À quelques heures de la proclamation du palmarès de la 63e Berlinale, le moment est venu de se livrer au grand jeu des pronostics. Exercice cette année particulièrement difficile tant aucun film ne semble réellement faire l'unanimité.

La compétition n'a pas été mauvaise, mais tiède, peu enthousiasmante, avec une majorité de films qui semblent rester en deçà de leur sujet, incapables d'être à la hauteur de leurs ambitions. Sans compter les quelques œuvres dont on se demande ce qu'elles font en compétition (Promised land de Gus van Sant, Layla Fourie de Pia Marais, La mort nécessaire de Charlie Countryman de Frederik Bond, quoi que dans des proportions et pour des raisons différentes), on a été déçu par le manque de mordant du dernier Ulrich Seidl (Paradis : espoir) ou par les intentions un peu ratées du Soderbergh (Side effects).

Même Prince avalanche de David Gordon Green, dont on n'attendait rien, et qui a séduit une partie de la presse, s'avère un remake quasi plan par plan de l'original (Either way de l'Islandais Hafsteinn Gunnar Sigurðsson), avec juste une pointe de surenchère qui le rend peut-être plus "fun" mais lui fait perdre une partie de son charme décalé.

Camille Claudel 1915, Harmony Lessons, Closed curtain, Gold

Le palmarès risque donc d'être lui aussi en demi-teinte. Tout dépendra dans le fond de l'orientation prise par le jury présidé par Wong Kar-wai. Si les jurés penchent pour un cinéma radical et exigeant, leur choix pour un grand prix peut se porter en priorité sur trois films.

On pense immédiatement à Camille Claudel 1915 de Bruno Dumont, habité d'un véritable souffle tragique et servi par une mise en scène élégante et posée qui est comme un écrin à la présence douloureuse de Juliette Binoche.

Harmony Lessons du Kazakh Emir Baigazin a également ses chances, lui aussi magistralement filmé, avec un sens du cadre qui fait oublier ses quelques longueurs. Le mélange d'humour burlesque et franchement noir ainsi que l'universalité du sujet (la violence, ses manifestations et sa perpétuation) peuvent toucher les jurés soucieux de récompenser une œuvre engagée.

Enfin, Closed curtain de Jafar Panahi peut être un choix évident. Difficile en effet de faire abstraction du contexte dans lequel il à été tourné et des risques pris par tous ceux qui ont participé au projet. D'autant que le film, bien qu'inégal, dépeint avec une rare intensité l'état d'esprit d'un artiste que l'on empêche de créer. Jafar Panahi livre une réflexion avant tout sur lui-même, et sur la manière dont il réagit à l'interdiction qui le frappe, mais aussi plus largement sur la condition de l'artiste en général. Ce faisant, il délivre un message à la fois de résistance et d'espoir à destination de tous ceux qui sont sous le coup de la censure. Lui donner l'ours d'or serait à ce titre un geste extrêmement politique.

En revanche, si le jury décide au contraire d'être plus consensuel, Gold pourrait être un bon choix : bien écrit, bien réalisé, le western de Thomas Ardlan figure parmi ce que l'on a vu de plus maitrisé et abouti pendant le festival. Le personnage de "cowgirl" indestructible interprétée par Nina Hoss ajoute même une touche d'humour et de sensibilité à cette ruée vers l'or qui se transforme en hécatombe

In the name of, Child's pose, An epidode In the Life of an iron picker, Vic+Flo ont vu un ours

Côté outsiders, tout est possible. Il semble notamment que l'Europe de l'Est ait sa carte à jouer avec In the name of de la Polonaise Malgoska Szumowska, Child's pose du Roumain Calin Peter Netzer ou An epidode In the Life of an iron picker de Danis Tanovic (Bosnie).

Le premier bénéficie d'un scénario brillant qui construit intelligemment son intrigue en déjouant sans cesse les attentes du spectateur. Son sujet brûlant, surtout pour un film polonais, (l'homosexualité dans l'Eglise), peut par ailleurs être un atout "politique". Même chose pour le film de Danis Tanovic sur ce père de famille pauvre  qui se démène pour sauver la vie de sa femme et doit se heurter aux persécutions du milieu médical. Au lieu d'être misérabiliste, comme on pourrait s'y attendre, An epidode In the Life of an iron picker est une incursion sensible dans une petite communauté rom où la solidarité finit par prédominer. La mise en scène naturaliste et la banalité des situations présentes à l'écran en font presque un reportage choc. Et pour cause : il s'agit d'une histoire vraie, interprétée à l'écran par ceux-là même qui l'ont vécue.

