Cannes 2019 : Le politique et l’absurde s’invitent à la Quinzaine des réalisateurs

Posté par wyzman, le 29 mai 2019

Egalement appelée « la Quinzaine », cette section parallèle du Festival de Cannes créée par la Société des réalisateurs de films a véritablement brillé cette année. Après le traditionnel magnéto sur les réalisateurs qui ont été découverts à la Quinzaine (George Lucas, Ken Loach, Spike Lee, Céline Sciamma, Xavier Dolan), les festivaliers ont cette année pu découvrir les nouvelles réalisations de Bertrand Bonello, Quentin Dupieux, Takashi Miike ou encore Rebecca Zlotowski. Incroyablement riche durant les premiers jours du Festival, la Quinzaine faisait la part belle aux films politiques et aux comédies absurdes cette année.

Le politique entre en jeu

Premier constat de taille, les films de la Quinzaine se font de plus en souvent le reflet de la société dans laquelle nous évoluons. Voilà pourquoi les projets ambitieux et qui dénoncent des vérités ce sont faits récurrents dans la sélection de cette année. Cela commence avec Alice et le Maire, la nouvelle comédie politique de Nicolas Pariser qui suit les mésaventures du maire PS de Lyon. Après avoir montré de quel bois il se chauffait avec Le Grand Jeu, le cinéaste utilise un ton plus léger pour dire tout haut ce que tout le monde pense tout bas : le Parti socialiste français est mort par manque d’ambition.

L’accession au pouvoir d’Emmanuel Macron a complètement bouleversé le paysage politique français et ce n’est pas On va tout péter de Lech Kowalski qui nous prouvera le contraire. Le film qui retrace la lutte pour leurs emplois d’ouvriers d’une usine GM&S met l’accent sur les promesses non tenues de l’actuel Président et les tensions qui règnent entre la population et les forces de l’ordre. Par le biais de son héros conducteur de minibus pour personnes handicapées, Give Me Liberty de Kirill Mikhanovsky prend le temps de montrer toutes les minorités que le gouvernement américain rechigne à épauler, financièrement et psychologiquement. Avec Oleg, Juri Kursietis pose un regard particulièrement dur sur les réseaux qui exploitent la misère et la détresse des migrants européens. Une oeuvre majeure de la Quinzaine qui pousse le spectateur à s’interroger sur la manière dont il perçoit les étrangers qui l’entourent.

De son côté, Halte rassure avec son univers dystopique et apocalyptique. Si l’on en croit Lav Diaz, le pire peut encore être évité à condition que populations et politiques prennent conscience dès maintenant de leurs responsabilités. Qu’il s’agisse de l’environnement, du partage des richesses ou de la sécurité, de vrais débats doivent avoir lieu. Car ce sont ces mêmes débats qui viennent bouleverser le quotidien des héros de The Orphanage, le musical historique qui montre comment l’Afghanistan est devenu un état islamique dans la violence.

La relève de la comédie absurde

Dans un ton plus léger, on notera que les cinéastes français ont repris le pouvoir à la Quinzaine en faisant rire le public. Si les années précédentes ont été marquées par Un beau soleil intérieur de Claire Denis, En liberté ! De Pierre Salvadori et Le Monde est à toi de Romain Gavras, le cru 2019 est loin d’avoir démérité. Projeté en ouverture, Le Daim de Quentin Dupieux n’a laissé personne indifférent. Porté par le duo Jean Dujardin-Adèle Haenel, le film qui raconte le grand projet qu’un homme de 44 ans a avec sa blouson 100% daim a fait mourir de rire les spectateurs. Dialogues proches du ridicule et twist de haute volée ont fait de ce film un incontournable.

A l’instar d’Yves de Benoit Forgeard ! Le film qui traite de la complicité entre un rappeur raté et un réfrigérateur intelligent a marqué les esprits par ses productions musicales et les réparties hilarantes dudit réfrigérateur. Malgré un scénario en creux, le film est assuré de faire un carton au box-office. Ce que l’on souhaite également à Perdrix. Le film d’Erwan Le Duc joue avec des situations absurdes (mais comiques) pour démontrer qu’il n’y a pas d’âge pour tomber amoureux et être heureux. Bien moins réussi, Por El Dinero d’Alejo Moguillansky aussi enchaîne les situations cocasses et frôle le ridicule de très près. Tour à tour, ces films ont permis aux festivaliers de s’évader et de rire entre deux drames.

