En une quinzaine de films, Luchino Visconti (1906-1976) aura été le cinéaste italien de l’histoire et du temps. De ses premiers films qualifiés de néoréalistes (le mot a été inventé pour son premier film, Les Amants diaboliques, en 1943) jusqu’aux films tableaux mortifères de la fin (L’Innocent sera son dernier film, en 1976), le cinéaste aura raconté l’Italie de sa constitution (Senso, 1953, ou Le Guépard, 1962) jusqu’aux ambigüités d’un passé récent (l’après mai 1968 dans Violence et passion, 1974). Mais les corps qui se déplacent dans l’espace donne à l’histoire une puissance érotique et morbide. Visite guidée en quelques images fortes à l'occasion de la rétrospective intégrale de ses films au Festival du film de La Rochelle, qui s'est achevé hier.

Le premier regard des Amants diaboliques

La sueur sur son front. Elle nettoie la cuisine. Giovanna est en noir, décoiffée, un rictus triste sur les lèvres. Son mari, bonhomme, passe, plaisante : c’est sa station service et elle tient le café attenant. Un vagabond s’approche. La route. La station. Le restaurant. Quand il passe la porte, il suffira d’un regard, un long regard. Giovanni s’arrête pour contempler Gino. Il est beau. Dans le cadre de cet espace auquel il n’appartiendra jamais, Gino, en débardeur blanc, jure : sa peau dévore toute la lumière. Objet érotique né dans la crasse (l’essence, les odeurs de cuisine), il est la beauté noire, baudelairienne, qui expulsera Giovanna de son enfer domestique mais signera  aussi son entrée dans la mort – ensemble, ils ne tardent pas à tuer le mari. Tout est joué dès ce premier regard, dès l’apparition du corps désirable et désiré dans l’embrasure de la porte. Gino, apparu sur la route, y projettera l’histoire – deux accidents de voiture encadrent le récit, comme pour mieux révéler l’impossibilité de vivre dans cette Italie en crise.

Le cinéma et le désir de Bellissima

Dans Bellissima (1951), Visconti veut filmer Anna Magnani. Elle y joue une mère qui, suite à une annonce de casting, fera tout pour que sa fille de six ans décroche un rôle. Il y a deux espaces, celui de la pauvreté néoréaliste (l’immeuble de Maddalena) et celui du cinéma (Cinecitta). L’entrée de la mère et de sa fille dans ce nouvel espace, celui du rêve, pose d’emblée problème – la petite se perd et il faut la retrouver. Après bien des tractations où la petite doit changer du tout au tout (elle se fait couper les cheveux, porte un tutu, prend des cours de diction avec une actrice ratée), Maddalena entre dans une salle de montage et découvre l’envers du décor : la jeune monteuse est une ex starlette qui se prenait une gifle dans un film comique à succès. Maddalena / Magnani découvre, non pas dans les images, dans les rushes qu’elle est venue voir, mais dans le réel, le visage et le travail de cette monteuse, un corps abandonné, mis au rebut du cinéma, destin plus que probable de sa propre fille. Entre ces deux espaces, le réel et le cinéma, qui se rejoignent ici de façon cruelle, il y aura pourtant eu une lisière : au bord de l’eau, Maddalena s’allonge auprès d’un homme qui profite de son obsession pour lui soutirer de l’argent et peut-être un peu de désir… Alanguie dans  l’herbe, Maddalena s’offre dans une position qui rappelle la Partie de campagne de Jean Renoir (film sur lequel Visconti a été assistant). Le désir brûle soudain la pellicule. La main de l’homme s’approche. Les deux corps forment une ligne oblique entre le fleuve et le chemin terreux. Et puis Magnani reprend le dessus, coupe net au désir, qui né dans la terre et la poussière, aurait pu tout détruire  comme dans Les Amants diaboliques : en un regard désirant, en un geste esquissé, est saisie toute l’étendue d’une autre vie.

Corps figurés, corps figurants des Nuits blanches

Dans Les Nuits blanches (1957), Visconti adapte Dostoïevski en studio. Tout le décor crie son côté faux et c’est bien naturel : c’est un film sur le rêve amoureux. Un homme voit une femme dans la rue, la suit, lui parle : elle attend un autre homme. Plus elle se confie sur l’autre, plus il tombe amoureux. Le nouveau couple se retrouve toutes les nuits… Dans l’attente, que peut-il se passer ? Le décor porte en son sein cette triangulation du désir. A chaque scène, d’autres couples se rejoignent et disjoignent comme des danseurs au fond du cadre : tout petits au bout d’une ruelle ou sur un pont, ils sont sans visages, des figurines qui doublent le désir d’étreinte du héros. A la fin, c’est lui qui est la figurine abandonnée, puis il regarde enfin le fond du cadre, reflet tragique de son rêve. Le décor aura ainsi exprimé son désir, et plus encore son exil.

