Festival Lumière 2017 : De John Ford à Jane Campion, il n’y a qu’un pas vers les horizons lointains

Posté par Morgane, le 17 octobre 2017

Ce qu’il y a de formidable au Festival Lumière c’est son éclectisme. On peut embarquer à bord d’un train nous conduisant vers l’Ouest aux côtés de James Stewart et Vera Miles, puis, juste après, se retrouver sur une pirogue accostant sur une plage isolée de Nouvelle-Zélande et patienter avec Holly Hunter et Harvey Keitel que quelqu’un vienne nous chercher. Ou comment faire le grand écart entre deux chefs d’oeuvre du 7ème Art, L’Homme qui tua Liberty Valance de John Ford (1962) et La Leçon de Piano de Jane Campion (1993)…

C’est en effet la richesse du Festival Lumière. Cette année on pourra découvrir l’univers poétique et envoutant de Wong Kar-wai, percer le mystère d’Henri-Georges Clouzot, revoir des westerns classiques sélectionnés par Bertrand Tavernier, continuer l’histoire permanente des femmes cinéastes, admirer les sublimes moments du muet, rencontrer Tilda Swinton, Diane Kurys, Anna Karina, Jean-François Stévenin, Guillermo Del Toro, voir ou revoir les grandes projections ou les nouvelles restaurations, découvrir en avant-première Shape of water de Guillermo Del Toro mais également la palme d’or The Square ainsi que les 8 épisodes de la série continuant le Voyage à travers le cinéma français de Bertrand Tavernier…

John Ford réunit John Wayne et James Stewart

C’est Bertrand Tavernier qui nous a fait l’honneur de sa présence tôt ce dimanche matin pour une séance dans la grande salle de l’Institut Lumière. L’Homme qui tua Liberty Valance de John Ford (1962) fait partie de sa sélection Westerns Classiques qu’il présente cette année au Festival. Il en a choisi quatorze parmi lesquels La poursuite infernale, La rivière rouge, Le train sifflera trois fois, La chevauchée des bannis
Dans L’Homme qui tua Liberty Valance, John Ford retrouve John Wayne avec qui il a déjà tourné de très nombreux films (La prisonnière du désert, La charge héroïque, L’homme tranquille, Rio Grande…) ainsi que James Stewart avec qui il vient juste de tourner Les 2 cavaliers.

Bertrand Tavernier, friand d’anecdotes, n’en manque pas sur ce film et notamment sur son tournage rappelant que John Wayne, fort reconnaissant envers Ford, qui est un réalisateur très important dans sa carrière, participe au film dès que John Ford le lui demande. Et pourtant il est bien maltraité durant le tournage, Ford n’étant pas tendre avec les vedettes, mais très amical avec le reste de l’équipe. Bertrand Tavernier revient également sur ce chef-d’oeuvre, véritable oeuvre testamentaire de John Ford réunissant de nombreux thème forts et chers au cinéaste tels que la naissance de l’Amérique, la question de l’étranger, des personnages qu’il aime à humaniser et un humour présent tout au long du film (on se souviendra de la mythique scène du steak).

Le trio masculin symbolise cette naissance d’une nouvelle Amérique. On y retrouve Valance (Lee Marvin) qui ne communique que par les coups et son fusil, Stoddard (Stewart), l’homme de loi dont les armes sont ses livres et Tom Doniphon (Wayne) qui peu à peu rangera son arme pour permettre à la loi de prendre le dessus. Et rien que pour le merveilleux duo Wayne/Stewart, le film est un vrai délice auquel s’ajoutent les personnages secondaires que John Ford ne laisse surtout pas de côté comme le superbe personnage de Mister Peabody (Edmond O'Brien), journaliste toujours saoul mais épris de liberté et beaucoup plus profond que ne le laisse penser son rôle au départ. Un magnifique John Ford. « Quand la légende dépasse la réalité, on imprime la légende! » disait-il.