Des femmes fortes en formation

Ne pas évoquer les femmes de la Quinzaine serait une grave erreur. Moins manipulatrices que les hommes des films sélectionnés cette année, elles ont réussi à reprendre le pouvoir de manière bien plus subtile. Dans Zombi Child de Bertrand Bonello et de Sick, Sick, Sick d’Alice Furtado, des adolescentes en proie à un chagrin amoureux se tournent vers le vaudou haïtien. Preuve s’il en fallait une que les héroïnes d’aujourd’hui n’ont peur de rien et sont prêtes à tout pour ceux qu’elles aiment. Qu’elles soient issues de bonne famille ou particulièrement introverties, ces femmes ont beaucoup de caractère et ne sont pas les seules.

Dans Une Fille facile, Rebecca Zlotowski propose une confrontation culturelle très attendue dans laquelle l’ancienne escort-girl Zahia Dehar dévoile les codes de la séduction à sa cousine fictive incarnée par la débutante Mina Farid. Entre révélations et manipulations, les deux femmes tentent de garder la tête hors de l’eau. Un peu comme Mona, la dominatrice SM de Dogs Don’t Wear Pants. Le film de J.-P. Valkeapää qui s’intéresse au deuil particulièrement morbide d’un cardiologue a permis une révélation, celle de l’actrice Krista Kosonen.

Enfin, dans un autre registre, Andreas Horvath modernise le mythe de la femme aventurière avec Lillian. Son presque-biopic d’une femme qui décide de traverser les Etats-Unis pour rentrer en Russie est un vrai mélange de road movie et de survival movie. Enfin, impossible de mentionner The Staggering Girl. L'oeuvre la moins aboutie de Luca Guadagnino nous offre à voir une Julianne Moore en proie à des souvenirs particulièrement porteurs de sens qui la mènent jusqu'à la résidence familiale en Italie. Un film énigmatique signé Valentino.

Cannes 2019 : l’intime et la liberté au féminin à Un Certain Regard

Posté par MpM, le 28 mai 2019

Un Certain Regard, section souvent encensée par les festivaliers comme sorte de compétition bis, plus riche en découvertes et en révélations que la vraie compétition, semble avoir mécaniquement souffert cette année de la très grande qualité des films en lice pour la Palme d'or. Par comparaison, on a en effet eu le sentiment que les 18 films présentés en salle Debussy étaient à quelques rares exceptions près inaboutis, pas assez singuliers, fragiles, voire carrément anecdotiques.

Cela se sent au niveau de la qualité (subjective) des films, mais aussi des thématiques abordées, et du regard porté sur le monde. Un Certain Regard a ainsi été moins traversé par la vision apocalyptique d’un monde sur le point de disparaître que n'a pu l'être la compétition. Cette année, c’est au contraire l’intime qui était au cœur de tout. Des histoires d’amour et d’amitié, des rencontres, des trajectoires personnelles, des destins empêchés ou brisés par des événements qui les dépassent, mais dans tous les cas de simples individus pris dans une tourmente plus personnelle que blobale.

Le fil rouge de l'intime


Dans La femme de mon frère de Monia Chokri, c'est par exemple une jeune femme trop attachée à son frère, qui souffre de le voir heureux avec une autre. Dans Port Authority de Danielle Lessovitz, un jeune homme un peu paumé tombe amoureux d'une jeune femme rencontrée dans la rue et tente de se faire accepter par les siens. Chambre 212 de Christophe Honoré et Once in Trubchevsk de Larisa Sadilova sont chacun dans leur style des histoires de couples qui s'aiment, se trompent et se retrouvent. Dans Summer of Changsha de Zu Feng, un enquêteur de police n'arrive pas à se remettre du suicide de sa petite amie. The Climb de Michael Angelo Covino présente une amitié toxique entre deux amis d'enfance, dont l'un convoite sans cesse ce qu'a l'autre.

Chez Kantamir Balagov, dans Une Grande fille, ce sont deux femmes qui sont unies par une amitié dévorante. La vie invisible d'Euridice Gusmao de Karim Aïnouz raconte en creux le lien indéfectible qui n'a jamais cessé de relier deux sœurs séparées par la vie. Et Adam de Maryam Touzani est l'histoire d'une rencontre fortuite entre une femme qui s'est fermée à l'amour et une jeune fille sur le point d'accoucher. Bull de Annie Silverstein, quant à lui, raconte l'amitié naissante entre une adolescente blanche paumée et un adepte de rodéo noir et vieillissant

De même, quand la grande histoire s’invite dans les intrigues, c’est toujours par le prisme de la petite. Presque par la bande, en se focalisant sur la manière dont la réalité affecte les personnages plus que sur cette réalité en elle-même. C'est le cas dans Une grande Fille : malgré le contexte de la fin de la guerre et du terrible siège de Leningrad, les événements historiques ne sont jamais au cœur du film. En revanche, ils servent de contexte à l’histoire, et permettent au réalisateur d’observer les traumatismes subis par ses personnages, et la manière dont ils affectent leurs relations.

