Le vénérable Jean-Jacques Sempé - 86 ans - est hype. Le dessinateur, à qui l'on doit l'histoire de Raoul Taburin (sorti le 17 avril avec 80000 entrées en France pour sa première semaine), est plus connu pour avoir illustrer les histoires du Petit Nicolas.

Le garnement fête ses 60 ans cette année et deux adaptations sont programmées. Deux adaptations animées doit-on préciser, l'une pour le cinéma, l'autre pour la télévision. Tout devrait être prêt à l'horizon 2020-2021.

Onyx Films et Kaïbou Productions (Le petit prince) préparent un long-métrage d’animation, le premier pour notre héros, Le Petit Nicolas – Les copains d’abord. Il sera réalisé au studio Foliascope (Owen et la forêt des loups, Wardi). Le scénario est assuré par Michel Fessler (La marche de l’empereur, Terre des ours) et Anne Goscinny. La fille de René Goscinny a déjà collaboré aux deux précédents films adaptés du Petit Nicolas, réalisés par Laurent Tirard en prises de vues réelles, Le Petit Nicolas, sorti en 2009, et Les vacances du Petit Nicolas, sorti en 2014. Le diptyque a attiré 8 millions de spectateurs dans le monde.

Par ailleurs, Anne Goscinny collaborera aussi à l’écriture de la série animée Le Petit Nicolas – Tous en vacances !. Le feuilleton comptera 52 épisodes de 12 minutes et racontera les aventures de Nicolas et ses amis en vacances à la plage. La série sera diffusée sur M6, qui avait déjà produit en 2009 une série télévisée en animation 3D autour du Petit Nicolas.

On cherche toujours l'héritier d'Hayao Miyazaki. Avec son récent Miraï, ma petite sœur, Mamoru Hosoda fait partie des cinéastes devenus incontournables dans l'anime japonais. Mais il faut aussi compter sur Makoto Shinkai, dont Your Name (2016) avait explosé le box office japonais (235M$ de recettes) en plus de convaincre la critique et les fans d'animation.

Mamoru Hosoda avait eu les honneurs de la Quinzaine des réalisateurs en mai dernier avec Mirai. le film a réussi à être le 19e plus gros succès de l'année au Japon en 2018. Il est actuellement en salles en France et il approche des 100000 entrées depuis sa sortie durant les fêtes.

Makoto Shinkai aura-t-il le même privilège, voire une sélection officielle à Cannes cette année? C'est possible puisqu'il termine actuellement son nouveau film, Weathering With You, qui sortira au Japon le 19 juillet.

Le film suit un jeune homme, Hodaka, qui se lie d'amitié avec une fille capable de manipuler le climat. Provincial dans une région déclassée, ce jeune marin va à Tokyo pour se faire par embaucher par un magazine douteux, spécialisé dans les sciences occultes. Il pleut continuellement sur la capitale japonaise, comme si son avenir était condamné à ce temps plombant. Ce qui l'intrigue. Quand il rencontre Hina, brillante et vivante, qui assure savoir arrêter cette pluie et fait redécouvrir la lumière à la ville.

C'est "une histoire dans laquelle garçons et filles, renversés par le destin, "choisissent" leur mode de vie à l'ère de l'harmonie climatique. L'histoire de deux amours est peinte comme un message adressé au monde entier, belle et indolore" mentionne le réalisateur dans sa note d'intention.

C'est un des personnages atemporels de la culture française depuis 1956 (même s'il est né dans un canard belge). Le Petit Nicolas, dessiné par jean-Jacques Sempé et scénarisé par René Goscinny, a déjà été adapté en série animée (2009, en jeu vidéo (2013) et en films en prises de vues réelles en 2009 (59M$ de recettes dans le monde, 5,5 millions d'entrées en France) et en 2014 (22M$ de recettes dans le monde, 2,5 millions d'entrées en France), à chaque fois réalisés par Laurent Tirard.

Cette fois-ci Le petit Nicolas, sa famille et sa bande vont prendre vie en long métrage animé coréalisé par Yvan Attal et Amandine Fredon. Pour Attal, qui a déjà réalisé cinq longs métrages (dont Le Brio l'an dernier, succès populaire et nommé aux Césars), ce sera une première incursion dans le monde de l'animation. Amandine Fredon a réalisé la série animée Tu mourras moins bête (31 épisodes).

Le petit Nicolas : parfum d'enfance sera coscénarisé par Anne Goscinny, la fille de René, et Michel Fessler (Hanuman, T'choupi, La marche de l'empereur, Ao le dernier Néandertha...).

