A 93 ans, Michel Galabru a eu la plus douce des morts: dans son sommeil. Il a tourné 250 films et téléfilms, de 1948 à aujourd'hui. Une oeuvre prolifique, qui n' a pas toujours été à la hauteur de son talent. Il tournait pour l'argent, par paresse, ne cherchait jamais à dessiner un plan de carrière. "Je suis resté sans travail pendant huit mois. On attend que le téléphone sonne comme les putes! C'est une mort lente. Je tourne en ce moment pour le cinéma mais ça fait six ans que je n'avais rien" expliquait-il en 2007. A cette époque, conscient de sa carrière erratique, il avait rendu "hommage" à "tous les mauvais textes" qui lui avaient permis "de vivre". "J'ai eu quand même quelques beaux textes au cinéma, parmi beaucoup de navets, pour manger et échapper au fisc". Il était difficile de ne pas l'aimer tant il était généreux et tendre, timide aussi. Même ses colères semblaient être feintes. Dernier gendarme de Saint-Tropez, dernier membre de la Cage aux folles, voilà une époque qui disparaît.

Comedia dell'arte

Pour beaucoup de spectateurs, Galabru c'est avant tout un comédien populaire. De ceux qui font rire dans des navets ou des films cultes, souvent en seconds-rôles. A commencer par la série des "Gendarme" avec Louis de Funès en irrésistible adjudant Gerber. Mais on le voit aussi dans La guerre des boutons d'Yves Robert, Tartarin de Tarascon de Francis Blanche, La cuisine au beurre de Gilles Grangier, Le petit baigneur de Roger Dhéry, Jo de Jean Girault, Elle cause plus... elle flingue de Michel Audiard ou encore chez Claude Zidi, Jean-Pierre Mocky, Georges Lautner (souvent en souffre-douleur de Belmondo), Philippe Clair, Pierre Tchernia... Le grand public, il l'a fait rire que ce soit dans La cage aux folles ou L'avare, Les sous-doués ou Le guignolo, Papy fait de la résistance ou Astérix et Obélix contre César, Bienvenue chez les Ch'tis ou Le Petit Nicolas. Il avait cette grosse voix, son accent du sud quand il le voulait, ce physique bonhomme et imposant, loin d'un corps de jeune premier. Et puis ce jeu, ample, imposant, charismatique. Il suffisait d'aller le voir au théâtre pour comprendre dès son entrée qu'il était le roi, celui qui focalise l'attention, d'un geste, d'une parole.

Après une enfance au Maroc puis dans les environs de Montpellier, rêvant de football, viré de sept écoles, avant d'être enrôlé par le STO dans un camp de travail pendant la guerre, il entre au Conservatoire national d'art dramatique où il obtient le premier prix. Il est engagé à la Comédie Française en 1950 et y restera sept ans. La scène restera sa grande passion. Il créa même une école, véritable pépinière de talents.

Le choix du drame

Cependant il ne faudrait pas réduire Galabru à ses rôles de farceurs, de maladroits, de bras cassé ou de con malgré lui. Car le cinéma n'a pas été avare avec lui en grands rôles. Il a même eu quelques belles aventures dramatiques, tournant avec Luigi Comencini, Denys Granier-Deferre, André Cayatte...  En 1974, Costa Gavras lui fait incarner un magistrat dans Section spéciale. Et deux ans plus tard, Bertrand Tavernier lui offre son plus grand rôle, celui d'un sergent qui assassine sa fiancée dans Le juge et l'assassin. Complètement habité, au bord de la folie. Il reçoit le César du meilleur acteur pour cette prestation qui le révèle sous un autre jour. Il ne s'arrêtera pas là, même s'il a du attendre pour qu'on lui propose d'autres personnages plus noirs. Commissaire dans Le choix des armes d'Alain Corneau, infirme dans L'été meurtrier de Jean Becker, de nouveau commissaire dans Subway de Luc Besson... il devient progressivement, avec l'âge, un de ces monstres sacrés, cultes, qu'on peut engager pour une comédie de sous zone, une grande production (La révolution française de Robert Enrico) ou un polar. Il faisait du Galabru, à l'instar d'un Simon ou d'un Jouvet. Capable d'aller chez Godard en amiral dans Soigne ta droite, et, la même année d'accepter le désastreux Poule et frites de Luis Rego. Génial aussi car il lui suffisait d'une scène bien dialoguée pour voler la vedette à tout un film (on se rappelle sa description des misères du nord de la France dans les Ch'tis).