Dans Les Hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman et Eléa Gobbé-Mévellec, on suit le destin particulier de quelques personnages aux prises avec le régime des Talibans, qui luttent chacun à sa manière pour exister dans le cadre ultra étroit qui leur est imposé. Dans Papicha, le personnage central est une jeune étudiante qui résiste à l’obscurantisme de différents groupes islamistes faisant régner la terreur à Alger en s’accrochant à sa passion du stylisme. En confectionnant de belles robes pour les jeunes femmes de la ville, et en organisant un défilé de mode dans l'université, la jeune fille affirme sa liberté et son indépendance. Nina Wu de Midi Z aborde frontalement la question du harcèlement dans le milieu du cinéma, en se concentrant sur les séquelles indélébiles qui détruisent à petit feu son personnage. Enfin, En terre de Crimée de Nariman Aliev s'ancre dans la situation complexe de la Crimée, que se disputent la Russie et l'Ukraine, mais à travers l'histoire ténue d'un père (qui appartient à la minorité tatare) souhaitant enterrer son fils sur sa terre natale de Crimée, au risque de tout perdre.

Le poids des dilemmes


C'est l'un des autres points saillants du Certain Regard 2019, la présence au sein de la plupart des histoires d'un dilemme contraignant les personnages à faire des choix plus ou moins déterminants pour leur existence. On pense évidemment à Jeanne de Bruno Dumont, dans lequel le célèbre personnage historique est présenté sous les traits d'une frêle jeune fille s'accrochant envers et contre tout à ses convictions, et refusant de se renier, même si cela lui permettrait de sauver sa vie. Autre dilemme incommensurable chez Kantamir Balagov (jusqu'où aller pour préserver une amitié ?) et dans Les Hirondelles de Kaboul (Faut-il laisser condamner une innocente ou risquer sa vie à la sauver ?), ou encore chez Midi Z (jusqu'où aller pour obtenir un rôle au cinéma ?), Maryam Touzani (abandonner ou non l'enfant que l'on vient de mettre au monde ?), Mounia Meddour (Céder à la peur ou prendre le risque de vivre pleinement ?) et dans Port authority, qui voit le personnage principal déchiré entre deux loyautés incompatibles. Car la plupart du temps, il n'existe pas de bonne ou de mauvaise décision objective, mais juste deux chemins conduisant à deux avenirs distincts.

La bonne nouvelle, c'est que la plupart des films laissent ainsi véritablement le choix aux personnages, ne les déterminant pas dès le départ à une voie plutôt qu'une autre. Fort de ce libre arbitre, chacun agit en son âme et conscience, et en fonction de ses propres valeurs. Ainsi, dans La Fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti, le Roi Léonce doit-il d'abord se dépouiller de ses attributs d'ours pour régner parmi les hommes, puis renoncer à ses privilèges royaux pour retrouver un sens à sa vie. Liberté d'Albert Serra s'affranchit d'emblée de toute question morale pour n'être qu'une succession de tableaux libertins vivants, filmés magnifiquement jusqu'à l’écœurement. Et pourtant on sent que le film n'est pas si éloigné du sujet, avec son hymne à la liberté de jouir de tout, y compris de l'humiliation et de la douleur.

Car, on le remarque finalement dans la plupart des films présentés cette année, la notion de choix est souvent moins une question de morale que de liberté. Celle d'être maître de son existence, de ne rien se laisser dicter, de vivre sa vie comme on l'entend, de s’affranchir des carcans. Un peu à part dans la sélection, Viendra le feu d'Oliver Laxe aborde en creux cette question de la liberté : une liberté qui peut sembler une soumission,mais qui est celle choisie et vécue par le personnage principal : vivre en harmonie avec la nature, et d'accepter son rôle au sein d'un tout qui le dépasse.

Les femmes au centre


On ne sait pas trop si cette omniprésence d'une quête de liberté, quelle que soit la forme qu'elle prend (aimer qui et comme on veut, s'habiller comme on veut, vivre comme on veut...), est la cause ou la conséquence du rôle central des femmes dans la sélection. Derrière la caméra, bien sûr, avec sept des dix-huit films sélectionnés réalisés par des femmes, mais aussi devant, avec plus des deux tiers présentant des personnages féminins de premier plan, et abordant des questions liées au droit des femmes (Papicha et ses extrémistes refusant aux femmes la liberté de s'habiller comme elles le souhaitent, Les Hirondelles de Kaboul dans lequel les femmes sont des êtres inférieurs interchangeables, La vie invisible d'Euridice Gusmao qui dresse un portrait glaçant du patriarcat triomphant...) ou tout simplement à leur vécu quotidien : harcèlement et même "droit de cuissage" dans Nina Wu, avortement dans La femme de mon frère, viols d'état dans Une Grande fille, maternité dans Adam...