Le pitch: Il était une fois un petit garçon d’encre noire, reconnaissable à ses yeux rieurs et à son beau sourire en coin, partant à la conquête de millions de lecteurs. Penchés sur une feuille blanche, Jean-Jacques Sempé et René Goscinny donnent vie à ce petit garçon au pull rouge, le Petit Nicolas. Au fil du récit, le petit garçon se glisse dans l’atelier du dessinateur et de son scénariste, et les interpelle avec drôlerie. Sempé et Goscinny répondent aux interrogations de l’enfant par des confidences et des anecdotes. Sous la plume et les mots des auteurs, le Petit Nicolas découvre qu’il a une maison, des parents, une grand-mère, une maîtresse à l’école et de nombreux copains. Puis, vient le temps des vacances au bord de la mer et là c’est chouette! Au fur et à mesure des aventures de Petit Nicolas et de ses copains, Sempé et Goscinny se dévoilent et racontent une enfance pleine de rêves et d’émotions joyeuses.

C’est souvent le parent pauvre du festival, et cette année n’y fait pas complètement exception. Certes il y a de l’animation sur la Croisette. Mais trop souvent, on a l’impression que la sélection des films d'animation répond à une concession faite au genre et à ses défenseurs plus qu'à un véritable choix de programmation.

N’incriminons pas la Semaine de la Critique, qui pour la 2e fois consécutive propose un long métrage d’animation en compétition : Chris the swiss d'Anja Kofmel (1 sur 7, c’est un bon ratio s’il faut penser en termes purement numériques). On se réjouit de cette nouvelle "tradition" instaurée par la Semaine, et qui est un exemple à suivre pour l'ensemble du festival. Incriminons encore moins la Quinzaine des réalisateurs qui a elle sélectionné deux longs métrages en compétition : Mirai de Mamoru Hosoda et Samouni Road, un documentaire de Stefano Savona en partie animé par Simone Massi.

En revanche, on a le droit d’être un poil déçu par la place réservée par l’officielle à Another day of life de Raúl de la Fuente et Damian Nenow, son seul long métrage d’animation : une simple séance spéciale. Difficile de ne pas y voir une manière de reléguer l’animation à un créneau pas trop voyant, sans grand enjeu, tout en neutralisant les éventuelles critiques sur l’absence d’animation. Ceci dit, on se réjouit sincèrement de la présence de ces quatre longs métrages sur la Croisette.

D'autant qu'il faut aussi souligner la belle place réservée à l’animation par les sections courts métrages, à savoir 8 films répartis entre la Semaine de la Critique, la Quinzaine des Réalisateurs, la compétition officielle de courts métrages et la Cinéfondation, la compétition des films d'école.

Enfin, plusieurs événements consacrés à l'animation se tiennent en parallèle du Festival. Au Marché du Film, les plus chanceux pourront par exemple découvrir certains des projets les plus attendus de l'année. Une "journée de l'animation" est également organisée, comme chaque année. Enfin, pour la troisième année consécutive,  l'opération "Annecy goes to Cannes" se tiendra le 11 mai, avec la présentation de cinq projets de longs métrages en work in progress.

Petit guide en 12 étapes pour voir la vie cannoise en version animée.

Another day of life de Raúl de la Fuente et Damian Nenow (Espagne / Pologne)

Long métrage d’animation parmi les plus attendus de l'année, A,other day of life est l’adaptation dans une forme hybride (animation, images d’archives, témoignages) du livre de Ryszard Kapuscinski, reporter de guerre pris dans la guerre civile en Angola. Lorsque commence le film, l’Angola vient de recouvrir son indépendance et deux factions se font face (MPLA et UNITA). Kapuscinski implore les autorités de le laisser rejoindre la ligne de front, et finira par être exaucé. On le suit dans ce périple périlleux et fou, tandis qu'en parallèle, des témoignages ou des images d'époque viennent compléter le récit, ou lui apporter un contrepoint. Une oeuvre historique et politique comme le festival en raffole, sur un conflit du XXe siècle souvent méconnu.

Chris the swiss d'Anja Kofmel (Suisse)

Tourné dans un somptueux noir et blanc ultra-contrasté, Chris the Swiss mêle film documentaire et images d'archives pour raconter l'histoire vraie de Chris, un reporter de guerre suisse retrouvé mort en Croatie en janvier 1992, après avoir rejoint une milice internationale d'extrême droite impliquée à la fois dans la guerre en Yougoslavie et dans des trafics de toutes sortes.