Jane Campion magnifie Holly Hunter et Anna Paquin

Dimanche après-midi rendez-vous au Pathé Vaise pour la projection du célèbre film de Jane Campion, La leçon de Piano, Palme d’Or 1993. Marina Foïs est présente pour nous parler de ce film qui l’a énormément marquée à sa sortie, principalement Holly Hunter qui, sans dire un seul mot, traduit une palette émotionnelle incroyable.

Le film s’ouvre sur une voix. Une voix off, celle d’Ada, qui pourtant n’en a plus. Le paradoxe s’installe. Holly ne parle plus depuis ses 6 ans et pourtant c’est sa voix qui nous ouvre les portes (et les refermera) de ce sublime film à la fois poétique et tout en puissance et sensualité. Holly parle mais uniquement par le biais de ses doigts sur les touches de son piano qui la suit à l’autre bout du monde jusqu’en Nouvelle-Zelande où elle part vivre avec sa fille chez Alistair Stewart (Sam Neill), homme dont elle ne connaît rien mais à qui son père l’a mariée.

L’univers est hostile. Leur maison se situe dans le bush néo-zélandais où boue et racines ne font plus qu’un et où il faut se déplacer sur des planches si l’on ne veut pas s’enfoncer dans cette boue marécageuse. La jungle, elle, semble animée par les esprits. Alistair a pour voisins des Maoris, certains plus enclins que d’autres à « partager » leurs terres avec les Anglais, et un certain Baines (très belle incarnation de Harvey Keitel), un anglais un peu rustre adopté par les Maori vivant auprès d’eux. À leur arrivée, son mari donne le piano d’Ada à Baines en échange d’une parcelle de terre. Se met alors en place une sorte de jeu malsain dans lequel Ada vend son corps pour peu à peu racheter ce qu’elle a de plus cher au monde : son instrument. Et elle devient alors à son tour l’instrument de Baines.

Jane Campion joue avec les oppositions. Face au carcan du puritanisme anglais dans lequel est enfermée Ada, la réalisatrice montre la liberté des indigènes, leur vie en harmonie avec la nature. Les personnages évoluent et peu à peu les instincts naturels de chacun refont surface. Sensualité, tendresse, bestialité mais aussi la violence primaire que ne peut réfréner Alistair.

Le film, tout en nuances, nous plonge alors au cœur de ce trio amoureux où la passion et le désir sont aux premières loges. Les corps respirent, reprennent vie, remontent à la surface.
Unique élément de langage par lequel s’exprime Ada, la musique envoûtante sublime le film. On ressent à travers les notes de musique qu’elle laisse échapper, notes qui résonnent encore longtemps après que le générique ait signé le mot fin.

Slán Maureen O’Hara (1920-2015): fondu au noir sur la reine du technicolor

Posté par vincy, le 25 octobre 2015

Elle était l'autre rousse d'Hollywood dans les années 1940 et 1950. Maureen O'Hara, née Maureen FitzSimons, est morte samedi à l'âge de 95 ans. Oscar d'honneur l'an dernier, elle avait tourné dans plus de 60 films. Si peu d'entre vous la connaissent, sachez qu'elle fut, légitimement, considérée comme l'une des plus belles femmes du monde à son époque. Une beauté renversante peut-on dire. Irlandaise et Américaine, elle s'est éteinte dans sa résidence à Boise, dans l'Idaho.

C'est avec deux John qu'elle a atteint le firmament: John Ford et John Wayne. Avec le premier, elle acquiert la célébrité dans Qu'elle était verte ma vallée en 1941. Elle devient son égérie, malgré de nombreux projets inaboutis. Toujours avec Ford, et avec John Wayne en partenaire, elle obtient son plus grand rôle dans L'Homme tranquille face à John Wayne, avec qui elle forme un couple aux relations tumultueuses dans une Irlande étouffant la liberté et l'émancipation des femmes.

