Rares sont les cinéastes à avoir bénéficié des honneurs de la compétition officielle cannoise avec leur premier long métrage. Sur les dernières années, Andrea Arnold avec Red road (2006), Sergei Loznitsa avec Mon bonheur (2010), Markus Schleinzer avec Michael et Julia Leigh avec Sleeping beauty (2011).  Chaque fois, pour les festivaliers, c’est une attente particulière, accompagnée d’une petite pointe d’excitation à l’idée de découvrir un style, une écriture ou un univers singuliers et atypiques. Pour les auteurs, forcément, la pression est palpable.

C’est dans ces conditions délicates que Laszlo Nemes s'apprête à présenter au Festival de Cannes Le fils de Saul au Grand Théâtre Lumière. Or le film est déjà précédé d’un parfum de scandale. Lors de la conférence de presse qui dévoile traditionnellement la sélection officielle du Festival, le délégué général Thierry Frémaux avait en effet déclaré qu’il s’agit d’un "film qui fera beaucoup parler" en raison de son sujet sensible, le camp d’extermination d’Auschwitz. Il est vrai qu’à Cannes, les torrents de haine (comme d’amour) ne mettent jamais longtemps à couler… On se souvient notamment d’un précédent célèbre, l’invraisemblable polémique suscitée par Roberto Benigni en 1998 avec La vie est belle parce qu’il avait osé traiter la question de la Shoah sous le mode de la comédie.

Quoi qu’il en soit, le cinéaste âgé de 38 ans est d’autant plus attendu au tournant qu’il est tout auréolé de sa collaboration avec le maître du cinéma hongrois Bela Tarr dont il a été le second assistant sur L’homme de Londres (2007), lui aussi présenté à Cannes. On espère qu’il a retenu de cette expérience le sens du cadre et la virtuosité de mise en scène de son mentor.

Avant de produire son premier long métrage, le jeune réalisateur avait fait ses armes dans le court, non sans un certain succès, puisque ses films Türelem et The Counterpart ont raflé de nombreuses récompenses dans pas moins de 100 festivals internationaux dont Prix du meilleur court métrage au Magyar Filmszemle, Prix Mikeldi d'argent à Bilbao, Grand prix au Festival international du film d'Odense, etc. Invité dans le programme de la Mostra de Venise, il a ensuite passé cinq mois à Paris (où il avait vécu dans sa jeunesse) dans le cadre de la résidence de la Cinéfondation pour écrire le scénario du Fils de Saul avec la scénariste française Clara Royer. Cannes, déjà, veillait sur son destin.

En montant les marches rouges les plus célèbres du monde pour montrer son film à la planète cinéma, sans doute mesurera-t-il le chemin parcouru depuis l’époque où, adolescent, il réalisait des films d’horreur dans sa cave.

Cette année, le Japon lance à Cannes le Japan Day Project avec une drôle de mascotte: Kumamon, un ours noir aux pommettes rouges, qui va parader sur la Croisette. La vedette du pavillon japonais à Cannes présentera Attendre à Kumamoto et Pour toujours sur ma terre natale, deux courts métrages dont il est la star. Mais surtout il servira à promouvoir le cinéma, la musique , les mangas et les autres créations culturelles japonaises.

Car c'est bien l'animation japonaise qui aujourd'hui conquiert le monde. Et pas seulement Hayao Miyazaki. Le Festival de Cannes a accueilli de nombreux films animés en tous genres ces dernières années (Innocence : Ghost in the Shell 2 a même eu les honneurs de la compétition). Mais des films de yakuzas (Takeshi Kitano en tête) aux films de samouraïs, le 7e art japonais a souvent brillé sous le ciel bleu de la Côte d'azur.

