Dans l’univers des super-héros (Superman, Batman, Wonder-woman…) et des héros moins super (Kick-ass, Deadpool, Shazam…) luttant pour le bien, il y en a un dont la naissance même vient du mal : Hellboy, le garçon de l’enfer. Son origine est connue et rappelée dans chaque histoire (qu’il s’agisse de la bande-dessinée ou d’une adaptation en film) : c’était un petit garçon mi-démon à l’apparence rouge d’un diable, issu d’une expérience ésotérique de nazis, qui, au lieu d’être tué, a été élevé par un homme travaillant dans le secret pour un Bureau Paranormal. Hellboy est maudit par la nature de son apparence mais doué d’une très grande force, et participe à diverses missions de lutte contre des créatures malfaisantes…

Hellboy, par Guillermo del Toro

Le mélange entre part d’humanité chez un monstre et part de monstruosité chez les humains, c’est tout l’univers de Guillermo del Toro. En toute logique, il a réalisé l’adaptation ciné Hellboy en 2004 suivi de Hellboy 2, les légions d'or maudites. Les deux films sont visuellement une belle réussite et les scénarios respectaient l’essence du personnage de la bande-dessinée : un diable au service des hommes mais condamné à une existence cachée des autres. Le point faible des films était en particulier les dialogues avec un humour adolescent et certaines situations du scénario où on était plutôt proche d’une ambiance Men in black : bref presque des contes grand-public. Réaliser un troisième épisode était difficile puisque le héros Hellboy et l’incendiaire Selma Blair allaient devenir parent et fonder une famille… Soit ce personnage n’apparaissait plus au cinéma, soit on en faisait un reboot en recommençant tout : nouvel acteur, nouveaux amis, nouvel univers avec une nouvelle équipe. Au revoir donc Guillermo del Toro et l’acteur Ron Perlman. En 2019 voici donc un nouveau Hellboy !

Le nouveau Hellboy, par Neil Marshall

Le Hellboy version Neil Marshall (qui sortira en France le 8 mai) est porté par l’acteur David Harbour (bien choisi, le shériff de la série Stranger Things). Ce nouveau film est basé sur diverses aventures de l’auteur Mike Mignola déjà dessinées (surtout The wild hunt et The stormand the fury). L’orientation principale est de dépasser justement le côté gentillet et amusant grand-public. Ce nouveau Hellboy n’est pas vraiment pour les enfants de moins de 16 ans : la principale différence est du côté des combats, plus nombreux, plus violents, avec cette fois du sang qui gicle. Neil Marshall connu pour avoir été très bon dans la peur en intérieur (Dog sodiers, The Descent) s’est depuis déchainé pour des grandes batailles épiques (Doomsday, Centurion, quelques épisodes de Game of Thrones), et c’est son expertise de grosse fantasy spectaculaire que l’on voit ici (sans aucune subtilité). Mais, comme on l'écrit dans notre critique, "Faire gicler du sang ici et là et offrir au spectateur un dilemme qui pourrait être résolu en moins d’une heure ne suffit pas".

On change de continent dans ce film puisque Hellboy est envoyé en mission en Angleterre. Une séquence d’introduction nous raconte même un lointain passé avec le roi Arthur, son épée Excalibur, Merlin qui avaient vaincu et découpé les membres de la maléfique Reine de sang Nimue. En fait, aidée de plusieurs géants, Nimue - Milla Jovovitch, toujours ensorceleuse, elle en fait parfois des caisses mais contre toute attente, cela fonctionne - revient à la vie en 2019 bien décidée à se venger en faisant surgir une horde de monstres pour détruire les humains… On nous racontait la même chose avec les pharaons dans les diverses Momies. Hellboy et ses nouveaux amis britanniques (forcément cosmopolites avec Sasha Lane et Daniel Dae Kim) auront fort à faire, ça va cogner et trancher sévère.

Un film bourrin qui fait flop

Durant les 121 minutes de films il y a tout de même quelques longueurs, des flashbacks malvenus et quelques séquences improbables (esprit mort qui sort d’une bouche de voyante, le personnage Baba Yaga) mais on en retient ses multiples combats. Ce nouveau film est particulièrement bruyant et tonitruant avec plusieurs séquences épiques (même la ville de Londres sera dévastée). Ce nouveau Hellboy est particulièrement bourrin, mais propose tout de même une part de légère nuance : « la réponse à une menace n’est pas forcément la destruction ».

Histoire sans intérêt, ratage complet, le film est devenu une catastrophe industrielle ce week-end aux Etats-Unis. Le budget de 50M$ sera difficilement amorti puisqu'en trois jours, le film, prévu pour prendre le leadership du box office, a finit 3e avec à peine 12M$ de recettes. Le premier avait rapporté 23M$ et sa suite 34M$. C'est dire l'échec.

Le réalisateur Javier Ruiz Caldera est populaire en Espagne, mais aussi à Bruxelles en tant que fidèle du BIFFF. Du côté françai,s on est un peu à la traine côté distribution de ses films (comme pour de nombreux cinéastes espagnols d’ailleurs). En 2003 le Festival était surpris par sa comédie fantômatique Ghost Graduation :  il y rempote le Grand Prix (ce qui est plutôt rares pour une comédie) doublé du Prix du Public. Il y est revenu en 2006 avec Spy Time qui lui a valu encore une fois le Prix du Public. Cette année, il est l’un des favoris, une fois de plus, avec son SuperLopez.

