nuit), alors que le clip est visible n’importe quand sur internet.

Françoise Laborde s’offusque d’une « violence insoutenable, la violence ce n'est pas esthétique, la torture ce n'est pas esthétique... On ne dénonce pas la violence en montrant de la violence».

Réaction en chaîne : le clip devient le plus regardé et discuté du moment, et il est vu par environ un million d’internautes ! Nouvelle vérification du fameux "effet Streisand" : plus on cherche à censurer une information, plus elle est diffusée.

De son côté, le réalisateur Xavier Dolan a répondu à Françoise Laborde avec une lettre ouverte :

« Votre recommandation, davantage que de préserver l'imaginaire des jeunes, officialisera une posture sociologique sur les notions actuelles de censure, et sur l'inaptitude de l'adulte moderne à tolérer la mise en images des phénomènes sociaux dont il est directement ou indirectement responsable. Empêcher de diffuser la vidéo, c’est enfiler le bandeau que les personnages portent dans le clip, en allégorie de l'aveuglement volontaire de la société face à ces enjeux. Paradoxalement, nos seuls véritables détracteurs sont les bureaux de censure et les chaînes de télédiffusion, qui refusent de passer notre vidéoclip avant même d'avoir eu votre recommandation. Je constate qu'il existe au sein de vos groupes une culture de la lâcheté, presque instinctive, camouflée par une fausse outrance, qui font d'eux, et de vous, des complices de la stagnation. Je ne pourrai, dans cette mesure, jamais assez vous remercier de l'exceptionnelle visibilité que vous avez donné à mon travail, bien qu'il soit dommage que cette polémique n'origine non pas de votre soutien, mais de votre refus de contrer la violence par l'action plutôt que par le silence ».

Auparavant, c’étaient les chaînes de télévision qui étaient le principal support de diffusion des clips, depuis une dizaine d’année c’est désormais d’abord internet.

Il faut savoir que les télévisions fonctionnent déjà sur le mode de l’auto-censure (c’est aussi le cas de YouTube et DailyMotion qui suppriment certains clips de leurs sites). Les sujets sensibles par rapport aux ‘bonnes mœurs’ sont pluriels : la sexualité, la drogue, le sang, la religion, la politique…

A l’international, MTV et BBC ne diffusent pas certains clips de Madonna, Rihanna, Nine Inch Nails, Marilyn Manson… C’est pareil en France : M6 a même recalé un clip du gentil Raphaël, qu'en sera-t-il du dernier clip de David Bowie The next day ? …

Avec College Boy réalisé par Xavier Dolan l’explication du CSA sera délicate : comment justifier l’interdiction d’un clip qui dénonce des violences contre un enfant ? Le CSA risque de servir de paravent derrière lequel vont se retrancher les chaînes de télé qui de toute façon n’avaient à priori pas vraiment l’intention de diffuser ce clip…

Peut-être serait-il mieux de simplement se souvenir que "la télévision c’est mieux quand on en parle", comme le conseillait justement le CSA dans l'une de ses campagne, soulignant que : « L’impact des images violentes peut être minimisé lorsque l’enfant peut dire ce qu’il a ressenti. C’est donc aux adultes d’engager la conversation avec lui. Ce sera aussi l’occasion de consolider ses repères, sa représentation du normal et de l’anormal, du juste et de l’injuste».

Voici donc ici le clip College Boy, réalisé par le cinéaste Xavier Dolan pour une chanson du groupe Indochine :

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait de College Boy.

Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après le court-métrage Annabelle avec l’actrice Christelle Cornil (en interview), voici l’instant Court n° 109.

Le mois de mai arrive en même temps que le soleil, comme une invitation à faire tomber la chemise à boutons qui bourgeonnent pour une chemise à fleur…

Sur l’idée de ‘qui se ressemble s’assemble’ un homme va essayer de faire concorder ses vêtements avec ceux d’une collègue de bureau (car ‘she loves matching outfits’) pour essayer de l’inviter à danser.

Cet homme se donne quelques jours pour réussir à la séduire de cette façon mais ses différentes tentatives vestimentaires échouent les unes après les autres…

Avec cette idée, le comédien Pardis Parker est à la fois devant et derrière la caméra d’un court-métrage (qu’il a produit, écrit et réalisé) muet et très visuel à la fois émouvant et amusant.  Celui-ci a été sélectionné et primé dans de nombreux festivals.

Voici donc The Dance, un court-métrage de Pardis Parker : Alex wants to be what he thinks Jenny wants him to be, but it's only when he's himself that they finally connect...

Crédit photo : image modifiée, d’après un extrait de The Dance.