Sorti le 20 décembre aux Etats-Unis (où il a déjà récolté plus de 115M$), The Greatest Showman débarque enfin dans les cinémas français. L'occasion de se passionner pour les péripéties de PT Barnum et de découvrir le talent de Michael Gracey.
1. L'histoire est captivante. Les plus critiques d'entre nous se sont certainement arrêtés aux réécritures de la vie de PT Barnum mais ce n'est pas notre cas. Centré sur le quotidien de cet entrepreneur américain du 19ème siècle qui a fait fortune dans les freakshows avant de lancer son propre crique, The Greatest Showman traite des choix ambitieux qu'il faits, de sa démesure et de sa vie sentimentale mouvementée. Très lisse, le scénario convainc difficilement au niveau des dialogues mais se rattrape grâce à des numéros dignes des meilleures comédies musicales (Roméo + Juliette, Moulin Rouge, etc.) Et ce sont ces séquences techniques absolument parfaites qui font tout l'intérêt de ce film. Lors des rares temps morts, Michael Arndt réussit même l'exploit de faire durer le plaisir tout en posant les bases du star-system et des télé-réalités (oui, oui).
2. Hugh Jackman est au sommet de son art. Après nous avoir surpris dans Logan l'an dernier, l'interprète de Wolverine et acteur principal de The Greatest Showman impressionne de nouveau. Sa performance en PT Barnum est d'une force telle qu'elle finit rapidement par éclipser le reste du casting. A ses côtés, Zendaya Coleman, Michelle Williams et Zac Efron font d'excellents seconds rôles, porteurs de sens et toujours là pour alimenter le jeu de l'Australien de 49 ans. Si ses performances de chanteur et de danseur dans Australia et Les Misérables laissaient vite place à des critiques, il est ici incroyablement bon. En plus de porter (et de sauver par moments) cette comédie musicale, il offre à cette dernière tout son savoir-faire d'entertainer d'exception. Plus sexy que jamais, on espère secrètement qu'il s'intéressera davantage à ce sous-genre à l'avenir.
3. C'est un feel-good movie indispensable. En pleine awards season, nous pourrions avoir tendance à oublier la puissance des comédies musicales pour ne privilégier que les drames. Or, The Greatest Showman est l'énième preuve qu'un feel-good movie est la meilleure chose à voir pour bien débuter l'année, après avoir survécu aux fêtes. Dansant et intriguant, le film de Michael Gracey peut se targuer d'avoir une bande originale de grande qualité qui fait oublier le ridicule de certaines transitions musicales. Nommée aux Oscars, "This Is Me" devrait vite intégrer vos playlists quotidiennes. Parce que tendre, divertissant et amusant, on vous recommande de foncer voir The Greatest Showman pour mettre de la couleur dans votre hiver.
C'est un beau cadeau que nous fait Arte à quelques jours de la rentrée scolaire, en diffusant en avant-première le mercredi 30 août Jeannette, l'enfance de Jeanne d'Arc de Bruno Dumont qui sortira en salles le 6 septembre prochain. Cette déconcertante comédie musicale sur l'enfance de Jeanne d'Arc, adaptée de Jeanne d’Arc et Le Mystère de la charité de Jeanne d’Arc de Charles Péguy, est co-produite par la chaîne de télévision, et avait été sélectionnée à la Quinzaine des Réalisateurs lors du dernier festival de Cannes. Si le réalisateur de L'Humanité, Camille Claudel et Ptit Quinquin nous a habitués à la fois à une certaine radicalité et aux ruptures de ton les plus insolites, son nouveau film est probablement le film le plus audacieux et le plus totalement décalé de sa filmographie.
On y suit en effet une petite fille, Jeannette, qui garde ses moutons et s'interroge (souvent en chantant) sur le monde dans lequel elle vit : où est donc le Seigneur dont tout le monde attend le retour ? Pourquoi Dieu n'exauce-t-il pas les prières ? Comment lutter contre le mal universel dont sont même complices les hommes de bien ? Comment sauver tous les êtres à la fois, quand la guerre et la misère font rage ? Des questions d'ordre religieux mais aussi humaniste et même politique dont la profondeur abyssale tranche avec la jeunesse et la naïveté de celle qui les pose dans un langage bien trop précis et recherché pour son âge.