A partir des années 1990, préférant les planches, il se fait rare sur les plateaux. Claude Berri en fait le roi du marché noir dans Uranus, film sur l'Occupation. Bertrand Blier l'engage comme client d'Anouk Grinberg, prostituée, dans Mon homme (et lui fera jouer son rôle dans Les acteurs), Fernando Trueba le choisit pour Belle époque tandis qu'Arthur Joffé en fait un Dieu dans Que la lumière soit. Flic, juge, Dieu ou pape, il était souvent notable, pas forcément sympathique, ne faisait qu'un petit tour dans un film, accolant son nom prestigieux à un générique. Récemment, on l'a surtout remarqué dans Un poison violent de Katell Quillévéré et il sera à l'affiche de L'Origine de la violence d'Elie Chouraqui, son dernier film.

Bourgeois gentilhomme ou boulanger provençal

Galabru tourna aussi des courts métrages, fit des doublages de voix (La prophétie des grenouilles, Le manège enchanté, Hôtel Transylvanie 2) et fut au casting de nombreux téléfilms et sitcoms (Scènes de ménage; Bref, Nos chers voisins). Côté scène, ce fut évidemment l'un des grands interprètes de Molière et de Pagnol. Mais pas seulement: Pirandello, Feydeau, Shakespeare, Labiche, Courteline, Goldoni, Simon, Giraudoux, Ionesco, Anouilh, Dubillard, .... ou même Daniel Colas grâce à qui il reçu un Molière du meilleure acteur pour "Les chaussettes opus 124" en 2008. on venait voir Galabru pour lui plus que pour le texte, si bien clamé, toujours. Car sa diction était parfaite. Au point d'enregistrer de nombreux livres audios. Il a écrit aussi plusieurs livres, notamment sur ses "maîtres", Marcel Pagnol et Sacha Guitry, mais aussi sur le rire. Cet amoureux du silence, il va pouvoir en profiter lui qui narguait la mort ainsi: "Tout le monde a peur de la mort, et pourtant tout le monde meurt. Ca ne doit pas être si difficile que ça de mourir parce que finalement tout le monde y arrive, et avec beaucoup plus de simplicité qu'on ne se l'imaginait." En ajoutant: "La mort ne tient pas toujours compte de l'âge, alors il faut être prêt!". Il aura quand même donné 65 ans de son existence à son art: jouer. Jusqu'au dernier souffle.

A l'occasion de la sortie du 24e James Bond, Spectre, tous les médias se sont emballés. Après 4 films dans la peau du buveur de Martini, Daniel Craig était donné partant. Sondages, articles, opinions très subjectives: tout le monde spéculait sur son éventuel remplaçant (la liste est longue), trahissant au passage leurs fantasmes persos. C'est oublier la logique du Chiffre. Rien qu'en France, profitant d'un mercredi férié, Spectre a attiré 850 000 spectateurs dans les salles, un record dans l'histoire du cinéma français depuis que ce thermomètre du premier jour existe. Le film a déjà rapporté 350M$ dans le monde.

Cependant, on peut comprendre qu'après quatre James Bond, Daniel Craig veuille ranger son artillerie. Il approche de la cinquantaine alors que le rôle exige d'être physiquement au top. On le voyait avec Roger Moore, sur la fin, James Bond ne peut pas inspirer de la pitié. Et puis tourner un 007 c'est s'engager sur un tournage de 8 mois autour de la planète en plus d'un mois de promotion derrière. Loin de sa famille, obligeant à refuser des rôles au cinéma ou au théâtre, le comédien qui accepte le rôle prend des risques pour sa vie privée comme pour sa carrière. Bref, pas étonnant que Craig est balancé début octobre à Time Out: "Je préférerais casser ce verre et me trancher les veines avec plutôt que de tourner un autre James Bond là maintenant" en évoquant un prochain film avec l'espion de sa majesté. Il ajoutait avec un brin de provocation: "Si je faisais un autre film de James Bond, ce serait seulement pour l’argent."