Pas moins de quatre Palmes d'or, deux Grand prix du jury, un prix de la mise en scène, quatre prix du jury, deux prix du scénario: le tableau d'honneur est flatteur. Akira Kurosawa, Shohei Imamura, Naomi Kawase, Masaki Kobayashi, Hirokazu Kore-Eda, Nagisa Oshima, Kiyoshi Kurosawa font partie de l'élite déjà récompensée en sélection officielle. Et certains sont non seulement encore en activité, mais en sélection cette année: preuve que ce 7e art est toujours aussi vivant. Bien sûr, il manque dans le palmarès cannois Yasujiro Ozu et Kenji Mizoguchi...

Cependant, Cannes offre une perception déformée du cinéma japonais. Troisième producteur de films du monde, le Japon est aussi le troisième plus gros marché cinématographique de la planète, derrière les Etats-Unis et la Chine, grâce notamment à une politique de franchises et d'adaptations de mangas, plus piratées à l'étranger qu'exportées. On est loin des films d'auteurs projetés au Palais.

Agnès Varda, Palme d'honneur, Sabine Azéma en présidente du jury de la Caméra d'or, cinq films en compétition, le film d'ouverture et celui de clôture: le cinéma français semble squatter cette 68e édition du festival de Cannes.

92 longs métrages vont être diffusés cette édition en Sélection officielle (hors Cannes Classics et Cinéma de la plage), à la Quinzaine des réalisateurs, la Semaine de la Critique et l'ACID.

Ne prenons pas en compte la nationalité des films (avec les systèmes de coproductions, tout le monde peut tirer la couverture à soi).

Le décompte se fera donc avec la nationalité du réalisateur... Et cela donne quoi?

28 films réalisés par des cinéastes français soit 30,4%
21 films réalisés par des cinéastes européens soit 22,8%
20 films réalisés par des cinéastes venus d'Asie et d'Océanie soit 21,7%
13 films réalisés par des cinéastes nord-américains soit 14,1%
7 films réalisés par des cinéastes latino-américains soit 7,6%
3 films africains soit 3,4%

Sur le papier, les réalisateurs français dominent largement ce 68e Festival de Cannes. Avec les autres cinéastes européens, c'est même plus de la moitié des films qui seront diffusés sur la Croisette. Les deux autres blocs - les Amériques et l'Asie-Océanie - sont inégalement traités.

Le cinéma français présente 11 de ses 28 films en Compétition et à l'Acid, mais seulement 2 à Un certain regard. Le cinéma européen est surtout présent en Compétition et à la Quinzaine (soit un total de 12 sur 21). Le cinéma asiatique est prépondérant à Un certain regard avec 9 de ses 20 films dans la sélection (et donc 9 des 19 films de la sélection). Le cinéma américain est éparpillé un peu partout, avec quand même 6 de ses 13 films en Compétition et hors-compétition.

Alors Cannes est en effet très français, et même très européen, mais on devrait plutôt dire "frenchy": l'anglais devient la langue principale, même pour des cinéastes non anglophones ,avec 9 des 19 films de la Compétition dans la langue de Shakespeare.

Après Crazy Stupid Love et Gangster Squad, Emma Stone et Ryan Gosling sont de nouveaux réunis dans le La La Land de Damien Chazelle.

Contrairement à ce que le jeune réalisateur (révélé par Whiplash, trois fois oscarisé) nous avait confié à Deauville dernier, ce n'est plus Miles Teller et Emma Watson qui poussent la chansonnette dans son prochain film intitulé Lala Land.

En effet, Emma Stone, attendue cette semaine à Cannes pour le Woody Allen, L'homme irrationnel est accompagnée de Ryan Gosling. La belle rousse y incarne le rôle d'une actrice débutante qui tombe amoureuse d'un pianiste prétentieux (Ryan Gosling) à Los Angeles.Les deux acteurs ont déjà enregistré les chansons du film.

Le film est prévu en salles le 15 juillet 2016 aux Etats-Unis.

EuropaCorp (et Luc Besson lui-même sur son compte Twitter) a annoncé aujourd’hui que Dane DeHaan (Chronicle, The Amazing Spider Man : le destin d'un Héro) et Cara Delevingne (Peter Pan, La face cachée de Margo) tiendront les rôles principaux dans le prochain film du réalisateur du Cinquième élément et plus récemment de Lucy, une adaptation sur grand écran du « graphic novel » culte de science-fiction Valérian.