Toute la dialectique de Péguy (car tout le texte est de lui) est ainsi incarnée par un dialogue aussi charmant qu'intense entre la petite Jeanne et son amie Hauviette, la première étant dans une grande douleur qui la conduit à la rébellion, tandis que la seconde, sage et raisonnable, affirme sa totale soumission à Dieu.
On peut être un peu gêné par la démarche sans concession de Dumont (qui ajoute à ce mélange déjà hétéroclite la musique électro-baroco-heavy metal d'Igorrr et les chorégraphies endiablées de Philippe Decouflé), mais en réalité, si l'on s'abandonne à cette oeuvre sidérante par sa puissance d'évocation et sa beauté quasi mystique, c'est une réussite totale. Une oeuvre en état de grâce, telle que l'on n'en avait peut-être jamais vu, et dont la singularité envoûtante rime avec la plus grande simplicité stylistique. Décor naturel, son direct, comédiennes à la fragilité bouleversante, mise en scène dépouillée... tout ramène au texte et à la force des idées qu'il véhicule.
Un pari forcément gonflé à l'époque d'un cinéma de la surenchère et du spectaculaire à tout prix, bien que le film ne s'interdise ni les effets (les fameuses "voix"), ni l'humour plutôt tendre et le décalage permanent entre la solennité des propos et le contexte dans lequel ils s'inscrivent. L'oncle de Jeannette s'improvise ainsi rappeur tandis que la religieuse à qui elle demande conseil est incarnée par des sœurs jumelles qui tombent la cornette pour révéler une chevelure flamboyante qu'elles agitent en cadence sur fond de hard rock. Déconcertant, osé, iconoclaste... et complètement épatant. De par l'intelligence du propos d'une part, et par la fulgurance artistique du geste formel d'autre part. Comme si le cinéaste avait réussi à combiner l'exigence intellectuelle forte d'une poésie habitée avec la simplicité désarmante d'une âme d'enfant et la fantaisie d'une interprétation musicale et chorégraphique débridée et joyeuse.
Bruno Dumont lui-même parle d'un "opéra cinématographique" (qui lui seul serait capable de rendre justice aux mots de Péguy), et c'est vrai qu'il y a quelque chose de cet ordre, monumental et écrasant, dans cette Jeannette réjouissante, et quoi qu'il en soit unique en son genre. Il ne faut donc la louper sous aucun prétexte, que ce soit le 30 août sur petit écran, ou dès le 6 septembre sur le grand. Voire les deux.
70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.
Aujourd'hui, J-62.
C’était il y a quelques semaines : Damien Chazelle devenait le plus jeune cinéaste à recevoir un Oscar du meilleur réalisateur pour La La Land, juste après avoir égalé le record de 14 nominations et gagné 6 Golden Globes (réalisation, scénario, musique…). Médiatisé au-delà du possible, le film cartonne au box-office et va même faire chanter certains spectateurs dans les salles avec une ressortie en version karaoké !
Alors, bien sûr, La la land n'était pas à Cannes (il a fait l’ouverture de Venise), contrairement au premier film de Damien Chazelle (Whiplash) sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs. Pourtant, il sonne certes comme un hommage aux classiques américains du genre, mais il est surtout sous l'influence d'un film souvent cité par le réalisateur lui-même : Les parapluies de Cherbourg de Jacques Demy. Qui, lui, avait été sacré Palme d’or du Festival de Cannes 1964. Le genre de la comédie musicale qui semblait un peu tombé en désuétude revient donc sur le devant de la scène. En fait, ce n’est pas vraiment la première fois, et c’est d’ailleurs à Cannes que la comédie musicale a plusieurs fois fait son retour.
A noter d'ailleurs que le premier film musical "palmé" sur la Croisette, c'est Orfeu Negro de Marcel Camus, présenté en 1959. Cette année-là, cette adaptation d'une pièce de Vinícius de Moraes, qui revisite le mythe d'Orphée et Eurydice sur fond de Bossa Nova, l'emporte devant Les 400 coups de Truffaut, ou Hiroshima mon amour d'Alain Resnais.