Le visage étrusque de Claudia Cardinale dans Sandra

Après ses participations, petite dans Rocco et ses frères (1960), plus conséquente dans Le Guépard (1962), Claudia Cardinale est immortalisée par Visconti dans ce qui restera son plus beau rôle – Sandra, « Vaghe Stelle dell’Orsa » en italien, d’après un vers de Leopardi. Récemment mariée à un Américain,  Sandra revient à Volterra, sa ville natale. Sandra est donc un film sur l’origine : origine juive d’un père mort à Auschwitz et à qui on dresse une statue, origine de la tragédie historique et familiale puisque Sandra renoue avec sa mère folle et son frère incestueux. L’essentiel du récit se passe dans cette maison de l’enfance, au milieu des statuettes étrusques. Sandra a beau être partie, elle appartient pour toujours à ce lieu : les coiffures de Cardinale, les axes choisis pour filmer son visage, la lumière qui sculpte son nez, sa bouche, son cou, tout cela en fait une statue de la mythologie. Le moment où la pierre se brise, c’est celui du combat avec le frère amoureux, retour à l’origine dans une chambre sombre qui pourrait tout aussi bien être un ventre maternel. Les stries de lumière déchirent les vêtements et nous offrent le spectacle d’une nouvelle naissance : Sandra sortira de cette lutte en blanc immaculé. Grandie ?

Le vieil homme et la mort (1) : Mort à Venise

Aschenbach suit Tadzio dans les rues de Venise. Le décor croupissant est recouvert d’un produit blanchâtre. Le musicien, venu se reposer, aurait pu partir un peu plus tôt, fuir le choléra, la mort qui gagne le cadre peu à peu. Mais il a choisi de rester pour avoir aperçu la beauté absolue, celle qu’il n’avait pas voulu voir jusqu’à présent. Il ne se passe que très peu de choses dans Mort à Venise : les descriptions de la nouvelle de Thomas Mann sont fidèlement retranscrites dans des panoramiques et zooms aussi lents qu’envoutants. Le contempaltion de la beauté remplace l’action tandis qu’Aschenbach se souvient : son art n’aura été que rigueur et travail, un art apollinien selon la définition de Nietzche. Aschenbach découvre alors sous les traits du jeune Tadzio une beauté naturelle, violente, pulsionnelle : c’est la face dionysiaque qui a manqué à sa vie. De cette révélation, le personnage meurt – le titre n’en fait pas mystère. Pourtant, à la fin, Tadzio tend la main vers la mer : c’était ça, la vraie beauté que l’artiste n’aura pas réussi à voir. Terrible horizon d’une vie gâchée, tandis que coule le maquillage du personnage transformé en masque grotesque.

Pourriture de Ludwig

Helmut Berger est Ludwig dans cette fresque de près de quatre heures (1972). Mais plus encore c’est le film tout entier qui est Ludwig. Visconti nous enlise dans la folie de cet empereur esthète qui fait des opéras de Wagner la musique de sa vie, d’un écuyer un prince charmant, d’un acteur aperçu sur une scène un Roméo qu’il épuise à force de lui demander de réciter ses tirades préférées… Le réel dans le récit disparaît quasiment : seuls quelques plans face caméra de ceux qui ont travaillé pour lui nous sortent de l’esprit malade de Ludwig. Alors qu’il y organise une mise en scène, une grotte ou une taverne prennent soudain la forme de son cerveau. Une galerie de miroirs reflète les tréfonds de son âme, un escalier son esprit tortueux. Mais plus les espaces sont beaux, romantiques, foisonnants, plus Ludwig décrépit : l’extérieur, le décor, est le lieu de ses folles rêveries, son corps une peau de chagrin gagnée par la pourriture. Rage de dents, toussotements, yeux exorbités… La maladie ronge son corps tandis que le château apparaît de plus en plus comme un somptueux tombeau. Exilé de son antre sublime, Ludwig s’écroule dans l’hiver, se fige à jamais dans un tableau qu’il aurait pu peindre.