Et de l'argent, il y en aurait s'il rempilait. Il est déjà le 007 le mieux payé de la franchise. Il est aussi celui qui a rapporté le plus d'argent aux producteurs depuis Sean Connery. On comprend la productrice qui a décidé de s'adapter à l'acteur, refusant de choisir un autre Bond tant que Daniel Craig ne "démissionnera" pas officiellement. Après tout, le comédien a une belle filmographie hors-007, et continue de se risquer au théâtre, avec un Othello prévu dans un an. Sur la BBC, Daniel Craig a d'ailleurs expliqué: "Je savais en acceptant le rôle qu’il bouleverserait ma vie et c’est arrivé."

En s'étant déjà engagé pour ce Shakespeare, l'acteur montre qu'il maîtrise son propre agenda. Un prochain Bond, le 25e, forcément symbolique, ne pourrait se tourner avant 2017, et ne sortira en salles, au mieux, qu'en 2018. Il y a de quoi laisser venir.

D'autant que Daniel Craig n'a jamais vraiment fermé la porte. Il ne sent juste pas capable d'enchaîner avec un autre James Bond, ayant sans doute envie d'autres aventures cinématographiques. Il veut juste débrancher, prendre des vacances. Il a affirmé qu'il continuera de jouer le personnage "aussi longtemps qu’il en sera physiquement capable". Et dans cette même interview, il confirme qu'il est en négociations pour un film supplémentaire (il ne resterait que le contrat a signé) et qu'il apprécie toujours de jouer l'espion parce que, notamment, on l'impliquait dans chacune des étapes de la production. Production qui fera tout pour le faire revenir dans la peau de 007.

En gros, Daniel est toujours James. Pour encore un film si on a bien tout compris. Mais pas maintenant.

Lorsque nous avons dit adieu à Harry Potter dans Les reliques de la mort, 2e partie, le célèbre sorcier à lunette était adulte, marié à la sœur de son meilleur ami et papa d'un petit garçon qui s'en allait pour sa première année à Poudlard.

Harry Potter and The Cursed Child (Harry Potter et l'enfant maudit en français) débutera à ce moment-là. Il ne s'agit pas du prochain livre de J.K Rowling ou d'un film mais bel et bien d'une pièce que co-écrit par l'écrivaine elle-même.

La pièce de théâtre sera jouée à partir de l'été 2016 à Londres. Alors que les fans trépignent d'impatience, J.K Rowling a révélé vendredi dernier une information capitale sur le contenu de cette suite tant attendue «Donc maintenant vous savez que ce n'est pas un prequel. Harry Potter et l'enfant maudit se déroule 19 ans après!» après la fin du dernier livre/film.

Afin d'exciter davantage les fans, le site officiel de la pièce comporte désormais un synopsis qui met l'eau à la bouche: «Ce n’était déjà pas facile d’être Harry Potter mais c’est encore plus difficile maintenant qu’il travaille au ministère de la Magie, qu’il est marié et qu’il a trois enfants. Harry est aux prises avec un passé qui ne veut pas disparaître, et son plus jeune fils Albus doit lutter avec le poids d’un héritage familial qu’il n’a jamais voulu. Alors que le passé et le présent se mêlent de façon inquiétante, le père et le fils apprennent la pénible vérité : parfois, les ténèbres viennent d’endroits insoupçonnés.»

Le casting de cette pièce en deux parties, et mise en scène par le scénariste et dramaturge Jack Thorne, n'est pas encore annoncé, toutefois nous pourrons réserver nos places dès le 30 octobre prochain...alors à vos cartes bleues les moldus!

Et n'oubliez pas que l'univers du Sorcier sera de retour sur les grands écrans en novembre 2016 avec Fantastic Beasts and Where To Find Them (Les animaux fantastiques). David Yates replonge dans la Potter Story avec ce prequel qui se focalise sur le magizoologiste Newt Scamander, incarné par Eddie Redmayne.