Plus dur, Child's pose est le portrait d'une époque et d'un certain milieu social en même temps que celui d'une mère possessive. Le film aborde le conflit de générations et la question de la culpabilité, tout en dressant un tableau peu amène de cette classe moyenne dominante qui se croit tout permis sans que quiconque pense à les contredire. Les scènes étirées,  les dialogues brutaux, tout contribue à un sentiment de malaise qui sonne juste.

Mais la surprise pourrait aussi venir du Québec. Vic+Flo ont vu un ours de Denis Coté est le genre de film qui divise : soit on déteste, soit on adore. Sa mise en scène au cordeau, son étrange mélange des tons et des genres, son casting trois étoiles (Romane Bohringer, Pierrette Robitaille, Marc-André Grondin... ) peuvent lui valoir une récompense, d'autant qu'il y a peu de candidats pour le prix Alfred Bauer de l'innovation cette année...

Pauline Garcia, Juliette Binoche, Pauline Etienne, Catherine Deneuve

Pour ce qui est des prix d'interprétation, le choix demeure large, mais des tendances se dessinent. Paulina Garcia est donnée favorite pour son rôle de cinquantenaire qui essaie de refaire sa vie dans Gloria de Sebastian Lello. C'est vrai qu'elle y est épatante, drôle, sensible, presque bouleversante. Ce serait sûrement le meilleur moyen de récompenser le film qui est joli, mais n'a pas la carrure pour un grand prix. L'actrice a quand même des concurrentes sérieuses avec Pauline Étienne, très fraîche et spontanée dans La religieuse de Guillaume Nicloux, et Juliette Binoche, qui réalise une composition formidable (bien que ténue et quasi invisible) en Camille Claudel. Mais Catherine Deneuve dans Elle s'en va d'Emmanuelle Bercot, en sexagénaire à la recherche d'elle-même, pourrait leur voler la vedette in extremis.

Alexander Yatsenko, Andrzej Chyra, Timur Aidarbekov

Chez les hommes, c'est globalement la même configuration : Alexander Yatsenko porte sur ses épaules le tragique A happy and long Life de Boris Khlebnikov qui raconte l'échec d'un mouvement de solidarité contre l'expropriation d'une jeune fermier ; Andrzej Chyra offre une interprétation très sensible en prêtre homosexuel torturé par le désir comme par le remords dans In the name of et Timur Aidarbekov est impressionnant en jeune adolescent évoluant dans un monde de violence qu'il traverse avec un air impassible recouvrant un feu incontrôlable dans Harmony lessons. L'un d'entre eux pourrait donc aisément succéder à Mikkel Boe Folsgaard, récompensé en 2012.

Mais avant même de connaître les lauréats, on peut d'ores et déjà annoncer sans trop se tromper que la Berlinale 2013 ne restera pas dans les annales. S’inscrivant dans la continuité d'une année cinématographique 2012 peu enthousiasmante, elle semble au contraire laisser penser que la période creuse n'est pas encore terminée. Rendez-vous à Cannes pour un sursaut d'énergie ?

Berlin a depuis longtemps une réputation de festival "politique" qui est rarement usurpée. Chaque année, on semble plus qu'ailleurs prendre ici des nouvelles du monde et de la nature humaine, comme le prouvent ne serait-ce que les derniers prix attribués à Barbara, Cesar doit mourir ou encore Une séparation. 2013 n'y fait pas exception qui voit la majorité des films de la compétition aborder des sujets sociaux, politiques ou économiques, ou au moins interroger les fondements de nos sociétés faussement policées.

Globalement, cinq grandes thématiques ont ainsi hanté les films en compétition, amenant parfois deux ou trois oeuvres à se faire étrangement écho au-delà les frontières géographiques, stylistiques ou historiques.

Le poids de la religion

2013 fut une année faussement mystique mais réellement critique envers une religion catholique sans cesse prise en flagrant délit d'hypocrisie. La démission du pape Benoit 16, en beau milieu de la Berlinale, a d'ailleurs semblé participer du mouvement... Qu'on juge un peu : un prêtre homosexuel amoureux (In the name of de la Polonaise Malgoska Szumowska), une jeune fille cloîtrée contre son gré (La religieuse de Guillaume Nicloux) et une artiste de talent enfermée dans un asile par son frère dévot (Camille Claudel 1915 de Bruno Dumont)  font partie des figures les plus marquantes croisées pendant le festival.

Dans le premier film, un prêtre tente tant bien que mal de refouler ses penchants homosexuels. Travaillant avec des adolescents difficiles, il est comme soumis à une tentation permanente qui transforme sa vie en cauchemar. Le film rend palpable les contradictions criantes de l'Eglise catholique sur le sujet, montrant à la fois l'hypocrisie du système et les dangers que cela engendre.