Mais revenons-en à 1964. Le Festival de Cannes est donc "enchanté" par Les parapluies de Cherbourg : les dialogues en chanson de Jacques Demy ont été mis en musique par Michel Legrand, et en fait on y entend peu la voix des acteurs principaux (Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo) qui sont doublés par de véritables chanteurs. La comédie musicale qui est souvent dans l’imaginaire fantaisiste est ici ancrée dans le réel : au début des années 60, un jeune homme doit partir faire la guerre en Algérie et quitter une jeune-fille enceinte avant d’être mariée…
Catherine Deneuve est l’actrice au parcours unique dans le genre de la comédie musicale au Festival de Cannes : après Les parapluies de Cherbourg en 1964, elle va chanter et danser dans Dancer in the dark du danois Lars Von Trier en compétition officielle en 2000. Le Palmarès sera au diapason : Palme d’or pour le film, doublé d’un prix d’interprétation de meilleure actrice pour Björk, personnage principal qui chante et compose chansons et musiques. Là encore, film musical rime avec drame, les épreuves les plus tragiques de l’héroïne Björk sont supportée par son amour des comédies musicales qu’elle se chante et danse dans sa tête.
Dans le film Catherine Deneuve accompagne Björk dans deux séquences musicales : Cvalda dans l’usine quand le bruit des machines devient un rythme qui devient une chorégraphie, et My favourite things à la chorale durant les répétitions d’un spectacle joyeux (chanson qui sera reprise larmoyante de désespoir par Björk seule dans sa cellule de prison). Dans Dancer in the dark, chaque séquence chantée et dansée est une échappatoire joyeuse et résignée pour supporter un moment réel pénible, et juste ensuite survient un nouveau drame encore plus tragique…
Après Dancer in the dark, souvenez-vous quel a été le film d’ouverture choisi l’année suivante ? Encore une comédie musicale ! Moulin Rouge de Baz Luhrmann est bien plus virevoltant, avec quantité de reprises de chansons pop (David Bowie, Elton John, Police…), mais son finale n’en reste pas moins (encore) la mort d’une histoire d’amour...
C’est en 2007 que la comédie musicale fait un beau retour en compétition à Cannes avec Les chansons d’amour de Christophe Honoré qui réunit Alex Beaupain à la composition des musiques et Chiara Mastroianni, la fille de Deneuve, à l'écran aux côtés de Ludivine Sagnier, Lous Garrel et Clotilde Hesme. Cette fois, il y a moins de chorégraphie mais tout autant de chansons qui forment des dialogues sur le trouble amoureux (et le deuil) entre un garçon qui aime deux filles dans un ménage à trois qui se complique quand il est lui-même aimé par un autre garçon… Le film repart bredouille, mais Christophe Honoré sera de retour en 2011 avec Les bien-aimés, présenté en clôture. Un autre film musical dans lequel on retrouve... Catherine Deneuve. Comme pour boucler la boucle.
Cannes fera connaître dans quelques semaines quels seront les films qui seront sélectionnés pour cette 70 édition, mais, ici, on peut déjà vous pronostiquer que la comédie musicale fera de nouveau l’événement lors du Festival... 2018 : en effet, Léos Carax travaille en ce moment sur son prochain film Annette (avec Adam Driver et une actrice encore inconnue en remplacement de Rooney Mara et de Rihanna initialement attachées au projet) qui « sera envoûtant, noir et cruel, mais aussi drôle et joyeux et saura s’inscrire dans la riche histoire d’amour entre le cinéma, la musique et les voix » d’après ses propres mots. Gilles Jacob (ex président du Festival de Cannes) est déjà emballé par le scénario qu’il a lu : « Je pense que ça va être quelque chose ! Can't wait ». Nous non plus.
Entre tata Yvette qui adore, grand-mère, maman, le frère, le boyfriend, la girlfriend, la boulangère du coin, etc... La La Land est devenu un membre de la famille depuis sa sortie en salles en janvier dernier (2,4 millions de spectateurs en France). Cette nouveauté chantante va ravir les fans qui n'arrêtent pas d'écouter et de chanter la bande originale sous la douche (ne mentez pas, nous vous entendons d'ici!). Composée et orchestré par Justin Hurwitz (récompensé aux Golden Globes et aux Oscars) les titres City of Stars ou encore Another day of sun n'ont pas fini de vous faire chanter.
Comme une bonne nouvelle n'arrive pas seule, la bande originale de Guy and Madeline on a Park Bench sortira le 17 mars et sera disponible sur Spotify.
Avant de réaliser les films Whiplash et La La Land, Damien Chazelle a démarré sa carrière avec Guy & Madeline on a Park Bench, une comédie musicale jazz qu'il a écrite et dirigée pendant ses études à Harvard. L'histoire d'un jeune couple (une star de la trompette en devenir et une introvertie désorientée) dont la relation s'étiole malgré leur amour naissant. Deux cœurs brisés que l'espoir et le regret animent tour à tour, et qui tentent de trouver un sens à leur nouvelle vie sans l'autre... un peu un La La Land avant l'heure n'est-il pas?