Dane DeHaan et Cara Delevingne incarneront respectivement les personnages de Valérian et Laureline. Luc Besson a signé le scénario du film qu'il réalisera. Virginie Besson Silla sera la productrice du film, pour EuropaCorp qui financera, produira et distribuera le film.

Les aventures de Valérian et Laureline ont été créées par Pierre Christin et Jean-Claude Mézières en 1967 et a depuis été vendu à plus de 10 millions d’exemplaires, en 21 langues. La production du film, qui est considérée comme le projet le plus ambitieux d’EuropaCorp à ce jour, débutera en décembre, pour une sortie mondiale prévue à l’été 2017.

Très occupé par son travail de photographe spécialisé dans l'humanitaire, c'est par mail que nous avons eu la chance d'échanger avec Zoriah Miller, célèbre photographe de guerre qui a coaché Juliette Binoche sur le tournage du film L'Épreuve (en salles depuis mercredi).

Écran Noir: Comment êtes-vous arrivé à ce travail de photojournaliste?
Zoriah Miller: C'est une histoire assez longue mais voici la version condensée: après la fac, j'ai dirigé un petit magasin de disque à l'est de la ville de New York. J'adorais ce job mais je voulais vraiment trouver une profession qui me permette de voyager, de vivre des aventures, de l'excitation et aussi d'aider les plus démunis. Le 11 Septembre, j'ai été très proche des tours jumelles du World Trade Center, à New York, et cet évènement m'a réellement affecté.
J'ai donc passé un an et demi à étudier la gestion des catastrophes et l'aide humanitaire dans les pays en développement. Je me suis retrouvé à travailler durant une courte durée avec La Croix Rouge mais j'ai vraiment détesté. Je ne savais pas combien de paperasserie et de bureaucratie étaient impliqués et ce n'était tout simplement pas quelque chose que je pouvais traiter.
J'ai acheté un appareil photo d'occasion et un billet d'avion, puis je me suis documenté sur les catastrophes dans les pays du tiers monde, dans l'espoir d'ouvrir les yeux de l'occident sur la souffrance qui se passe dans le monde. Mon champ a rapidement été élargi. Je suis passé des catastrophes aux questions sociales telles que le SIDA, les orphelins, la pauvreté et enfin la guerre.

EN: Racontez-nous une journée type?
ZM: Et bien, ma journée la plus type n'est pas du tout type. Un jour je peux me réveiller dans une tente dans un camp de réfugiés et trois jours après dans un superbe hôtel à préparer mes conférences universitaires. Il y a peu de constance dans ma vie mis à part les aéroports où je passe une grande partie de ma vie. Je travaille normalement dans environ 20 pays par an. Je passe le reste de mon temps à voir ma famille entre deux avions. Je prends beaucoup de photos, je passe beaucoup de temps sur mon ordinateur et j'enseigne cinq à six fois par an à l'université.

EN: Comment avez-vous dirigez Juliette Binoche sur le tournage?
ZM: J'ai passé beaucoup de temps à discuter avec Juliette Binoche avant de la rencontrer sur le tournage. Nous avons passé de nombreuses heures au téléphone et elle était désireuse de comprendre ma vie, mon travail et ma lutte. Le premier jour au Maroc nous sommes sortis dans la rue pour photographier des personnes réelles dans des situations réelles. Je pensais que ça devait être important pour elle de ressentir ce que c'est de soulever un appareil face à un étranger. J'étais sur le tournage tous les jours afin de répondre à ses questions et lui montrer comment je pouvais gérer un certain type de situation dans la vie réelle. Nous nous rencontrions le soir après le tournage afin de discuter davantage.
Juliette a été au-delà d'une simple interprétation. Elle est vraie, c'est une vraie professionnelle. Elle comprends comment utiliser un appareil mieux que n'importe quel professionnel lorsque nous avons commencé à tourner. Chaque détail était important pour elle et c'est pour cela que le film est aussi bien et réaliste.

