The Guilty, thriller danois de Gustav Möller, est l'histoire d'une femme kidnappée qui contacte la police. Mais la ligne est coupée. Le policier qui a reçu l'appel ne peut compter que sur ses intuitions, son imagination et le téléphone: chaque son peut avoir son importance pour sauver son interlocutrice.

De multiples récompenses. Prix de la critique au Festival de Beaune, prix du public et de la jeunesse à Rotterdam, prix du public à Sundance, ce film danois a déjà fait parler beaucoup de lui depuis janvier. Et si c'était le polar "sleeper" de l'été, ce succès inattendu qui survient chaque année à la même période? Il y a en effet tous les ingrédients pour captiver l'audience en 85 minutes chrono. Le film peut d'ailleurs faire penser à l'excellent Buried de Rodrigo Cortes. Un huis-clos (unité d'espace) anxiogène et suffocant. Mais, en filmant en temps réel (unité de temps), le cinéaste s'offre une deuxième contrainte, qui rappelle Victoria de Sébastien Schipper. Deux formes de cinéma qui donnent à une histoire banale son aspect fascinant.

Palpitant. Pas besoin de beaucoup d'effets pour nous faire palpiter. On ne peut pas dire que The Guilty soit un film d'esbrouffe. Il a cette épure et cette austérité toute scandinave. C'est le scénario, jusqu'au dénouement, qui produit la meilleure énergie à ce film immersif qui stimule notre propre imagination. Nous sommes le flic. Nous cherchons aussi à savoir ce que nous avons entendu, compris, deviné. Non exempt de sueurs froides et de suspens, le polar a un autre atout majeur, techniquement: le travail sur le son est d'une précision millimétrée. Au passage, le cinéaste rappelle que le cinéma est un art de l'illusion fondé sur des techniques accentuant au moins deux sens: la vue et l'ouïe.

Hors-champ. C'est peut-être là ce qu'il faut retenir du film. Le spectateur interagit avec l'histoire parce que l'essentiel du récit se déroule hors-champ, c'est-à-dire dans ce qu'on ne nous montre pas. Ainsi quand la victime appelle, on sent bien la frénésie qu'il y autour d'elle. Pourtant, nous ne voyons que le visage propret du policier dans son centre d'appel. Au contraire du son qui est analysé, décrypté, décodé, l'image est laissée à notre imaginaire. Un peu comme lorsqu'on nous lit une histoire. Chaque bruit a son importance et nous projette un monde nouveau. C'est maîtrisé, tendu, efficace. Sous son apparence manipulatrice, The Guilty est surtout psychologique, voire mentale. Pour le spectateur.

L'information est tombée il y a quelques minutes seulement : selon le très sérieux webzine Deadline, Timothée Chalamet serait en pourparlers pour rejoindre le casting de Dune, le remake signé Denis Villeneuve du film de David Lynch sorti en 1984 et lui-même adapté de la saga littéraire Cycle de Dune écrite par Frank Herbert et dont le premier volet a été publié en 1965.

Un nouveau film à Oscars ?

Dans le film de David Lynch, nous suivions les aventures de Paul Atreides dans un futur lointain impliquant des mondes au-delà de la Terre. Ces derniers, contrôlés par des familles féodales rivales qui ont accès à un médicament appelé Mélange, se battent pour ses bienfaits. Egalement appelé "épice", le médicament donne à ses utilisateurs une conscience accrue et une durée de vie prolongée qui se solde par une grave addiction et un sevrage fatal. L'épice, dont l'utilisation rend le voyage interstellaire possible, ne se trouve que sur la planète désertique d'Arrakis - également appelée «Dune» - et est la denrée la plus précieuse de la galaxie.