Sans oublier les films qui abordent moins frontalement la question mais offrent de superbes personnages féminins. On pense évidemment à Chiara Mastroianni dans Chambre 212, femme moderne et libre qui suit ses désirs, notamment sexuels, et assume ses infidélités. Il y a aussi la jeune fille de Bull, fascinée par le rodéo jusqu'à souhaiter s'y exercer elle-même, ou encore l'épouse adultère de Once in Trubchevsk qui elle-aussi assume ses sentiments et refuse d'être soumise au bon vouloir d'un homme, sans oublier les libertines de Liberté, qui ont la pleine maîtrise de leur corps et de leur sexualité.

On a donc vécu une édition 2019 d'Un Certain regard peut-être en demi-teinte en terme de chocs cinématographiques, mais passionnante dans ce qu'elle dit du monde. Cette double prise de pouvoir par les réalisatrices et par les personnages féminins participe d'un mouvement général qui redonne la parole à la moitié de l'Humanité, et consacre les problématiques qui lui sont propres comme aussi dignes d'intérêt que les autres. On se réjouit, parmi ces 18 films, de compter dix premiers longs métrages (et même 11 si l'on compte Elé Gobbé-Mévellec qui est en duo avec Zabou Breitman) qui sont autant de promesses pour l'avenir. On attend donc avec impatience le jour où l'on ne se croira plus obligé de souligner la place des femmes dans les films cannois (le fait-on pour les hommes ?) parce qu'elle sera définitivement acquise.

Cannes 2019: désobéissance, violences, romances et déchéances en compétition

Posté par vincy, le 27 mai 2019

Il est temps de faire le bilan de ce 72e Festival de Cannes. Peu importante les récompenses ou même nos préférences, il s'agit de voir les tendances vers lesquelles les cinéastes ont voulu nous emmener cette année.

Dans une compétition finalement assez sombre, on remarque que les réalisateurs ont malgré tout choisi de nous donner un peu d'espoir ou, au minimum, emprunter au cinéma de genre les recettes du divertissement pour ne pas trop nous plomber. Car une chose est certaine: le monde tourne mal. Pas étonnant que mélancolie, amours contrariés, ou différentes addictions s'invitent dans ce tableau plus engagé que romanesque. Cela explique aussi pour quoi le cinéma de genre (avec parfois de surprenants artifices: ovnis, drones, plantes psychotropes, ...) a été formellement si utilisé, entre fiction du réel et anticipation des bouleversements.

Ultra-violence

Le sang a fusé à Cannes. Et les cadavres ne se comptaient plus à la fin du festival. Des zombies qui massacrent un bled normal de l'Amérique de Trump (The Dead d'on't Die), des gamins qui mettent le feu à leur banlieue (Les Misérables), des occidentaux un peu racistes qui s'apprêtent à "génocider" un village entier (Bacurau), une agression banale mais pas anodine (Sorry We Missed You), des crimes épouvantables pour sauver sa peau (Le lac des oies sauvages), un tir au pigeon sans pitié (Les siffleurs), une attaque, récidiviste, d'un gamin contre sa prof (Le jeune Ahmed), le final au lance-flamme d'un carnage annoncé (Once Upon a Time in Hollywood), la folie meurtrière des déclassés (Parasite), la série de meurtres et l'attentat terroriste de la Cosa Nostra (Le traître)...

Ce Festival n'était pas particulièrement bienveillant. Peu importe les motifs de tant de haine ou de sang versé, les cinéastes n'ont pas lésiné sur la violence. Décapitations (dans plusieurs films), coups de couteau, éventrement avec un parapluie, explosion d'autoroute, carnage canin, ... l'agressivité générale était palpable, comme pour mieux traduire le chaos qui nous entoure et la perte de repères qui nous envahit.

Avis de dépression

A ce monde sans pitié, s'ajoute un ennemi invisible mais omniprésent: le capital. Ce n'est pas le seul, mais celui-là est bien présent. D'ailleurs, le président du jury, Alejandro González Iñárritu, l'a bien indiqué: "le cinéma doit essayer d'élever la conscience sociale globale."

Pessimistes ou nihilistes, les réalisateurs en ont même souvent fait la cause majeure des dysfonctionnements de la société, des luttes de classes à la fracture sociale, de l'incapacité à vivre ensemble. C'est la métaphore des zombies dans un monde qui s'effondre (The Dead don't Die), l'impasse où s'affrontent flics et jeunes, dont le seul lien est la misère, dans une cage d'escalier (Les Misérables), l'exploitation économique révoltante des travailleurs (Sorry We Missed You), le franchissement de la ligne rouge hors de la loi (Le traitre, Le Lac des oies sauvages, Les siffleurs), l'affrontement idéologique entre deux populations antagonistes (Once Upon a Time in Hollywood, Une vie cachée), le radicalisme religieux contre l'esprit de tolérance (Le jeune Ahmed), la rage des femmes contre ceux qui ont poussé les hommes à fuir la pauvreté (Atlantique), la lutte quotidienne contre les petits délits qui pourrissent la vie dans une ville ultra-pauvre (Roubaix, une lumière), les inégalités sociales et le mépris de classe (Parasite, Bacurau). Qu'ils soient dans une précarité persistante ou dans l'envie d'avoir accès à des richesses, les personnages, cette année, étaient en colère ou prêts à tout pour avoir une part de richesses.