Le vieil homme et la mort (2) : Violence et passion

Le titre original, Gruppo di famiglia in un interno (« groupe de famille dans un intérieur »), dévoile l’ambition de Visconti : faire un huis clos en forme de tableau figé où la vie extérieure, le hors-champ, le présent seraient donnés à voir en creux. Ils s’infiltrent en effet dans l’histoire d’un vieil homme qui vit au milieu d’œuvres d’art et de livres. L’inspiration douceâtre des tableaux de genre anglais contraste avec la famille à la vulgarité toute italienne qui viole son espace. La mère écrase sa cigarette à même le sol, la fille s’invite à dîner mais ne vient pas, le gendre fait des travaux bruyants et un gigolo finit par pénétrer littéralement dans la bibliothèque du vieil intellectuel, et à se présenter nu, offert et interdit à la fois, à ses yeux. Mais c’est bien le capitalisme conquérant d’un mari qui n’est pas jamais montré qui fait entrer la pourriture dans l’espace (la fuite au plafond) et fait de la révolte du gigolo soixante-huitard un coup d’épée dans l’eau individuel et finalement très égoïste. Les coups de téléphone, la musique pop et les cris de Silvana Mangano et de sa fille envahissent l’espace sonore du professeur avant que seul résonne un dernier son : les pas de la mort dans l’appartement du dessus. Violence et passion, c’est la destruction d’un espace qui représente toute une vie. Une famille monstrueuse s’y invite, sème le chaos, et paradoxe fait goûter au vieil homme le parfum d’une joie nouvelle.

Mais dans les films de Visconti cette remise en question détruit la construction de toute une vie. Les châteaux de Ludwig, la beauté du Tadzio, le rêve de Cinecitta ou le corps érotisé d’un vagabond dans Les Amants diaboliques sont des écrins révélant la même aspiration vers un ailleurs – un diamant noir qui envahit les espaces et les corps dans un retentissement funeste dont le tragique n’a d’égal que la beauté.

A l'occasion de la sortie de Que viva Eisenstein ! mercredi prochain, nous avons longuement rencontré le réalisateur Peter Greenaway pour une conversation à bâtons rompus sur Sergueï Eisenstein, le cinéma de propagande, la mort et l'avenir du cinéma. Petit avant-goût de ce long entretien avant sa publication mercredi, avec l'anecdote favorite de Greenaway à l'égard d'Eisenstein, qui l'amène à expliquer pourquoi il n'a pas désiré faire un biopic classique.

"Il y a une anecdote que l’on répétait souvent sur le tournage et qui figure dans le film. Lorsqu’Eisenstein est arrivé à l’aéroport de Rotterdam, il y a avait une foule compacte de journalistes qui l’attendaient. Mais quand ils l’ont vu, ils ont semblé très déçus : ils attendaient Einstein !

Biopic... non conventionnel

Donc, on peut se demander dans quelle mesure le grand public d'aujourd'hui connaît Eisenstein…  Mais est-ce que cela signifie que, moi, je dois éduquer les spectateurs ? Dois-je dire : voilà, c’est Eisenstein. Il est né tel jour, à tel endroit, etc.

D'une part ce serait assez barbant, mais en plus, à notre époque, les gens peuvent facilement trouver toutes les informations qu’ils souhaitent sur Eisenstein !

J’imagine que d’une certaine manière, c’est un biopic, mais un biopic très peu conventionnel. Je n’ai pris qu’une toute petite partie de sa vie, ces dix jours où il est loin de ses centres d’intérêt, de Staline, loin du matérialisme dialectique… et je pense que vous serez d’accord avec moi : quand on voyage à l’étranger, on devient une autre personne. Pas forcément de manière aussi dramatique, mais on gagne une certaine forme de liberté. On commence à voir notre pays d’origine différemment.

Par ailleurs, nous avons beaucoup joué, dans Que viva Eisenstein !. Nous avons beaucoup cité ses films : des séquences célèbres d’Octobre et du Cuirassé Potemkine, à plusieurs reprises. C’est un peu ironique, aussi.

Car si vous êtes étudiant en cinéma, vous faites une orgie d’Eisenstein. Vous devez être attentif, tout regarder dans les moindres détails. Ca a un petit côté "allez, c’est reparti, tiens, les escaliers d’Odessa", etc. On voulait jouer avec cette idée-là aussi.

Propagande, vous avez dit propagande ?

Bien sûr, c’est un problème : est-ce que les gens ont assez de connaissances sur Eisenstein pour comprendre pleinement ce qu’on fait ? Le film est sardonique, il est critique envers le cinéma de propagande, envers le cinéma de propagande soviétique.

Lénine pensait que le cinéma était absolument idéal pour la Russie car 95% de la population russe était illettrée à l’époque. Donc faire du cinéma de propagande était primordial. Staline l’a compris lui aussi bien sûr, et l’a encouragé à outrance.