Après avoir acheté les droits cinématographiques et télévisuels de Dune en 2016, Legendary  a dévoilé Kong : Skull Island, Pacific Rim Uprising, Jurassic World : Fallen Kingdom et enfin Skyscraper. Dans ce remake, Timothée Chalamet doit incarner le rôle de Paul Atreides, le personnage principal. Il ferait office de remplaçant on ne peut plus convaincant au Kyle MacLachlan de la version originale. Après des performances applaudies dans Call Me By Your Name et Lady Bird, Timothée Chalamet devrait de nouveau entrer dans la course aux Oscars pour sa performance de junkie dans Beautiful Boy, aux côtés de Steve Carell.

De son côté, Denis Villeneuve est très demandé depuis les cartons de Prisoners, Sicario, Premier Contact et Blade Runner 2049. Contacté pour le nouveau volet de la saga James Bond, il a finalement laissé sa place à Danny Boyle. En attendant de connaître le casting final et la date du début du tournage de Dune, on ne peut que se réjouir de voir Timothée Chalamet et Denis Villeneuve se lancer dans un projet commun. Pour rappel, Premier Contact a décroché pas moins de 8 nominations aux Oscars tandis que Blade Runner 2049 a remporté deux trophées ! De son côté, Timothée Chalamet est reparti avec plus de 20 prix pour son interprétation d'un jeune Italien qui découvre l'amour et sa sexualité dans Call Me By Your Name.

Un scénario co-écrit par Stanley Kubrick a été retrouvé par un professeur de l'Université Bangor (Pays-de-Galles), qui faisait des recherches documentaires sur le film Eyes Wide Shut. Burning Secret est une adaptation de la nouvelle éponyme de Stefan Zweig, écrite en 1913 par l'écrivain autrichien, traduite en Français en 1945 sous le titre de Brûlant secret. Cette nouvelle a déjà fait l'objet d'une adaptation en 1933 par Robert Siodmack et par Andrew Birkin (ancien assistant de Kubrick) en 1989.

Le scénario retrouvé, écrit avec Calder Willingham (Le Lauréat), date de 1956. Un an avant leur collaboration sur les Sentiers de la Gloire. L'histoire suit une mère et son fils en vacances, quand un mystérieux homme se lie d'amitié avec le garçon pour mieux séduire la mère. L'universitaire l'a retrouvé chez le fils d'un ancien collaborateur de Kubrick.

S'il était connu que Kubrick avait cette histoire parmi ses multiples projets, on ignorait qu'il y avait un scénario achevé. Le document fait plus de 100 pages révèle The Guardian. En revanche rien n'indique que c'est un scénario finalisé, même s'il est complet. Il a quand même le tampon du département du scénario de la MGM, en date du 24 octobre 1956.

Deux hypothèses prévalent : la MGM aurait considéré que son contrat était rompu avec Kubrick quand celui-ci a commencé à travaillé sur les Sentiers de la Gloire ou l'associé de Kubrick, le producteur James B. Harris a considéré qu'il n'y avait pas la matière nécessaire à en faire un film, ou qu'il était moralement trop risqué.

Scarlett Johansson ne tournera pas Rub & Tug, le film de Rupert Sanders (Ghost in the Shell). L'actrice devait y incarner un transsexuel, ce qui a causé une polémique à un moment où le "washing" est de plus en plus mal perçu. Scarlett Johansson avait déjà attiré les foudres des associations de défense des minorités quand elle avait été enrôlée pour être le Major Motoko Kusanagi dans Ghost in the Shell, parce qu'elle n'était pas asiatique, contrairement au personnage du manga.

L'actrice a expliqué vendredi dans le magazine Out (LGBTQI-friendly): "Compte tenu des récentes questions éthiques soulevées après que j'ai été choisie pour incarner Dante Tex Gill, j'ai décidé de me retirer respectueusement du projet."

Le film retrace en effet la vie (et la transformation) de Dante "Tex" Gill, un propriétaire d'un salon de massage et proxénète à Pittsburgh, devenu l'une des grandes figures de la criminalité américaine dans les années 1970 et 1980. Il était né Lois Jean Gill, mais s’identifiait en tant qu'homme. Le scénario est signé Gary Spinelli (Barry Seal).