Sylvie Joly ne fera plus rire. La comédienne et humoriste, atteinte de la maladie de Parkinson depuis plusieurs années, est morte ce vendredi 4 septembre, à l'âge de 80 ans. Née le 18 octobre 1934, cette ancienne avocate qui cita Guitry pour son examen final, a changé de vie au début des années 70, se lançant dans le théâtre et le cinéma. Son humour parfois acide aura fait les délices de nombreux One Woman Show. Elle était l'une des rares femmes comiques de son époque, faisant le lien entre Jacqueline Maillan et Muriel Robin. Elle avait créé le "One-Woman-Show". Un beau totem pour celle qui fut virée de sept institutions religieuses.

Depuis 2007, elle ne joue plus. Sur les planches elle avait clamé des pièces de Ionesco, Tchekhov, Marivaux, des textes de Palmade, Dabadie, Lutz et surtout d'elle-même, avec des spectacles cultes comme "La cigale et la Joly" ou "La vie, c'est pas de la rigolade". En 1999, elle a reçu le Molière du Meilleur spectacle de sketches. Elle fut aussi l'un des piliers de la série culte "Palace" de Jean-Michel Ribes.

Au cinéma, sa carrière fit plus celle d'un second-rôle (elle fut d'ailleurs nominée pour un César dans cette catégorie avec Le Miraculé de Jean-Pierre Mocky en 1988). Ainsi on voit cette femme aux cheveux frisés, d'apparence pas commode, et capable de dire les cruautés les plus féroces en faisant rire devant la caméra d'Yves Robert (Salut l'artiste), Bertrand Bier (Les Valseuses, Calmos, Préparez vos mouchoirs), Pierre Granier-Deferre (L'ami de Vincent), Jean-Pierre Mocky (Le Miraculé, Agent trouble, Les saisons du plaisir, Mocky Story), Henri Verneuil (588, rue Paradis), Claude Lelouch (Les Misérables), Jean-Marie Poiré (Les Visiteurs 2, Ma femme s'appelle Maurice), Jeanne Labrune (Ça ira mieux demain), Gérard Krawczyk (L'Auberge rouge) ou encore des frères Foenkinos pour leur court métrage, Une histoire de pieds.

Elle était fantasque, jamais vulgaire, persuadée que le rire était un outil guérisseur pour les pires circonstances. Tendre pour ses personnages, bourgeoise ou pâtissière, sensible, généreuse, elle avait aussi mis en scène les premiers spectacles de Palmade ou de Dany Boon. Son humour corrosif croquait les situations de tous les jours en prenant des personnages excentriques ou egocentriques. Elle décryptait avec génie nos mesquineries et arrières-pensées. Son sketch "L'après-dîner" en est devenu symbolique: "Il est effrayant leur fils, on dirait un cochon, un muppets show, Mister Peggy", en évoquant le neveu de l'époux du personnage. Catherine reste son personnage le plus emblématique, pédante et narcissique, avec son ton un peu snob (repris par Lemercier) et des "pétasseries" (façon Foresti) qui inspirera aussi Alex Lutz ("Catherine et Liliane"). "Absolument, absolument".

Selon l'AFP, Eric Ruf, nouvel administrateur de la Comédie-Française, annoncera la venue de la troupe au festival d'Avignon 2016 lors de la conférence de presse de clôture vendredi. La Comédie-Française jouera "Les Damnés", pièce adaptée du film de Luchino Visconti (1969).

La mise en scène sera assurée par le belge Ivo van Hove, d'après Le Figaro. Directeur de la plus grande compagnie théâtrale des Pays-Bas, Toneelgroep Amsterdam, il a récemment dirigé Juliette Binoche dans "Antigone", en anglais, actuellement en tournée mondiale. On lui doit de nombreuses pièces et opéras inspirées de films ou de cinéastes comme "Faces", "Husbands" et "Opening Night" de John Cassavetes, "Persona" d'Ingmar Bergman, "Teorema" de Pier Paolo Pasolini, "Antonioni Project" d'après Michelangelo Antonioni, "India Song" de Marguerite Duras, "Brokeback Mountain" d'après le livre d'Annie Proulx

La troupe de Molière reprendra sur les planches l'histoire scénarisée par Visconti, Nicola Badalucco et Enrico Medioli qui se déroule en 1933, durant la montée du nazisme. Dick Bogarde, Ingrid Thulin, Charlotte Rampling, et Helmut Berger tenaient les rôles principaux de cette chronique d'une famille capitaliste allemande qui sombre dans la décadence et la perversion. Le scénario avait été nominé aux Oscars. C'était également le film favori de Rainer Werner Fassbinder. En Italien, le film se traduit par La chute des Dieux.