Pour ce qui est de La religieuse et de Camille Claudel (voir article du 13 février), leurs héroïnes sont toutes deux victimes à leur manière d'individus se réclamant de la foi catholique. La religion n'est plus seulement un carcan dans lequel il est difficile de s'épanouir, mais bien un instrument de pouvoir utilisé contre ceux (en l'occurrence celles) qu'il entend confiner. Ce n'est d'ailleurs pas le seul point commun entre les deux films, qui s'inscrivent clairement dans la thématique de l'enfermement arbitraire et dans  l'exercice complexe et délicat du portrait de femme.

Enfermement arbitraire

Il ne fallait en effet pas être claustrophobe cette année pour supporter des oeuvres où l'individu est confiné, empêché, gardé physiquement et mentalement contre son gré. Outre Suzanne Simonin et Camille Claudel, la jeune héroïne de Side Effects (Steven Soderbergh) est emprisonnée dans un asile psychiatrique où elle se transforme lentement en zombie sous l'effet des médicaments. Celle de Paradis : espoir (Ulrich Seidl) est elle dans un "diet camp" d'où elle n'est pas censée sortir, sous peine de brimades et dangers.

Dans Harmony Lessons du Kazakh Emir Baigazin, les choses vont plus loin : le jeune héros est carrément en prison, où les méthodes policières ne se distinguent pas tellement de celles (brutales) des racketteurs de son lycée. Il est donc torturé, battu et menacé par des hommes qui ne cherchent pas tant à trouver le vrai coupable du meurtre sur lequel ils enquêtent qu'à se débarrasser au plus vite de l'affaire. Glaçant.

Et puis, bien sûr, il y Closed curtain de Jafar Panahi, parfait symbole de l'oppression et de l'arbitraire, entièrement tourné dans une villa dont les rideaux restent clos pendant presque tout le film. Le contexte de création du film (l'assignation à résidence du réalisateur et son interdiction de tourner) renforce le climat anxiogène de ce huis clos psychologique. D'autant que Jafar Panahi est également sous le coup d'une interdiction de voyager, et donc de quitter son pays. L'enfermement est ici à tous les niveaux, y compris mental.

Ce qui évoque une thématique sous-jacente : celle de l'artiste empêché, dans impossibilité de laisser libre cours à son art, et qui meurt à petit feu de ne pouvoir travailler.  Jafar Panahi est dans cette situation intenable qui le contraint métaphoriquement à choisir entre tourner illégalement (avec les risques que cela suppose) ou mourir. Camille Claudel 1915 aborde la question sous un angle légèrement différent, mais on retrouve également cette inextinguible soif de création, qui ne peut être satisfaite, et conduit l'artiste sinon à la mort, du moins à la déchéance.

Portraits de femmes

Les femmes étaient par ailleurs au coeur de nombreux films présentés. Non pas en tant que compagnes ou petites amies potentielles, mais bien en tant qu'héroïnes à part entières. D'ailleurs, plusieurs films sont nommés d'après leur personnage féminin principal : Gloria du Chilien Sebastian Lelio, Layla Fourie de Pia Marais, Camille Claudel 1915 de Bruno Dumont, La religieuse de Guillaume Nicloux ou encore Vic+Flo ont vu un ours de Denis Coté. Toutes ont en commun de savoir ce qu'elles veulent et d'être prêtes à tout pour parvenir à leurs fins.

La chercheuse d'or de Gold (de Thomas Arslan) n'est pas en reste dans le genre superwoman indestructible qui vient à bout de tous les obstacles et tient la dragée haute aux hommes. Même chose pour la mère (certes horripilante, mais dotée d'une vraie force de caractère) de Child's pose (de Calin Peter Netzer). Loin du cliché sur les femmes fragiles, féminines, maternelles, ou autres, tous ces personnages mènent leur vie comme elles l'entendent ou, si on les en empêche, n'ont pas peur de se rebeller pour gagner leur liberté. Et lorsqu'elles sont confrontées à des hommes, c'est plus dans une relation de collaboration, voire de domination, que de séduction ou de soumission.

Probablement pour cette raison, leurs relations familiales demeurent relativement conflictuelles. L'héroïne de Child's pose est ainsi une mère envahissante excessive et odieuse, qui se désespère de ne pouvoir contrôler entièrement l'existence de son fils devenu adulte.  Elle est l'archétype de cette mère terrible qui conçoit la vie comme une incessante lutte de pouvoir et a tant investi son fils qu'elle est incapable de le laisser voler de ses propres ailes. A l'inverse, la mère du héros dans La mort nécessaire de Charlie Countryman reconnaît lucidement qu'elle n'a pas été très bonne dans ce rôle, et qu'elle est incapable de conseiller son fils en pleine crise existentielle. Elle se dédouane et répond à ses questions par des pirouettes. Quant à Gloria, elle aimerait avoir une relation conviviale avec ses enfants mais souffre en silence d'une immense solitude. Elle est pile dans cette période de la vie où les femmes se retrouvent seules parce que leurs enfants sont grands et que leur mari est parti avec une plus jeune. Un long parcours d'obstacles les attend avant qu'elles soient en mesure de refaire véritablement leur vie.