"Notre compréhension culturelle des personnes transgenres continue à avancer et j'ai beaucoup appris sur cette communauté depuis l'annonce de mon casting et réalisé que c'était indélicat", précise la star.

Or les actrices transgenres Trace Lysette ("Transparent") et Jamie Clayton ("Sense8") avaient fait pression sur la production du film pour ne pas avoir donné ce rôle à un représentant de la communauté trans. Ce qui était acceptable à une époque ne l'est plus. Si des acteurs aussi différents que Kathleen Turner (dans la série Friends), Billy Crystal, Jeffrey Tambor, Jared Leto et Felicity Huffman (Transamerica) ont tous joué des rôles de personnes transgenres, récoltant au passage prix et nominations, il paraît de plus en plus improbable que cela perdure. De la même manière qu'on n'utilise plus des "blancs" pour jouer des Amérindiens.

"Bien que j'aurais adoré avoir la chance de porter à l'écran l'histoire de Dante, je comprends pourquoi beaucoup pensent qu'il devrait être incarné par une personne transgenre", a affirmé l'actrice, qui ajoute: "Et je suis heureuse que la polémique provoquée par mon casting ait ouvert un débat plus large sur la diversité et la représentation au cinéma". Le film venait d'être lancé en pré-production. Le projet est désormais suspendu.

Des membres de la communauté trans l'ont remerciée sur les réseaux sociaux, tout en rappelant que beaucoup de travail reste à faire. Selon la plus récente étude de la GLAAD, association représentant les minorités dans l'industrie, les personnages LGBTQI+ ont baissé de 40% en une année à l'écran dans les productions américaines. Aucun film de studios n'avait un personnage transgenre en 2017.

Daniela Vega avait été en février la première comédienne transsgenre à venir présenter un Oscar. Le film dans lequel elle jouait, Une femme fantastique, avait reçu l'Oscar du meilleur film en langue étrangère.

Y aura-t-il un Indiana Jones 5? Officiellement oui, mais la suite est une fois de plus reportée. Disney, désormais proprio de la franchise, a décalé la sortie d'un an au 9 juillet 2021. Harrison Ford aura presque 79 ans à cette date là. Est-ce bien raisonnable?

Le problème selon la presse professionnelle américaine proviendrait du scénario de David Koepp, scénariste du précédent épisode en 2008, qui ne convient à personne. Jonathan Kasdan, fils de Lawrence Kasdan, l'auteur du premier épisode, a été appelé à la rescousse.

Steven Spielberg reste le réalisateur attitré. Et Ford a confirmé qu'il reprendrait son stetson et son fouet. Depuis que la marque Indiana Jones est passée dans l'empire Disney (qui a repris l'ensemble de Lucasfilm, dont Star Wars), ce serait le premier film de la saga. On imagine que Disney veut en faire un reboot avec un passage de relais vu l'âge de la star.

D'Indiana Jones, on connaît un père (Sean Connery, à la retraite), une version jeune (River Phoenix, décédé), et un fils (Shia LaBeouf, marginalisé). Que vont-ils inventer?

Le studio Warner Bros a proposé cette semaine de construire un téléphérique (sans doute sponsorisé) pour aller voir de plus près les célèbres lettres géantes "Hollywood" accrochées à flanc de collines à Los Angeles.

Pour environ 100M$, le studio construirait un centre d'accueil touristique à proximité du "panneau" Hollywood. L'idée de "The Skyway", le nom du projet, serait d'en faire une attraction touristique familiale.

Il faut dire que les studios Warner Bros sont juste en bas des lettres. Propriétaire d'un immense terrain sur Forest Lawn Drive, la route qui sépare la montagne de la ville, la Warner a un accès court, rapide et direct sur le "panneau" à partir de ses studios.