Juste la fin du monde est annoncé comme le prochain tournage de Xavier Dolan, prix du jury l'an dernier à Cannes pour Mommy et membre du jury de la compétion cette année.

Et il frappe fort le Québécois: Marion Cotillard, Léa Seydoux, Vincent Cassel, Nathalie Baye et Gaspard Ulliel seront au générique. Pour Baye, ce sera une deuxième collaboration avec le cinéaste, après avoir incarné la mère de Melvil Poupaud dans Laurence Anyways.

Le tournage débutera après le Festival de Cannes.

Juste la fin du monde sera l'adaptation d'une pièce de théâtre de Jean-Luc Lagarce, écrite en 1990. Cette pièce, écrite alors que l'auteur était atteint du Sida, met en scène cinq personnages: Louis, un écrivain, Suzanne, sa sœur, Antoine, leur frère, Catherine, la femme d'Antoine, et la Mère. Louis rend visite à sa famille pour la première fois depuis des années. Le père est mort peu avant le départ de Louis. Ce dernier veut annoncer à ses proches sa mort prochaine et inexorable mais il repartira sans avoir divulgué son secret.

A la fin de ce tournage, Dolan enchaînera cet automne avec le tant attendu John F. Donovan, avec Jessica Chastain, entre autres.

Hier, la Comédie française a twitté: "Dominique Blanc nouvelle pensionnaire de la troupe @ComedieFr à partir du 19 mars 2016. #bienvenue."

Dans un an, l'une des plus grandes comédiennes françaises, considérée à juste titre comme sous-utilisée par le cinéma, arrivera dans la maison de Molière avec une pièce de Racine, Britannicus.

A bientôt 59 ans (dans 2 jours), Dominique Blanc s'offre un nouveau départ. Découverte par Patrice Chéreau au début des années 80, elle a travaillé sur les planches avec Luc Bondy, Jean-Pierre Vincent, Antoine Vitez, Peter Sellars... Blanc fait partie de ses rares comédiennes qui ont joué sur les plus grandes scènes: les Amandiers à Nanterre, le Rond-Point, l'Odéon, Chaillot, sans oublier Avignon.
Chéreau lui offrira un solo adapté de Marguerite Duras, La douleur, en 2008, cinq ans après lui avoir confié Phèdre de Racine. Le texte de Duras, qui lui vaut un deuxième Molière, fera une tournée nationale et internationale durant quatre années.

Malgré quatre César et un Prix d'interprétation à Venise durant toute sa carrière, l'actrice n'a rien tourné depuis 2010 pour le cinéma. Un comble pour celle qui a été filmée par Louis Malle, Régis Wargnier, Claude Sautet, Claude Chabrol, Patrice Chéreau évidemment, Agnieszka Holland, Lucas Belvaux, Bertrand Bonello, Michel Deville ou encore Amos Gitai. Elle sera tout de même prochainement à l'affiche de Peur de rien, de Danielle Arbid, aux côtés de Vincent Lacoste.

Exigeante et passionnée, rare, la Comédie française, dorénavant dirigée par Eric Ruf (qui avait joué avec elle dans le Phèdre de Chéreau), met la main sur une actrice de première catégorie. D'ici là elle sera dans Les Liaisons dangereuses de Choderlos De Laclos, avec Vincent Perez dans le rôle de Valmont, au Théâtre national de Strasbourg en Anne d'Autriche dans la série Versailles de Jalil Lespert.

