Le cinéaste russe Pavel Lounguine développe actuellement deux projets. Cinq ans après Dirizhyor (The Conductor), inédit en France, et alors qu'il vient de présenter le thriller Queen of Spades (d'après un roman d'Alexandre Pouchkine) dans différents festivals cet automne, il prépare l'adaptation d'Esaü, le roman de l'écrivain israélien Meir Shalev (Le baiser d'Esaü, 1991).
Le roman est une chronique familiale vue à travers les yeux d'Esaü, l'un des jumeaux de la troisième génération d'une famille russe installée en Israël. Les frères jumeaux sont séparés par la vie. L'un s'en va migrer aux Etats-Unis. L'autre cherche à le retrouver. Pour le cinéaste, le livre évoque la question de l'identité juive. Au Festival de Marrakech, il a expliqué qu'il s'agit de savoir si on peut être Juif en vivant hors d'Israël et si on devient plus israélien que Juif quand on vit en Israël.

Plus ambitieux au niveau du budget, l'autre projet tourne autour d'un goulag soviétique à l'époque de Staline. Lounguine veut comprendre comment un peuple vivait dans ces camps de concentration et comment des innocents, gardiens comme prisonniers, ont pu subir un tel sort, supporté une telle souffrance. Le cinéaste travaille actuellement sur le scénario en lisant des récits véritables de victimes et des autobiographies diverses.

Six ans. Le temps n'a jamais été aussi long entre deux films du cinéaste finlandais Aki Kaurismäki. Déjà il avait fallu attendre cinq ans entre Les lumières du Faubourg et son dernier film Le Havre. The Other Side of Hope sera révélé au Festival de Berlin en février. Ce sera l'occasion de célébrer les cent ans du cinéma finlandais.

L'impatience de découvrir son nouveau film est un mélange de désir et d'appréhension. Il n'y a rien de pire que la déception après avoir autant attendu. Kaurismäki est l'un des grands cinéastes européens de ces quatre dernières décennies. Il y a dix ans le Festival de Locarno lui a consacré une rétrospective où toute son œuvre - ses longs comme ses courts et moyens métrages ou ses clips vidéo - était révélée, et ce fut une révélation. Punk et rock, humaniste et mélancolique, optimiste et délirant, ses films prenaient toute leur cohérence et trouvaient leur point d'équilibre entre rires et larmes, liberté et maîtrise.

Il y a peu de réalisateurs dont on peut deviner le nom rien qu'au style artistique, à la mise en scène, aux personnages. Il fait partie de ce club. A l'instar d'un Almodovar ou d'un Sorrentino, il a son esthétique propre (et singulière). A la manière d'un Loach ou d'un Jarmusch, ses anti-héros suscitent une empathie immédiate. Entre épure et naïveté, il dessine le portrait d'une société brutale avec les faibles et d'un monde où la marginalité est peut-être la seule voie possible pour rester libre. Pour, Kaurismäki, la solidarité est une valeur, au dessus de celles imposées par un dogmatisme moralisateur. En ces temps cyniques où le petit commentaire et l'insulte font figure de langage, cette élégance n'est pas mineure.

Le titre de son nouveau film, L'autre face de l'espoir pourrait-on traduire, démontre qu'il garde son cap. Tourné au début de l'automne 2016, à Helsinki, le récit suit un VRP finlandais qui croise un réfugié syrien. C'est le deuxième volet de sa trilogie sur les ports, après Le Havre, où là aussi il était question d'immigration. Je n'imagine aucun pathos et j'espère un regard sensible sur ce sujet délicat, tout en retrouvant son humour pince-sans-rire. L'espoir de voir de bons films en 2017 motive plus que jamais à être curieux. Cela n'empêche pas d'être fidèle, loyal et enthousiaste pour les cinéastes qu'on aime depuis longtemps.