Ce ne serait pas un mal puisque, inaccessible en voiture, ce panneau engendre des nuisances. Le communiqué explique que "Sa renommée a eu des effets négatifs, comme l'augmentation de la circulation dans les quartiers résidentiels alentour et des problèmes de sécurité". "L'idée d'un téléphérique a déjà été proposée par le passé et s'est récemment imposée comme une solution potentielle" rappelle le texte.

Le téléphérique serait long d'un mile (1,6 km) et le trajet durerait à peine 6 minutes dans chaque sens. Le studio compte demander l'approbation de la ville, des résidents alentours et des associations environnementales.

Les lettres géantes ne sont pas accessibles au public. On peut s'en approcher en empruntant un sentier sur le mont Lee, où vivent de nombreuses stars, et les atteindre "par l'arrière.

Le panneau avait été installé à l'origine, en 1923, afin de faire la promotion du projet immobilier "Hollywoodland", mais les quatre dernières lettres ont été retirées dans les années 1940. Elles ont été rénovées et repeintes en 2012. C'est, avec le Golden Gate de San Francisco, le lieu le plus photographié de Californie.

Black Widow est en chantier. Cela fait plus de 8 ans que la rumeur d'un "stand-alone" avec la Veuve noire est dans toutes les têtes, depuis son apparition dans Iron Man 2. D'abord parce que Natasha Romanoff aka Black Widow est incarnée par Scarlett Johansson, l'une des rares stars à avoir été débauchée par Marvel (la plupart est devenue vedette une fois arrivée dans l'écurie). Hors Marvel et films d'animation, elle a 8 films à son actif qui ont dépassé les 100M$ dans le monde. Ensuite parce qu'il s'agit d'un des personnages les plus attachants de l'univers Avengers.

Désormais Black Widow a sa réalisatrice, l'Australienne Cate Shortland (Sommersault, à Un certain regard à Cannes, Lore, The Berlin Syndrome) et Scarlett Johansson a donné son accord pour en être la star.

En janvier, Marvel avait annoncé que Jac Schaeffer (The Hustle, avec Anne Hathaway, prévu en 2019) écrirait le scénario. On ignore encore s'il s'agit de retracer les origines de la super héroïne ou s'il s'agit d'une suite à la saga Avengers, soit un des films chargés de lancer la seconde période du Marvel Extended Universe.

Selon Variety, plus de 70 cinéastes ont été auditionnés pour cette production.

Après Ant-Man et la guêpe en salles mercredi, puis Captain America en mars prochain, ce sera donc la nouvelle héroïne en tête d'affiche de la franchise Marvel. Le tournage n'est pas encore calé. Même si aucun Marvel n'est pour l'instant calé sur 2020. Et même si l'agenda de Johansson est vide l'année prochaine, après avoir enchainé les films de Noah Baumbach et Taika Waititi.

C'est une première. Jamais un acteur ou une actrice française n'avait jusqu'ici reçu le Praemium Imperiale, considéré comme le "Nobel des Arts". Catherine Deneuve sera donc la première comédienne française à être ainsi honorée.

Dans la catégorie Théâtre et cinéma, ce prix a déjà été remis à un cinéaste français (Marcel Carné) et une danseuse française (Sylvie Guillem). La récompense a aussi été décernée à des personnalités du 7e art tels Federico Fellini, Ingmar Bergman, Akira Kuroswawa, Andrzej Wajda, Richard Attenborough, Jean-Luc Godard, Ken Loach, Abbas Kiarostami, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese et seulement deux comédiennes, Sophia Loren et Judi Dench.

Chacun des cinq lauréats recevra la somme de 15 millions de yens (environ 117000 €) lors d'une cérémonie le 23 octobre à Tokyo de la part du prince Hitachi, frère cadet de l'empereur Akihito.

Dans les autres catégories les français Pierre Alechinsky (Peinture), et Christian de Portzamparc (Architecture), le chef d'orchestre italien Riccardo Mutti (Musique), et la japonaise Fujiko Nakaya (Sculpture) complètent le palmarès.