Mais vous savez, il y a une chose étrange au sujet de la propagande. J’ai été particulièrement irrité quand les gens ont rejeté Eisenstein en disant : "c’est de la propagande soviétique". Mais la chapelle Sixtine de Michel-Ange est de la propagande pour le catholicisme !!! Personne ne se plaint que Michel-Ange ait fait de la propagande !"

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Pour aller plus loin

- n'oubliez pas de participer à notre jeu concours et gagnez des places pour Que viva Eisenstein !

- lisez notre pré-critique du film lors de sa présentation au Festival de Berlin 2015

Le Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg vient de dévoiler les premiers titres destinés à horrifier, divertir, faire frémir et enthousiasmer les spectateurs de sa 8e édition qui se tiendra du 18 au 27 septembre.

Nécrophilie, créatures maléfiques, guêpes tueuses mutantes, aliens malveillants... tous les classiques du genre sont attendus, dans des longs métrages qui oscillent entre thriller macabre, comédie noire, polar gore et même... documentaire !

Deux documentaires ont en effet été sélectionnés : GTFO (ou Get The F&#%Out) de Shannon Sun-Higginson et The Visit : An Alien Encounter de Michael Madsen. Le premier nous emmène assez courageusement dans le quotidien des joueuses de jeux vidéo subissant le sexisme de leurs partenaires masculins tandis que le second questionne des scientifiques sur ce qui arriverait si un vaisseau extraterrestre se posait sur Terre. La preuve que cinéma fantastique ne signifie pas uniquement émotions fortes et scènes sanglantes !

Les cinéphiles les plus purs trouveront d'ailleurs forcément leur bonheur dans la section rétrospective Kids in the dark qui propose notamment de (re)voir sur grand écran des chefs d'oeuvre comme La Nuit du chasseur de Charles Laughton ou Le village des damnés de Rolf Willa.

On attend avec impatience de connaitre le reste de la programmation, mais c'est déjà sûr : la rentrée sera fantastique ou ne sera pas.

Les premiers titres annoncés

Compétition
The Invitation de Karyn Kusama
They Look Like People de Perry Blackshear
Crumbs de Miguel Llanso
Sweet Home de Rafael Martinez
The Corpse of Ana Fritz de Hèctor Hernández Vicens
The Bunker de Nikias Chryssos
The Woods de Corin Hardy

Section Crossovers
Uncle John de Steven Piet
Applesauce de Onur Tukel
Night Fare de Julien Seri

Séances de minuit
Stung de Benni Diez
Deathgasm de Jason Lei Howden
Ava’s Possessions de Jordan Galland

Documentaires
GTFO de Shannon Sun-Higginson
The Visit : An Alien Encounter de Michael Madsen,

Rétrospective Kids in the Dark
Le Village des Damnés de Wolf Rilla,
La Mauvaise graine de Melvin LeRoy
La Malédiction de Richard Donner
L’autre de Robert Mulligan
Les Innocents de Jack Clayton
Les Révoltés de l’an 2000 de Narcisso Ibanez Serrador
La Nuit du chasseur de Charles Laughton
Sa Majesté des Mouches de Peter Brook
L’Esprit de la ruche de Victor Erice

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8e Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg
18 - 27 septembre 2015
Plus d'informations sur le site du Festival

Deux moi s après le début de l'été, la deuxième salve de blockbusters va être lancée en Amérique du nord. La première a créé des surprises avec Jurassic World un box office monstre mais aussi des scores inattendu pour Pitch Perfect 2, décevant pour A la poursuite de demain, catastrophique pour Aloha. Il n'empêche c'est une bonne saison pour le moment. Et trois studios ont déjà encaissé plus d'un milliard de dollars de recettes depuis le début de l'année. Et il reste pour l'été quelques cartes mâitresses.

1^er Juillet

Terminator Genisys

Arnold Schwarzenegger a finalement accepté de reprendre son personnage le plus emblématique pour une énième déclinaison du Terminator de James Cameron. Son comeback se poursuit dans l’espoir d’accrocher, enfin, un succès et un bon film. Marketé maladroitement en spoliant l’idée forte du pitch, ce 5^ème opus va subir la férocité toujours gargantuesque des dinos de Jurassic World. Heureusement pour Genisys, Ted 2 a effectué un démarrage mollasson. Ainsi, il va pouvoir capter une bonne partie du public adulte nostalgique de revoir Schwarzy dans le rôle du T 800. Si l’ombre du quatrième opus risque de lui porter préjudice, nous voyons mal le film rester sous la barre des 100 millions de dollars. Succès, oui. Plébiscite, non.
Démarrage (sur 5 jours) : 48M$
Final : 125-135M$