Chazelle était persuadé qu'un film si centré sur le monde du jazz et de la tap dance (les claquettes) nécessitait une excellente partition. Par chance, Justin Hurwitz, son collègue d'Harvard, a été engagé pour relever le défi de composer Guy and Madeline et il s'en est sorti brillamment. Ayant eu l'honneur d'avoir écouté cette sublime bande originale, nous pouvons affirmer la réussite de Hurwitz à mettre en lumière les paroles de Damien Chazelle, en mariant les sonorités sensibles des grandes formations du début du 20ème siècle avec celles des petits groupes d'aujourd'hui.
Disponible le 17 mars prochain chez Milan Music, la bande originale de ce film illustre à la perfection la genèse d'un partenariat hollywoodien, qui a donné naissance à une multitude de classiques de l'époque moderne. En quelques notes nous voyons Damien Chazelle derrière sa caméra.
Le plus jeune réalisateur oscarisé et Justin Hurwitz n'ont pas terminé de faire vibrer nos yeux et nos tympans. Même si le prochain film de Chazelle, un biopic sur l'astronaute sur Neil Armstrong, ne sera certainement pas musical. Sortie prévue à l'automne 2018.
Ryan Gosling et Emma Stone dans un même film, cela fait rêver... Ce n'est pas étonnant que tout le monde parle de La La Land, que le buzz, les promesses d'Oscars fassent monter le désir ; et pourtant ce n'est pas pour ces raisons que j'attends ce film à me taper la tête contre un mur.
Il y a des cinéastes que l'on veut suivre dès leur premier film. Parce que j'ai eu l'immense chance de rencontrer Damien Chazelle il y a deux ans pour Whiplash, parce que, malgré sa timidité, l'interview s'est changée en discussion entre deux passionnés de musique de jazz, parce qu'il m'avait déjà parlé de son projet La La Land, à l'époque où Miles Teller et Emma Watson étaient prévus (il a écrit le scénario de La La Land avant celui de Whiplash) et parce que sa modestie est bien trop grande face à son immense talent de scénariste/réalisateur: je suis curieuse de voir le résultat, concrètement.
En voyant la bande-annonce de La La Land, il me semble que ce film musical reflète à la perfection la pudeur et la douceur de son réalisateur. Dès les premières images, La La Land ne semble pas être une énième histoire d'amour consommée par d’innombrables parties de jambes en l'air filmées sans le son et avec des effets de zoom. Non: La La Land nous projette au cinéma d'antan, celui des années 50 et 60 où la couleur, convoquant Gene Kelly et Jacques Demy, quand la musique et les regards savaient conter une histoire. Un film d'amour comme on aimerait en voir plus souvent au cinéma, comme on aimerait en vivre dans notre vie tristement écrite par les scénaristes de Twilight. Une histoire où l'ambition et le succès peuvent dévorer le bonheur. Où le swing et la dévotion à son art peuvent conduire à l'épanouissement.
Alors j'attends La La Land avec (beaucoup) trop d' impatience... Et surtout qu'on ne me raconte pas le film. Car il n'y a rien de plus beau que la surprise.
Elle fut une star de cinéma dans les années 1950 et 1960. Debbie Reynolds s'est éteinte cette nuit à Los Angeles après avoir été hospitalisée d'urgence. L'actrice et chanteuse était la mère de Carrie Fisher, décédée la veille. Autant dire que le choc n'a pas été supportable pour ce couple mère-fille. Elle préparait les funérailles de sa fille lorsqu'elle a eu une attaque. Effondrée de tristesse. "Elle voulait être avec Carrie", a déclaré son fils Todd Fisher à Variety.
Née le 1er avril 1932 à El Paso au Texas, Debbie Reynolds avait 84 ans. Son dernier message public, sur Facebook, était dédié à Carrie Fisher: "Merci à tous ceux qui ont su embrasser les dons et les talents de ma fille géniale et adorée. Je vous suis reconnaissante pour vos pensées et vos prières qui vont désormais la guider vers sa prochaine étape" et elle l'avait sobrement signé "la maman de Carrie".