"C'est un type super" - John Wayne

Intrépide, fougueuse, fière, farouche et romanesque, femme solide loin des ingénues de l'époque, John Wayne lui avait adressé un compliment incroyable dans ses Mémoires pour ce macho patenté: "J'ai eu de nombreux amis, et je préfère la compagnie des hommes, à l'exception de Maureen O'Hara. C'est un type super."
L'actrice américaine Jessica Chastain lui a également rendu hommage sur Twitter, "d'une rousse coriace à une autre" : "Reconnaissante de la lumière que tu as diffusée", a-t-elle tweeté.


Sa famille a annoncé son décès, naturel, en précisant: "Maureen était notre mère, grand-mère, arrière-grand-mère et amie bien-aimée. Elle est morte en paix entourée de sa famille aimante alors qu'ils célébraient sa vie en écoutant la musique de son film préféré, L'homme tranquille".

Plus éblouissante qu'un coucher de soleil

"Maureen O'Hara est plus éblouissante qu'un coucher de soleil" écrivait-on sur elle. Surnommée "la reine du Technicolor" (pour sa chevelure rousse flamboyante, ses yeux verts, et sa peau qui captait la lumière à merveille Maureen O'Hara, née en 1920 dans la banlieue sud de Dublin, avait migré à Hollywood en 1939.

Charles Laughton, son mentor pour elle, sa fille adoptive pour lui, lui fait signer son premier contrat. Sa carrière a commencé avec La Taverne de la Jamaïque (Jamaica Inn) d'Alfred Hitchcock, d'après le livre de Daphné du Maurier et en Esmeralda dans Quasimodo (The Hunchback of Notre-Dame) de William Dieterle. Il y a pires débuts. Avec Qu'elle était verte ma Vallée (6 Oscars dont celui du meilleur film), fresque sociale (inspirée de la vie familiale de John Ford) sur les mineurs du Pays de Galles, O'Hara entre dans la cour des actrices à surveiller.

Reine des Pirates

Durant les années 40, elle tourne avec quelques-uns des plus grands cinéastes de l'époque: Henry Hathaway (Ten Gentlemen from West Point), Jean Renoir (Vivre libre), Richard Wallace (Nid d'espions), Nicholas Ray (Secret de femme)... On la croise comtesse ou Lady dans des films plus populaires, c'était la grande mode des pirates, elle en était la Reine par ses dons athlétiques qui pouvaient la mettre à égalité avec des stars masculines: Le Cygne noir d'Henry King, avec Tyrone Power, Buffalo Bill de William A. Wellman, avec Joel McCrea, Pavillon noir de Frank Borzage, Sinbad le marin de Richard Wallace, avec Douglas Fairbanks Jr. et Anthony Quinn...

Mais c'est en 1947 qu'elle connait son plus grand succès au cinéma avec Le Miracle de la 34e rue de George Seaton, aux côtés de John Payne et la jeune Natalie Wood. Ce conte de Noël, devenu un classique maintes fois refaits pour la télévision, avait obtenu 3 Oscars.

Cascadeuse et romantique

Dans les années 50, la comédienne, capable d'être héroïque (elle maniait l'épée elle-même tout comme elle faisait ses cascades) et sentimentale, séductrice et dramatique, poursuit ses rôles de femme forte et courageuse, notamment dans des Westerns et des films d'aventures (Sur le territoire des Comanches, Les Frères Barberousse, Les Fils des Mousquetaires, La Loi du Fouet, La Belle rousse du Wyoming, À l'assaut du Fort Clark ...). "Bette Davis a raison: les garces sont amusantes jouer" disait-elle.
George Sherman en fait sa muse. Sherman a un jour évoqué la relation entre l'actrice et John Ford, dont il était un peu jaloux: "John Ford considérait Maureen comme étant sa merveilleuse actrice, aussi proche de lui que ses propres enfants. Chaque fois que j’ai travaillé avec elle, Ford lui téléphonait plusieurs fois par semaine. Il m’a raconté qu’elle l’avait aidé quand il préparait L'homme tranquille. En fait, c’est elle qui a tapé à la machine le script définitif."