Sur une planète lointaine où règne un dictateur, deux scientifiques ont conçu un bébé avec des super pouvoirs qui pourrait être une arme pour le contrer. Pour le cacher, ils l'envoient vers la Terre. Le dictateur réplique en envoyant sa propre fille qui doit capturer et neutraliser ce bébé. Cependant la capsule du bébé est accidentellement déviée vers l’Espagne où elle tombe dans un petit village. Les Lopez, un couple de garagistes, vont adopter cet enfant un peu particulier. Voila pour l’ouverture du film, 30 ans plus tard, il est devenu un employé de bureau. Il cache ses quelques pouvoirs de rapidité et de force et voit débarquer une nouvelle collègue, qui lui plaisait à l’université. Un problème de métro sans frein l’incite à intervenir pour la première fois comme super-héros, et il est désormais repéré par ceux qui le cherchaient depuis longtemps…

Les première minutes du film SuperLopez évoque un peu Superman, puis on bascule très vite dans l’univers habituel et rigolo de Javier Ruiz Caldera : c’est encore une fois un anti-héros qui devient un héros presque malgré lui, avec les complications que ça engendre vis-à-vis de ses proches. L’acteur Dani Rovira incarne ce héros qui doit gérer une vie secrète (comme dans Ghost Graduation et Spy Time), Alexandra Jimenez hérite du rôle de la fiancée avec du caractère, et c’est la géniale Maribel Verdu qui joue ici la méchante (elle est aussi l’héroïne de Crime Wave au BIFFF). L’histoire s’amuse autant avec des quiproquos romantiques (il y a un triangle amoureux) qu’avec la figure d’un super-héros espagnol que personne n’imagine croyable ("il va combattre quoi, la ponctualité ?"), tandis que la planète même serait menacée…

Pour Javier Ruiz Caldera,  "Le film s’inspire de la bande-dessinée SuperLopez mais ne se veut pas être en compétition avec elle, ce n’est pas une traduction de la BD mais beaucoup plus une adaptation très libre du personnage. Dans la BD on le découvre quand il a déjà 30 ans, pour le film on a décidé avec mes scénaristes de commencer par sa naissance et son origine, on a totalement inventé un passé à ce personnage. On a glissé dans le film notre humour à propos de certains clichés de l’Espagne, et puis des choses qui me sont plutôt personnelles. Par exemple pendant un tournage ma mère me demande si j’ai assez mangé, certaines choses de la mère dans le film viennent de ma maman. Je me suis aussi demandé qui avait fait le costume de super-héros et c’est donc la mère de SuperLopez qui le lui a fait."

"On voulait surtout développer le personnage qui dévoile ses pouvoirs avec ses rapports à sa famille et à ses amis, sans porter l’accent sur une accumulation de scènes d’action. Evidemment, on n’avait pas le budget pour en faire des dizaines mais on a pu faire plusieurs grosses séquences d’action qui sont très spectaculaires et un peu drôles aussi. Il y a quelques plans qui sont un hommage direct au film Superman. Superman dans la vie c’est un peu un loser mais quand il met son costume et sa cape c’est un vrai super-héros, SuperLopez même avec le costume il reste un peu un loser. En Espagne SuperLopez a eu du succès et on a même gagné un Goya pour les effets spéciaux, ça m’a fait plaisir que ce film reçoive un Goya. » En remportant ce Goya, Lluís Rivera & Laura Pedro, c'est aussi la première fois qu'une femme superviseur des effets visuels est récompensée dans cette catégorie technique, à 28 ans.

A la dernière cérémonie des Goya (les César espagnols) SuperLopez avait reçu deux autres nominations (meilleur scénario adapté, meilleure direction artistique). Pour découvrir le film en France il faudra se tourner vers Netflix…

Bibi Andersson, de son véritable nom Berit Elisabeth Andersson, née à Stockholm le 11 novembre 1935, est morte aujourd'hui, 14 avril 2019. Formée comme Greta Garbo à l’Académie d’art dramatique de Stockholm, l'actrice suédoise fut l'une des muses de Ingmar Bergman, qui l'a engagée est engagée au théâtre de Malmö pour jouer du August Strindberg avant de l'enrôler au cinéma en 1955. Il lui offre alors un petit rôle dans Sourires d'une nuit d'été, puis en 1957 un rôle plus important, celui de la compagne de Jof, dans Le Septième Sceau. On la voit ensuite sous l'oeil du maître, infidèle ou guérisseuse, dans Les Fraises sauvages, Au seuil de la vie, Le visage, L'Œil du diable, Persona, Toutes ses femmes, Une passion Le lien, et Scènes de la vie conjugale, leur dernier film ensemble en 1973. Elle tourne Persona, où elle soigne Liv Ullmann, une actrice en crise qui a perdu la parole, juste après avoir tourné dans un western de Ralph Nelson, La Bataille de la vallée du diable. Eclectique.

Bibi Andersson a aussi tourné avec Alberto Sordi, John Huston (La Lettre du Kremlin), Sergio Gobbi, George Schaefer, André Cayatte, Robert Altman (Quintet, avec Paul Newman et Brigitte Fossey), Gabriel Axel (Le festin de Babette), Marco Bellocchio (Le rêve du papillon)... Sans oublier le film catastrophe avec Alain Delon, Airport 79.

La comédienne avait pris sa retraite il y a 9 ans. En 2009, un AVC l’avait laissée handicapée. Depuis elle ne prononçait plus un mot...

Elle a été Prix d'interprétation au festival de Cannes en 1958 pour Au seuil de la vie d'Ingmar Bergman, Prix d'interprétation au festival de Berlin en 1963 pour Alskarinnan (La Maîtresse) de Vilgot Sjöman et meilleure actrice aux National Society of Film Critics Awards en 1968 pour Persona de Bergman. Elle fut membre du jury de Cannes en 1972.

Portrait de la jeune fille en feu, Jeanne, C'est extra, Une fille facile, Sybil, Proxima côté français. Lav Diaz, Cristi Puiu, Ari Aster, Kiyoshi Kurosawa, Corneliu Porumboiu, Atom Egoyan, Pavel Lounguine, Pedro Costa, Lou Ye côté grands noms du cinéma d'auteur international. On serait surpris de ne pas voir ces cinéastes sur la Croisette cette année. La Quinzaine a déjà préempté le Dupieux en ouverture. Mais quelques films pressentis, comme Ad Astra de James Gray (aux effets spéciaux pas prêts) ou Roubaix, une lumière d'Arnaud Desplechin (reparti en montage), pourraient manquer le rendez-vous. Il reste malgré tout de la place, toutes sections et sélections confondues pour quelques surprises et, rêvons, satisfaire quelques rêves.