Musicals
Un comble pour celle qui fut une des vedettes les plus connues d'Hollywood. Dès son premier grand rôle, dans Trois petits mots (Three Little Words), comédie musicale de Richard Thorpe avec Fred Astaire, elle obtient une nomination pour le Golden Globe du Meilleur Espoir. Dès lors, elle va devenir une grande du musical américain. En 1952, Gene Kelly la choisit pour être sa partenaire dans Chantons sous la pluie (Singin' in the Rain), bien qu'elle ne sache pas danser. Elle apprend à toute vitesse. Le film est un immense succès international et devient un des classiques du genre, parfois même considéré comme le meilleur "musical" de cinéma avec West Side Story. C'est d'ailleurs le film préféré de Woody Allen qui s'en est inspiré pour Tout le monde dit I Love You.
Parfaite "girl-next-door", douée de fantaisie, Debbie Reynolds enchaîne les comédies musicales et les comédies de séries B.: Donnez-lui une chance de Stanley Donen, Suzanne découche de Frank Tashlin, Le démon de midi de Blake Edwards, Le repas de noces de Richard Brooks, avec Bette Davis, où elle est nommée au palmarès du National Board of Review en tant que meilleur espoir féminin, ou encore Le bébé de mademoiselle de Norman Taurog, qui lui vaut une nomination aux Golden Globes et sa rencontre avec le chanteur Eddie Fisher, père de sa fille Carrie.
Variété
A partir de 1957, grâce au tube issu de Tammy and the Bachelor, elle se lance dans la chanson. Elle enregistre son premier album en studio, "Debbie", en 1959. Elle varie aussi ses choix cinématographiques et s'aventure dans d'autres styles de films : la comédie romantique avec Tout commence par un baiser et la comédie policière Le mort récalcitrant, tous deux de George Marshall et avec Glenn Ford, le mélo Les pièges de Broadway de Robert Mulligan, avec Tony Curtis, et le Western. En 1962, elle partage l'affiche avec les plus grandes stars de l'époque dans La conquête de l’Ouest de Henry Hathaway, John Ford et George Marshall. Notons que c'est la seule femme en tête d'affiche dans cette fresque où l'on croise James Stewart, John Wayne, Henry Fonda et Gregory Peck.
Debbie Reynolds tient encore quelques grands rôles dans les années 1960. Avec La Reine du Colorado, biopic sur la militante Margaret Brown, elle obtient sa seule nomination à l'Oscar de la meilleure actrice. Mais c'est aussi là que le cinéma commence à prendre moins d'importance dans sa vie. On la voit dans divers films (Au revoir Charlie!, Dominique, Divorce à l'Américaine. Elle commence alors une autre carrière, à la télévision, avec The Debbie Reynolds Show où elle met à profit ses multiples talents. Elle s'éclipse dès le début des années 1970, malgré quelques apparitions sur le petit écran, et opte pour les planches de théâtre (Irene, pour lequel elle est nommée aux Tony Awards, The Unsinkable Molly Brown, où elle reprend son rôle de Margaret Brown).
Un déclin brutal
Dans les années 1980, s'ennuyant loin des plateaux de tournage et malgré ses nombreuses activités caritatives, elle accepte des participations à des séries (soulignons son rôle récurrent dans la sitcom "Will & Grace") ou téléfilms, fait quelques doublages (de Miyazaki aux Razmokets) et obtient des seconds-rôles ou des caméos dans des films. On la voit notamment dans son propre rôle dans The Bodyguard. Elle a un personnage plus conséquent dans In & Out, avec Kevin Kline, et joue la mère d'Albert Brooks dans la comédie tendre Mother qui lui permet d'obtenir sa cinquième nomination aux Golden Globes. C'est d'ailleurs dans le rôle d'une mère, celle de Liberace, qu'elle fera sans le savoir ses adieux au cinéma, dans Ma vie avec Liberace de Steven Soderbergh. Cette vie de Vegas décrite dans le film, elle la connaît bien. Elle avait investit dans un Debbie Reynolds Hotel & Casino qui la conduite à une faillite personnelle à la fin des années 90, l'obligeant à vendre nombre de ses biens aux enchères. Elle avait collectionné des milliers de costumes de films au fil des ans, dont la célèbre robe blanche de Marilyn Monroe qui se soulève au dessus du métro dans 7 ans de réflexion.