L'égérie de John Ford

Car c'est John Ford qui va la rendre immortelle en 1952 avec L'Homme tranquille, où elle incarne la jeune épouse pas commode d'un John Wayne qui ne va pas hésiter à reprendre ses droits "virils" sur l'effrontée. Robert Parrish avait décrypté la femme "fordienne": "celles qui agitent des mouchoirs blancs quand leur mari va à la guerre et les prostituées au grand cœur." Avec Maureen O'Hara, il dessine un personnage féminin qui n'est ni l'un ni l'autre, plus subtil, plus complexe. Cela rend ce film singulier et plus atemporel. Et pas seulement pour la première scène de fessée de l'histoire hollywoodienne. Un morceau d'anthologie du 7e art. Ford signe une comédie romantique et mélodramatique qui permet aux deux comédiens de s'affirmer dans leurs rôles, tout en étant loin des films de genre qu'ils tournaient habituellement.

Car Maureen O'Hara tourne aussi des films d'espionnage et des polars pour Ray Milland, Carol Reed, Richard Sale. Elle est alors une des rares comédiennes à qui l'on offre des personnages plutôt catalogués comme masculins. Malgré de nombreux projets qui ne se sont pas concrétisés, John Ford continue aussi de l'enrôler : Ce n'est qu'un au revoir (The Long Gray Line) en 1955 et L'aigle vole au soleil (The Wings of Eagles) en 1957, tous deux au sein de l'armée américaine.

Dernier tour de piste avant le décollage

A partir des années 60, l'actrice se fait plus rare. Ses plus récents films n'ont pas marqué et une nouvelle génération d'actrice arrive. Elle varie les genres avec le Western New Mexico (The Deadly Companions) de Sam Peckinpah, la comédie Disney La Fiancée de papa (The Parent Trap) de David Swift, qui relance sa carrière, la rom-com M. Hobbs prend des vacances d'Henry Koster, avec James Stewart, le drame écologiste La Montagne des neuf Spencer de Delmer Daves, avec Henry Fonda, Le Grand McLintock d'Andrew V. McLaglen, avec John Wayne (again) ou Rancho Bravo (The Rare Breed) d'Andrew V. McLaglen, avec James Stewart (encore).

Sa carrière s'arrête au début des années 70 avec Big Jake, un film co-réalisé par George Sherman et John Wayne, définitivement inséparables. "J'étais dure. J'étais grande. J'étais forte. Il était dur. Il était grand. Il était fort. En tant qu'homme et en tant qu'être, je l'adorai..." disait de lui l'actrice. "J'ai rendu John Wayne sexy, j'assume cette responsabilité" ajoutait-elle.

On la croise une dernière fois, en maman de John Candy dans Ta mère ou moi (Only the Lonely) de Chris Columbus en 1991 et dans quelques téléfilms.

Maureen O'Hara avait arrêté de jouer dans les années 1970 pour diriger une compagnie aérienne, Antilles Air Boats, avec son mari, Charles Blair. A la mort de celui-ci, en 1978, dix ans après leur mariage, dans un crash d'avion, elle était devenue la première femme de l'histoire des Etats-Unis à diriger une compagnie aérienne régulière, durant quelques années. Car, outre son Irlande natale, elle adorait les Caraïbes (et avait profité d'un voyage à Cuba pour rencontrer Che Guevara).

En 2005, Maureen O'Hara a publié ses Mémoires, "'Tis Herself: An Autobiography", livre inédit en France. A ce moment là, elle avait préféré se retirer loin d'Hollywood, de ses ragots et de sa folie, et de ses îles pour se rapprocher de son petit-fils qui réside dans l'Idaho, qui l'a prise en charge. "J'ai eu de la chance de faire de merveilleux films" en guise de conclusion à sa vie mouvementée. Irlandaise au plus profond d'elle-même, elle aimait dire qu'elle était "comme la plupart des femmes qu'elle a incarné à l'écran." Elle se voyait en Jeanne d'Arc, rêvait d'être une soprano à l'Opéra. Elle restera comme l'actrice irlandaise la plus mémorable du cinéma, dans des paysages grandioses de l'Ouest américain, les vallées vertes de son pays natal ou sur les flots azurés des Antilles.