About Endlessness de Roy Andersson
Lion d'or à Venise il y a cinq ans pour Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l'existence, le vénérable et rare cinéaste suédois pourrait revenir sur la Croisette 19 ans après Chansons du deuxième étage. L'étrangeté du ton et la singularité du style devraient une fois de plus se mettre au service de ce récit à multiples histoires cherchant la rareté et la beauté de l'existence à travers divers personnages. Une fois de plus, on imagine bien un film oscillant entre burlesque et tragédie, pas loin d'un surréalisme appuyé par une voix-off plutôt que des dialogues, minimalistes. Une volonté d'universalisme qui séduira, dérangera ou laissera à distance.

Adoration de Fabrice du Welz
Le réalisateur belge de Calvaire et Alleluya, après un détour par Hollywood, revient à un thriller européen avec Thomas Gioria, Fantine Harduin, Benoît Poelvoorde, Béatrice Dalle et Laurent Lucas.. Bien évidemment Cannes a un œil sur lui : il y a été découvert à Cannes en 2005 (à La Semaine de la Critique) avec Calvaire, Vinyan jugé trop radical sera en fait à Venise en 2008, et retour à Cannes en 2014 (à La Quinzaine des Réalisateurs) avec Alléluia. Ici c'est l'histoire d'une rencontre entre Paul, jeune garçon de 12 ans qui vit avec sa mère au milieu d’une forêt, et Gloria, une adolescente schizophrène qui a pris la fuite. Le film vient d'être terminé cette semaine. On imagine bien ce drame horrifique en séance de minuit...

La prochaine fois le feu de Mati Diop
Ce premier film a été tourné à Dakar en wolof. Fille de chanteur, l'actrice de 35 rhums de Claire Denis se lance enfin dans un long métrage après une série de courts et moyens (Last Night, Atlantiques, Snow Canon, Big in Vietnam, Mille soleils) primés à Amiens, Lisbonne, Rotterdam (deux fois Tigre du meilleur court métrage) et une sélection à Venise. Entre lutte des classes et phénomènes étranges, ce portrait d'une jeunesse sénégalaise sous forme de fable devrait démontrer à quel point la cinéaste est une conteuse audacieuse. Anecdote: le film porte le même titre qu'un livre de James Baldwin.

Lucy in the sky de Noah Hawley
Avec sans doute Proxima d'Alice Winocour, et en l'absence d'Ad Astra, on pourrait s'envoyer en l'air dans l'espace avec ce drame SF du créateur de la série "Fargo". Le titre qui est celui d'une chanson d'Elton John (coucou Rocketman) est assez explicite. Lucy (Natalie Portman) est dans le ciel. Il s'agit là d'une astronaute qui revient sur terre après une mission qui a changé son existence au point de s'en remettre difficilement et de perdre le sens de la réalité. La question est de savoir si Fox Searchlight vise Cannes ou Venise, qui a plus d'empathie pour les films de ce genre (Gravity, First Man). Pour Portman, ce sera l'occasion de revenir sous les spotilights après Planetarium de Rebecca Zlotowski (échec), Song to song de Terrence Malick (sortie confidentielle), Annihilation de Alex Garland (sortie Netflix), Ma vie avec John F. Donovan de Xavier Dolan (sorti uniquement en France), Vox Lux de Brady Corbet (à Venise mais toujours pas sorti).

Little Joe de Jessica Hausner
Sélectionnée trois fois à Cannes, à chaque fois à Un Certain Regard (Lovely Rita, Hotel et Amour Fou), la réalisatrice de Lourdes a terminé son nouveau drame psychologique, et son premier film en anglais. Emily Beecham (The Calling) et Ben Whishaw (révélé à Cannes avec Bright Star de Jane Campion) sont des éleveurs de plantes quand l'une d'elle semble modifier la personnalité de ceux, humains ou animaux, qui la touchent. On voit mal cette chérie des grands festivals échapper à la Croisette, surtout avec une histoire aussi fascinante sur le papier.

Against All Enemies de Benedict Andrews
Les rumeurs sont contradictoires: la presse professionnelle l'a annoncé comme certain à Cannes, mais d'autres sources affirment que le film, acquis par Amazon, serait plutôt positionné pour Venise. Peu importe, on a envie de voir Kristen Stewart en Jean Seberg. On sait pourquoi l'actrice, membre du jury, avait à un moment donné les cheveux très courts et très blonds : elle incarnait la célèbre actrice immortalisée dans A bout de souffle dans cette histoire vraie qui raconte comment elle se battait pour les droits civiques et fréquentait l'indésirable Hakim Jamal (Black Panthers) tout en étant espionnée par le FBI. Période trouble... Le casting comprend Jack O'Connell, Anthony Mackie, Vince Vaughn et Yvan Attal en Romain Gary. On avoue que tout ça fait saliver.

It Must Be Heaven d'Elia Suleiman
17 ans après Intervention divine (prix du Jury) et dix ans après Le temps qu'il reste (son dernier film en date), le cinéaste palestinien, très rare, manque un peu au paysage cinématographique mondial avec son sens de l'humour décalé et ses images poétiques. On a forcément envie de voir sa nouvelle comédie humaine, (où l'erreur est source de gags), où l'identité et son pays, la Palestine, sont le fil conducteur. Tout comme Jacques Tati, il se met en scène dans cet environnement absurde, où son personnage fuit la Palestine pour se rendre compte qu'elle ne le quitte jamais.