Lire le reste de cet article »

Du 19 au 26 février, la Région île-de-France propose en de multiples localisations mais avec pour point névralgique le Cinéma des Cinéastes (7, Avenue de Clichy dans le 17è arrondissement de Paris) une multitude de projections de documentaires et de fictions touchant les thématiques de l’écologie.

La programmation réunit 140 œuvres de durées variables, dont un certain nombre d’avant-premières et proposera d’aborder une grande diversité de thématiques, comme l’évolution de l’agriculture, la relation entre santé et environnement mais aussi un focus centré sur les trois pays méditerranéens que sont la Grêce, l’Italie et la Turquie (occasion de découvrir le documentaire de Fatih Akin Polluting Paradise présenté à Cannes en 2012)

Le documentaire Des abeilles et des hommes de Markus Imhoof ouvrira la manifestation le 19 février, quand du côté fiction la manifestation permettra de visionner en exclusivité Le Mur Invisible de Julian Roman (sortie en salles le 13 mars 2013) et Survivre de Baltasar Kormakur (sortie le 24 avril 2013)

Accès gratuit dans la mesure des places disponibles – www.festivalenvironnement.com

En lançant son nouveau film durant la semaine fériée de la nouvelle année chinoise, Stephen Chow a célébré l'année du Serpent avec fastes. Journey to the West : Conquering the Demons a fracassé le record chinois détenu par Painted Skin : The Resurrection, de Wuershan, sorti en juin dernier. Painted Skin avait récolé 70 millions de Yuans (8,3 M€) lors de son premier jour d'exploitation ; Journey to the West a rapporté 78 millions de Yuans (9,3 M€) dès son jour de sortie, soit 1,9 million d'entrées le 10 février. Les leaders de ce début d'année 2013, Skyfall (10 millions d'entrées, 57,2 M$) et The Grandmaster (7,5 millions d'entrées, 45 m$), peuvent frémir. Toutes nationalités confondues, jusque-là, seul Transformers : Dark of the Moon avait fait mieux avec 102 millions de Yuans le jour de sa sortie, en juillet 2011.

Stephen Chow reconquiert ainsi son statut de star après une absence de 5 ans. Suite à ses cartons de Shaolin Soccer et Crazy Kung-fu, qui ont détenu jusqu'en 2011 les records de recettes à Hong Kong, il restait à transformer l'essai en Chine, où ses films ont souvent été censurés, piratés, ou vendus sous le manteau. De plus, son dernier film, CJ-7 n'avait pas rencontré le même succès que ce soit en Asie ou à l'étranger. La déception était d'autant plus grande que Crazy Kung-fu avait gagné les principaux prix aux Hong Film Awards et aux Golden Horse Film Festival Award.

Journey to the West est l'adaptation du célèbre roman Le Voyage en occident (connu aussi sous le titre du Singe Pèlerin), transposé dans les années 90. Les Shaw Brothers avaient déjà adapté ce livre, qui a inspiré de nombreux films, séries TV dessins animés et spectacles vivants. Notons que Chow avait joué le personnage principal de l'une de ses adaptations, Le Roi singe, de Jeffrey Lau, en 1994.

Le film, mélangeant comédie, aventures et action, est sorti dans une large combinaison de salles, occupant 2 écrans sur 5. Stephen Chow, cette fois-ci, n'apparaît pas à l'écran. On y retrouve Huang Bo, star de l'énorme hit local Lost in Thailand, Shu Qi, la plus sexy des actrices d'Hou Hsiao-Hsien, vue également dans The Transporter, et la star pop Show Luo.

_______
Lire aussi : 2012 : Et la Chine devînt le deuxième marché mondial du cinéma…

Trio gagnant pour le cinéma français : en l'espace d'une semaine, trois de ses plus grandes ambassadrices auront foulé le tapis rouge berlinois pour le plus grand bonheur de la presse internationale et du grand public. Réunir dans une même édition Isabelle Huppert (La religieuse de Guillaume Nicloux), Juliette Binoche (Camille Claudel 1915 de Bruno Dumont) et Catherine Deneuve (On my way d'Emmanuelle Bercot), même le Festival de Cannes aurait de quoi être un peu jaloux. D'ailleurs, nos trois comédiennes éclipseraient presque les (rares) Américaines à avoir fait le déplacement.