Magic Mike XXL

Il s’agit sans doute du projet le moins explicable de l’année. En effet, que reste-t-il à raconter après l’épisode de Soderbergh, film de quelques millions de dollars ne justifiant pas la raison d’une suite ? Et puis, rééditer le succès surprise de l’année 2012 (7 millions de budget pour plus de 110M$ de recettes) ne sera pas évident malgré la présence au casting de Channing Tatum. Sinon, il reste bien un moyen. Balancer du divertissement frais et décomplexé qui ne s’embarrasse pas d’une sous-lecture trop complexe vis-à-vis de la seule justification qui vaille la peine : faire remonter sur scène tous ces beaux mâles pour le plus grand plaisir d'un public féminin souvent ignoré par les studios en été.
Démarrage (sur 5 jours) : 42M$
Final : 90-100M$

10 juillet

Minions
Que ferait-on sans Hollywood et ses Spin-off ? Moi, moche et méchant, le carton animé d’Universal, décline dans un long-métrage à part entière une histoire à la gloire des Minions, petits êtres jaunes aussi drôles qu’attachants. Le buzz autour du film a pris des proportions incroyables faisant dire aux spécialistes que Minions pourrait bien établir un record de bananes lors de son week-end de sortie. Si le film n’atteint pas le niveau qualitatif de Vice-Versa, son côté déjanté, absurde et malin peut faire la différence. Mais tiendra-t-il sur la distance ? Nous serions tentés de dire oui puisque, en dehors du Pixar, il n’y a aucune concurrence avant la rentrée de septembre sur ce créneau. Mais attention. L’année dernière, Dragons 2 avait, lui aussi, la faveur des pronostics. On sait ce qui lui est arrivé…
Démarrage : 95M$
Final : 335-345M$

17 juillet

Ant-Man

Tout comme les Gardiens de la galaxie, Ant-Man, nouveau visage héroïque des productions Marvel au cinéma, peut profiter d’une attente légitime du public vis-à-vis d’un super-héros différent mais très surprenant (il est capable de rapetisser à volonté et de communiquer avec les insectes). Porté par Paul Rudd, le film s’inscrit dans la stratégie Marvel de proposer, film après film, un univers cohérent avec des personnages en interaction. Le risque est consubstantiel à cette stratégie d’homogénéisation artistique. Raison pour laquelle Robin Wright (Shaun of the dead) aurait claqué la porte, remplacé par Peyton Reed (La Rupture). Embêtant. Mais sait-on jamais, une surprise à la Iron Man est toujours possible.
Démarrage : 56M$
Final : 160-170M$

Trainwreck

Judd Apatow revient sur le devant de la scène trois ans après la semi-déception publique de 40 ans : mode d’emploi. Hélas ou pas, d’ailleurs, il officie uniquement en tant que réalisateur. Ce qui veut dire qu’il n’a pas écrit le script. C’est Amy Schumer, star américaine du stand-up, qui s’en occupe. Egalement le premier rôle au côté, entre autre, de la sublime Tilda Swinton, Schumer a imaginé une comédie estivale qui semble loufoque, émancipée, un brin féministe. Dans l’ère du temps, en somme. Après Pitch Perfect 2, Trainwreck pourrait bien redonner à Apatow le chemin du succès. À défaut d’un excellent film.
Démarrage : 33M$
Final : 105-115M$

24 juillet

Pixels

Que dire autour de ce Pixels réalisé par le yes man Chris Colombus ? Qu’il est difficile à pronostiquer malgré un casting imposant qui compte Adam Sandler, Kevin James ou encore Michelle Monaghan. Le pitch aussi original soit-il est à la limite de l’ineptie et voit des aliens envahir la Terre à l’aide des personnages de jeux d’arcade des années 80 comme Donkey Kong, PAC-MAN ou encore Centipède. Il fallait oser. Hollywood l’a fait. Ce qui ne veut pas dire (soyons optimiste !!) que le film est forcément mauvais. Néanmoins, la contre-programmation à 110M$ s’affiche sans complexe malgré le risque du bide. Surtout si le film ne fédère qu’un public geek biberonné aux jeux d’arcade.
Démarrage : 55M$
Final : 165-175M$

29 juillet

Vive les vacances (Vacation)