Yesterday de Danny Boyle
Yesterday ça ressemble au titre d’une chanson des Beatles, mais si les Beatles n’avaient jamais existé pour personne sauf dans les souvenir d’un jeune chanteur ? Il n'y a pas qu'Elton John qui devrait faire swinguer Cannes. Les Beatles (ou plutôt l'absence des Beatles) sont de retour avec Richard Curtis, roi de la comédie anglaise au scénario, et Danny Boyle, cinéaste oscarisé, aux manettes. Dès la révélation de la bande annonce, l'histoire folle d'un musicien anglais (Himesh Patel), qui cherche à percer. Or, pour des raisons inconnues, après une panne de courant générale et un choc violent avec un bus, il est le seul à se souvenir des Beatles. Il reprend leurs chansons et connaît vite un succès mondial. Un feel-good movie sur la Croisette, Hey dude!

Frankie d'Ira Sachs
Premier film hors des USA pour Ira Sachs, avec un casting cinq étoiles: Isabelle Huppert, Marisa Tomei, Greg Kinnear, Jeremie Renier et Brendan Gleeson. Habitué aux festivals d'automne, cette- fois-ci, avec un producteur français, l'américain pourrait faire son entrée sur la Croisette. Trois générations de personnages vont vivre une journée à Sintra au Portugal qui va changer leur vie. Ira Sachs est l'un des cinéastes dont l'écriture fine n'est pas encore appréciée à sa juste valeur. Des films comme Keep the Lights On, Love Is Strange, Forty Shades of Blue ou le récent Brooklyn Village ont pourtant été chouchoutés par la critique.

Bacurau de Kleber Mendonça Filho et Juliano Dornelles
Après Aquarius, on veut évidemment retrouver le cinéaste brésilien. Avec deux géants, Udo Kier et Sonia Braga, le drame aux allures de western dans un futur proche se déroule cette fois-ci dans l’ouest de l’état de Pernambouc. Là encore, le cinéaste explore une communauté qui se bat contre un système qui les méprise. Le film devrait une fois de plus être l'occasion pour Cannes d'être une vitrine contestataire à la situation politique brésilienne.

Douleur et Gloire, Rocketman, La vérité, Once Upon a Time in Hollywood, A Hidden Life (Radegund), Matthias & Maxime, Parasite, Sorry We Missed You, Le jeune Ahmed. On voit mal Cannes passer à côté de Almodovar, du biopic musical de l'année, du film français signé par la Palme d'or 2018, des nouveaux Tarantino, Dolan, Joon-ho, Loach et Dardenne. La surprise du 18 avril (date de la conférence de presse) serait qu'ils n'y soient pas. Cannes a déjà préempté le Jarmusch en ouverture. Mais quelques films attendus ont aussi, déjà, été préemptés par Netflix (donc hors périmètre), tels Ema de Pablo Larrain. Il reste malgré tout de la place, toutes sections et sélections confondues pour quelques surprises et, rêvons, satisfaire quelques rêves.

Mignonnes de Maïmouna Doucouré
Après plusieurs années passées à travailler sur des courts métrages, Maïmouna Doucouré s’est laissée tenter par l’expérience du long. Pour le pitch, la réalisatrice franco-sénégalaise a décidé de puiser dans son vécu et dans sa propre filmographie puisqu’après s’être intéressée à la disparition d’une enfant au coeur d’une cité dans Cache-cache et à l’incompréhension d’un môme confrontée à la polygamie dans sa famille pour Maman(s), Maïmouna Doucouré raconte dans Mignonnes le parcours d’une jeune préadolescente de 11 qui se découvre découvre une passion pour le twerk via les filles de son collège.

Perdrix d’Erwan le Duc
On a hâte de découvrir le premier long métrage d'Erwan Le Duc, tant ses courts, dont Le soldat vierge, présenté à la Semaine de la Critique en 2016, étaient riches d'une singularité formelle comme narrative. Et c'est vrai que le film serait parfait pour une compétition cannoise ! Avec un univers extrêmement personnel, et un sens du cadrage plus que maîtrisé, le réalisateur promet en effet de faire souffler un vent de cinéma audacieux et surprenant sur la Croisette. En bonus, le fait qu'il mette en scène la formidable Maud Wyler aux côtés de Swann Arlaud et de Fanny Ardant, et qu'il se passe dans les Vosges, entre Plombières et Epinal, ne peut que nous rendre le film a priori plus désirable.

Le Milieu de l’Horizon de Delphine Lehericey
Révélée en 2007 au Festival de Locarno grâce à son moyen métrage Comme à Ostende, la réalisatrice suisse installée en Belgique Delphine Lehericey s’est tournée vers la Macédoine au moment de tourner son troisième long métrage. Celui-ci, porté par un casting de rêve (Laetitia Casta, Clémence Poésy, Jalil Lespert) raconte comment en 1976, un jeune garçon assiste simultanément à l’éclatement du monde paysan traditionnel, de sa cellule familiale et à la ruine de son père. Tout un programme !

Le voyage fantastique de Marona d’Anca Damian
Parce que chaque nouveau projet de la réalisatrice d'animation Anca Damian (Le voyage de M. Crulic, La montagne magique) est un événement, on se dit que la place de Marona est incontestablement sur la croisette.  Avec son histoire simple et touchante (l'amour inconditionnel d'une petite chienne pour ses maîtres successifs), Le voyage fantastique de Marona s'annonce à la fois comme une fable sensible à destination de tous les publics, et comme une oeuvre de cinéma ambitieuse et maîtrisée, qui met la barre très haut en terme d'expérimentation formelle. Les premières images le confirment, il faut s'attendre à une oeuvre superbe et virtuose, dans laquelle l'animation s'autorise toutes les libertés.

Jumbo de Zoé Wittock
Tourné il y a près d’un an jour pour jour, Jumbo est le premier long métrage de la réalisatrice belge Zoé Wittock. Pour son grand saut, cette ancienne étudiante de l’EICAR à Paris et de l’American Film Institute à Los Angeles a décidé de mettre en scène l’histoire atypique de Jeanne, une jeune femme timide qui se découvre d’étranges sentiments amoureux pour l’attraction phare du parc dans lequel elle est gardienne. Pour porter ce film atypique, Zoé Wittock peut compter sur le talent de Noémie Merlant (Le Ciel attendra) et Emmannuelle Bercot (Mon Roi). Les deux actrices pourraient aussi être à Cannes pour un autre film, respectivement celui de Céline Sciamma et celui de Cédric Kahn.

La fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti
Très attendu, le premier long métrage de l'illustrateur et auteur de BD Lorenzo Mattotti a tout pour briller sur la Croisette puisqu'il s'agit d'une adaptation animée du seul roman jeunesse de Dino Buzatti, scénarisée par le duo gagnant Thomas Bidegain et Jean-Luc Fromental, et portant la touche formelle de son réalisateur, à savoir des images à couper le souffle. L'intrigue, qui raconte comment, suite à l'enlèvement de son fils Tonio par des chasseurs, le roi des Ours décide d'envahir la Sicile, promet une grande fresque spectaculaire qui aborde des questions ultra-contemporaines comme la guerre, l'intolérance et le vivre ensemble, par le biais du merveilleux.

Little Women de Greta Gerwig
Attendu dans les salles de cinéma pour le mois de décembre, cette nouvelle adaptation des Quatre filles du Docteur March pourrait être l’événement glamour de cette 72e édition du Festival de Cannes — si le projet n’atterrit pas directement au Festival du film de Telluride. Imaginez un peu Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep et Louis Garrel montant les marches du Palais des festivals et des congrès de Cannes et vous comprendrez pourquoi le troisième film en tant que réalisatrice de Grega Gerwig a autant la cote ! Même si Chalamet est déjà sur le tournage de Dune et si le film vise plutôt une stratégie de festivals d'automne.

J’ai perdu mon corps de Jérémie Clapin
On ose espérer que Cannes ne passera pas à côté de l'un des projets les plus excitants de l'année, l'adaptation par le réalisateur Jérémy Clapin, découvert notamment avec ses courts métrages Une histoire cérébrale, Skhizein et Palmipedarium, du roman Happy Hand de Guillaume Laurant. Ce que l'on a pu en voir, notamment au Cartoon movie de Bordeaux, témoigne d'un long métrage ténu et poétique, à la mélancolie entêtante. Au centre du récit, le parcours de Rosalie, une main séparée de son corps, entrecoupé de flash-backs qui dévoilent peu à peu la vie de Naoufel, à qui elle appartenait autrefois.

Wendy de Benh Zeitlin
Le réalisateur est en post-production avec son nouveau drame fantastique. Il nous transporte cette fois-ci sur une île mystérieuse où le vieillissement le temps semblent fonctionner différemment, dans un récit mythologique centré sur deux enfants (Tommie Lynn Milazzo, Shay Walker). En 2012, Benh Zeitlin avait fait une entrée remarquée au Festival de Cannes grâce aux Bêtes du Sud sauvage, son premier long métrage qui lui a valu une Caméra d'or et permis à Quvenzhané Wallis de devenir la plus jeune actrice nommée aux Oscars. Ce second film, Wendy, devrait s'inscrire dans la même veine. Longtemps en gestation, le film, qui a manqué le rendez-vous de Sundance, devrait viser les Oscars.

The Wind blew on de Katrin Olafsdotir
Beaucoup de choses provoquent notre désir de voir le film de l'artiste islandaise Katrin Olafsdotir (cofondatrice, avec Bertrand Mandico, du collectif International / Incohérence) en sélection à Cannes. En plus de notre obsession pour tout ce qui a trait à l'Islande, notre curiosité envers des cinémas singuliers, et notre goût pour les premiers longs métrages, il y a tout simplement le résumé de l'intrigue, tel qu'il figure sur le site du producteur Bobi Lux : "Je suis peut-être déjà mort" dit le petit garçon dans le film The Wind Blew on de Katrín Ólafsdóttir. Il le dit pour lui ou quelqu’un d’autre. De toute manière, ces mots sont prononcés dans un monde où personne ne peut lui répondre.

Cela fait plusieurs jours que la rumeur court. Certains avançaient même la date du 16 mai pour sa projection. Et selon RTL, l'événement est sûr d'avoir lieu ce jour-là. Rocketman, biopic de la star pop Elton John, de Dexter Fletcher devrait être présenter lors de la 72e édition du Festival de Cannes, qui n'a toujours rien confirmé. Sir Elton John serait sur le tapis rouge pour la montée des marches. Rappelons qu'il avait tourné à Cannes (et à Monaco) le clip d'un de ses tubes, "I'm still standing".

Le film est prévu dans les salles le 29 mai, distribué par Paramount, qui compte bien faire aussi bien que Bohemian Rhapsody (20th Century Fox) et ses 4,4 millions de spectateurs. Dexter Fletcher avait d'ailleurs repris la réalisation de Bohemian Rhapsody après le renvoi de Bryan Singer.

Rocketman retrace la vie de la star britannique depuis son enfance jusqu’à son avènement en tant que star de stade, de son statut de gamin introverti, grassouillet et fils unique à celui de diva excentrique, génie du piano. Si on en croit la bande annonce, le film retrace son enfance anglaise, ses premiers cours de piano, ses débuts au club Troubadour à Los Angeles en 1970 et ses deux concerts géants au Dodger Stadium de la métropole californienne cinq ans plus tard.

Taron Egerton incarne le chanteur (note: il croisa d'ailleurs Elton John dans Kingsman: Le Cercle d'or) et interprète lui-même les tubes musicaux. Jamie Bell interprète son parolier Bernie Taupin, Richard Madden son amant et manager John Reid et Bryce Dallas Howard sa mère.

Dans une récente présentation aux Etats-Unis, Dexter Fletcher explique que le film "n'est pas une biographie officielle" mais plutôt une relecture de la vie d'Elton John par l'artiste lui-même. "Nous ne sommes pas limités par les faits, nous avons une liberté d'imagination, ce qui est très important lorsqu'on fait un film". Ajoutant: "Avoir Elton comme narrateur a été très libérateur de ce point de vue".