EN: Quel est le meilleur, le pire de votre travail?
ZM: Je pense que le meilleur dans mon travail, ce sont les expériences que j'ai pu avoir. De plusieurs façons, mon travail a été mon passeport pour voir et pour comprendre des choses que je n'aurais jamais pu imaginer. J'ai été assez chanceux pour rencontrer des gens incroyables et voir des choses magnifiques. Je ne pense pas que j'ai raté quelque chose dans ma vie.
Mais c'est aussi l'une des pires choses de ce travail. J'ai vu des choses que j'aimerais oublier mais que je ne peux pas oublier. J'ai vu certaines choses que personne n'a pu voir et de ce fait, cela créer un fossé entre les gens et moi. Parfois, je sens que j'en ai trop vu.

EN: Voudriez-vous faire un film sur votre vie?
ZM: Non, ma vie me semble inintéressante... Je préférerais plutôt entendre parler de la vie des autres que de la mienne.

Presque quinze ans que l’on attendait ça : voir Emmanuelle Bercot briller au firmament. Mais cela valait le coup d’attendre, puisqu’elle s’annonce d’ores et déjà comme la personnalité incontournable de ce 68e Festival de Cannes. Réalisatrice, scénariste et comédienne, elle défendra en effet ses trois casquettes durant la quinzaine en ayant les honneurs de l’ouverture avec son long métrage La tête haute et ceux de la compétition officielle avec celui de Maiwen, Mon roi, dans lequel elle tient le rôle principal.

Longtemps, pourtant, on a pensé qu’Emmanuelle Bercot se plaisait en marge du système. Immédiatement remarquée avec son premier court métrage (Les vacances, prix du jury à Cannes en 1997), confirmant la première impression avec son moyen métrage de fin d’études à la FEMIS (La puce, 1999) puis donnant toute la mesure de son talent avec son premier long métrage (Clément, présent à Un Certain regard en 2001 et distingué par le Prix de la jeunesse), elle semble pourtant rester un peu dans l’ombre. Pendant plusieurs années, elle tourne surtout des courts métrages et des téléfilms. Poursuit en parallèle une carrière d’actrice en dents de scie, commencée dans les années 90 (Etat des lieux de Jean-François Richet, Classe de neige de Claude Miller, Ca commence aujourd’hui de Betrand Tavernier…) Renoue avec son actrice fétiche Isild Le Besco à l’occasion de Backstage.

C’est paradoxalement lorsqu’elle décide de confier son scénario à une autre que les médias et le public semblent enfin la (re)découvrir. Polisse, qu’elle a coécrit avec Maïwenn, remporte le prix du jury à Cannes en 2011 ainsi que deux Cesar (meilleur espoir féminin et meilleur montage) et une foule de nominations. Coup double pour Emmanuelle Bercot qui, en plus de l’avoir écrit, joue dans le film. Le grand public se familiarise avec son nom et son visage et la plébiscite (sans forcément le savoir) dès l’année suivante en se rendant en masse dans les salles pour voir Les infidèles dont elle signe un des sketches les plus intéressants.

C’est toutefois avec son film suivant, Elle s’en va, que la réalisatrice prend définitivement son envol. Sélectionné à Berlin, le film attire presque 400 000 spectateurs et signe la première collaboration d’Emmanuelle Bercot avec l’une de ses actrices favorites, Catherine Deneuve, qu’elle retrouve deux ans plus tard dans La tête haute, et dont elle disait en 2013 : "Elle a été successivement la mère, la sœur, l’amie que je voulais avoir. Elle a participé à l’image que je me fais de ce que c’est d’être une femme."