L’été 2015 ne pouvait probablement pas se passer de la comédie itinérante dont les américains ont le secret. Road-movie drolatique portés par deux jeunes réalisateurs, Vive les vacances est en fait un remake d’un grand classique de la comédie américaine : Bonjour les vacances (réalisé en 1983 par Harold Ramis, le papa d’Un jour sans fin). Avec son casting alléchant (Ed Helmes, Christiana Applegate, Chris Hemsworth et Leslie Mann) et son ancrage dans la culture populaire américaine, Vive les vacances, pour peu qu’il actualise avec talent les fondamentaux de la cellule familiale, est presque assurer de faire une belle carrière à défaut de réaliser un véritable hit.
Démarrage : 33M$
Final : 115-120M$

31 juillet

Mission Impossible 5

Et 1, et 2 et…5 Mission Impossible. Malgré l’échec du troisième opus, Tom Cruise revenait plus fort que jamais dans un quatrième épisode rondement mené (merci Brad Bird) et bankable (plus de 200 millions de dollars US). Le 5 était donc inévitable, surtout pour un acteur en perte de vitesse sur le plan du box-office (lui qui fut le roi dans les années 90 et jusqu’au milieu des années 2000). Ce dernier opus, signé Christopher McQuarrie (Jack Reacher), sort judicieusement puisqu’il sera le seul à pouvoir séduire un public en demande d’action live, loin des films de super-héros et autres « movies » à effet numérique. Avec son côté Bebel fait ses cascades, Cruise ne devrait pas décevoir un public avide d'adrénaline. Sans le comparer au raz de marée de Fast and Furious 7, on peut penser que ce Mission Impossible – Rogue Nation ne déméritera pas sur le sol américain.
Démarrage : 57M$
Final : 190-200M$

7 août

Les 4 Fantastiques

Après deux épisodes de piètres qualités, la Fox avait décidé d’arrêter les frais. Huit ans plus tard et un développement artistique totalement différent, voilà que la bande des 4 fait sa réapparition. Aux manettes, un certain Josh Trank. 31 ans au compteur et surtout Chronicle, petite pépite bourrée d’inventivité réactualisant l’univers du super-héros pour trois fois rien. Si le jeune réalisateur a su imposer sa patte sur le développement de personnages toujours très populaires, le film vaudra le détour. Mais rien n’est moins sûr. Seule certitude. Ce deuxième long-métrage ne peut pas être moins bon que les deux essais filmiques autour des 4 fantastiques.
Démarrage: 40-50M$
Final: 120-130M$

14 août

Straight Outta Compton

Film biographique de l’été, Straight Outta Compton relate la création dans le milieu des années 80 – en réaction à l’oppression policière – du groupe de rap N.W.A originaire de Compton, une banlieue réputée dangereuse du sud de Los-Angeles. Dans un climat tendu suite aux récents dérapages de la police à l’encontre de la communauté afro-américaine, le film de F. Gary Gray pourrait résonner comme un rappel d’une situation qui n’aurait pas beaucoup évoluée. Musique + politique : un cocktail explosif pour un biopic qui pourrait bien surprendre.
Démarrage : 32M$
Final : 85-95M$

Agents très spéciaux - Code U.N.C.L.E

Avec ces Agents très spéciaux - code U.N.C.L.E, Guy Ritchie (Sherlock Holmes) adapte au cinéma la série anglaise éponyme sortit en 1964. Ce film d'espionnage à l'ancienne pourrait bien prendre l'aspect d'un buddy movie voyant un agent de la CIA (Henry Cavill - Superman) être contraint de travailler avec un agent du KGB (Armie Hammer - Lone Ranger). L'alchimie entre les deux acteurs sera essentielle. Tout comme l'intégration de la gente féminine (présence d'Alicia Vikander, le robot dans Ex Machina), de l'action, du glamour, de l'ironie (avec Hugh Grant en guest) et de tout ce qui fait le charme des comédies d'action à l'anglaise. Et qui sait, peut-être une surprise à la Kingsman?
Démarrage: 25M$
Final : 75-85M$

19 août

Masterminds

Le réalisateur de Napoléon Dynamite et Super Nacho sort une nouvelle comédie tirée de faits réels. Cette histoire de braquage réunit, comme souvent dans ce genre de production, des têtes d’affiche. Jason Sudeikis, Owen Wilson, Zach Galifianakis et Kristen Wiig. Rien que ça. Si la période est favorable et le réalisateur plutôt doué, le sujet, assez classique et déjà vu à maintes reprises, pourrait refroidir une partie du public.
Démarrage : 24M$
Final : 92-105M$

Que viva Eisenstein ! de Peter Greenaway, présenté en compétition officielle au dernier festival de Berlin, sort enfin sur les écrans français le 8 juillet prochain. Cette farce flamboyante et virtuose raconte les dix jours passés par Sergueï Eisentein dans la ville de Guanajuato, au Mexique, à la fin de l'année 1931.