Et quand ils l'avaient, ils n'étaient pas forcément très heureux. Car l'autre versant de la compétition révélait une dépression psychologique. Ça ne va très fort dans la famille de Sorry we Missed You. Dans Little Joe, il faut une fleur génétiquement modifiée pour évacuer nos douleurs et névroses. Le cinéaste de Douleur et Gloire ne va pas très bien, au point de tester un autre paradis artificiel, l'héroïne. Il y a beaucoup de craquages de nerfs dans Le jeune Ahmed. La mort annoncée de la mère entraîne toute une famille dans un voyage où la déprime l'emporte dans Frankie. Que dire de cette star d'Hollywood désormais has-been qui se noie dans l'alcool (Once Upon a Time in Hollywood)? La psy Sibyl perd pieds et renoue aussi avec l'alcool parce qu'elle n'a pas digéré une vieille passion. Matthias et surtout Maxime errent également au bord du précipice psychologique par manque d'amour. Enfin, Elia Suleiman s'égare à Paris et New York, désespéré et ahuri par la situation en Palestine dans It must be Heaven, portrait d'un monde aliéné et sursécurisé.

Résistance

Mais un trait commun relie pas mal de ces films, et donc de ces situations volcaniques et de ces personnages rincés. Pour la plupart, ils résistent. Et cela donne souvent les meilleurs films de la compétition, même si certains échouent. Alors que ceux qui ne se battent pas (Sorry We Missed You, Le jeune Ahmed) courent à la catastrophe.

Les flics de The Dead don't Die ne s'avouent pas vaincus même si l'extra-terrestre préfère quitter la bataille, faute de sauvetage possible. Les deux camps dans Les Misérables s'affrontent jusqu'au dernier, quitte à s'autodétruire. Les femmes de Dakar font leur loi face au riche promoteur qui ne paye pas (Atlantique). Dans Little Joe, celle par qui la catastrophe arrive essaie de réparer les effets de sa monstrueuse fleur, ni bio ni éthique. Douleur et Gloire est davantage un acte de résistance personnelle: à la douleur, à la dépression et au déclin. Pas loin de Sibyl, même si elle semble plus vulnérable.

Que ce soient Les siffleurs, Le traître ou Le Lac des oies sauvages, les "héros", pas forcément des gentils, cherchent à survivre malgré leurs torts. Ils résistent à leur façon contre une justice corrompue, une mafia toute-puissante ou un Etat-policier impitoyable. On se bat contre son ennemi: le cancer (Frankie), les conventions (Portrait de la jeune fille en feu), les hippies illuminés (Once Upon a Time in Hollywood), les délinquants et menteurs (Roubaix, une lumière), la domination masculine (Mektoub My Love Intermezzo), les sociétés sécuritaires (It Must Be Heaven). On combat aussi pour accéder, par tous les moyens, à une vie meilleure même si on nous traite comme des cafards (Parasite).

Mais la plus belle bataille est sans doute du côté d'Une vie cachée et de Bacurau, où la résistance rime avec désobéissance civile. Chez Malick, elle emprunte la voie de la Foi, une élévation spirituelle d'un objecteur de conscience préférant se sacrifier plutôt que de se compromettre. Chez Mendonça Filho et Dornelles, c'est plutôt une désobéissance civile, à la Astérix, où tout un village est prêt à en découdre pour faire justice.

Romances et (im)pudeurs

Pour alléger tout ça, certains films tentaient la voie plus convenue de l'amour. Sous toutes ses formes. Pourtant, le sexe était assez absent. Pas la tête au cul semble-t-il. Hormis quelques plans suggérés dans Bacurau, les draps qui recouvrent les corps nus des deux amantes dans Portrait de la jeune fille en feu, un sicilien qui assume sa libido, sans montrer grand chose, dans Le Traitre, il n'y a eu que quatre moments où le sexe était visible ou palpable. Xavier Dolan s'offre ainsi un hommage à la scène de sexe de Titanic avec Matthias et Maxime, dans une buanderie. On ne voit pas grand chose puisque le couple s'arrête au moment d'arriver au slip mais on devine les triques. Trop de pudeur. On préfèrera l'enlacement sensuel du couple de riches dans Parasite, assumant parfaitement une sexualité hédoniste sans pénétration, mais non dénuée de fantasmes. Dans Les Siffleurs, la femme fatale simule un scène de sexe assez classique avec un flic. Beau déhanché. Mais fake. Virginie Efira (Sibyl) se donne davantage à Niels Schneider en exposant son sexe, doigté par l'amant, puis à cheval sur lui devant un feu de cheminée. De l'érotique soft. Tellement soft que pour une fois Gaspard Ulliel ne montre que son bassin moulé dans un boxer de bain. Finalement, il ne reste que le quart d'heure de cunnilingus dans Mektoub My Love: Intermezzo. Le kamasutra y passe. Bon pour Pornhub ou presque puisque le docile lécheur, bien soumis, et qui ne semble pas la faire jouir malgré son acharnement, ouvre à peine son jean's et ne paraît même pas bander.