Debbie Reynolds venait de recevoir un Jean Hersholt Humanitarian Award (Oscar d'honneur) en 2016 et un prix pour l'ensemble de sa carrière aux Screen Actors Guild Awards en 2015.
Les rentrées s'entrechoquent: littéraire, musicale, scénique, cinématographique, médiatique et politique. On savait déjà que les livres étaient toujours un matériau riche pour le cinéma (au minimum deux adaptations par semaine). Il est intéressant de constater que le cinéma se décline lui aussi de plus en plus sur la scène. Finalement tout se mélange. Le Fantôme de l'Opéra (à Paris dès le 13 octobre, après trente ans de succès à Londres et New York) est un livre français, un film américain et c'est le spectacle britannique qui est devenu la référence. Réparer les vivants fut un livre qui s'est très bien vendu, avant de devenir un seul-en-scène (actuellement au Théâtre du Rond-Point) et connaît une nouvelle vie au cinéma (le film est sélectionné à Venise). Et que dire de la franchise Harry Potter, devenue "l'univers magique de J.K. Rowling", qui se décline cette année au théâtre (à Londres), en livres (trois nouvelles numériques, la pièce publiée) et en film (premier épisode de la trilogie des Animaux fantastiques).
On s'y perdrait presque.
Le phénomène n'est pas si neuf. Après tout Le Roi Lion a d'abord été un carton au cinéma avant de devenir un phénomène musical. Idem pour Sister Act, Hairspray, Shrek, Mary Poppins, La belle et la bête (qui va être rebooté en "live-action")...
Mais le phénomène s'accentue. Actuellement, Avatar a été transformé par Le Cirque du Soleil : Toruk promet un spectacle dans l'univers de Pandora. On nous annonce Moulin Rouge! sur les planches d'ici deux ans (avec l'accord de Baz Luhrmann). Mais surtout Amélie, d'après Le Fabuleux destin d'Amélie Poulin, en comédie musicale là aussi, pour le printemps 2017. Pour la saison 2017/2018, pas moins de douze films ou livres déjà adaptés pour le cinéma seront transposés en pièces de théâtre ou comédies musicales à Broadway. La plus attendue sera évidement La Reine des neiges.
En France, on avait déjà eu le droit à Kirikou, Sur la route de Madison, La maman et la putain, Un singe en hiver, Le bal des vampires (par Polanski himself), etc... Désormais ce sont Les Choristes, la hit de Christophe Barratier, qui va être transposé en spectacle musical, mis en scène par le réalisateur lui-même. Lever de rideau le 23 février 2017. Et à la Comédie-Française, après son triomphe à Avignon, c'est l'adaptation du film de Visconti, Les Damnés qui fait l'événement de cette rentrée.
Trouple entre littérature, cinéma et théâtre
On voit bien que cinéma et théâtre entretiennent de plus en plus leur flamme amoureuse. On pourrait aussi se désoler de constater un manque d'originalité ou d'inspiration à vouloir chercher la recette qui peut fonctionner. Autant le cinéma a sa réputation de vampire, suçant livres, théâtre et histoires vraies. Autant le théâtre ne nous avait pas habitué jusque là à ce genre d'usages. Pourtant, regardons bien les affiches: Le rouge et le noir, Le fantôme de l'opéra, Oliver Twist, Notre-Dame de Paris. Tous ces spectacles musicaux de la rentrée sont issus de bouquins populaires et étudiés à l'école. Tous ont aussi été déclinés au cinéma. Alors pourquoi ne pas pousser la chansonnette sur une histoire que tout le monde connaît? Il y a une part d'inceste artistique, certainement. Une ambition amoindrie pour limiter les risques, assurément.
Cependant, si on est assez objectif, qui peut dire lequel Roi Lion est le meilleur, le Disney ou le Broadway? Comment avez-vous découvert Les Misérables entre le pavé d'Hugo, le mastodonte musical milliardaire et les différentes adaptations audiovisuelles? Cela prouve surtout que les bonnes histoires ne meurent jamais.
Sur quel pied danser, comédie musicale et sociale pleine de fantaisie, sort sur les écrans le 6 juillet.
Ce premier film de Paul Calori et Kostia Testut (révélés avec le court métrage Le silence des machines sélectionné aux Festivals de Clermont-Ferrand et d'Angers) réunit à l'écran Pauline Etienne, Olivier Chantreau et François Morel et propose numéros musicaux et chansons notamment composées spécialement par des musiciens comme Olivia Ruiz, Jeanne Cherhal, Albin de la Simone ou encore Agnès Bihl.