Le complexe Les Fauvettes avait été lancé en novembre 2015 en axant sa programmation sur les films restaurés, cultes ou de patrimoine. Les cinéphiles étaient ravis. C'en est finit. Le cinéma parisien du réseau Gaumont Pathé, qui avait remplacé l'ancien Gaumont Gobelins, devient généraliste.

Le changement s'est fait progressivement puisque de nombreuses nouveautés se sont invitées dans la programmation depuis septembre. Les Fauvettes propose dorénavant Rogue One, Premier contact, Sully et Les animaux fantastiques. Une salle projette des classiques (notamment un cycle Clint Eastwood). Les Fauvettes continue cependant son travail événementiel autour de vieux films (Jamel Debouzze accompagnera la projection de The Kid de Charlie Chaplin) ou d'avant premières (La La Land à la mi janvier).

Le journaliste et auteur Jean-Pierre Lavoignat, en charge de la programmation depuis le début de l'année 2016, devient consultant sur les événements du réseau Gaumont Pathé, qui reprend sous sa responsabilité la grille horaire des Fauvettes.

Ce changement éditorial est la conséquence d'un échec de la fréquentation du complexe. 100000 spectateurs sont venus aux Fauvettes en 2016 alors que l'objectif était trois fois plus important.

Mon film le plus attendu pour 2017 est entouré de mystères, mais ce que l’on sait du projet suffit à provoquer une attente folle. Une petite équipe uniquement composée de quatre femmes par en mission dans un environnement inconnu pour tenter de découvrir pourquoi d’autres personnes n’en sont pas revenues… L’histoire est inspirée d’un roman de Jeff VanderMeer, Le rempart sud: Anihilation (paru en mars dernier en France) à priori inadaptable mais le film est dirigé par un spécialiste des récits compliqués : grosse attente pour Annihilation de Alex Garland, avec dans les rôles principaux Natalie Portman et Jennifer Jason Leigh mais aussi Gina Rodriguez, Tessa Thompson et Oscar Isaac.

Alex Garland était le scénariste des meilleurs films de Danny Boyle (La plage, 28 jours plus tard, Sunshine) avant de devenir réalisateur avec son étonnant et brillant Ex Machina (qui a fait décoller la carrière de star de Alicia Vikander).

Natalie Portman démontre son talent avec des performances charmantes. Mais les rôles majeurs où elle est exceptionnelle comme V pour vendetta (2006), Black swan (2011), Jackie sont liés à des réalisateurs aussi précis qu'exigeants. La réunion de ces deux talents est évidemment très excitante. Cette histoire où la science-fiction cérébrale se conjugue avec les angoisses intimes des personnages sont forcément un terreau fertile pour l’imaginaire et le sens du visuel de Alex Garland.

Et sinon, en ce dernier jour de l'année, projetons-nous un peu: l’année 2017 risque d’être encore une année où le cinéma américain imposera son règne dans toutes les salles tandis que le cinéma asiatique (et d’ailleurs) aura du mal à trouver des écrans, certains des meilleurs films de 2016 n’ont pas eu de sortie en salles : I Am a Hero de Shinsuke Sato (Japon), Ordinary People de Eduardo Roy Jr (Philippines), The Age of Shadows de Kim Jee-woon (Corée du Sud)…

Presque chaque mois il y aura donc un gros film évènement américain : Silence de Martin Scorsese en février, Lost city of Z de James Gray, Ghost in the shell avec Scarlett Johansson et Kong: Skull Island aussi en mars, Les Gardiens de la Galaxie 2 en avril, Alien: Covenant de Ridley Scott en mai, Dunkirk de Christopher Nolan en juillet, Blade Runner 2049 en octobre, Star Wars: Episode VIII en décembre… Est-ce que vous aussi vous pressentez que ces gros films ne seront pas des grands films ?