Anja Kofmel, qui est la cousine de Chris,  propose à travers le film une plongée brutale dans le contexte de cette guerre sanglante en même temps qu'une enquête intime et personnelle pour comprendre ce qui est, réellement, arrivé au jeune homme. Ainsi, elle se met en scène, ainsi que certains membres de sa famille, afin de dresser le portrait le plus juste de Chris. En parallèle, on suit le jeune homme en Yougoslavie, au contact de ceux qui l'entraîneront dans les rangs du "First International Platoon of Volunteers".

Mirai de Mamoru Hosoda (Japon)

Kun est un petit garçon à l’enfance heureuse jusqu'à l’arrivée de Miraï, sa petite sœur. Jaloux de ce bébé qui monopolise l’attention de ses parents, il se replie peu à peu sur lui-même, jusqu'au jour où il découvre un univers fantastique où se mêlent le passé et le présent. Le nouvel opus de Mamoru Hosoda, à qui l'on doit notamment Le garçon et la bête, Les enfants loups ou encore Summer wars, s'annonce comme une oeuvre familiale aux thèmes universels et aux graphismes chaleureux et doux. A retrouver également en compétition à Annecy.

Samouni Road de Stefano Savona (Italie)

Ce documentaire de Stefano Savona, en partie animé par Simone Massi, a été tourné dans la périphérie rurale de la ville de Gaza City. La route du titre tire son nom de la famille élargie Samouni, une communauté de paysans miraculeusement épargnée par soixante ans d’occupations et de guerres jusqu’en janvier 2009. Le film suit les survivants de la famille lors d'une fête qui est la première depuis la dernière guerre. Les séquences animées permettent de donner vie aux souvenirs des protagonistes qui tentent de se reconstruire.

III de Marta Pajek (Pologne)

D'abord, il faut savoir qu'il existe un II (Impossible figures and other stories II) mais pas (encore ?) de I. Le comité court de la sélection officielle a été bien avisée de sélectionner le nouveau film de cette réalisatrice surdouée qui propose des films métaphysiques épurés et minimalistes. Après avoir invité le spectateur à sonder les méandres de son propre labyrinthe intime, elle propose cette fois une drôle de plongée dans le tourbillon de la séduction et de l'amour véritablement charnel.

La chute de Boris Labbé (France)

Un seul court métrage d'animation à la Semaine, mais très attendu puisqu’il s’agit du nouveau film de Boris Labbé ! Après Orogenesis dont on vous a souvent parlé, le réalisateur revient avec une œuvre-somme qui lui a été inspirée par la lecture de Dante, et qui convoque à la fois l’histoire de l’art (de Jérôme Bosch à Henry Darger) et celle de l’Humanité. Hypnotique et hallucinatoire, porté par la musique envoûtante et complexe de Daniele Ghisi, le film s'annonce comme un prolongement du travail du réalisateur autour des motifs de la boucle, la prolifération, la multiplication, la contamination, la métamorphose...

Inanimate de Lucia Bulgheroni (Royaume-Uni)

Katrine a une vie normale, un travail normal, un petit-ami normal et un appartement normal dans une ville normale. C’est ce qu’elle pense en tout cas, jusqu’au jour où tout tombe en morceaux, au sens propre du terme. Un film de fin d'études en stop-motion, sur un sujet intime et sensible.

Inny de Marta Magnuska (Pologne)

En attendant l’arrivée d’un mystérieux nouveau venu, les gens essayent de deviner qui il est. L’image floue de l’étranger prend forme, de façon à rendre sa présence presque réelle. Mais l'excitation initiale de la foule tourne à l’angoisse. L'animation (minimaliste et glacée) est à la hauteur de la tension anxiogène que dégage peu à peu le récit, entre étude des foules galvanisées par le seul sentiment du collectif et dénonciation des préjugés les plus sombres.

Ce magnifique gâteau de Emma de Swaef et Marc Roels (Belgique)

Six ans après leur acclamé court métrage Oh Willy, Emma de Swaef et Marc Roels sont de retour avec un moyen métrage de 44 minutes qui fera nécessairement figure d'OVNI sur la Croisette. D'autant que ce film en stop-motion qui met en scène des figurines duveteuses et minimalistes parle avec cynisme et humour noir de la colonisation en Afrique. Vraisemblablement l'un des films-événements de l'année dans le monde de l'animation. Heureusement, pour ceux qui le rateraient à Cannes, il sera présenté en séance spéciale à Annecy.