Fraîchement éconduit par Hollywood et sommé de rentrer en URSS, le grand cinéaste russe se rend à Guanajuato pour y tourner son nouveau film, Que Viva Mexico ! Chaperonné par son guide Palomino Cañedo, il se brûle au contact d’Éros et de Thanatos. Son génie créatif s’en trouve exacerbé et son intimité fortement troublée. Confronté aux désirs et aux peurs inhérents à l’amour, au sexe et à la mort, Eisenstein vit à Guanajuato dix jours passionnés qui vont bouleverser le reste de sa vie.

PYRAMIDE vous fait gagner 10X2 places pour le film. Il suffit de répondre par courriel à la question suivante (en mentionnant votre nom et vos coordonnées postales) :  ce n'est pas la première fois que Peter Greenaway met en scène un artiste célèbre dans l'un de ses films. En 2007, il a notamment raconté un épisode de la vie du peintre Rembrandt. Dans quel film ?

Attention, aucune réponse postée dans les commentaires du site ne sera prise en compte.

On peut dire que le Arras Film Festival a du nez. L'an passé, il a ouvert sa 15e édition avec un petit film français a priori sans ambitions, qui s'est révélé le grand succès de l'hiver, comptabilisant plus de 7 millions de spectateurs.

La famille bélier, car c'était bien lui, est donc né à Arras... et s'il est peut-être l'exemple le plus spectaculaire, il est loin d'être le premier. Preuve s'il en fallait que cette semaine arrageoise est devenue au fil des ans le grand festival de l'automne, où sont dévoilés les films importants des mois à venir.

En 2014, la manifestation a ainsi proposé 45 avant-premières dont Foxcatcher, L'enquête, Les souvenirs, La prochaine fois je viserai le coeur, Mr Turner... En tout,  plus de 38 000 spectateurs se sont pressés à l'une de ses 331 projections, ce qui représente 4000 entrées de plus qu'en 2013.

Alors que l'édition 2015 se prépare (elle aura lieu du  6 au 15 novembre), on connaît déjà les thématiques des deux rétrospectives traditionnelle : "l'Irlande, d'un conflit à l'autre" et "Braquages en tous genres". De quoi permettre, comme chaque année, un cycle historique et un autre plus "léger", prétexte à proposer de savoureux films de genre.

Pour le reste de la programmation, et notamment la fameuse compétition européenne et les très attendues avant-premières, il faudra attendre la rentrée pour en savoir plus. Mais on peut d'ores et déjà certain que festival saura dégoter (avant tout le monde) les pépites de la saison 2015-2016.

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16e Arras Film Festival
Du 6 au 15 novembre 2015
Site de la manifestation

Désormais seul festival de premier plan consacré au cinéma asiatique en France, le Festival international des Cinémas d'Asie de Vesoul continue de creuser son sillon. Ce qui signifie, pour ses organisateurs, une mobilisation permanente pour préparer l'édition à venir. Martine et Jean-Marc Thérouanne ainsi que leur équipe de fidèles travaillent donc d'arrache-pied à l'élaboration du FICA 2016, qui se tiendra du 3 au 10 février.

Une des nombreuses étapes de leur marathon annuel les a mené comme chaque année au Festival de Cannes, où ils ont retrouvé plusieurs de leurs anciens invités d'honneur tel Hou Hsiao-Hsien, Brillante Mendoza (ci-dessus en photo avec l'équipe) et Kore-Eda Hirokazu. C'est souvent lors de ces rencontres informelles que se nouent les contacts primordiaux pour le festival, notamment lorsqu'il s'agit d'inviter acteurs, réalisateurs et producteurs à venir découvrir Vesoul. Qui sera le prochain Cyclo d'honneur ? Le mystère reste pour le moment entier... mais on peut être sûr que les organisateurs nous concoctent quelques belles surprises de leur cru.

Mais s'il est trop tôt pour annoncer les personnalités qui seront honorées au prochain FICA, les grandes lignes de cette 22e édition commencent malgré tout à se mettre en place. Ainsi, on sait d'ores et déjà que la section thématique sera intitulée "entre l'Orient et l'Occident". "C'est une thématique très actuelle", explique Jean-Marc Thérouanne. "On est sans conteste dans le village global où tout s'interpénètre." Ce sera donc l'occasion de présenter des coproductions entre Asie et Occident (à l'image d'Another country de Hong Sang-soo, ou du Barrage contre le pacifique de Rithy Panh) mais aussi des films traitant du colonialisme, des flux migratoires et de la fascination des Occidentaux pour l'Asie.