Elle qui a su filmer comme personne la pré-adolescence et les amours borderline (tarifiés, entre enfants et adultes, entre fan et idole…) en vient peu à peu à imposer son regard singulier dans le paysage cinématographique contemporain. On ne lui fera pas l’affront de juger son travail par le prisme de son genre, mais force est de reconnaître qu’elle est seulement la deuxième femme à "faire l'ouverture" du Festival de Cannes avec un film qu'elle a réalisé. C'est sûr, il faudrait plus de cinéastes comme Emmanuelle Bercot. Elle-même se semble pas vraiment se poser la question. Dans ses films, hommes et femmes se partagent l'affichent, souvent en duos peu orthodoxes. Un gamin avec une femme plus âgée dans Clément, l'inverse dans La puce, une différence d'âge encore plus importante entre les deux personnages d'Elle s'en va et de La tête haute... Inutile de chercher un système, des revendications cachées, ou pire, cet horrible "cinéma de femmes" que certains s'entêtent à étiqueter. Chez Emmanuelle Bercot, il y a une certaine forme de réel, une urgence inspirée de l'air du temps, des récits ancrés dans le quotidien, en un mot du cinéma (tout court), ni plus ni moins que chez ses collègues masculins.

Le cinéaste italien Marco Bellocchio recevra un Pardo d’onore Swisscom (Léopard d'honneur) pendant le 68e Festival du film de Locarno pour l'ensemble de sa carrière. L'hommage sera accompagné d'une Master Class et de la projection en public sur la Piazza Grande de I pugni in tasca (Les Poings dans les poches), son premier film, 50 ans après sa première projection à Locarno.

6 fois en compétition à Cannes, Bellocchio a reçu de nombreux prix tout au long de sa carrière: Prix spécial du jury à Berlin en 1991 pour Autour du désir, David di Donatello du meilleur réalisateur pour Le saut dans le vide en 1980 et pour Vincere en 2009, Prix de la critique internationale aux European Film Awards pour Buongiorno, notte en 2003, Prix spécial du jury à Venise pour La Cina è vicina en 1967, Prix du meilleur scénario pour Buongiorno, notte en 2003, et de nombreux prix honorifiques un peu partout dans le monde.

Locarno l'a reçu en Président de son jury en 1997 et comme le sujet d'une grande rétrospective consacrée à son oeuvre en 1998.

Le directeur artistique du Festival, Carlo Chatrian, rappelle que "I pugni in tasca est l’un de ces films qui ont fait de Locarno un lieu de découverte et de lancement d’œuvres, que l’on peut définir, sans aucun malentendu possible, comme “dérangeantes”. En reproposant ce film en version restaurée, nous rendons un hommage mérité aux premiers pas de ce grand cinéaste et prouvons que notre programmation reste fidèle à ses principes. Le choix de décerner le Pardo d’onore à Marco Bellocchio vient aussi de la conviction que son cinéma – particulièrement ces dernières années – a beaucoup à raconter à ceux qui vivent en Italie, mais aussi à tous ceux qui font du cinéma dans le reste du monde."

L'an dernier, le prix avait été décerné à Agnès Varda.

Marco Bellocchio finalise actuellement son nouveau film, L'ultimo Vampiro, avec Alba Rohrwacher, qui, logiquement, devrait être en compétition au prochain Festival de Venise.

Avant que ne commence le 68e Festival de Cannes, on note du côté de la Sélection officielle, 5 tendances assez marquantes pour cette année.

Fraîcheur

D'abord, il souffle un vent frais en Compétition comme à Un certain regard. On ne va pas s'en plaindre. 9 des 19 films en course pour la Palme d'or sont signés de cinéastes qui n'ont jamais été en compétition. Et sur les 12 nationalités des réalisateurs en compétition, cinq pays n'ont jamais reçu la Palme (ou son équivalent le Grand prix avant 54). Seuls deux cinéastes ont déjà été récompensés par une Palme.