La nuit des sacs plastiques de Gabriel Harel (France)

Agathe, bientôt 40 ans, va retrouver son ex, Marc-Antoine, avec la ferme intention de le séduire à nouveau, afin d'avoir un enfant avec lui. Mais dans l'ombre, les sacs plastiques attendent leur heure... Un film de genre, en animation 2D sur fond de prises de vues réelles, qui se moque à la fois de la notion de couple et du cinéma bis, tout en proposant une nouvelle genèse aussi loufoque qu'irrévérencieuse. Le tout par gabriel Harel, réalisateur de l'acclamé Yul et le serpent.

Sailor's delight de Louise Aubertin, Éloïse Girard, Marine Meneyrol, Jonas Ritter, Loucas Rongeart, Amandine Thomoux (France)

Une sirène essaye de séduire deux marins et se retrouve prise à son propre piège. Un film d'étudiants en 3D qui détourne les codes du genre pour une démonstration technique et visuelle classique mais prometteuse.

Le Sujet de Patrick Bouchard (Canada)

Un corps inanimé sur une table de dissection, une structure métallique, du sang. Patrick Bouchard découpe et sonde le moulage de son propre corps pour une introspection intime sidérante. Réalisé en volume et en pixilation, Le sujet est une expérience cinématographique intense et complexe qui emmènera chacun aux plus profond de lui-même.

Le pitch: Croc-Blanc est un fier et courageux chien-loup. Après avoir grandi dans les espaces enneigés et hostiles du Grand Nord, il est recueilli par Castor Gris et sa tribu indienne. Mais la méchanceté des hommes oblige Castor-Gris à céder l’animal à un homme cruel et malveillant. Sauvé par un couple juste et bon, Croc-Blanc apprendra à maîtriser son instinct sauvage et devenir leur ami.

Un grand classique de la littérature jeunesse. Aussi incroyable soit-il, il s'agit de la première adaptation animée du roman éponyme de Jack London. L'écrivain, qui a fait de la nature et de l'aventure ses thèmes de prédilections, a été l'un des premiers auteurs de best-seller de la littérature américaine. Croc-Blanc est paru en 1906 (et en 1923 en France) et s'est vendu à 115 millions d'exemplaires dans le monde. Sa force littéraire vient du fait qu'il est écrit du point de vue de l'animal, mais aussi que London a posé un regard critique sur les humains, méprisant les chercheurs d'or et valorisant les amérindiens. Au cinéma, Croc-Blanc a fait l'objet de plusieurs versions, et ce dès 1925 avec le film muet de Lawrence Trimble. la première version "sonore" est datée de 1936, réalisée par David Butler. Aleksandr Zguridi a réalisé un film russe à partir de cette histoire en 1946. Lucio Fulci a transposé l'histoire en 1973 avec un casting de stars - Franco Nero, Virna Lisi, Fernando Rey . Hollywood s'est remis à l'ouvrage en 1991 avec un film de Randal Kleiser, où (le jeune) Ethan Hawke tenait le rôle principal.

Un film d'animation ambitieux. Il s'agit d'un des films les plus coûteux du cinéma français de l'année. Scénarisé par Dominique Monféry (Kérity la maison des contes), Philippe Lioret (Je vais bien, ne t'en fais pas) et Serge Frydman (La Fille sur le pont), avec une musique de Bruno Coulais, et les voix de Virginie Efira, Raphaël Personnaz et Dominique Pinon, Croc-Blanc vise un public familial d'aventure. Ici, pas d'animaux qui parlent, pas de chansons. Les auteurs ont voulu rester fidèle à l'esprit du livre, un récit initiatique, une critique sociale, une époque brutale. Les références sont plutôt du coté des westerns écologiques et des films d'action naturalistes. Avec une particularité: toujours se mettre à hauteur du chien. On est loin de Belle et Sébastien. Le film est tourné en scope afin de lui donner une grandeur, appuyée par une esthétique singulière dans le domaine, presque trop belle. Paradoxalement, en effet, l'animation n'a rien de réaliste et s'avère presque picturale et abstraite. Il y a une forme d'inachevé dans ces esquisses pastellisées qui rappellent les tableaux de l'époque.

A partir de 8 ans. La facture classique de l'ensemble et sa splendeur en font un film d'animation singulier, qui séduira les adultes. Cette exigence visuelle peut effrayer les parents qui cherchent un divertissement consensuel. Le vilain, Beauty Smith, peut aussi faire peur aux plus petits. Ce serait d'autant plus regrettable que la narration est réussie et que Croc-Blanc, notamment quand il est un chiot sauvage, est craquant. C'est un film à la fois tendre et dur, universel et original. Et si cela peut permettre une invitation à la lecture des œuvres de London, c'est d'autant plus profitable. Surtout, en évitant le formatage, cette version ouvre de nouveaux horizons, lointains pour s'évader et inventifs pour être stimulés.