Fierté LGBT plutôt que recettes en Russie et censure en Chine

Cinq Grammy Awards, 300 millions de disques vendus (dont le single le plus vendu du monde: "Candle in the wind" ), Elton John est aussi l'un des producteurs du film, aux côtés de son mari, le cinéaste David Furnish. Ce qui devrait éviter le "bug" de Bohemian Rhapsody sur la sexualité de Freddie Mercury, largement estompée par le montage. Rocketman n'évitera pas le sujet de l'homosexualité.

Dans un récent entretien à GQ UK, Taron Egerton va beaucoup plus loin en s'offrant une belle colère à l'égard des "Les trucs que nous avons tournés sont assez explicites. C’est la raison pour laquelle j’ai joué dans ce film. Ces scènes sont désespérément importantes", rappelant que "En tant qu’acteur hétérosexuel, ne pas pousser le jeu le plus loin possible pour en faire une célébration sans réserve du fait d’être gay serait une erreur."

"Je me fous de savoir si le film marchera en Russie" affirme-t-il en pointant un pays qui peut rejeter sa distribution pour "atteintes au valeurs traditionnelles". "Ça n’a pas d’importance, poursuit-il. Ça ne veut pas en avoir. Qu’est-ce que 25 millions de dollars en plus au box office ? Pourquoi faire cela ? Pour ne pas dormir la nuit parce que tu as tout édulcoré ?"

Espérons que les scènes ne seront donc pas coupées pour viser un public le plus large possible. Autrement, le bad buzz des fans et des influenceurs LGBTQI+ pourrait être fatal. Mais il reste à savoir comme Rocketman sera projeté dans certains pays qui ne tolèrent pas l'homosexualité. Bohemian Rhapsody a été censuré en Malaysie, en Egypte, et en Chine (au point que les spectateurs ne comprenaient plus rien à l'histoire et au personnage).

La Quinzaine des Réalisateurs s'offre une exposition VR (Réalité virtuelle) avec Laurie Anderson et Hsin-Chien Huang . "Go Where You Look! - Falling Off Snow Mountain" sont trois installations en réalité virtuelle qui seront présentées au Suquet des Art(iste)s à Cannes, du 15 au 25 mai du mardi au vendredi de 13h à 17h, les samedi et dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h. L'entrée sera gratuite.

"La Quinzaine a souhaité l’inviter cette année à présenter une nouvelle forme de son exploration du storytelling : l’ensemble de ses récentes réalisations en réalité virtuelle, qu’elle co-signe avec le créateur en nouveaux médias, Hsin-Chien Huang" explique le communiqué, qui précise: "Aloft, Chalkroom et To the Moon, les trois œuvres aux passerelles évidentes et aux expérimentations complémentaires, réalisées depuis 2016 et présentées ensemble pour la première fois, offrent au spectateur une image complète de leur recherche dans ces nouveaux territoires narratifs."

On nous promet ainsi un voyage explorateur dans "Les dimensions sensorielles, poétiques et technologiques de ces trois œuvres" en proposant "de nouvelles formes de récit" et "en amplifiant l’expérience cinématographique." "C’est cette approche singulière de la réalité virtuelle, comme nouvelle pratique d’un auteur, que la Quinzaine des Réalisateurs a souhaité mettre en avant et saluer" indiquent les organisateurs.

Laurie Anderson est une musicienne, réalisatrice, écrivaine, artiste multidisciplinaire, pionnière de l’art numérique et finalement storyteller au sens le plus ouvert du terme, classique et contemporain à la fois. En 1987 elle lie son histoire à celle de la Quinzaine des Réalisateurs en y présentant sa première réalisation, Home of the Brave, film-concert devenu culte. Connue pour ses performances multimédia, son usage novateur des technologies et ses récits à la première personne, cette écrivaine, réalisatrice, plasticienne et chanteuse est l’auteure d’œuvres révolutionnaires dans les domaines de l’art, du théâtre et de la musique expérimentale. Sa carrière musicale, lancée par "O Superman" en 1981, est jalonnée de nombreux disques sortis chez Warner Records. Landfall (2018, Nonesuch) a remporté un Grammy Award en 2019.

Hsin-Chien Huang est un créateur en nouveaux médias ayant exercé dans les domaines de l’art, du design, de l’ingénierie et du divertissement numérique. Son œuvre explore l’utilisation de technologies de pointe dans l’art, la littérature, le design et l’art-performance. Ses projets sont souvent caractérisés par une interactivité de grande ampleur, des performances, des machines, des programmes informatiques algorithmiques et des installations vidéo.

C’est hier que le géant du divertissement Disney dévoilait la liste (non-exhaustive) des projets à venir ou en développement sur sa plateforme de streaming Disney+.

Un film porteur

Selon les informations de Variety, un projet de série concernant Love, Simon est en développement et devrait prochainement voir le jour sur cette nouvelle plateforme. Si le film sorti en 2018 était réalisé par Greg Berlanti dans le cadre d’un accord de réalisation avec Fox, le studio qui a produit Love, Simon (Fox 2000) – et qui n’existe plus depuis le rachat officiel d’une partie de la 20th Century Fox par Disney – n’a pu se permettre de refaire appel à l’homme de 42 ans. Producteur d’Arrow, The Flash, Riverdale et Les Nouvelles Aventures de Sabrina (pour ne citer qu’elles), Greg Berlanti a signé il y a peu un accord d’exclusivité avec Warner Bros. concernant les projets télévisés.

L’une des questions soulevées par le public de Love, Simon est de savoir quel sera le matériau de base de cette série disponible sur Disney+. D’après The Hollywood Reporter, il est prévu d’adapter Leah on the Offbeat de Becky Albertalli, soit la suite de Simon vs. the Homo Sapiens Agenda, le roman qui a donné naissance au film Love, Simon. Côté écriture, l’équipe de Disney+ compte garder les scénaristes Elizabeth Berger et Isaac Aptaker qui travaillent en parallèle avec Dan Fogelman sur le hit show de NBC This Is Us.