Curieusement, le hasard de la sélection et du planning font que les deux films français présentés jusqu'à présent en compétition ont beaucoup en commun. D'abord, tous deux s'inscrivent presque malgré eux dans l'histoire du cinéma français. La religieuse de Guillaume Nicloux arrive en effet après celle, magistrale, de Jacques Rivette. Pauline Étienne marche donc dans les pas d'Anna Karina, inoubliable Suzanne Simonin, à laquelle on ne peut cesser de penser. La jeune actrice est convaincante, apportant à la jeune religieuse une vitalité et une modernité très spontanées. Elle n'efface pas Anna Karina et son masque de douleur muette, martyr opprimée dans sa chair comme dans les tréfonds de son âme, mais offre une relecture sensible du personnage.

Bruno Dumont, lui, situe son film après celui de Bruno Nuytten dont il est en quelque sorte la suite et la conclusion. Juliette Binoche reprend quasiment le rôle là où Isabelle Adjani l'avait laissé, interprétant une Camille Claudel mature et presque apaisée dont le visage est le théâtre de toutes les émotions humaines. Sa composition est aussi habitée que la précédente, mais dans un registre totalement différent, incomparable. Le scénario exige d'elle une immense retenue corporelle, voire une douceur qui se mâtine parfois d'angoisse ou de douleur. Son regard semble alors le dernier siège du feu intérieur qui la brûlait. Ce regard qu'elle porte sur le monde et sur ceux qui l'entourent, observatrice insatiable de la réalité et des merveilles qu'elle peut engendrer.

Toutefois, au-delà du clin d'œil cinématographique, La religieuse et Camille Claudel 1915 sont surtout deux histoires de femmes empêchées, deux destins contrariés, contraints à l'enfermement, et aspirant à la liberté. Dans les deux cas, la foi catholique sert de caution morale, si ce n'est de prétexte, au confinement dans lequel on les tient. Une foi bafouée par ceux-là mêmes qui prétendent la défendre : d'un côté la mère supérieure du couvent qui veut inculquer vocation et amour de Dieu par la force et la violence, de l'autre l'écrivain Paul Claudel tout infatué de sa foi profonde et mystique, mais incapable de faire preuve envers sa sœur de la plus élémentaire charité chrétienne.

La folie dont on accuse les deux femmes trouve systématiquement son reflet hideux et déformé dans le comportement de ceux qui les dénoncent. La cruauté vengeresse de la première mère supérieure, la passion échevelée de la deuxième, l'exaltation mystique de "l'illuminé" Paul Claudel sont autant de manifestations d'une instabilité mentale bien plus dangereuse et néfaste que celle d'une religieuse cloîtrée contre son gré ou d'une grande artiste que l'on enferme arbitrairement avec des malades mentaux. L'atteinte impardonnable que l'on fait à leur liberté, et donc à leur existence, le climat d'oppression dans lequel on les maintient, l'injustice criante qui les frappe les condamnent donc à mourir à petit feu, ne serait-ce que de désespoir.

Curieux, comme deux films aux ambitions esthétiques, stylistiques et même cinématographiques aussi dissemblables en arrivent au final à créer le même climat anxiogène et presque claustrophobe. Peut-être est-ce là la grande universalité du cinéma. Car bien que les époques et les circonstances soient différentes, bien que le rapprochement entre les deux histoires ne soit dû qu'au hasard, les destins de Suzanne Simonin et de Camille Claudel demeureront désormais intimement et inextricablement liés.

Le jury du 19e Festival international des Cinémas d'Asie, composé de Garin Nugroho, Goutam Ghose, Sam Ho et Baran Kosari, n'a pas su trancher entre Jiseul d'O Muel (Corée du Sud) et With you, without you de Prasanna Vithanage (Sri Lanka) qui se partagent donc la récompense suprême, à savoir le Cyclo d'or.

Le premier revient sur le massacre organisé en 1948 sur l'île coréenne de Jeju (voir notre rencontre avec le réalisateur O Muel) tandis que le second, également récompensé par le jury NETPAC, est l'adaptation d'une nouvelle de Dostoïevski transposée dans la réalité contemporaine, "portrait à la fois intense et poétique d'une vie conjugale traumatisante", reflétant "les ravages des conflits ethniques et de la guerre civile" a précisé le grand jury.

Les autres prix ont globalement été bien répartis entre les différents films, récompensant au final la majorité des longs métrages de fiction présentés.

Le palmarès complet

Cyclo d'or
Jiseul de O Muel (Corée du Sud)
With you, without you de Prasanna Vithanage (Sri Lanka)

Prix NETPAC
With you, without you de Prasanna Vithanage (Sri Lanka)

Prix Emile Guimet
Bwakaw de Jun Robles Lana (Philippines)

Prix INALCO
Atambua 39°Celsius de Riri Riza (Indonésie)

Coup de cœur INALCO
Modest reception de Mani Haghighi (Iran)

Prix du public long métrage de fiction
All apologies d'Emily Tang (Chine)

Prix du Jury Lycéens
Bwakaw de Jun Robles Lana (Philippines)

Prix du public du film documentaire
Le lotus dans tous ses états de Philippe Rostan (Vietnam - France)

Prix Jury Jeunes
Le cercle de Rémi Briand (Inde - France).