A 32 ans et des poussières Super Mario, icône mondiale aussi populaire que Mickey, va devenir un héros de film d'animation. Nintendo a annoncé le projet qui sera produit en collaboration avec Illumination Entertainment (Moi moche et méchant).

"Les gens m'avaient dit que faire un jeu et faire un film étaient deux choses similaires, mais c'est complètement différent", a expliqué Shigeru Miyamoto, le créateur du pombier moustachu le plus célèbre du monde, lors d'une conférence de presse à Tokyo.

"L'un est interactif et l'autre est une expérience passive", a poursuivi le créateur, qui a lui-même déjà réalisé un court métrage (Kirby 3D) et une série télévisée (Pikmin).

Cela fait deux ans que les deux entreprises de l'entertainment discutent du projet. Le scénario est en cours d'écriture. Le film sera co-financé par Nintendo et Universal Pictures. La sortie n'est pas prévue avant 2020.

Une volonté d'en faire une star multi-supports

Super Mario traverse les époques et les technologiques: de la gameboy à la console en passant par la Wii, le voici héros de la Switch avec Super Mario Odyssey. Mais Nintendo a conscience que la diversification est nécessaire pour faire durer ses personnages. Longtemps réfractaire aux applications mobiles, la société japonaise a finalement franchi le pas.

Nintendo a aussi lancé récemment des applications pour mobiles après avoir été longtemps réticent à franchir le pas. Ce sera le cas avec Mario Kart Tour, qui devrait être prête dans les prochains mois. La diversification vers l'animation vise de la même façon à promouvoir davantage ses personnages vedettes et attirer de nouveaux joueurs.

Super Mario été adapté en film en 1993, Super Mario Bros avec Bob Hoskins (Mario), John Leguizamo (Luigi) et Dennis Hooper (Roi Koopa). Il avait coûté 42 millions de dollars et n'avait rapporté que 21 millions de dollars.  Il y a également eu plusieurs séries animées avec les personnages du jeu.

Wes Anderson est un habitué du festival de Berlin. Alors qu'il n'a été en compétition à Cannes et à Venise qu'une seule fois, le cinéaste américain a été trois fois sélectionné pour l'Ours d'or au cours de sa carrière (et a remporté le Grand prix du jury pour The Grand Budapest Hotel). Il revient à la Berlinale avec son nouveau film, L'île aux chiens (Isle of Dogs), pour ouvrir le festival (honneur déjà réalisé avec Grand Budapest Hotel il y a 4 ans).

La 68e édition se lancera le 15 février avec un film d'animation, une première dans l'histoire du festival. Le film y sera présenté en avant-première mondiale. Il faut dire que le casting vocal est alléchant: Bryan Cranston, Koyu Rankin, Edward Norton, Liev Schreiber, Bill Murray, Bob Balaban, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Kunichi Nomura, Tilda Swinton, Ken Watanabe, Akira Ito, Greta Gerwig, Akira Takayama, Frances McDormand, F. Murray Abraham, Courtney B. Vance, Yojiro Noda, Fisher Stevens, Mari Natsuki, Nijiro Murakami, Yoko Ono, Harvey Keitel et Frank Wood.
Soit 4 acteurs et actrices oscarisées et six acteurs et actrices nommées aux Oscars. Sept d'entre eux étaient déjà dans Grand Budapest Hotel et autant de comédiens et comédiennes étaient au générique de Moonrise Kingdom. Et c'est le 8e film de Anderson avec Bill Murray.

L'histoire de L'île aux chiens commence lorsqu’une épidémie de grippe canine envahit la ville japonaise de Megasaki et menace de contaminer les hommes. Le maire corrompu Kobayashi ordonne la mise en quarantaine de tous les chiens. L’île poubelle devient ainsi l’Île aux Chiens. Un jeune garçon de 12 ans, Atari, s'envole sur place avec un propulseur à la recherche de son chien perdu, Spots. C’est alors qu’il fait la découverte, à l’aide d’une meute de cinq chiens, d’une conspiration qui menace la ville.

C'est le premier film que Wes Anderson écrit sans co-scénariste.

Le film sort le 23 mars en Amérique du nord et le 11 avril en France.