Expo Indiens des Plaines : les Amérindiens réhabilités par le cinéma

Posté par vincy, le 8 avril 2014

indiens des plainesDu samedi 12 avril au dimanche 27 avril, le Musée du quai Branly propose une sélection de films, choisis par le critique et historien de cinéma Michel Ciment, à l'occasion de la nouvelle exposition Indiens des Plaines (8 avril-20 juillet 2014), qui s'ouvre aujourd'hui.

Cette exposition composée de 140 objets livre une vision inédite de toutes les traditions esthétiques de ces populations amérindiennes (Sioux, Cheyennes, Arapahos, Comanches...). "Sa particularité tient au fait qu’elle met en évidence la permanence de l’expression artistique et la continuité du style visuel des Indiens des Plaines alors même que les premiers contacts avec les européens, puis les américains, allaient apporter à ces territoires de profonds changements politiques et culturels" explique le musée. L’exposition intègre une salle de cinéma, dont la programmation intitulée "Stéréotypes", est conçue également par Michel Ciment, D'une durée de 20 minutes environ, ce programme intègre notamment des extraits de films de Cecil B. De Mille, John Ford, William A. Wellman...

L'Indien, le barbare qu'il fallait tuer

Pour compléter ce parcours, le cinéma est une bonne manière de découvrir la vision hollywoodienne (mais pas seulement) de ces peuples. Cette vision a évolué avec le temps. "Le musée propose une rétrospective du cinéma américain retraçant l’évolution de la représentation de l’Indien plus complexe qu’il n’y parait" peut-on lire dans le communiqué. Le cycle présente d'ailleurs des réalisations de cinéastes amérindiens, encore trop rares.

Mais, enfin, pendant très longtemps, un bon Indien au cinéma était un Indien mort. L'ennemi facile des Westerns était souvent un guerrier, sauvage, sanguinaire, prêt à scalper les gentils colonisateurs... Le Western était alors fondateur d'un mythe américain : la conquête du territoire, les héros historiques d'un pays neuf, la construction d'une civilisation (à opposer aux Indiens qui n'étaient pas civilisés). A son apogée, dans les années 50, tous les grands cinéastes et toutes les stars devaient se confronter au genre. Globalement, le Western était manichéen, les personnages stéréotypés, l'action assez binaire.

Il y a bien sûr des exceptions : en 1925, dans La Race qui meurt, George B. Seitz montrent les Indiens comme des victimes de la Conquête de l'Ouest. En 1944, dans Buffalo Bill, de William Wellmann, film antimilitariste sur le célèbre pionnier, on fait l'éloge des Hommes "qui se battent les mains nues avec la nature".

Prise de conscience

Dans les années 1950, quelques films réhabilitent les Indiens et tentent de créer des relations amoureuses "mixtes", toujours très compliquées (où souvent l'Indienne est sacrifiée, tuée...). John Sturges, Anthony Mann, Howard Hawks, Henry Hathaway, John Ford, Raoul Walsh ont essayé de les dépeindre de manière plus humaniste. C'est d'autant plus ironique que les mêmes étaient capables de filmer des Westerns racistes et d'autres complètement pro-Indiens. Car Hollywood prend conscience que les Indiens sont des victimes de racisme, comme les noirs à la même époque. Les Indiens ne sont plus forcément les méchants, au pire ils restent une menace.