Crédit photo : Michel Mollaret

- La Poussière du temps (***) de Théo Angelopoulos (Grèce, 2H05) avec Willem Dafoe, Bruno Ganz, Michel Piccoli. Dernier film du cinéaste.

- Antiviral (***) de Brandon Cronenberg (Canada, 1H44, film interdit aux moins de 12 ans) avec Caleb Landry Jones, Sarah Gadon, Malcolm McDowell.

- Flight (**) de Robert Zemeckis (USA, 2H18) avec Denzel Washington, Don Cheadle, Kelly Reilly.

- Ici et là-bas (**) de Antonio Méndez Esparza (Espagne, 1H50) avec Teresa Ramírez Aguirre, Pedro De los Santos Juárez.

- Passion (**) de Brian De Palma (France/Allemagne, 1H41) avec Rachel McAdams, Noomi Rapace, Karoline Herfurth. Remake du film d'Alain Corneau, Crime d'amour.

- Les Misérables (*) de Tom Hooper (Grande-Bretagne, 2H30) avec Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried.

- Hôtel Transylvanie de Genndy Tartakovsky (USA, dessin animé) avec les voix françaises de Virginie Efira et Alex Goude.

Et aussi :

- Turf de Fabien Onteniente (France, 1H42) avec Alain Chabat, Edouard Baer, Philippe Duquesne - Quatre amis misent sur un cheval pour décrocher le jackpot. Un caïd des champs de courses vend aux trois amis le cheval "Torpille", un tocard.

- Scialla! de Francesco Bruni (Italie, 1H35) avec Fabrizio Bentivoglio, Barbora Bobulova, Filippo Scicchitano - De son talent passé d’écrivain, Il ne reste à Bruno que ce dont il a besoin pour écrire sur commande "les livres des autres", des biographies de footballeurs, de vedettes de la télé ou de pornostars. Sa passion pour l’enseignement a laissé place à un train-train de cours à domicile pour étudiants démotivés, parmi lesquels se démarque Luca, 15 ans.

- Des Morceaux de moi de Nolwenn Lemesle (France, 1H30) avec Zabou Breitman, Tchéky Karyo, Adèle Exarchopoulos - Un père lunaire et vieux avant l'âge, une mère malade et tyrannique, une soeur disparue et l'héroïne, Erell, qui filme tout, tout le temps.

- Goodbye Morocco de Nadir Moknèche (Maroc, 1H42) avec Lubna Azabal, Radivoje Bukvic, Faouzi Bensaïdi - Dounia, divorcée, un enfant, vit avec un architecte serbe à Tanger. Dounia se lance alors dans un trafic lucratif, espérant gagner très vite de quoi quitter le Maroc avec son fils et son amant.

- Naître père de Delphine Lanson (France, 1H20, documentaire) - Pacsés depuis 13 ans, Jérôme et François parlaient de leur désir d’enfant depuis le début de leur relation. Après un parcours du combattant qui les a menés de l’adoption à la coparentalité, ils avaient presque abandonné tout espoir de fonder une famille quand ils ont vu, il y a deux ans, un documentaire sur les mères porteuses.

- La Valise ou le cercueil de Charly Cassan, Marie Havenel (France, 1H35, documentaire) - La Guerre d'Algérie à travers de nombreuses interviews donnant la parole aux victimes et témoins de cette période, notamment des Français d'Algérie et des Harkis.

- D’une école à l’autre de Pascale Diez (France, 1H35, documentaire) - 45 enfants de quartiers différents ont mélangé leurs horizons et revu leurs préjugés au cours d'une année scolaire. Ensemble, ils ont créé un spectacle qui reflète la diversité de leurs origines, de leurs cultures et de leurs savoirs.

La version cinématographique du spectacle musical Les Misérables sort sur les écrans en France. Cela fait dix ans que le projet était en gestation... La tentation était grande : "Les Misérables" fait partie du club fermé des trois comédies musicales les plus prospères (et les plus longuement exploitées) à Broadway comme à West End. Mais le passage au grand écran était périlleux.

Des hits...

Si aujourd'hui les producteurs doivent pousser un soupir de soulagement (le film a encaissé 400 millions de $ de recettes dans le monde), les récentes adaptations ne furent pas toujours couronnées de succès. Au rayon des hits : Mamma Mia! (600 millions de $), Chicago (un Oscar du meilleur film et 300 millions de $), Hairspray (200 millions de $), Dreamgirls (155 millions de $), le culte The Rocky Horror Picture Show (112 millions de $ à son époque, en 1975) ou Annie (en 1982).