Sans frontières

Ensuite, notons l'internationalisation des films d'auteur, qui se financent de plus en plus grâce à un système de coproductions transfrontralières. Casting d'ici et d'ailleurs, langue anglaise, tournages à l'étranger: les cinéastes s'aventurent hors de leur territoire d'origine. Ainsi Jia Zhang-ke s'exile en Australie, Joachim Trier va jusqu'aux USA, Gus van Sant s'envole au Japon et Denis Villeneuve part au Mexique. De Trier à Lanthimos en passant par Sorrentino, on y parlera anglais. Et ainsi on verra Huppert, Seydoux, Cassel, Hayek, Weisz, Caine, Whishaw, Roth, Dano, Eisenberg chez des cinéastes européens ou même mexicains, loin de leurs territoires d'origines.

Sexe fort

Les femmes sont-elles de retour? Pas forcément: avec seulement une poignée de réalisatrices en Sélection officielle. Pourtant, elles seront bien là. Car elles ont souvent un rôle central dans les films. Hors-compétition, il y aura de la star (Charlize Theron, Emma Stone, Catherine Deneuve). Mais en compétition les actrices ne manqueront pas à l'appel, ce qui promet du glamour sur les marches: Anaïs Demoustier, Léa Seydoux, Isabelle Huppert, Shu Qi, Salma Hayek, Cate Blanchett, Rooney Mara, Tao Zhao, tout le casting du Kore-eda, Marion Cotillard, Rachel Weisz, Emmanuelle Bercot, Margherita Buy et Emily Blunt, pour ne citer que les plus connues, sont toutes en tête d'affiche et au coeur des intrigues. En fait, seuls trois films de la compétition ne tournent essentiellement qu'autour des hommes.

Passage

La mort, la transmission et l'héritage sont l'autre grand thème de cette compétition. Franco accompagnera les malades en phase terminale, Garrone nous racontera de vieilles histoires éternelles (tout comme Gomes à la Quinzaine), Jia Zhang-ke traversera les années pour passer d'une génération à l'autre, Kurzel reprend le Shakespeare le plus noir et morbide, Nemes plongera dans la Shoah, Moretti sera plus intime avec des relations intergénérationnelles entre femmes, Sorrentino évoquera le temps qui passe et surtout celui qui reste pour deux octogénaires, Van Sant choisira un lieu spirituel pour confronter un suicide et une survie, Schroeder se retournera sur l'histoire de sa mère... Sans oublier le Guédiguian qui revient sur le génocide arménien. Mais rassurez-vous, il y a aussi beaucoup d'histoires d'amour...

Vulnérable

Enfin, les films devraient nous montrer un monde fragile et une humanité précaire. De la condition des immigrés au capitalisme broyeur, du trafic de drogue à l'émigration choisie, de la fin de vie à la délinquance, tous les grands thèmes de la société y passeront. Le monde subit des secousses telluriques et l'Homme semble de plus en plus démuni ou désemparé quand il n'est pas victime d'accident ou de génocide. Même le futur ne s'annonce pas plus brillant. De Mad Max à The Lobster, l'utopie n'est pas joyeuse et la Résistance est la seule voie. Avec Dheepan, La loi du marché, Mon roi, Sicario, Mountains may depart, Chronic ou La tête haute, le genre humain devrait nous rappeler que nous sommes bien peu de choses et qu'on fait comme on peut...

Le réalisateur mexicain Alfonso Cuaron sera le prochain président du jury du 72e Festival de Venise (2-12 septembre).  Oscar du meilleur réalisateur et du meilleur montage pour Gravity, Cuaron est un habitué de la lagune puisque quelques uns de ses films ont fait leur avant-première mondiale à la Mostra: Y tu mamà tambien (prix du meilleur scénario et prix Marcello Mastroianni pour ses deux acteurs), Les fils de l'homme (prix de la meilleure image), et donc, Gravity.

Egalement producteur de films de Guillermo del Toro (Le labyrinthe de Pan) et Alejandro Gonzales Inarritu (Biutiful), Cuaron a aussi réalisé l'un des meilleurs épisodes de la franchise Harry Potter (Le Prisonnier d'Azkaban), A little Princess et De grandes espérances (adapté de Charles Dickens).

Il succède à Alexandre Desplat, dont le jury avait récompensé Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l'existence, actuellement à l'affiche en France.