On pourra alors être un plus curieux et plus impatients pour d’autres films plus modestes tout aussi sinon plus enthousiasmants : Okja de Bong Joon-ho (avec Jake Gyllenhaal, Lily Collins, Tilda Swinton), La La Land de Damien Chazelle (avec Emma Stone et Ryan Gosling), Baby Driver de Edgar Wright (avec Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey ), Mother de Darren Aronofsky (avec Jennifer Lawrence, Ed Harris, Domhnall Gleeson, Javier Bardem), Journeyman de Paddy Considine (avec Jodie Whittaker), Zoe de Drake Doremus (avec Charlie Hunnam et Lea Seydoux). Sans oublier les réalisatrices : The beguilded de Sofia Coppola (avec Elle Fanning, Kirsten Dunst, Nicole Kidman), Lady Bird de Greta Gerwig (avec Saoirse Ronan), Landline de Gillian Robespierre (avec Jenny Slate), Euphoria de Lisa Langseth (avec Alicia Vikander, Eva Green, Charlotte Rampling).

Vivement 2017 !

La courbe de la fréquentation des salles est repartie à la hausse selon les premières estimations de la FNCF (Fédération nationale des cinémas français). En 2016, 213 millions de spectateurs ont été au cinéma, soit une hausse de 3,6%.
Il s'agit du deuxième meilleur résultat depuis 1966 pour l'exploitation hexagonale, derrière les 217 millions de spectateurs en 2011 (Intouchables). La France conforte ainsi sa place de leader européen, et se classe parmi les 5 grands marchés mondiaux avec les Etats-Unis, la Chine, l'Inde et le Japon.

Cette année fut pourtant bien spécifique: aucun film n'a dépassé les 5 millions de spectateurs. Pas de locomotive. C'est une première pour une année avec plus de 200 millions de spectateurs. C'est aussi une année record pour le nombre de nouveautés sorties en salles avec plus de 700 films inédits. Cette surprogrammation pose évidemment des problèmes, accentuant la concentration des spectateurs sur deux ou trois films les meilleures semaines et rejetant une dizaine de films au bout de une ou deux semaines d'exploitation.

La domination américaine

Parmi la cinquantaine de films millionnaires, trois films dépassent les 4 millions de spectateurs: deux Disney (Zootopie, Vaiana) et une comédie française (Les Tuche 2). 9 autres films ont séduit plus de 3 millions de spectateurs: The Revenant, Deadpool, Comme des bêtes, Le livre de la jungle, L'âge de glace: les lois de l'univers, Le monde de Dory, Les animaux fantastiques, Camping 3 et Rogue One: A Star Wars Story.
On constate facilement que sur ces douze succès, 5 sont des films d'animation. Remakes ou reboots ou sequels ou spin-off menacent les histoires originales parmi les succès de l'année avec 23 titres dans le Top 50.
On ne compte qu'un drame, que deux films français (deux suites de comédies), cinq sont distribués par Disney. Logiquement, Disney est leader des distributeurs en France avec près de 15% de parts de marché, devant la Fox (14%), Warner Bros, Pathé et Universal.

Environ 55% des spectateurs ont été voir un film américain, 34% un film français (avec 16 films millionnaires) et 11% un film d'une autre nationalité (Bridget Jones Baby et Juste la fin du monde en tête).

Damien Chazelle et Ryan Gosling pourrait faire de nouveau équipe. Après La La Land, ils vont collaborer sur un projet radicalement différent : un biopic sur l'astronaute Neil Armstrong intitulé First Man.

Damien Chazelle a été choisi pour réaliser ce film à partir du scénario de Josh Singer, oscarisé pour le scénario de Spotlight. Selon le magazine Variety, Ryan Gosling devrait être la star de ce biopic dont le tournage devrait débuter en 2017.

Le film est basé sur le roman de James R. Hansen, First Man: A Life Of Neil A. Armstrong (non traduit en France) paru il y a onze ans. C'est évidemment l'histoire de sa mission sur la lune orchestrée par la NASA, tout en décrivant, parallèlement, la vie d'Armstrong de 1961 à 1969. Le film explore les sacrifices du premier homme à avoir marché sur la lune afin de réussir l'une des plus dangereuses missions spatiales de l'histoire. Neil Armstrong est mort il y a quatre ans. Il était astronaute américain, pilote d'essai, aviateur de l'United States Navy et professeur.