Ecran Noir a rencontré l'équipe de The Riot Club récemment à Paris. Un trio aux voix concordantes: la cinéaste Lone Scherfig et les deux jeunes acteurs principaux Sam Clafin (Hunger Games) et Max Irons (fils de Jeremy).
Il y a trois mois au Festival du cinéma britannique de Dinard, nous avions déjà pu nous entretenir avec l'auteure de la pièce Posh et scénariste de l'adaptation qui a donné The Riot Club.

EcranNoir : L’existence et les règles d’un club tel que The Riot Club sont plutôt secrètes, comment avez-vous connaissance de leur fonctionnement ?
Laura Wade : C’est plutôt difficile, parce que les gens membres d’un tel club ne doivent pas en parler en effet où ne veulent pas en parler. Il faut rencontrer quelqu’un de proche, par exemple une fille dont le petit ami à l’université est dans un club et qu’elle parle des choses de son point de vue à elle, ou par exemple une personne qui a été invitée à faire partie d’un club mais qui a décliner l’invitation. En fait il y a plusieurs clubs différents et similaires en même temps. Pour moi il s’agissait surtout d’écrire à propos d’un club de fiction pour la pièce de théâtre et ensuite pour le film. Donc j’ai dû faire quelques recherches sur des vrais clubs et ensuite utiliser mon imagination pour en créer un nouveau.

EN : Entre votre pièce Posh et le scénario du film quels ont été les changements ?
Laura Wade : La pièce se déroule principalement dans un seul lieu, là où se passe le dîner. Pour le film l’histoire devait respirer un peu plus et il fallait faire mieux connaissance avec les personnages. J’ai donc rajouté des séquences de rentrée universitaire où chacun se rencontre, et aussi d’autres choses à propos des conséquences du dîner par exemple au poste de police. C’est plutôt amusant de re-écrire mon texte en y ajoutant des choses auxquelles j’avais pu penser mais qui ne pouvaient alors pas figurer dans une pièce de théâtre, comme par exemple une séquence où ils font le tour de la ville la nuit en voiture.

EN : Comment les gens passés par l’université de Oxford ont pu réagir au film ?
Laura Wade : Certains ont bien reconnus les personnages qui pouvaient ressembler à des élèves qu’ils ont côtoyés. D’autres déclarent qu’ils n’ont pas vécu ce genre d’expériences durant leurs années d’université à Oxford. Ma réponse est qu’il s’agit d’une histoire à propos de ce petit groupe d’étudiants à Oxford qui forment ce Club, ils se considèrent comme un top 10 de l’élite dans une communauté de plusieurs milliers d' étudiants. Le comportement des jeunes du film ne prétend pas représenter celui de ceux qui sont à Oxford. Le film montre un microcosme.

EN : Ce film The Riot Club a été écrit par une femme et réalisé par une femme alors qu’il s’agit d’un club réservé aux hommes, cela aurait été différent par un homme ?
Laura Wade : En tant que femme je crois qu’on a peut-être un œil plus détaché sur ce sujet, on peut le regarder presque de manière anthropologique. Dans la longue scène de dîner des membres du Club les hommes veulent profiter des quelques femmes qui arrivent de plusieurs manières, il y a là un regard critique sur le genre masculin. En fait ce n’est pas tant un rapport homme/femme qu’un rapport de classe entre riche/pas riche.  Les membres du Club ont des expériences que l’on n’imagine pas comme derrière une porte secrète, raconter cette histoire c’est permettre aux spectateurs de découvrir ce qui se passe derrière cette porte. Avec l’écriture je veux explorer des domaines que je ne connais pas. Je n’aime pas faire des généralisations comme les hommes c’est comme ci et les femmes c’est comme ça, les choses sont plus complexes. Ceci dit les personnages masculins du film veulent dominer le monde, les autres, les femmes. En fait ils n’ont pas beaucoup d’expériences d’amitié ou d’amour avec des filles, et ces garçons se sentent plus dans une zone de confort entre eux. Ceux qui sortent de cette prestigieuse université peuvent se retrouver dans la banque ou dans la politique ou le droit, qui sont encore des univers dominés par les hommes. Pour eux les femmes sont une autre espèce, qu’ils ne comprennent pas vraiment…

"T'es pas fragile toi t'es une berbère des montagnes!"