L'étude annuelle du CNC, diffusée à l'occasion du Festival International du film d'animation d'Annecy, montre que l'année dernière fut un bon crû. Côté production, 10 films d'animation ont été agréés (contre trois en 2015, 9 en 2014 et 6 en 2013), avec un devis moyen stable de 7,3M€. De manière plus précise, les films d'animation français, ce sont 3,5% des films agréés l'année dernière, mais 5,2% des budgets totaux de la production avec un total de devis de 72,6M€. Parmi ces films, le plus cher est Zombillenium avec 13,4M€, devant La fameuse invasion de la Sicile par les ours et Croc-blanc, qui ont coûté respectivement 12 et 11,3M€. Seuls deux films d'animation ont bénéficié de l'avance sur recettes: La fameuse invasion de la Sicile par les ours et Dilili à Paris.

Sans être une année record, c'est une année meilleure que 2015 et même 2014, mais on reste très loin des grandes années 2008 et 2012.

Plus globalement, ce sont 35 films de toutes nationalités qui sont sortis en 2016, contre 34 en 2015. Le record de 2009 est égalé. 15 films américains, 10 français, 4 européens et 6 d'autres pays (dont 4 japonais). Une année record pour les Américains qui n'ont jamais distribués autant de films animés inédits.

Et en plus l'Amérique domine les entrées. Deux des trois plus grands succès de l’année, tous genres confondus, ont été des films d’animation: Zootopie (4,77 millions) et Vaiana la légende du bout du monde (4,53 millions), deux Disney. Suivent trois autres films américains, tous au-dessus de 3 millions de spectateurs. Le premier film non américain est Ballerina (9e film d'animation de l'année et seul millionnaire de sa catégorie). Ma Vie de Courgette, Robinson Crusoe, La tortue rouge, Tout en haut diu monde ont séduit plus de 200000 spectateurs. Les 25-49 ans et les 3-14 ans sont le principal public des films animés, totalisant près de 4 spectateurs sur 5.

Les films d’animation représentent ainsi 4,9 % de l’ensemble des films inédits sortis en salles mais génèrent 17,4 % des entrées tous films confondus et 16,0% des recettes. Ainsi la fréquentation des films inédits d’animation augmente de 14,1 % à 34,0 millions d’entrées (hors films sortis en 2015), soit le plus haut niveau de la décennie. Mais cela profite surtout aux films américains qui squattent 88,6% de ces entrées, alors que les films français ne représentent que 8,4% des spectateurs (très en dessous des bon scores de 2014 et 2015). Côté recettes, l'animation c'est 204,2M € en salles, soit un record depuis 2011. Ce sont aussi les films américains qui trustent les dépenses de promotion avec 84,7% des investissements publicitaires, soit neuf fois plus que les films français.

Ils bénéficient aussi d'une large exposition (346 cinémas en moyenne en première semaine contre 139 écrans en moyenne tous genres confondus). Mais là aussi il y a une distorsion de concurrence puisque seulement 12 des 35 films animés sortent sur plus de 500 écrans. Et la moitié (18 sur 35) sont diffusés sur moins de 199 copies. Un film américain va profiter, en moyenne de 602 salles lors de sa sortie tandis qu'un film français n'en aura que 283. L'âge de glace: les lois de l'univers est ainsi sorti sur 896 écrans, le 4e meilleur score depuis 2007 pour un film d'animation.

Cette concurrence "inégale" se tretrouve aussi logiquement dans le box office final avec 7 films au dessus des 2 millions d'entrées, et 23 en dessous de 500000 entrées (dont 14 en dessous de 100000 entrées).

Entre 2007 et 2016, 64 distributeurs ont sorti 301 films d’animation inédits. Les dix plus actifs assurent la distribution de 58,5 % de ces films et réalisent 90,0 % des recettes des films inédits d’animation. Gebeka Films, 20th Century Fox, The Walt Disney Company et Eurozoom en distribuent plus de 20 chacun et totalisent 35,5 % des films d’animation diffusés pour la première fois en salles entre 2007 et 2016. En parts de marché, trois sociétés dominent la dernière décennie: Walt Disney (28,3%), 20th Century Fox (19,8%) et Paramount (15%). Pour 2016, Walt Disney (37,4%) surclasse 20th Century Fox (31,5%) ; viennent ensuite dans l'ordre Universal Pictures, Gaumont, Warner Bros, Sony, Gebeka Films, La Belle Company, StudioCanal et Wild Bunch.