La bourse pour les jeunes artistes, créée en 1997, a, elle, été attribuée à la "Shakespeare Schools Foundation", au Royaume-Uni, qui organise depuis 2000 le plus grand festival de théâtre de jeunesse au monde.

A la veille du Comic-Con, Warner Bros. Pictures a confirmé que Joaquin Phoenix incarnera le Joker dans un film indépendant de la franchise Batman.

Le film retracera les origines du Joker, le super-vilain le plus populaire de l'univers DC Comics. Réalisé par Todd Phillips (Very Bad Trip), le film se concentre sur l’histoire de l’ennemi juré de Batman, un homme rejeté par la société. Elle se déroulerait dans les 1980. Le réalisateur a cosigné le scénario avec Scott Silver. Il s'agirait davantage d'un drame sombre que d'un film de super-héros. Le tournage est prévu pour cet automne. Selon Variety, le budget est relativement modeste, aux alentours de 55M$.

Que Phoenix soit le Joker est une double surprise: d'une part l'acteur, primé à Cannes et à Venise, est connu pour son exigence dans ses choix. Il a été récemment à l'affiche de A Beautiful day, Don't worry He won't get far on foot et Marie-Madeleine. Il sera en salles d'ici la fin de l'année avec le nouveau film de Jacques Audiard, Les frères Sisters. C'est la première fois qu'il  porte une production aussi lourde sur son seul nom. d'autre part, le Joker, autrefois incarné par Jack Nicholson et Heath Ledger, avait été repris par Jared Leto dans le récent Suicide Squad.

Or ce nouveau film avec Joaquin Phoenix de la Warner sera apparemment un film indépendant de la franchise DC Extended Universe. Le studio préparerait un autre film autour du Joker.

Fanny et Alexandre (1982) est, à juste titre, considéré comme le film testamentaire d’Ingmar Bergman, dont on célèbre les 100 ans de la naissance et qui, à cette occasion, a eu l'honneur d'une grande rétrospective au Festival du Film de la Rochelle.

Film de 3 heures – dont la version télévisée en fait 5 – il résume, théorise et diffracte à la fois la vie et l’œuvre du cinéaste suédois. Sa vie, on peut la lire dans son délicieux texte autobiographique (Laterna magica) qui fait la part belle à l’imagination du jeune Bergman : il définit d’abord son lien avec les autres sous les auspices du mensonge et du jeu. Il s’étonne d’ailleurs quand ses parents et ses amis ne goûtent pas son plus beau mensonge – il fait croire à l’école qu’il a été vendu à un cirque. Son œuvre est connue pour l’analyse poussée des rapports humains dans des milieux troubles, où la folie et la violence guettent toujours, que ce soit au sein du couple, da la famille ou du monde (l’ombre du nazisme). Contrairement à ce que son titre pourrait laisser penser, Fanny et Alexandre n’est pas l’analyse du rapport entre la sœur et le frère – ce que sera davantage Cris et chuchotements par exemple – et d’ailleurs Fanny prend nettement moins de place dans le récit qu’Alexandre. Si le point de vue est nettement celui du jeune garçon, sa sœur est néanmoins son auditrice privilégiée, et c’est en cela qu’elle est centrale, devenant celle qui entre dans les récits d’Alexandre : elle y croit. Dans le cinéma de Bergman, la vraie famille, c’est celle avec qui l’on crée un imaginaire collectif et donc bien souvent avec qui l’on monte sur scène – gens du cirque, du théâtre, montreurs d’ombres. Ainsi, la dramaturgie comme la scénographie du film pourraient se résumer à la façon de passer d’un monde à l’autre, de la dureté du réel aux puissances de l’imaginaire. Fanny et Alexandre se partage en trois parties qui chacune crée un espace propre, aux cloisons bien différentes.