Le réalisateur de Whiplash a été rencardé sur le projet en 2015 alors que Clint Eastwood, prévu initialement, venait de l'abandonner. De la Warner Bros qui avait les droits du livre, le projet est passé chez Universal.

Avec La La Land, Chazelle et Gosling sont actuellement dans le Top 10 du box-office américain. Le film est l'un des favoris des prochains Golden Globes et des Oscars. Si Chazelle obtenait l'Oscar du meilleur réalisateur, il serait le plus jeune cinéaste oscarisé.

Ryan Gosling et Emma Stone dans un même film, cela fait rêver... Ce n'est pas étonnant que tout le monde parle de La La Land, que le buzz, les promesses d'Oscars fassent monter le désir ; et pourtant ce n'est pas pour ces raisons que j'attends ce film à me taper la tête contre un mur.

Il y a des cinéastes que l'on veut suivre dès leur premier film. Parce que j'ai eu l'immense chance de rencontrer Damien Chazelle il y a deux ans pour Whiplash, parce que, malgré sa timidité, l'interview s'est changée en discussion entre deux passionnés de musique de jazz, parce qu'il m'avait déjà parlé de son projet La La Land, à l'époque où Miles Teller et Emma Watson étaient prévus (il a écrit le scénario de La La Land avant celui de Whiplash) et parce que sa modestie est bien trop grande face à son immense talent de scénariste/réalisateur: je suis curieuse de voir le résultat, concrètement.

En voyant la bande-annonce de La La Land, il me semble que ce film musical reflète à la perfection la pudeur et la douceur de son réalisateur. Dès les premières images, La La Land ne semble pas être une énième histoire d'amour consommée par d’innombrables parties de jambes en l'air filmées sans le son et avec des effets de zoom. Non: La La Land nous projette au cinéma d'antan, celui des années 50 et 60 où la couleur, convoquant Gene Kelly et Jacques Demy, quand la musique et les regards savaient conter une histoire. Un film d'amour comme on aimerait en voir plus souvent au cinéma, comme on aimerait en vivre dans notre vie tristement écrite par les scénaristes de Twilight. Une histoire où l'ambition et le succès peuvent dévorer le bonheur. Où le swing et la dévotion à son art peuvent conduire à l'épanouissement.

Alors j'attends La La Land avec (beaucoup) trop d' impatience... Et surtout qu'on ne me raconte pas le film. Car il n'y a rien de plus beau que la surprise.

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Bien que Moonlight dispose d'un confortable mini-buzz depuis plusieurs mois, c'est finalement le chapô d'un article du Huffington Post qui m'a contraint à m'intéresser pleinement au deuxième film de Barry Jenkins. "Le film n'explore pas seulement ce que cela signifie d'être un homme noir et gay, mais d'être un homme." A un moment où les polémiques autour de la diversité s'enchaînent à une vitesse ahurissante, dire que je suis impatient de découvrir Moonlight (ou l'histoire du passage à l'âge adulte d'un jeune homme noir et gay) serait un bel euphémisme.

L'une des premières raisons, c'est son caractère unique. Eh oui, à mieux y regarder, il n'existe à ce jour aucun film traitant principalement des problèmes d'un homme noir et gay sur plusieurs années. Cela peut paraître anodin, mais après une belle année 2016 en ce qui concerne la cause LGBT et 8 années de présidence Obama, 2017 ne pourrait pas mieux commencer à mes yeux qu'avec la sortie de Moonlight. Parce que l'homosexualité a déjà été régulièrement été traitée au cinéma par le biais de personnages blancs, Moonlight me rend également très réticent. Quand on sait que la recherche Google gay+black+movie ne mène qu'à des articles sur Moonlight ou des sites pornographiques, qui ne le serait pas ?