... et des flops

Au registre des fiascos, on compte Evita, Sweeney Todd, Le Fantôme de l'Opéra, Rock of Ages l'an dernier, Rent, Nine, The Producers, ... Enormes hits sur scène, gros flops dans les salles.

On comprend donc qu'Hollywood hésite à donner un successeur aux Misérables malgré les cartons de Broadway. L'inverse est moins vrai quand on remarque les cartons sur les planches du "Roi Lion", de "Sister Act", de "Mary Poppins" ou de "Spider-Man".

Ce sacré business (il faut ajouter les produits dérivés et les disques/téléchargements) inciterait n'importe quel studio à se jeter sur les comédies musicales en vogue comme "The Book of Mormon".

Universal mise sur les sorcières

Universal, qui a distribué Mamma Mia! et Les Misérables, pencherait actuellement sur "Wicked", variation du Magicien d'Oz. La pièce a été créée il y a dix ans à Broadway et cartonne depuis 7 ans à Londres. Elle s'est jouée plus de 3000 fois à New York, a été nommée 11 fois aux Tony Awards, et a récolté plus de 700 millions de $ de recettes (!) fin janvier 2013.

Universal a contacté Stephen Daldry pour réaliser le film et Winnie Holzman, l'auteure du livret, pour écrire le scénario. C'est le seul projet dans le genre officiellement en cours de développement à Hollywood. Sony songe malgré tout au remake d'"Annie" avec les producteurs Will Smith et Jay Z et GK Films a acquis les droits de "Jersey Boys". Mais le manque de notoriété de ces pièces à l'extérieur des USA et du Royaume Uni reste un handicap pour investir dans un film. Pour cette raison, les studios préfèrent regarder du côté de la télévision. Après High School Musical, c'est la version cinéma de Glee qui est convoitée.

"Wo bleibt Jafar Panahi ?" (où est Jafar Panahi ?) interrogeait désespérément un panneau installé devant le Palais lors de la Berlinale 2012. Cette année, même si le réalisateur iranien n'est pas présent physiquement à Berlin, ce que déplore le comité Friedensfilmpreis dans un nouveau happening, on a enfin de ses nouvelles par l'intermédiaire de son nouveau film, Pardé (Closed curtain), coréalisé avec le réalisateur Kambuzia Partovi.

Le long métrage, qui mêle documentaire et fiction, a été entièrement tourné avec une équipe réduite dans une villa aux rideaux presque perpétuellement tirés. Jafar Panahi est en effet toujours sous le coup d'une interdiction de travailler à la suite des événements de 2009 (voir notre actualité du 17 octobre 2011). Officiellement, toute transgression pourrait lui valoir un emprisonnement d'une durée de six ans.

"Nous ne savons pas quelles seront les conséquences [de cette transgression]", a confirmé Kambuzia Partovi, qui a lui reçu l'autorisation de venir présenter le film à Berlin. "Nous ne pouvons pas prévoir ce qui va arriver. Nous sommes dans l'attente."

Pardé emmène le spectateur directement dans la tête de Jafar Panahi, tiraillé entre son désir de continuer à travailler et l'angoisse que tout cela soit vain. Son dilemme insoluble (travailler ou mourir) est matérialisé à l'écran par deux personnages aux réactions antinomiques qui se disputent sur la manière dont ils voient l'avenir du cinéaste.

A sa manière, avec beaucoup d'humour, un brin de folie, et surtout une grande tristesse latente, Jafar Panahi nous fait sentir ce que c'est, pour un artiste, que de ne plus pouvoir créer, et réalise un hymne poignant à la liberté. Sur la forme, le cinéaste a visiblement travaillé avec les moyens du bord, dans un huis clos étouffant qui peut parfois accentuer la langueur des situations et des dialogues.

"Jafar Panahi a toujours essayé de réaliser des projets dans les limites de ce que permettent les circonstances" a rappelé Kambuzia Partovi. "Les conditions qui vous limitent peuvent également vous inspirer." Il a également rappelé à quel point il est difficile, pour un réalisateur, de ne pas être en mesure de poursuivre son oeuvre. Toutefois, il a tenu à rassurer les spectateurs du monde entier : "Jafar Panahi ne pense pas sans cesse à se suicider, sinon il n'aurait pas fait le film. Mais moi, si j'étais confiné et interdit de travailler, ce genre d'idées noires me passeraient parfois par la tête, inconsciemment. On finit par être déprimé et c'est je crois ce que montre le film."

Il le montre en effet, et avec une épure de moyens qui finit par s'avérer tout simplement bouleversante. On oublie l'austérité du procédé et les temps morts qui jalonnent le récit pour ne plus voir que l'ingéniosité cinématographique et la force dramatique du propos. Car si certains tournent pour le plaisir ou pour l'argent, Jafar Panahi, lui, tourne indéniablement pour demeurer vivant.