Dotée d’un nouveau casting, l’adaptation série de Love, Simon devrait permettre à Disney+ de rivaliser avec Netflix sur son créneau phare : les contenus de niche. En effet, le film produit pour 17 millions de dollars et qui en a rapporté plus de 66 à travers le monde était un véritable événement. L’an dernier, il s’agissait tout simplement du premier film destiné au jeune public et issu d’un grand studio américain à s’intéresser à la romance d’un couple gay ! Récompensé aux MTV Movie & TV Awards, aux Teen Choice Awards et aux GLAAD Media Awards, Love, Simon était porté par Nick Robinson, Josh Duhamel, Jennifer Garner, Katherine Langford, Alexandra Shipp, Keiynan Lonsdale et Miles Heizer.

Dans le reste de l’actualité de Disney+, notez que le service de streaming proposera également fin 2019 aux Etats-Unis et dès début 2020 en Europe des séries en live-action issues des univers Marvel et Star Wars. Rien que ça !

Cette année le BIFFF rend hommage à l’acteur Udo Kier, dont le hasard de la programmation fait qu’il est au générique de quatre films du festival cette année.

Il a les yeux d’un bleu revolver et un regard qui tue, son visage est inquiétant malgré lui, alors il en a joué pour incarner divers personnages de monstre, de savant fou, de tueur : c’est ce qui explique que l’on retrouve son nom dans environ 200 films. Il s’est fait connaître dans sa jeunesse pour des rôles de vampire et la tendance du moment est aux rôles de nazi. Udo Kier est celui qui joue souvent un tortionnaire dans des dizaines de films fantastiques.

Le parcours de Udo Kier est émaillé de rencontres importantes avec certains réalisateurs dramatiques, mais c’est le cinéma fantastique qui le fera connaître dans des films plus populaires. Udo Kier se fait remarquer devant les caméras de Paul Morrissey déjà comme vampire (Chair pour Frankenstein en 1973, Du sang pour Dracula en 1974), puis dans divers rôles pour Rainer Werner Fassbinder (La troisième génération en 1979, Lili Marleen en 1981, Lola une femme allemande). Ensuite il devient ami avec Lars Von Trier qui le fait apparaître dans 8 films (de Epidemic à Nymphomaniac vol.2 en passant par Breaking the waves, Dancer in the dark, Manderlay…), et c’est Gus Van Sant qui le fait tourner (My own private Idaho en 1991, Even cowgirls get the blues en 1993). Dès lors l’acteur européen s’installe aux Etats-Unis et va participer à certains gros films portés par les plus grosses vedettes…

En ce qui concerne le fantastique en général Udo Kier se retrouve donc aux génériques de Histoire d'O de Just Jaeckin, Suspiria de Dario Argento, Ace Ventura détective pour chiens et chats avec Jim Carrey, Johnny Mnemonic avec Keanu Reeves, Barb Wire avec Pamela Anderson, Armageddon de Michael Bay, La Fin des temps avec Arnold Schwarzenegger, BloodRayne de Uwe Boll, Halloween de Rob Zombie, Brawl in Cell Block 99 de S. Craig Zahler, Iron Sky de Timo Vuorensola…

C’est justement pour la suite en avant-première Iron Sky: The Coming Race - en présence du réalisateur Timo Vuorensola - que Udo Kier a été fait Chevalier de l’ordre du Corbeau, l’hommage du BIFFF. Outre cet évènement le festival fait découvrir avec lui les films American animals, le fameux Dragged Across Concrete de S. Craig Zahler (applaudi déjà aux festival de Venise et de Beaune, avec Mel Gibson en tête d’affiche) et Puppet Master: The Littlest Reich (d’ailleurs scénarisé aussi par S. Craig Zahler).

Hitler sur un dinosaure

Iron Sky doit sa renommée surtout pour la première moitié du film : en 2011 des américains qui reviennent sur la Lune y découvre sur sa face cachée une base secrète de nazis, et ces nazis de la Lune vont attaquer les nations terrestres, la guerre aura aussi lieu dans l’espace. Ce film complètement fou aux décors incroyables et plein de dérision politique se terminait quasiment dans une guerre nucléaire qui dévastait la Terre. Les quelques survivants de l’humanité ont dû trouver refuge sur la colonie de la Lune. C’est là, environ 20 ans plus tard, que débute cette suite Iron Sky: The Coming Race : un vaisseau russe arrive plein de réfugiés et avec eux l’infâme Wolfgang toujours vivant… Cette suite est deux fois plus folle, Udo Kier qui endosse une fois de plus le costume nazi, interprète d’ailleurs deux rôles. En toile de fond, on se moque encore de certains de nos défauts (le Jobisme soit les adeptes de Steve Jobs et de ses téléphones blancs…) et encore plus de politique (tous les dirigeants très à droite ou tendance dictateur et les chefs religieux…). Cette fois l’histoire est carrément une relecture des origines de l’humanité avec les Vrils, une race de reptiliens qui détient un Graal d’énergie immortelle, soit une ressource dont on aurait besoin pour la colonie sur la Lune : il va falloir aller au centre de la Terre où il y a encore des dinosaures…

Pour cette suite, Timo Vuorensola avait annoncé à Udo Kier qu'il y aurait une scène où Hitler chevauche un dinosaure en disant 'Sieg Heil Mutterfickers', ce à quoi Udo Kier lui avait répondu que ça deviendrait une de ses répliques préférées. Attention les yeux :

On ne peut pas dire que l’on soit réellement surpris du Grand prix de cette 16e édition du festival de Brive. On a déjà eu l’occasion de vous dire tout le bien que l’on pense du nouveau film d’Emmanuel Marre, D’un château l’autre, qui fait bien plus que confirmer les espoirs placés en lui après le succès du Film de l’été.