La violence y sera-t-elle gratuite ? Les personnages noirs secondaires seront-ils des stéréotypes ? Les prix me sembleront-ils mérités ? Moonlight sera-t-il à la hauteur de mes attentes ? Parviendrai-je à m'identifier à un quelconque personnage ? Serai-je touché par cette histoire ? Autant de questions que je me pose depuis plusieurs semaines et qui resteront certainement sans réponse jusqu'au 1er février, date de sortie du film en France. Cela étant dit, la question que je me pose le plus souvent est la suivante : à un moment où tous mes amis (queer et/ou blancs) sont capables de citer des personnages qui leur ont servi de modèles et au moins un film qui leur a ouvert les yeux, Moonlight et son héros Chiron auront-ils cet effet sur mois ?

Encensé par la critique, Moonlight est de toutes les cérémonies : Hollywood Film Awards, Gotham Awards, New York Film Critics Circle, British Independent Film Awards, Los Angeles Film Critics Association, American Film Institute, Boston Online Film Critics Association, Boston Society of Film Critics, Critics Choice Awards, Chicago Film Critics Association, etc. A l'heure actuelle, le seul film capable de barrer la route de Moonlight aux Oscars 2017 s'appelle... La La Land !

Elle fut une star de cinéma dans les années 1950 et 1960. Debbie Reynolds s'est éteinte cette nuit à Los Angeles après avoir été hospitalisée d'urgence. L'actrice et chanteuse était la mère de Carrie Fisher, décédée la veille. Autant dire que le choc n'a pas été supportable pour ce couple mère-fille. Elle préparait les funérailles de sa fille lorsqu'elle a eu une attaque. Effondrée de tristesse. "Elle voulait être avec Carrie", a déclaré son fils Todd Fisher à Variety.

Née le 1er avril 1932 à El Paso au Texas, Debbie Reynolds avait 84 ans. Son dernier message public, sur Facebook, était dédié à Carrie Fisher:  "Merci à tous ceux qui ont su embrasser les dons et les talents de ma fille géniale et adorée. Je vous suis reconnaissante pour vos pensées et vos prières qui vont désormais la guider vers sa prochaine étape" et elle l'avait sobrement signé "la maman de Carrie".

Musicals

Un comble pour celle qui fut une des vedettes les plus connues d'Hollywood. Dès son premier grand rôle, dans Trois petits mots (Three Little Words), comédie musicale de Richard Thorpe avec Fred Astaire, elle obtient une nomination pour le Golden Globe du Meilleur Espoir. Dès lors, elle va devenir une grande du musical américain. En 1952, Gene Kelly la choisit pour être sa partenaire dans Chantons sous la pluie (Singin' in the Rain), bien qu'elle ne sache pas danser. Elle apprend à toute vitesse. Le film est un immense succès international et devient un des classiques du genre, parfois même considéré comme le meilleur "musical" de cinéma avec West Side Story. C'est d'ailleurs le film préféré de Woody Allen qui s'en est inspiré pour Tout le monde dit I Love You.

Parfaite "girl-next-door", douée de fantaisie, Debbie Reynolds enchaîne les comédies musicales et les comédies de séries B.: Donnez-lui une chance de Stanley Donen, Suzanne découche de Frank Tashlin, Le démon de midi de Blake Edwards, Le repas de noces de Richard Brooks, avec Bette Davis, où elle est nommée au palmarès du National Board of Review en tant que meilleur espoir féminin, ou encore Le bébé de mademoiselle de Norman Taurog, qui lui vaut une nomination aux Golden Globes et sa rencontre avec le chanteur Eddie Fisher, père de sa fille Carrie.