Le 41e Festival du Film d'animation d'Annecy a ouvert ses portes lundi 12 juin avec le film-événement Zombillénium d'Arthur de Pins et Alexis Ducord, inspiré de l'univers créé en bande dessinée par Arthur de Pins, et qui sortira le 18 octobre prochain. Le film s'attache au très antipathique Hector Saxe, contrôleur des normes qui n'a de cesse que de prendre en défaut les entreprises qu'il contrôle. Lorsqu'il s'attaque au parc d'attractions Zombillénium, il découvre une vérité qu'il lui aurait mieux valu ignorer, et doit être éliminé. Il devient alors un zombie contraint de travailler dans le parc pour l'éternité auprès de ses frères d'infortune, vampires et monstres de toutes sortes.

Sur le papier, cette adaptation de la série Zombillénium avait à peu près tout pour convaincre : un univers fort, un humour bien trempé et même un ancrage social permettant de dresser un parallèle entre les travailleurs exploités du parc et ceux du monde réel. Si l'intrigue n'a pas grand chose d'original, elle aurait dû suffire pour proposer un divertissement irrévérencieux et décalé. Malheureusement, il faut reconnaître que le film échoue presque sur toute la ligne pour ce qui est du décalage et de l'irrévérence. Au contraire, il reste bien gentiment dans les clous du blockbuster formaté qui ne veut surtout fâcher personne.

Les monstres sont donc forcément "sympas" ou cocasses, le "méchant" est directement inspiré du personnage de vampire interprété par Robert Pattinson dans Twilight afin de s'autoriser tous les clins d'œil possibles à destination du public-cible, le "gentil" se révèle bien plus cool mort que vivant... Tous sont monolithiques et à peine esquissés, stéréotypes standards, sans relief et terriblement consensuels. L'intrigue, elle, est réduite au plus basique : la découverte de l'univers du parc à travers les yeux du "candide" de service, puis un premier palier pour s'y adapter et un deuxième pour le reconquérir.

Une période de creux pour l'animation française?

Ce qui est étonnant, c'est que le film semble même se critiquer lui-même quand une décision marketing transforme le parc en un univers lénifiant et aseptisé pour plaire au plus grand nombre. Le regard se veut caustique, sans voir qu'il s'agit précisément d'une mise en abime. Car clairement, les réalisateurs ont cherché à plaire plus qu'à étonner ou surprendre. Pour cela, ils ont renoncé à écrire un scénario à la hauteur de leur univers, restant dans une progression ultra classique et surtout très balisée, où on voit chaque rebondissement ou péripétie venir de loin.

Si l'on ajoute à cela une musique perpétuellement tonitruante et une mise en images qui frôle la crise d'épilepsie, à grands renforts d'effets "grand spectacle", on est clairement face à un film boursoufflé qui lorgne du côté des superproductions américaines sans âme au lieu de jouer sur sa singularité. Même si l'on peut admettre que la cible se situe dans une tranche d'âge beaucoup plus jeune, pas sûr que le pari soit réussi : avant un certain âge, les enjeux du film, tels que la notion d'enfer ou l'exploitation des travailleurs, de même que certaines références à la lutte syndicale, seront totalement incompréhensibles. A contrario, passé un certain âge, ce bestiaire horrifique de pacotille apparaîtra comme une vaste blague. Surtout pour des ados nourris aux séries comme The walking dead ou Vampire diaries. Du coup, on a l'impression que Zombillénium est déjà un peu vieillot, voire dépassé, avant même d'être sorti.

Après le grand dynamisme de l'animation française ces dernières années, on traverse inévitablement une sorte de période de creux. Zombillénium est ainsi l'un des rares longs métrages d'animation français prêts pour Annecy, et le seul en compétition. C'est d'autant plus dommage qu'il donne cette vision-là d'une animation nationale généralement plus innovante et audacieuse (on pense à Tout en haut du monde de Rémy Chayé, Phantom boy d'Alain Gagnol et Jean-Loup Felicioli, Louise en hiver de Jean-François Laguionie...). On en aura heureusement un aperçu avant la fin de cette 41e édition avec le merveilleux Grand méchant renard de Benjamin Renner, présenté jeudi en séance spéciale avant sa sortie le 21 juin prochain.

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-37. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par là.