Photos : Happening organisé par le comité du Friedensfilmpreis 2013 / Kambuzia Partovi et l'actrice Maryam Moghadam lors de la conférence de presse

Crédit : MpM

Présent en compétition de ce 19^e FICA de Vesoul, le film Jiseul du réalisateur O Muel a su faire sensation auprès des spectateurs. Il aborde une page d’histoire méconnue de Corée où l’ordre fût donné aux soldats de tuer les résidents de l’île de Jeju désignés comme communistes : environ 30 000 civils ont ainsi été tués.

Les militaires ont pourchassé les villageois qui n’étaient pas partis jusque dans les grottes où ils se terraient, cachés pendant plusieurs semaines en subsistant avec quelques pommes de terre (que désigne le mot Jiseul). Le film Jiseul tout en noir et blanc très esthétique et très graphique joue avec différents éléments visuels : une fumée qui se dissipe montre plus de détails, des gros plans de visages se détachent sur un fond sombre qui fait abstraction du décors, des plans larges de paysages enneigés isolent les personnages...

On suit un groupe de villageois réfugiés dans une grotte et un groupe de militaires en opération. Jiseul est un film de guerre avec une dimension universelle, qui parvient à réunir dans certaines situations un peu d'humour noir burlesque et rendre compte à la fois des différents comportements face aux horreurs subies.

Il a reçu le Grand prix du jury au dernier Festival de Sundance et 4 prix à celui de Pusan.

Rencontre avec le réalisateur O Muel :

Ecran Noir : Le film évoque les massacres de Jeju dont l’histoire est quasiment ignorée par tout le monde, y compris par la majorité des coréens. Comment est-il possible qu'autant de milliers de morts aient été quasiment oubliés ?

O Muel : C’est un évènement historique pendant lequel les responsables qui ont ordonné ce massacre ont vu des proches de leur sensibilité politique se succéder au pouvoir. Le gouvernement ne voulait pas que l’ampleur de tout ceci soit révélée. Il ne fallait pas parler de cet évènement et son histoire a été oubliée, avant 1990 le fait de mentionner un massacre de tant de milliers de personnes était réprimandé. La Corée du Sud était gouvernée par un régime militaire pendant lequel il y a eu un autre massacre important plus tard, celui du la répression du18 mai 1980. La seule issue pour libérer la parole a été une alternance politique. A la tête du pays, en 1990, est arrivé au pouvoir un gouvernement de gauche, et on pouvait plus parler du passé. Puis il y a dix ans est arrivé le gouvernement aussi de gauche du président Roh Moo-hyun, qui a présenté au nom de l’Etat les excuses de la Corée pour ces morts de Jeju, environ cinquante ans après les évènements donc. Mais après son mandat, il y a eu de nouveau un gouvernement de droite qui a stoppé toutes les subventions promises par le gouvernement précédent au mémorial de Jeju.

EN : Jiseul est filmé en noir et blanc avec quelques effets graphiques, en quoi l’impact est plus fort que des images en couleurs plus réalistes?

O Muel : Les spectateurs ont une certaine habitude de voir l’histoire du passé en noir et blanc. Par ailleurs je voulais parler de ces évènements au-delà de l’apparence de Jeju, qui est en fait une île touristique pleine de couleurs splendides. Je voulais tendre vers une vérité qui dépasse les couleurs d’une reconstitution. Dans la peinture coréenne, où on utilise une encre noire, il y a en fait dans le noir et blanc beaucoup de nuances. Ces degrés de variations en noir et blanc pour les images du film sont aussi synonymes de tristesse.

EN : Le film semble rythmé avec différents sous-titres (‘la recherche spirituelle’, ‘là où les esprits reposent’, ‘nourriture à la mémoire des morts’), c’est une forme de prière en hommage aux morts ?

O Muel : Cette structure du film vient en effet d’un culte traditionnel pour les morts, ce culte est encore suivi aujourd’hui. A la fin du culte on fait brûler une bande de papier avec dessus le nom du défunt et son métier, c’est un signe pour laisser l’esprit partir en paix. Le film raconte autant sur le fond que sur la forme l’histoire de ces milliers de personnes qui ont trouvé la mort.

EN : Jiseul a gagné de multiples prix à Busan avant d’être découvert à l’étranger comme à Sundance (grand prix), Rotterdam et maintenant Vesoul avant même la sortie du film en Corée fin mars…

O Muel : J’espère que ces expériences de festivals vont aider à une meilleure distribution du film. Certains spectateurs vont apprendre quelque chose sur un aspect inconnu de la Corée à partir du film. Mais Jiseul n’est pas seulement un film qui décrit ce qui s’est passé, ce n’est pas une leçon historique. C’est les violences d’une guerre. Je suis ravi que ça soit un film de cinéma qui puisse plaire autant dans d’autres pays.