Variété

A partir de 1957, grâce au tube issu de Tammy and the Bachelor, elle se lance dans la chanson. Elle enregistre son premier album en studio, "Debbie", en 1959. Elle varie aussi ses choix cinématographiques et s'aventure dans d'autres styles de films : la comédie romantique avec Tout commence par un baiser et la comédie policière Le mort récalcitrant, tous deux de George Marshall et avec Glenn Ford, le mélo Les pièges de Broadway de Robert Mulligan, avec Tony Curtis, et le Western. En 1962, elle partage l'affiche avec les plus grandes stars de l'époque dans La conquête de l’Ouest de Henry Hathaway, John Ford et George Marshall. Notons que c'est la seule femme en tête d'affiche dans cette fresque où l'on croise James Stewart, John Wayne, Henry Fonda et Gregory Peck.

Debbie Reynolds tient encore quelques grands rôles dans les années 1960. Avec La Reine du Colorado, biopic sur la militante Margaret Brown, elle obtient sa seule nomination à l'Oscar de la meilleure actrice. Mais c'est aussi là que le cinéma commence à prendre moins d'importance dans sa vie. On la voit dans divers films (Au revoir Charlie!, Dominique, Divorce à l'Américaine. Elle commence alors une autre carrière, à la télévision, avec The Debbie Reynolds Show où elle met à profit ses multiples talents. Elle s'éclipse dès le début des années 1970, malgré quelques apparitions sur le petit écran, et opte pour les planches de théâtre (Irene, pour lequel elle est nommée aux Tony Awards, The Unsinkable Molly Brown, où elle reprend son rôle de Margaret Brown).

Un déclin brutal

Dans les années 1980, s'ennuyant loin des plateaux de tournage et malgré ses nombreuses activités caritatives, elle accepte des participations à des séries (soulignons son rôle récurrent dans la sitcom "Will & Grace") ou téléfilms, fait quelques doublages (de Miyazaki aux Razmokets) et obtient des seconds-rôles ou des caméos dans des films. On la voit notamment dans son propre rôle dans The Bodyguard. Elle a un personnage plus conséquent dans In & Out, avec Kevin Kline, et joue la mère d'Albert Brooks dans la comédie tendre Mother qui lui permet d'obtenir sa cinquième nomination aux Golden Globes. C'est d'ailleurs dans le rôle d'une mère, celle de Liberace, qu'elle fera sans le savoir ses adieux au cinéma, dans Ma vie avec Liberace de Steven Soderbergh. Cette vie de Vegas décrite dans le film, elle la connaît bien. Elle avait investit dans un Debbie Reynolds Hotel & Casino qui la conduite à une faillite personnelle à la fin des années 90, l'obligeant à vendre nombre de ses biens aux enchères. Elle avait collectionné des milliers de costumes de films au fil des ans, dont la célèbre robe blanche de Marilyn Monroe qui se soulève au dessus du métro dans 7 ans de réflexion.

Debbie Reynolds venait de recevoir un Jean Hersholt Humanitarian Award (Oscar d'honneur) en 2016 et un prix pour l'ensemble de sa carrière aux Screen Actors Guild Awards en 2015.

C’était quoi le cinéma de genre en 2016 ?

Depuis quelques années, en fait depuis Paranormal Activity en 2007, les films qui ont pour unique promesse de faire sursauter le spectateur avec des apparitions fantômes dans le noir ou des possessions démoniaques se suivent et se ressemblent presque tous. Cette année il y a eu par exemple Conjuring 2: le cas Enfield (29 juin), Dans le noir (24 août), Ouija : les origines (2 novembre), Don’t Breathe, la maison des ténèbres (5 octobre), et même un remake du légendaire Blair Witch (21 septembre). A noter d’ailleurs que deux films français qui, à leur manière, ont marqué le cinéma de genre tricolore ont eu leur remake en langue anglaise, Martyrs et A l’intérieur (mais aucun des deux n'est sorti en salles).

Et en France ? Il y a eu cinq films notables en 2016 qui, bien que très différents les uns des autres, ont été intéressants pour le ‘genre’. Julien Séri est enfin de retour avec Night Fare (13 janvier) et son mystérieux chauffeur de taxi, suivi de Julien Leclercq avec ses Braqueurs (4 mai). Jean-François Richet s’est retrouvé de nouveau aux commandes d’un film américain (10 ans après le remake de Assaut sur le central 13) avec Blood father (31 août) et signe par la même occasion le retour en grâce de Mel Gibson lors d’une séance de minuit au Festival de Cannes.