Mais cela ne manquait pas de romances et même de bromances (Tarantino, Dolan), gays, lesbiennes, hétéros, bisexuelles. Cependant, une fois les 21 films vus, on note que tous les amours sont contrariés, n'aboutissent pas ou finissent en lambeaux. Dans Atlantique, le petit ami s'exile. Dans Sorry We Missed You, le mari fuit vers sa perte. Dans Little Joe, le couple Emily Beecham-Ben Whishaw ne conclue pas. Dans Douleur et Gloire, le réalisateur ne fait que ressasser ses amants passés et vit seul. Son grand amour - sa mère - est ce qui le maintient à flot. Dans Le Lac aux oies sauvages, l'homme traqué court à sa perte, laissant sa femme et sa maîtresse à quai. Avec Portrait de la jeune fille en feu, les deux femmes vivent une passion étincelante mais sans issue. Côté Frankie, les couples se défont, parce qu'ils ne partagent pas les mêmes intérêts ou parce que la mort est au bout du chemin. La mort est aussi la faucheuse idéale pour séparer des couples unis et amoureux dans Parasite. On ne sait pas trop ce qu'il adviendra de Matthias et Maxime, qui traversent le film profondément ébranlés par leur baiser, mais une chose est certaine: Matthias devra faire un choix entre sa femme ou son ami. Chez Kechiche, tous les personnages de Mektoub My Love: Intermezzo s'interrogent sur la sincérité de leurs sentiments. Dans Sibyl, ce n'est qu'adultère, passion impossible, séparation attendue et finalement amours trahis.

Il reste malgré tout l'histoire d'amour inattendue dans Les siffleurs. La seule fin réellement positive de tout ce festival. Puisque dans Une vie cachée, le choix du mari, accepté par l'épouse, est fatal. C'était pourtant le grand et beau couple de cinéma de ce Festival.

Miroir

La compétition cannoise a donc reflété un état du monde ébranlé et un portrait de gens déstabilisés, quand ils n'étaient pas déséquilibrés. Les cinéastes ont pour cela puisé dans l'imaginaire inspiré du réel, et même de leur propre vie. Autofiction ou mise en abyme de leur réalité. Douleur et gloire en est la quintessence mais ce n'est pas le seul puisqu'on pourrait citer Portrait de la jeune fille en feu (autoportrait déguisé), Once Upon a Time in Hollywood (nostalgie narcissique assumée), Frankie (univers personnel revendiqué), Mektoub My Love: Intermezzo (jeunesse et obsessions revisitées) et It Must Be Heaven (autobiographie transformée). On peut même aller plus loin avec la cité des Bosquets de Ladj Ly (Les misérables), le Montréal de Dolan (qui se met en scène) dans Matthias et Maxime, la ville de Desplechin dans Roubaix une lumière, ou le Nordeste de Mendonça Filho dans Bacurau.

A Cannes, on voyage toujours. Cette année ce fut une exploration de l'intimité des cinéastes et une aventure sociologique de ce qu'ils ont observé. De la douleur et aucune gloire. Un paradis qui a les allures de l'enfer. Des misérables et des traîtres. Même s'il y a un peu de lumière au bout des tunnels, on revient du festival avec le sentiment que la planète est en feu.

Cannes 2016: Femmes (agressées), actes de résistance, IPhones complices, de l’ultra-moderne solitude, du cul et du rire

Posté par vincy, le 25 mai 2016

Si on ne prend que la compétition cannoise, les cinéastes ont livré cette année une drôle de vision du monde, assurément féminine et engagée. Ce 69e Festival de Cannes fut celui du "clito" affirmé.