Adapté d'une pièce de théâtre à succès qui se joue depuis quatre ans, Amour sur place et à emporter réussit sa transposition sur le grand écran. Le synopsis a l'air vu et revu, et pourtant ça fonctionne. Une love story parisienne touchante mais plus compliquée que banale, puisqu'elle est arabe et lui noir. Beaucoup de clichés sont présents (peut-être trop). Mais le choc des cultures et les stéréotypes de la société qui jouent sur leur relation, par exemple, ressortent avec férocité pour mieux dénoncer les amalgames présents chez l'être humain.

Si vous avez vu la pièce, vous ne nagerez pas en eau inconnue car vous retrouverez les deux protagonistes sortis du Jamel Comedy Club, Amelle Chahbi et Noom Diawara. Cette fois, ils ne sont pas seuls à nous faire rire (aux éclats): il y a aussi leurs familles, leurs amis. Mention spéciale malgré tout à Amelle Chahbi, qui est aussi la coréalisatrice de la comédie aux côtés de Tristan Aurouet. Elle renvoie sans problème cette image du couple qui peut s'aimer malgré les différences, maîtrise à la perfection ce sujet et sait comme personne briser les clichés en passant par la moqueries de ces derniers. En tant que comédienne, elle est une révélation qu'on devrait vite revoir sur le grand écran.

De son côté, Noom Diawara, l'un des gendres du phénoménal hit Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu? (c'est le dernier arrivant dans la famille) devrait lui aussi recevoir de nombreux scénarios. Loin du jeu théâtral qui l'a fait connaître, il s'avère parfait pour donner un peu de fraîcheur dans la comédie française.

Bien sûr cet humour générationnel, ses blagues tendance ne suffisent pas à combler quelques relâchements, à donner plus de consistance qu'à la pièce. Car, c'est le principal problème du film : un manque de rythme. C'est d'autant plus cruel qu'il s'agit quand même d'une comédie romantique, construite comme une sitcom, avec des punch-lines de stand-up.

Pour le reste, Amour sur place ou à emporter a sensiblement la même approche que le bon Dieu. Les deux films font passer le même message d'amour et de tolérance, tente une fois de plus de montrer que le "vivre ensemble" n'est pas qu'une utopie et que l'intégration n'est pas un mythe. Par les temps qui court, ce genre de message n'est pas inutile.

Chaque année au mois de mai, la ville de Bruxelles propose pendant trois semaines le KunstenFestivaldesArts, une manifestation urbaine et cosmopolite qui propose un large choix d’œuvres artistiques créées par des artistes belges et internationaux. Danse, théâtre, expositions et performances se mêlent dans une vingtaine de centres d'art de la ville.

Dans ce cadre, le cinéma indépendant Galeries, situé au centre de Bruxelles dans l'une des plus belles galeries couvertes de la ville, consacre jusqu'à la fin du mois une rétrospective au cinéaste taïwanais Tsai Ming-Liang, l'un des invités du Festival, qui a créé la performance théâtrale The monk from Tang dinasty spécialement pour l'occasion (voir notre article).

En plus de son œuvre cinématographique "classique", des Rebelles du Dieu Néon aux Chiens errants, les Bruxellois sont invités à découvrir 7 courts métrages tournés entre 2012 et 2014 autour de la figure historique du moine bouddhiste Xuan Zang qui parcourut la Chine, puis le monde, à la recherche des textes sacrés du bouddhisme.

Cette installation, qui réunit les six films du projet Walker et le moyen métrage Journey to the west, est présentée dans le sous-sol du cinéma, un dédale labyrinthique d'anciennes caves voûtées qui lui offrent un écrin à la fois protecteur (loin des bruits du monde) et esthétique (l'épure et la simplicité du lieu sont tour à tour en contraste et en harmonie avec la richesse visuelle ou au contraire l'aridité de ce qui est présenté sur les différents écrans).