Cependant le genre français aura été beaucoup mieux conjugué au féminin, avec deux réalisatrices. Contrairement à leurs homologues masculins très influencés par des références américaines qu’ils reproduisent (comme ceux précédemment cités), celles-ci ont mis en images un univers bien à elles. Il y eu Evolution (16 mars) de Lucile Hadzihalilovic (qu’on attendait depuis 10 ans après Innocence) avec un petit succès d’estime et des récompenses aux festivals de San Sebastian et de Gérardmer. Mais le véritable évènement du genre a été découvert à Cannes puis récompensé dans divers festivals (Sitges, Toronto, Strasbourg, PIFFF…) et dont la sortie a été reculée au 15 mars 2017 (en parallèle avec une sortie aux Etats-Unis) : il s'agit de Grave de Julia Ducournau.

Aussi surprenant que cela paraisse le Festival de Cannes a mis en avant cette année ce genre peu habitué au glamour : Grave (à La Semaine de la Critique), Dog Eat Dog de Paul Schrader (Quinzaine des Réalisateurs), The Transfiguration de Michael O'Shea (Un Certain Regard), The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (en compétition), The Strangers de Na Hong-jin (hors-compétition) et Dernier train pour Busan de Yeon Sang-ho (séance de minuit).

Dans les salles de cinéma, pourtant, c'est plutôt la désaffection, à quelques exceptions près. Le spectre était pourtant varié : Midnight Special de Jeff Nichols (16 mars), 10 Cloverfield Lane (16 mars), Hardcore Henry (13 avril), Green Room de Jeremy Saulnier (27 avril), American Hero (8 juin), The Witch (15 juin), American Nightmare 3: Élections (20 juillet), The Wave (27 juillet), Dernier train pour Busan (17 août), Premier Contact de Denis Villeneuve (7 décembre), soit des extra-terrestres, des montres, des tueurs immortels, des dons surnaturels, une catastrophe naturelle, de la sorcellerie, des zombies et la fin de l'humanité.

Finalement, ce que l'on retient c'est bien le renouvellement du genre. Reprendre les vieilles recettes et les refaire non pas seulement au goût du jour, avec les moyens actuels, mais bien avec un point de vue singulier, une envie de surprendre, une volonté de donner au "genre" une profondeur avec plusieurs niveaux de lecture ou d'en faire une expérience physique et cérébrale, repoussant les limites du supportables ou explorant les limbes de nos cauchemars.

Cependant certains des meilleurs films seront restés eux invisibles, à l'exception de quelques projections dans certains festivals. Comme nous le disions récemment : « Les films fantastiques, avec des zombies, des vampires, d'horreur etc... ne manquent pas dans la production mondiale. Régulièrement les productions hollywoodiennes arrivent dans les salles. Ceux là parviennent à dépasser les 300000 entrées (voir atteindre les 700000 spectateurs comme American Nightmare 3 ou 1,5 million de spectateurs comme Conjuring 2. Pour les autres, c'est plus compliqué. Malgré leur excellente réputation et leur carton dans leur pays, les films coréens, espagnols ou japonais ont du mal à s'exporter. Et ne parlons pas du cinéma français qui prend des pincettes à produire des films de ce genre et qui quittent rapidement l'affiche une fois sorti. Quand ils ont été distribués. Qu'on aime ou pas ce genre de films, il s'agit quand même d'une diversité qu'il faudrait mieux défendre, mieux préserver. Il a peut être mauvais genre mais c'est du cinéma. Il n'y a pas de raison qu'il soit un passager clandestin dans les salles ou un apatride squattant les ordinateurs, souvent en téléchargement illégal, ou la vidéo à la demande. »