Des femmes
Elles sont illuminées (Ma Loute), hystériques (Sieranevada, Juste la fin du monde, American Honey), manipulatrices et lesbiennes (Mademoiselle), vulnérables et combattantes (Moi, Daniel Blake, Ma'Rosa), dominantes et fragiles (Toni Erdmann, Elle), libres (Loving, Paterson, Elle), mal dans leur peaux et même dépressives (Mal de pierres, Mademoiselle, Toni Erdmann, Julieta, Juste la fin du monde, The Last Face, The Neon Demon, Personal Shopper, Baccalauréat, Le client), résistantes (Aquarius), artistes (Julieta, Aquarius, Mademoiselle, The Neon Demon, Paterson), troublées et un peu paumées (Elle, La fille inconnue, Mal de pierres). Une chose est sûre, elles sont toutes amoureuses: seniors, bisexuels, amant de passage, violeur, wasp quand elle est noire, basque quand elle est madrilène, patronne, fantôme, salaud, samaritain, ... Mais une chose est certaine, il y a des femmes agressées de toute part cette année: Ma Loute, Baccalauréat, Elle, Le client, The Neon Demon, la fille inconnue. Attaquées ou violées, assassinées ou kidnappées, la femme a reçu de sacré coups.

De la résistance
D'une manière ou d'une autre, il y a eu beaucoup de rébellion. Dans Sieranevada, les intellos essaient de convaincre les complotistes. Dans Moi, Daniel Blake, vainement, les pauvres combattent un système social et économique absurde. Dans Toni Erdmann, le père cherche à faire rire sa fille pour qu'elle prenne son métier plus à la légère. Dans Loving, le couple se bat contre des lois racistes et inhumaines. Dans beaucoup de films, les personnages cherchent à vaincre une dépression. Dans Aquarius, l'héroïne fait la guerre à un promoteur immobilier (et au passage à l'élite brésilienne). Dans La fille inconnue, la jeune médecin essaie de se racheter une bonne conscience en cherchant "l'assassin" d'une jeune réfugiée. Dans Paterson, le conducteur de bus s'évade de sa routine en écrivant des poèmes. Dans Baccalauréat, la fille veut rester intègre dans un système corrompu. Dans Juste la fin du monde, le fils prodigue tente de survivre à une journée en famille. Dans The Neon Demon, la jeune top model doit se protéger des mauvaises intentions de ses rivales. Dans The Last Face, deux humanitaires veulent sauver l'Afrique (alors qu'ils ne sauvent pas leur couple). Dans Elle, la femme violée, bafouée, rejette tous préjugés et toute solution convenue pour vivre librement.

Des IPhones complices
L'intermittent du spectacle le plus sollicité cette année était l'IPhone. Outre, les scènes devenues communes d'un personnage téléphonant avec son mobile (Rester vertival, Sieranevada, Toni Erdmann...), il y a des films où il est devenu central. Dans Personal Shopper, c'est même un acteur à part entière qui dialogue par sms avec Kristen Stewart. Dans La fille inconnue, Adèle Haenel n'a pas de copain, puisque son meilleur compagnon c'est siri et sa voix soumise. Dans Ma'Rosa, c'est un objet de transaction. Dans Elle, on ne supporte pas que sa batterie soit vidée. Il y a une exception: Adam Driver dans Paterson, qui refuse d'en avoir un.

De l'ultra-moderne solitude
A la campagne ou dans les villes portuaires (Rester vertical), à l'étranger (Toni Erdmann) ou chez soi (Aquarius), la solitude est prégnante dans de nombreux films. Un veuf (Moi, Daniel Blake) ou un homme marié mais malheureux (Sieranevada), époux (Paterson) ou épouse (Mal de pierres), séparée de sa fille (Julieta) ou de sa famille (Loving), pleurant son frère disparu (Personal shopper) ou regrettant le départ de son stagiaire (La fille inconnue), être seul n'est pas facile. Face à soi-même la plupart du temps (Elle, Baccalauréat, Le client, etc...), les personnages sont finalement dans l'incommunicabilité la plus totale à l'instar du quintet désaccordé de Juste la fin du monde. La mondialisation est en arrière plan souvent, tout comme le libéralisme sauvage. Les systèmes de production et l'absence de respect de l'individu, écrasés, sont au coeur ou en marge de Rester vertical, Moi, Daniel Blake, Toni Erdmann, Loving, Aquarius, La fille inconnue, Baccalauréat, The Last Face et bien entendu de The Neon Demon...