La première partie marque le règne des rideaux. Le film commence d’ailleurs par le visage de l’enfant derrière un petit théâtre de marionnettes. On le découvre donc depuis une scène miniature comme si l’on était invité dans les coulisses. La famille a un théâtre, et le père, la mère, la grand-mère d’Alexandre sont des acteurs et, si on ne les voit pas jouer, leur maison devient une grande scène, délimitée par les tentures. Les portes, toujours encadrées de rideaux, sont grandes ouvertes, et l’espace poreux, comme le montre bien la scène de la danse, une farandole qui fait passer les personnages dans toutes les pièces. Cette porosité n’est pas que physique, elle est aussi sociale puisque les employés du théâtre sont invités à la même table, ou que la servante est acceptée sans difficulté comme amante d’un oncle, puis mère de son enfant. La fluidité de tous ces passages se traduit autant par les amples mouvements de caméra que par les liens qui se tissent entre les êtres : quand l’un s’essouffle en pleine danse, c’est son frère qui meurt deux scènes plus tard. Le voile recouvre le corps, et le paradis, celui d’un imaginaire collectif heureux, est à jamais perdu.

Dans la seconde partie, les tentures rougeoyantes font place à des murs blancs et nus. L’austère maison du pasteur, nouveau père des deux enfants, est une épure glaçante, aux portes lourdes, aux fenêtres grillagées. L’enferment est là encore aussi physique que symbolique. Dans une scène inoubliable, Alexandre est frappé par son beau-père, puni par ce qu’il ment… mais, au fond, ment-il ? L’enfant a inventé un conte de princesses enfermées qui se seraient échappées par la fenêtre et seraient mortes noyées. Mais les filles du pasteur sont effectivement mortes noyées, et n’est-il pas en train de raconter sa propre histoire, lui qui ne peut sortir de cette maison devenue prison ? Alexandre transforme ses sentiments réels en histoire, car il est doué du gène familial, contrairement au pasteur qui, lui, nie toute possibilité de fiction. Comment sortir de cet enfer, quand les lois – de Dieu et des hommes – l’interdissent ? Ce n’est pas la logique des événements qui permet aux enfants de s’échapper mais plutôt un vrai tour de passe-passe scénaristique qui fait basculer le film dans l’imaginaire : un ami de la famille débarque avec sa malle magique et embarque littéralement le frère et la sœur. Ils ne sortent pas par une porte, mais plutôt par la force de la pensée, la pensée qu’ils sont soudainement invisibles au fond de ce coffre. Quand le magicien l’ouvre, le pasteur n’y voit que du feu. Il n’y a rien.

La troisième partie bascule donc avec ce coffre – qui est aussi d’une certaine manière le cercueil du père, donc y entrer est la plus grande des transgressions. Les enfants atterrissent dans un atelier de marionnettes. Ce nouveau décor est la concrétisation du rapport à l’imaginaire, et les règles de la physique y sont défiés : quand Alexandre cherche les toilettes la nuit, il entre par une porte de placard et ressort immédiatement par une autre. C’est un univers clos sur lui-même, comme un monde en miroir. Le garçon se heurte à deux frères dont l’un est androgyne (dualité au sein du dédoublement). Il n’y a plus d’entrée ni de sortie, pas de fenêtre donc pas de jour ni de nuit, mais seulement des coulisses et un monde entre deux. Ce passage nécessaire dans les entrailles de la création rend Alexandre apte à poursuivre la quête du père, celle d’un créateur. Quand il retourne dans la maison familiale, la mère et la grand-mère décident d’ailleurs de reprendre le théâtre et de remonter ensemble sur scène, comme un retour au temps béni d’avant. Un retour vraiment ? Impossible d’effacer la mort du père, les deux bébés nés entre-temps, les traces des coups, reçus par le corps et l’âme d’Alexandre et dans le regard de Fanny, la traversée du monde des marionnettes…

A la fin, le film peut, à la manière d’A la recherche du temps perdu quand le narrateur comprend que l’objet de sa littérature sera la vie que nous venons de lire, recommencer, éternellement raconté par Alexandre, derrière son petit théâtre, qui tire le rideau et rejoue pour nous la plus belle des fictions.