De plus en plus engagé en faveur des Indiens, Hollywood vire progressivement sa cuti. Samuel Fuller, Martin Ritt, Sydney Pollack, Arthur Penn, Robert Altman, ... : avec les années 60 et 70 et l'arrivée d'un cinéma plus réaliste, les réalisateurs collent davantage à une réalité historique. Dans les films, on cesse de peindre des acteurs WASP pour engager de véritables comédien Amérindiens. Le Western se transforme par la même occasion. Le genre devient spaghetti ou naturaliste, social ou même politique. Puis il va glisser vers un aspect plus crépusculaire : Eastwood et Peckinpah remplacent Ford ou Hawks. John Wayne est mort, Gary Cooper à la retraite. Les héros blancs sont devenus tourmentés, ambivalents. La conquête de l'Ouest a son prix, et laisse un goût amer. Du sang coule à flots, la violence est plus crue. Comme pour le Vietnam, l'Amérique se retrouve face à elle-même : un génocide qu'elle n'assume pas. Avec Jeremiah Johnson, Sydney Pollack veut casser le mythe et préfigure ce que deviendra le Western 20 ans plus tard. Il devenait inconcevable de tourner un Western raciste, de se complaire avec le génocide amérindien. Les historiens, la conscience politique des années 70 étaient passés par là.

Avec l'arrivée des blockbusters et des effets spéciaux, le genre disparaît. Les Indiens avec. Il faut attendre les années 90 pour le voir réapparaître avec des films sombres, des Indiens enfin valorisés. Danse avec les Loups est emblématique de ce tournant : les tribus ne parlent plus anglais, les rites sont observés et respectés, le "blanc" n'est pas forcément le bienveillant. Outre le film multi-oscarisés de Kevin Costner, quelques films se démarquent par leur succès ou leur qualité, tels, respectivement, Le dernier des Mohicans ou Dead Man. L'an dernier, dans The Lone Ranger, l'Indien était même le véritable héros, honnête et "intègre", d'un spectacle où la civilisation "blanche" était corrompue et immorale.

Les films présentés au cycle du musée du Quai Branly:
- Une aventure de Buffalo Bill (The plainsman), Cecil B. DeMille
- Buffalo Bill, William A. Wellman
- The fighting blood, D.W Griffith
- The massacre, D.W Griffith
- The silent ennemy, H.P Carver
- La charge fantastique, Raoul Walsh
- Au-delà du Missouri, William A. Wellman
- La captive aux yeux clairs, Howard Hawks
- La rivière de nos amours, André de Toth
- La prisonnière du désert, John Ford
- Le jugement des flèches, Samuel Fuller
- Le vent de la plaine, John Huston
- Les deux cavaliers, John Ford
- Les Cheyennes, John Ford
- Un homme nommé cheval, Elliot Silverstein
- Les extravagantes aventures d'un visage pâle (Little Big Man), Arthur Penn,
- Le Soldat bleu, Ralph Nelson
- Jeremiah Johnson, Sydney Pollack
- Touche pas à la femme blanche, Marco Ferreri
- Buffalo Bill et les Indiens, Robert Altman
- La revanche d'un homme nommé cheval, Irvin Kershner
- The Black Hills are not for sale, Sandra Sunrising Osawa
- Images of Indians, Phil Lucas
- Our sacred land, Chris Spotted Eagle
- The Great Spirit Within The Hole, Chris Spotted Eagle
- Danse avec les loups, Kevin Costner,
- Jimmy P. (Psychothérapie d'un indien des plaines), Arnaud Desplechin

Un John Ford retrouvé en Nouvelle-Zélande !

Posté par Benjamin, le 10 juin 2010

john ford 75 films américains muets datant des années 10 et 20 viennent d’être découverts en Nouvelle-Zélande avec, parmi eux un film de John Ford que l'on croyait perdu à jamais, datant de 1927. Voilà une nouvelle qui a de quoi mettre en ébullition la planète cinéma tant cette découverte est importante et va permettre aux cinéphiles du monde entier de visionner des merveilles de l’époque du muet jusqu’alors inédite.