De la résistanceDu cul
On a vu l'origine du monde et des seins, des phallus en érection et des langues. Mention spéciale à Rester vertical: un cunilingus, un missionnaire, une sodomie homosexuelle (en guise d'euthanasie), une bite en érection sous le jogg. Dans Ma Loute c'est juste subversif: un pauvre ch'ti anthropophage qui tombe amoureux d'un garçon qui se préfère en fille (jusqu'au moment où il tâte les couilles). Dans Mademoiselle, le sexe est lesbien et torride. le cuni d'ailleurs déclenche la passion après des préliminaires très sensuels. L'érotisme, ici, est surtout oral, en racontant des contes pornographiques. Dans Toni Erdmann, il y a une scène naturiste cocasse mais il y a surtout une masturbation masculine avec éjaculation dans un petit four, avalé par sa partenaire voyeuse. Dans Ma de pierres, l'étreinte est classique. Dans American Honey, ils sont assez exhibs (fesses, queues, seins) et les deux protagonistes principaux baisent dès qu'ils peuvent, à même l'herbe. Au passage, on nous cache pas grand chose même si on connaissait déjà l'anatomie de Shia LaBoeuf. Sinon la branlette d'un mec se fait plus pudique. Dans Julieta, la baise se pratique dans le train, et avec fougue. Dans Personal Shopper, la Kristen se masturbe en se déguisant avec les fringues de sa boss. Dans Aquarius, il y a une scène de partouze, sans floutage, et un gigolo qui expose son matos face caméra avant de niquer sa cliente un peu plus âgée. Dans The Neon Demon, il ne se passe pas grand chose, sauf si on considère la dévoration comme un acte sexuel. Dans Elle, enfin, on ne voit pas grand chose, mais on devine tout.

Et sinon... on a souvent vu la mer. Côté Bretagne dans Rester vertical, côté Pas de calais dans Ma Loute, côté méditerranée dans Mal de Pierres. Elle a toujours son importance. Elle est aussi mortelle dans Julieta et vitale dans Aquarius. On a vu deux médecins - La fille inconnue et Baccalauréat - se prendre pour des Sherlock Holmes. Beaucoup d'appartements ou de maisons et peu de grands espaces. Le foyer était même un personnage central de certains films (Sierranevada, Mademoiselle, Paterson, Loving, Aquarius, Juste la fin du monde, Le client...).

Les métiers étaient variés: scénariste, médecins, visiteur médical, bibliothécaire, industriel, menuisier au chômage, servante, arnaqueur, lectrice, consultante, professeurs, maçons, VRP, conducteur de bus, pâtissière intermittente, shoppeuse, journaliste à la retraite, commerçante et trafiquante, dramaturge, mannequin, patronne de start-up, comédien...

Et puis il y a du rire. Beaucoup d'humour et de dérision ont allégé de longs films. Décalé ou noir, second de gré ou burlesque, les cinéastes ont réussi, souvent, à nous muscler les zygomatiques. Mention spéciale au film de Jim Jarmusch, qui s'offre le chien psychopathe le plus comique du cinéma et l'intrusion d'un Japonais dans l'épilogue dont une expression toute nippone devient un running-gag. Il y a quelques exceptions: on ne rigole vraiment pas dans Mal de pierres, American Honey, Moi, Daniel Blake, Loving, Personal Shopper, Baccalauréat, Juste la fin du monde, Le client ou The Neon Demon. Ou on rit franchement, involontairement avec The Last Face qui offre une série de répliques cultes malgré lui.

Bien sûr, il n'y a pas que la compétition, et les films des autres sélections ont aussi ces points communs. La femme est à l'honneur de Victoria et de Divines. On se dévore aussi bien dans Ma Loute, The Transfiguration, Grave que dans The Neon Demon (attention aux végétariens: l'homme est une viande comme les autres, parfois un peu plus indigeste). Le foyer est aussi le décor central de L'économie du couple ou de Parc, The Transfiguration et Périclès le noir. Le huis-clos a inspiré de nombreux films, à commencer par Clash et Apprentice. Les familles élargies et recomposées sont des objets très bien identifiés et source de drames et jalousies, de passions et d'incompréhensions (Juste la fin du monde, Baccalauréat, Elle, Sierranevada, Le cancre, Harmonium, Divines, American Honey, Rester vertical, Moi, Daniel Blake, Au delà des montagnes et des collines, Toni Erdmann, La tortue rouge, Loving, Ma vie de courgette etc...)

Mais s'il fallait aussi garder un thème, ce serait celui du temps. Les 8 jours de Paterson. L'après midi de Sierranevada. La journée de Juste la fin du monde. La nuit blanche de Ma'Rosa. La semaine d'Aquarius. Et aussi les manipulations du temps: les décennies de Julieta, les vacances de Ma Loute, la semaine à Bucarest de Toni Erdmann, la virée sans fin de American Honey, le combat sans fin, sur dix ans et quelques de Loving, les jours qui passent dans La fille inconnue, le compte-à-rebours de quelques jours de Baccalauréat, les années qui roulent de Mal de Pierres. Le temps se tord, se distord, mais la durée fut soit courte soit très longue. Soit très bien définie, soit assez floue. C'est un prétexte au récit où le temps sert de cadre strict ou accompagne une vie.

Cannes c'était finalement 12 jours pile-poil et quelques films qui marquent nos esprits.