"Nous avons également reçu le label pour participer à l'Année France-Corée qui commémore le 130e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée du Sud", déclare par ailleurs le délégué général du FICA. "Pour le moment, nous sommes l'un des trois projets cinéma retenus ! Nous avons décidé de proposer une rétrospective de films qui sont des adaptations littéraires. Soit des films coréens basés sur des livres fraçais, soit l'inverse. Cela nous permet de nous renouveler".

Se renouveler, c'est bien l'une des préoccupations majeures de l'équipe de Vesoul, qui propose chaque année un savant dosage de découvertes, de valeurs sûres et de petites pépites rarissimes. Ce sera probablement à nouveau le cas en 2016, ne serait-ce qu'avec le troisième temps fort dévoilé par Jean-Marc Thérouanne : un regard sur "Les maîtres oubliés du cinéma thaïlandais" qui devrait dévoiler les années fondatrices de cette cinématographie aujourd'hui si dynamique.

Cela fait déjà trois bonnes raisons d'aller passer une semaine à Vesoul en février prochain... et c'est loin d'être fini ! D'autant que, cette année, la manifestation se tiendra juste avant Berlin (11-21 février), permettant aux plus gourmands d'entre nous d'enchaîner les deux festivals, pour une double dose de plaisir cinématographique.

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22e Festival international des Cinémas d'Asie de Vesoul
Du 3 au 10 février 2016
Site de la manifestation

Le 69e Festival du Film d'Edimbourgh (Ecosse) a annoncé son palmarès aujourd'hui, deux jours avant la remise des prix.

45 Years d'Andrew Haigh, qui a déjà été honoré d'un double prix d'interprétation à Berlin et qui vient de faire son avant-première française au Festival de Cabourg, a reçu la plus haute distinction, le Prix Michael Powell du meilleur film britannique. Ce prix a récompensé par le passé des films comme Priest, Jude, Young Adam, My Summer of Love, Tsotsi, Moon...

L'actrice principale du film, Charlotte Rampling, a été récompensée en tant que meilleure interprète, prix qu'elle partage avec James Cosmo (The Pyramid Texts). Eddie Marsan avait été l'unique récipendaire l'an dernier.

Le prix du meilleur film international a distingué The Diary of a Teenage Girl de l'américaine Marielle Heller, le prix du documentaire a été décerné à The Wolfpack de Crystal Moselle et le prix du public récompensant un film d'animation anglais a couronné Stems d'Ainslie Henderson.

L'Académie des Oscars a effectué quelques modifications dans ses règlements mardi lors de son conseil d'administration.

Malgré les critiques, la catégorie du meilleur film ne subit aucune modification, offrant toujours la possibilité d'avoir de 5 à 10 films nommés.

Dans la catégorie des effets visuels, le nombre de films de la "shortlist" ne change pas (10) alors qu'il était proposé de l'augmenter à 20.

Concernant les courts-métrages documentaires, il y aura dorénavant 5 films nommés. Jusqu'à présent, la catégorie pouvait n'en avoir que 3, 4 ou 5 selon les votes.

Pour les courts-métrages animés et les courts métrages, il faudra que le film ait une sortie en salles dans le comté de Los Angeles durant 7 jours consécutifs avec une séance par jour minimum et pas simplement une sortie en salles aux Etats-Unis. Là aussi, le nombre de films nommés est obligatoirement de 5, et non plus variable de 3 à 5.

Les prochains Oscars auront lieu le 28 février 2016.

Tale of Tales de Matteo Garrone, présenté en compétition lors du 68e Festival de Cannes, sort sur les écrans le 1er juillet prochain. Dans un récit tour à tour burlesque, terrible, picaresque et merveilleux, il fait se croiser et se rencontrer Vincent Cassel, Salma Hayek, John C. Reilly et Toby Jones.

Il était une fois trois royaumes voisins où dans de merveilleux châteaux régnaient rois et reines, princes et princesses : un roi fornicateur et libertin, un autre captivé par un étrange animal, une reine obsédée par son désir d'enfant... Sorciers et fées, monstres redoutables, ogre et vieilles lavandières, saltimbanques et courtisans sont les héros de cette libre interprétation des célèbres contes de Giambattista Basile.

Le pacte vous fait gagner 5X2 places pour le film. Il suffit de répondre par courriel à la question suivante (en mentionnant votre nom et vos coordonnées postales) :  en 2008, Matteo Garrone a remporté le Grand Prix du Festival de Cannes avec un film traitant de la mafia napolitaine. De quel film s'agit-il ?

Attention, aucune réponse postée dans les commentaires du site ne sera prise en compte.