La restauration des films devrait dans un premier temps se faire par la New Zealand Film Archive et la National Film Preservation Foundation lors des trois prochaines années. Le tout en partenariat avec plusieurs organismes américains comme l’Academy of Motion Picture Arts & Sciences ou l’UCLA Film and Television Archive. Les studios Sony Pictures et 20th Century Fox participent également au projet.

La New Zealand Film Archive a d’ailleurs donné un nom à l’ensemble des 75 films : « a time capsule of American film production in the 1910s and 1920s » (un voyage dans la production cinématographique américain des années 10 et 20) qui comprend aussi bien des fictions que des documentaires, des westerns que des films d’actualités (qui étaient diffusés avant ou entre deux films à l’époque pour donner au spectateur les informations du monde entier).

Ainsi, dans cette collection, on peut dénicher par exemple un documentaire produit par « Henry Ford and Son » intitulé Fordson Tractors qui se charge donc de faire la promotion de tracteurs.

Mais les plus grandes trouvailles sont ailleurs. Comme cette comédie de et avec Mabel Normand, grande actrice burlesque du muet qui travailla notamment avec Buster Keaton ou Charles Chaplin. Le film a pour titre Won in a Closet et date de 1923.

Ensuite, a été découvert un film de George Méliès, l’un des pères du cinéma, celui qui a créé le cinéma dans sa forme divertissante avec par exemple son Voyage sur la lune. Film de 1911, Billy and his Pal est un western tourné à San Antonio (qui savait que Méliès avait fait des westerns ?!?) avec pour acteur principal un certain Francis Ford, qui n’est autre que… le frère de John Ford !

Enfin, le trésor de cette découverte incroyable est le film de John Ford, Upstream. Il a été produit par la Fox en 1927 et raconte l’histoire d’amour entre un homme qui rêve de devenir acteur et une femme qui se produit dans un spectacle de lancé de couteaux. Il devrait être présenté en septembre dans une version restaurée.

Il n’est cependant pas étonnant de retrouver des films de réalisateurs comme John Ford tant leur filmographie est imposante (plus de 150 films réalisés) et tant la production de l’époque était massive.

Cette découverte est tout de même capitale car il faut savoir qu’aujourd’hui, seule 15% des productions américaines de cette époque reste en notre possession. Une infime partie...

Et s’ils ont une telle importance c’est parce qu’ils permettent d’en savoir plus sur l’époque du cinéma muet, sur le développement des techniques cinématographiques et le mode de fabrication des films. Autant d’éléments qui sont primordiaux pour bien comprendre les racines du 7e art. Et enrichir nos mémoires.

Il faut alors que les cinémathèques, les différentes fondations cinématographiques et que les particuliers fouillent leurs caves, réserves et autres greniers à la recherche de ces trésors : notre savoir sur le cinéma muet est loin d’être complet.

Exposition « Filmer les camps »: l’Histoire capturée par le 7ème art.

Posté par Benjamin, le 28 février 2010

samuel fullerDu 10 mars au 31 août prochain, le Mémorial de la Shoah propose une exposition intitulée « Filmer les camps ». Une exposition qui se focalisera notamment sur les travaux, sur les images de trois grands cinéastes américains, George Stevens (réalisateur des comédies musicales avec Fred Astaire et Ginger Rogers), Samuel Fuller (réalisateur de polars nerveux et sociétales, en photo) et John Ford qu’il est inutile de présenter. Trois hommes qui ont porté leurs caméras sur les différents théâtres d’opération de la Seconde Guerre mondiale : l’Afrique du Nord, le débarquement de Normandie, la bataille du Midway (où John Ford perdit son œil) et bien entendu, les camps de travail et de concentration (ceux de Dachau et de Falkenau notamment).