Alors que Julie pense décrocher un CDI dans une fabrique d'escarpins de luxe, un plan social vient chambouler ses rêves de stabilité : entre lutter aux côtés d'ouvrières frondeuses ou bien faire profil bas, la jeune femme ne sait sur quel pied danser. Mais quand Samy, un camionneur aussi roublard que charmeur, vient prêter main forte au combat, ce n'est déjà plus la même chanson…
A l'occasion de la sortie en salles, EcranNoir vous fait gagner huit exemplaires de la bande-originale du film (dédicacée par François Morel) et huit affichettes du film signées par leur créateur Pascal Rabaté.
Pour participer, il suffit de répondre par courriel à la question suivante (en mentionnant votre nom et vos coordonnées postales) avant le 19 juillet :
François Morel est un habitué des comédies sur grand écran, des séries télévisées, et bien sûr des tournées et spectacles musicaux. Mais il a également prêté sa voix en 2011, dans un film d'animation, à un célèbre félin. Dans quel film ?
Attention, aucune réponse postée dans les commentaires du site ne sera prise en compte.
"Libérééééééééééééééééé délivrééééééééééééééé (Let it goooooooooooo, Let it goooooooooooo)" depuis sa sortie en 2013, La Reine des Neiges envahi votre cerveau avec malice grâce (à cause?) de cette chanson. Sachez que votre calvaire n'est pas terminé! Pour le plus grand plaisir des enfants et des fans (très nombreux), La Reine des Neiges sera joué sur les planches de Broadway à partir de 2018.
Disney a indiqué que la musique et les paroles des chansons de la comédie musicale seraient écrites par Kristen Anderson-Lopez et Robert Lopez, déjà auteurs des chansons du film, sans préciser ce qui serait repris du long métrage. La mise en scène sera assurée par Alex Timbers, co-scénariste et co-producteur de la série télévisée Mozart in the Jungle, diffusée sur Amazon et primé deux fois aux derniers Golden Globes. Pour Tom Staggs, directeur d'exploitation de Disney, la comédie musicale La Reine des Neiges (Frozen en anglais) s'inscrit "dans la tradition du Roi Lion et d'Aladdin", autres longs métrages qui ont été adaptés avec succès au théâtre (Le Roi Lion est même le musical ayant rapporté le plus de recettes dans le monde).
Disney a ajouté lors d'un communiqué de presse que des représentations de la comédie musicale auront lieu dès août 2017 dans un autre contexte que celui de Broadway, autrement dit il sera testé ailleurs.
Rappelons, pour ceux qui aurait vécu dans une grotte au fin fond de l'Amazonie entre 2013 et maintenant, que La Reine des Neiges est l'histoire de deux sœurs, Elsa et Anna, séparées par le pouvoir magique de la première qui met en danger la seconde.
Une suite et un téléfilm
Tom Staggs, a également annoncé mardi pendant la conférence téléphonique consacrée aux (excellents) résultats financiers de Disney qu'outre le second volet du film et la comédie musicale, un téléfilm autour des personnages de La Reine des neiges était également en préparation pour les fêtes de Noël 2017.
Les acteurs qui avaient prêté leurs voix aux personnages principaux ont accepté de participer au téléfilm, notamment Idina Menzel, qui interprétait Elsa, et Kristen Bell, qui jouait Anna. En revanche, Disney n'a pas précisé si Idina Menzel, qui est une vraie star à Broadway, prendrait part à la comédie musicale.
Le film a rapporté 1,3 milliard de dollars dans le monde, détenant toujours le record de recettes mondiales pour un film d'animation. Disney a déjà adapté en musical ses films d'animations - La belle et la bête, joué en France en 2013, Le Roi Lion, joué en France entre 2007 et 2010, Tarzan, La petite sirène, Le bossu de Notre-Dame (lancé d'abord en Allemagne), La petite sirène, Aladdin (depuis 2014) - mais aussi d'autres de ses productions comme Mary Poppins (qui a faillit être monté en France) et High School Musical. Dans les cartons, Disney a aussi Le livre de la jungle et Pinocchio de prévu.