Quand on évoque les long-métrages sélectionnés à Cannes, on pense rarement aux films d'animation. Pour preuve, aucun film d'animation n'a remporté de Palme d'or, et leur présence se limite dans le meilleur des cas à un ou deux films sur une vingtaine de sélectionnés. Prenons l'exemple de l'année dernière. En prenant en compte les sélections parallèles, trois long-métrages d'animation étaient présentés, mais aucun en compétition officielle : La tortue rouge de Mikael Dudök de Wit à Un certain regard, Ma vie de courgette de Claude Barras à la Quinzaine des Réalisateurs et La jeune fille sans mains de Sébastien Laudenbach à l'ACID. Trois films qui ont connu un beau succès critique, bien supérieur à d'autres films en compétition d'ailleurs, et qui n'auraient certainement pas démérité auprès des autres films concourant pour la Palme d'or.

D'ailleurs, lors de l'édition de 2004 (déjà brièvement évoquée ici ), deux films d'animation étaient en compétition. Un choix à saluer, mais plutôt surprenant, les deux films étant aux antipodes l'un de l'autre. D'un côté, le divertissement familial Shrek 2, de l'autre, une complexe réflexion philosophique sur la condition humaine, suite d'un classique de la S.-F. japonaise : Innocence : ghost in the shell 2. Saluons l'audace de Thierry Frémaux avec ces deux choix, qui seront peu répétés les années suivantes (peut-être que l'initiative n'a pas été bien accueillie...).

Si on remonte dans le temps, il n'est cependant pas rare de croiser des films d'animation qui sortent du lot. En 1980, une comédie préhistorique pastichant la théorie de l'évolution de Darwin, Le chaînon manquant du Belge Picha, a eu droit aux honneurs de la compétition officielle.

Huit ans auparavant, le "sulfureux" Fritz the cat était présenté à la Semaine de la critique : une adaptation du personnage de B.D. underground éponyme, résolument pour adultes (premier film d'animation à être classé X aux Etats-Unis !), qui a dû avoir du succès, car on retrouvera en 1974 sa suite Les neufs vies de Fritz le chat en compétition officielle. En 1973, La planète sauvage de René Laloux obtient même le Prix spécial du jury ! Comme nous l'évoquions hier dans notre texte sur les adaptations sur Shakespeare, Le Songe d’une nuit d’été fut présenté en 1959 dans une version animée en marionnettes par le tchécoslovaque Jirí Trnka.

Plus récemment, Persepolis de Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi, adapté de la bande dessinée de cette dernière, reçoit le prix spécial du jury en 2007 (ex-aequo avec Lumière silencieuse de Carlos Reygadas) et en 2008 le documentaire animé Valse avec Bashir d'Ari Folman impressionne les festivaliers.

La présence en compétition officielle n'est cependant pas l'apanage d'une production résolument tournée vers un public adulte - du moins pas aux débuts. En 1946, Disney présente sur la croisette deux courts-métrages et un long. Peinture fraîche met ainsi en scène Donald aux prises avec un oiseau l'empêchant de repeindre sa voiture, et dans Le chiot dérobé Pluto tente de sauver un chiot. Quant à La boîte à musique, un long-métrage qui n'en est pas vraiment un (il s'agit en réalité d'une compilation de dix court-métrages), il remportera le Grand prix international du Dessin animé. Une récompense qui disparaît lors des éditions suivantes, ce qui n'empêche pas Disney de remporter coup sur coup un Grand Prix du dessin animé pour Dumbo (1947), et un autre pour L'île aux phoques l'année suivante.

Il est amusant de noter la présence de Disney sur la croisette lors des premières années du Festival, et Walt en personne viendra présenter Peter Pan en 1954 - et recevra une légion d'honneur de la part du ministre de l'information d'alors. Les décennies suivantes cependant, il n'y aura plus de proximité apparente entre le studio aux grandes oreilles et la Riviera : Mary Poppins (1962), La petite sirène (1990) et La belle et la bête (1992) seront présentés hors-compétition, de même que le court-métrage Mickey perd la tête en 1996. Pour élargir aux studios Pixar, rachetés il y a onze ans par Disney, rappelons nous que Là-haut (2011) a récemment ouvert le festival, et que Vice-versa, présenté hors compétition, a été accueilli à bras ouverts en 2015, certains festivaliers jugeant même qu'il était supérieur aux films en lice pour la Palme d'or.

Le Festival de Cannes ne les a certes pas mis en avant, mais historiquement, il n'a pas toujours boudé les films d'animations en compétition officielle. Si ce sont des films plutôt "adultes" qui sont présentés, ouvrir les festivités avec des films multi-générationnels comme Là-haut est tout même bon signe. De plus, l’absence de prix spéciaux pour l'animation (contrairement aux César) prouve qu'à Cannes, les films d'animation sont des œuvres à part entière au sein de la production cinématographique.

Nicolas Santal de Critique-Film