Cette exposition, bien qu’elle porte sur une période de l’Histoire tristement célèbre, est une occasion de s’interroger sur le rôle du cinéma dans l’Histoire et sur l’importance de l’Histoire dans notre société. Un débat, une réflexion qui peut être relancée également avec la sortie prochaine de La rafle, film français avec Jean Reno et Gad Elmaleh qui retrace lesépisodes qui ont conduit des français judaïques du stade du Vel’ d’Hiv’ aux camps de concentration, à l’heure où le débat sur l’identité nationale est au cœur de l’actualité. Un film de fiction qui refait « vivre » un tragique évènement de notre Histoire (l’occasion de confronter – si on le désire - le rôle des fictions et des documentaires lorsqu’il s’agit de toucher à l’Histoire, tout en écartant les films comme 10 000 d’Emmerich qui place les pyramides en 10 000 av. J.C…)

Que peut alors apporter le cinéma à l’Histoire ? Quel pouvoir ont ces images qu’ils nous livrent ? A-t-il un rôle à jouer dans l’Histoire ?

Il ne faut pas perdre de vue que ces images témoignent également d’une évolution majeure. En effet, avec la Seconde Guerre mondiale, ce sont avec les soldats de nombreuses caméras qui débarquent sur les différents lieux du conflit et qui suivent les combats au plus près du danger. Certes, la télévision n’est pas encore là pour reléguer massivement les images aux citoyens comme ce sera le cas avec le Vietnam, mais c’est ici le cinéma qui se pose en acteur du conflit avec des hommes qui risquent leur vie pour capturer des images précieuses. Des images d’autant plus importantes que la Seconde Guerre mondiale est un véritable cap dans l’Histoire de l’humanité où l’horreur a atteint un pic relégué par les témoignages des survivants et des images qui mettent devant le fait accompli les plus sceptiques.

Une exposition, un rendez-vous donc qui semble incontournable au Mémorial de la Shoah parce que ces images (pour la plupart inédites !) témoignent d’un pan unique de notre Histoire. Des films qui maintiennent intact la mémoire qui est certainement notre bien le plus précieux pour avancer…

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Site internet et informations sur le Mémorial de la Shoah

17 rue Geoffroy l’Asnier, 75004 Paris
FILMER LES CAMPS, JOHN FORD, SAMUEL FULLER, GEORGE STEVENS
De Hollywood à Nuremberg, exposition du 10 mars au 31 août 2010

AFI (6). Western : John Wayne en son pré

Posté par vincy, le 1 juillet 2008

searchers.jpgLe genre est particulier. Il naît avec John Ford et John Wayne (La chevauchée fantastique, 1939, 9e), atteint son summum avec John Ford et John Wayne (La prisonnière du désert, 1956, 1e), et meurt avec Clint Eastwood (et Gene Hackman) avec Unforgiven (1992, 4e).  Si John Wayne place trois de ses films dans le top 10 (il faut ajouter Red River, 1948, 5e, film de Howard Hawks avec Montgomery Clift), le genre était assez ouverts aux belles gueules et grands gaillards. Gary Cooper (Le train sifflera trois fois, 2e), William Holden (La horde sauvage, 6e), Robert Redford et Paul Newman (Butch Cassidy and The Sundance Kid, 7e), Warren Beatty (McCabe & Mrs Miller, 8e). Derrière la caméra on retrouve Altman, Pekinpah, Roy Hill…

Car le western fut cinématographiquement plus riche à la fin des années 60. Paradoxe du classement qui a voulu mettre le duo Ford / Wayne, en guise de symbole, en haut de la liste, c’est Le train sifflera trois fois qui cumule les lauriers depuis dix ans dans les classements de l’AFI. Et si l’étrange Shane est préféré à Danse avec les Loups, on notera surtout qu’un western sans Natalie Wood, Grace Kelly ou Jean Arthur, c’est un peu moins intéressant. Un seul film met une femme en premier rôle, Cat Ballou (1965, 10e). Avec Jane Fonda. Ironiquement, son père, Henry Fonda, a vu tous ses Westerns passer à la trappe

Notre avis : Toutes les stars ont eu droit à un grand Western. Mais ce genre appartient à John Wayne, emblème masculin du Grand Ouest filmé par John Ford.

Prochain épisode : les films sportifs boxent en première catégorie