Avec sa forme hybride (fiction/documentaire, super 8/ téléphone portable) et son personnage principal qui ne se sent jamais vraiment à sa place, le film capte la vulnérabilité cachée des temps. La réalité derrière les certitudes de façades et les grands idéaux péremptoires. Comme si, au milieu du cirque politique de l’entre-deux-tours, Emmanuel Marre filmait un tout petit îlot d’humanité résistante, mais aussi une forme de transmission tacite. Ce n’est pas en regardant le monde tourner que l’on changera les choses, dit en substance Francine qui exporte les jeunes générations à l’action.

À ses côtés, en Prix du jury, on retrouve un autre candidat logique au palmarès, le captivant documentaire Vie et mort d’Oscar Perez de Romain Champalaune, un film de montage qui réunit (sans voix off ni commentaires) les images personnelles, récoltées principalement sur les réseaux sociaux, d’Oscar Perez, figure controversée de l’opposition vénézuélienne à Nicolas Maduro. Ancien policier, Perez s’est peu à peu érigé en chef de file d’une rébellion de plus en plus musclée, allant jusqu’à créer un mouvement paramilitaire organisant des opérations commandos contre les forces de l’ordre.

Tout cela, on le comprend uniquement à travers les images récoltées par Romain Champalaune, qui montrent un personnage charismatique, soucieux de son image, et habile à se mettre en scène dans des situations flatteuses. Avec ses yeux d’un bleu d’acier et son physique de mannequin bodybuildé, Oscar Perez affiche un mélange de candeur absolue et d'insupportable opportunisme politique. Le film nous fait passer par tous les points de vue, le présentant d’abord comme un pantin un peu ridicule, puis comme un néo-fasciste dangereux, avant de le transformer en martyr piteux, dépassé par les conséquences de ses actes. Loin d’apporter des réponses, le réalisateur amène le spectateur à se poser quantité de questions, à la fois sur les faits présentés, et sur la manière dont il a choisi de les présenter.

Prix du jury ex-aequo, Juste un jeu de Daniela Lanzuisi est un documentaire aux intentions plus policées. Des adolescents placés en foyer, qui eux-mêmes ont eu affaire à la justice par le passé, participent à un jeu de rôles dans lequel ils incarnent les différents acteurs d'un procès, et découvrent frontalement les rouages judiciaires. On comprend à quel point un tel sujet peut être séduisant, et il est vrai que l'expérience est intéressante, pleine d'enrichissements pour les participants comme pour le spectateur. Pourtant, le film esquisse à peine la dimension de chacun à la justice, tout en multipliant les scènes plus intimes. Ce faisant, le film donne l'impression de rester au milieu du gué, hésitant entre un portrait de groupe plus fouillé et un documentaire presque solennel uniquement axé sur le "jeu" judiciaire".

Le jury jeunes, composé de lycéens, donne l'impression d'être allé vers des films qui parlaient de ce qu’ils connaissent, mettant en scène des personnages qui sont proches d'eux : un écolier qui découvre le trouble amoureux et sensuel avec Daniel fait face de Marine Atlan (également Prix Ciné+ ex-aequo) et des adolescents qui parlent entre et traversent la banlieue de part en part pour se rendre à une soirée, dans Akaboum de Manon Vila. Dans les deux cas, on est face à des œuvres assez fabriquées, qui cochent presque scolairement toutes les cases du genre qu’elles empruntent, n'allant jamais à l'encontre des attentes du spectateur.

Daniel fait face se prend un peu trop au sérieux avec une histoire de voyeurisme et d'amour mêlés, sur fond de comédie musicale volontairement kitsch. Rien ne dépasse, tout est propre et bien cadré, consciencieusement écrit, si bien que l'émotion n'est jamais là. Un objet froid et lisse, un peu trop édifiant pour être sincère. Akaboum surfe lui sur la tendance du documentaire immersif au sein d'un groupe d'adolescents un peu désœuvrés. Rien ne manque : ni les conversations "authentiques", ni la séquence de rap, ni même le symbole (géographique et surligné) d'un isolement infranchissable.

Le public est lui allé vers un film délicat et bienveillant, Le Chant d’Ahmed de Foued Mansour, dont nous avions déjà eu l’occasion de vous parler. Ce récit sensible d’une rencontre incongrue (entre Ahmed, employé aux bains douches publics, et Mike, un adolescent en délicatesse avec la justice et la société) évite tous les écueils liés au genre. C'est un conte attachant qui met le facteur humain au centre, en se reposant sur quelques scènes fortes, finement écrites (notamment celle où Mike rappe devant Ahmed, ou lorsqu'il tente désespérément de ramasser une savonnette à l'aide d'une pince), qui apportent sincérité et justesse au récit, mais aussi une forme d'émotion subtile.

A noter enfin deux autres films qui figurent au palmarès : Braquer Poitiers de Claude Schmitz (Prix Ciné+ ex-aequo), long récit ostensiblement absurde et déjanté d'une prise d'otages qui ne se passe pas du tout comme prévu, et Topo y Wera de Jean-Charles Hue (Prix de la distribution), documentaire morcelé sur un couple de déportés mexicains vivant à Tijuana, à la fois bouleversant et trop volontairement à distance, comme s'ils ne pouvaient jamais être autre chose que des objets d'étude.

Tout le palmarès

Grand Prix
D’un château l’autre de Emmanuel Marre

Prix du jury ex-aequo
Vie et mort d’óscar Pérez de Romain Champalaune
Juste un jeu de Daniela Lanzuisi

Prix du Jury Jeunes ex-aequo
Akaboum de Manon Vila
Daniel fait face de Marine Atlan

Prix du public
Le Chant d’Ahmed de Foued Mansour

Prix de la distribution
Topo y Wera de Jean-Charles Hue

Prix Ciné+ ex-aequo
Daniel fait face de Marine Atlan
Braquer Poitiers de Claude Schmitz

Concours de scénario
Je n’embrasse pas les images de Pascal Hamant
Mentions spéciales : Le Varou de Marie Heyse et La Sœur de DiCaprio de Lucie Anton

Prix de la Maison du Film
Pour le projet : Youssou et Malek de Simon Frenay