Le visiteur est donc invité à déambuler dans l'espace pour découvrir à son rythme les différentes vidéos qui se font écho de pièce en pièce. On y retrouve notamment l'acteur fétiche de Tsai Ming-Liang, Lee Kang-Sheng, vêtu de l'habit pourpre de moine bouddhiste, pieds nus, marchant comme au ralenti dans des espaces souvent ultra urbains, mais aussi parfois en pleine nature. Du choc entre le personnage et son environnement, de sa silhouette si frêle au milieu du gigantisme des villes et des foules, naît la poésie bouleversante propre à l’œuvre du réalisateur. On sent la solitude, l'isolement et l'abandon de l'individu dans un monde devenu oppressant, où tout va toujours plus vite, et qui semble tourner à vide.

A ce titre, le film le plus percutant de l'ensemble est indéniablement No form, créé en 2012, dans lequel le moine interprété par Lee Kang-Sheng est littéralement pris dans une foule pressée qui le submerge. La narration y est presque évidente, plus explicite en tout cas que dans les autres films formellement plus expérimentaux, et le montage alterné entre la foule qui enserre Lee Kang-Sheng et l'effort fait par celui-ci pour s'en libérer crée à la fois une tension et la sensation d'une libération. On ne sait pourtant si l'espace blanc immaculé et lisse dans lequel évolue alors le personnage est une nouvelle prison, ou la forme fantasmée d'un Nirvana enfin atteint.

La scène finale, d'une beauté fulgurante et, accompagnée de la chanson ô combien symbolique de Nina Simone, Feeling good, est comme la promesse d'une rencontre vraie entre le moine et celui qui le regarde. Pour la première fois, le personnage relève la tête et, au bord des larmes, croise le regard du spectateur à travers la fenêtre de l'écran qu'il semble vouloir traverser. Comme souvent avec l’œuvre de Tsai Ming-Liang, on est bouleversé par le flot sensoriel de ces images qui rappellent un cinéma pur libéré de tout artifice.

Une impression ressentie également face à Walker, lorsque Lee Kang-Sheng déambule dans un paysage urbain nocturne, à la fois désolé et glauque, finissant par porter à ses lèvres ce qui semble être une galette de maïs, avec sur le visage une expression de souffrance indescriptible. Ici, comme dans Journey to the west, la marche du moine interroge les passants qui le regardent avec surprise, agacement ou compassion. Car de films en films, Lee kang-Sheng se mue en une sorte de figure christique écrasée par le poids de sa tâche. Ses mouvements si lents, sa tête penchée en avant, ses mains ouvertes dans un geste de méditation, mais aussi de supplique et d'humilité, en font un pèlerin authentique, surgi du passé pour bousculer nos convictions et nos habitudes.

La réflexion qu'offre Tsai Ming-Liang, et qu'il se garde bien de mener à notre place, s'inscrit en effet dans une démarche globale inhérente à une société contemporaine saturée de tout, et notamment d'images. Il nous place face à tout ce qui est peu à peu banni de la place publique : la lenteur, la faiblesse, le détachement, la douleur, le silence... "Ces films visent à permettre au spectateur de repenser dans leur quotidien leur rapport au temps et à l'espace", résume-t-il en préambule de l'installation. "Ils sont un moyen de prendre la pulsation de chaque lieu et d'en faire ressortir son rythme propre, d'en prendre la température en quelque sorte."

En parallèle, ses courts métrages expérimentaux interrogent aussi notre propre regard : "Je désire que le spectateur puisse méditer sur cette question : est-ce que voir un homme qui marche, qui est en mouvement mais sans avoir de but et sans parler, peut être considéré comme une œuvre cinématographique", explique malicieusement Tsai Ming-Liang. Si faire du cinéma consiste avant tout à raconter une histoire, quelle que soit la forme qu'elle prend, alors la réponse est évidemment "oui". Car face à ce personnage comme détaché de tout, immergé dans des lieux multiples aux histoires diverses, le cerveau humain crée du lien et de l'émotion, reliant presque malgré lui les points invisibles du récit tissé par le réalisateur, et sans doute même au-delà de ce que le cinéaste avait pu imaginer au départ.

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Rétrospective Tsai Ming-Liang et Installation Walker
Jusqu'au 25 mai 2014
Cinéma "Galeries"
26 Galerie de la Reine
1000 Brussels
Informations et horaires sur le site du cinéma