Effondrement. A 69 ans, l'icône David Bowie est mort, après avoir lutté plus de 18 mois contre un cancer. Son fils a twitté l'information ce matin, et le compte Facebook de la star a officialisé la nouvelle. Légende de la musique pop et rock, égérie fashion à travers les décennies, jouant sur les genres et les ambivalences, il était aussi un acteur magnétique pour le cinéma. Artiste mythique, créateur génial, sa mort sidère. Lui qui était capable de se réinventer continuellement ne va pas pouvoir renaître cette fois-ci. Il venait de sortir un nouvel album, Blackstar. Durant toute sa carrière il a vendu 140 millions de disques.
Inventeur du glam rock, David Bowie a révolutionné le son des seventies avec ses albums Space Oddity et surtout The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Il a aussi été précurseur en imposant une création visuelle (vidéo, costumes, maquillages) comme un dédoublement de l'artiste (qui sera maintes fois copié par d'autres). Producteur, collectionneur d'art, photographe, ... tous les arts l'intéressaient. Mais ce qu'on retient c'est davantage sa liberté (artistique comme individuelle). Chacune de ses "créations" semblait nous dire "vivez tel que vous êtes".
Au cinéma, David Bowie est au générique de plus de 200 films. Ses chansons cultes ont toujours illustré des films très divers, et encore récemment dans Seul sur Mars, Bird People, Nos pires voisins, Praia do Futuro, La vie rêvée de Walter Mitty , American Bluff ou même Eyjafjallajökull... Parfois certains morceaux transcendaient des scènes comme dans CRAZY ou Mauvais sang. Il fut nominé aux Golden Globes pour la meilleure chanson (Cat People) en 1983. Paradoxalement Bowie n'a jamais été énormément récompensé. Les Grammy Awards ont du se rattraper en 2006 pour lui décerner un prix honorifique.
Serge Gainsbourg avait écrit une chanson pour Isabelle Adjani, Beau oui comme Bowie, où en quelques mots, il dévfinissait merveilleusement l'artiste : "Mâle au féminin, Légèrement fêlé, Un peu trop félin, Tu sais que tu es / Beau oui comme Bowie / Un peu d'Oscar Wilde, Un peu Dorian Gray, Quelques lueurs froides, Et un air glacé"
En tant qu'acteur, sa naissance date de 1976 avec L'Homme qui venait d'ailleurs (The Man Who Fell to Earth), titre qui pourrait résumer son oeuvre. Il venait d'en écrire la version théâtrale, Lazarus, qui s'achève ces jours-ci à Broadway. On l'a aussi vu dans C'est mon gigolo (Schöner Gigolo, armer Gigolo), Moi, Christiane F., 13 ans, droguée, prostituée… où il joue son propre rôle et des films plus mineurs comme Série noire pour une nuit blanche (Into the Night), Absolute Beginners (qui donnera quand même un tube), Labyrinthe (Labyrinth)... Il prête aussi sa voix à Maltazard dans Arthur et les Minimoys et celle du Roi heureux dans Bob l'éponge. Bob l'éponge dont il vient de composer la partition pour la comédie musicale...
Heureusement sa beauté irréelle, ses yeux vairons, une ambivalence intirgante ont aussi séduit de grands cinéastes. "Un personnage de Cocteau" a dit de lui Gilles Jacob. Il fut ainsi un vampire sublime chez Tony Scott, dans Les Prédateurs, face à Catherine Deneuve et Susan Sarandon. Qui n'aurait pas voulu être mordu par cet androgyne irrésistible? Mais c'est évidemment dans Furyo (Merry Christmas Mr. Lawrence), de Nagisa ?shima, en Major Jack 'Strafer' Celliers, victime presque consentante de l'amour refoulé et des tortures sadiques de son tortionnaire japonais, qu'il crève l'écran. Il a également tourné avec Martin Scorsese, incarnant Ponce Pilate dans La Dernière Tentation du Christ, David Lynch dans Twin Peaks: Fire Walk with Me et Christopher Nolan dans Le Prestige, où il interprétait l'inventeur Nikola Tesla.
Mais peut-être que le rôle qu'il faut retenir c'est celui d'Andy Warhol dans Basquiat. Car Bowie, c'était un artiste warholien, celui qui se mettait en avant, qui se mettant en scène, en usant des codes publicitaires qu'il érigeait en pop culture.
Sorti le 20 décembre aux Etats-Unis (où il a déjà récolté plus de 115M$), The Greatest Showman débarque enfin dans les cinémas français. L'occasion de se passionner pour les péripéties de PT Barnum et de découvrir le talent de Michael Gracey.
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