Immense succès de l’époque, La chatte sur un toit brûlant (Cat on a hot tin roof) est un drame quasi passionnel datant de 1958. Réalisé par Richard Brooks, à qui l’on doit le scénario de Key Largo, il s’agit de l’adaptation d’une célèbre pièce de théâtre écrite par le géant Tennessee Williams. Et Johnny Hallyday avait raison quand il chantait « on a tous en nous quelque chose de Tennessee… » Quoi de plus proche qu’un de ces conflits familiaux, qui révèlent le pire et le meilleur de chacun d’entre nous ? Avec Un tramway nommé désir et La ménagerie de verre, La chatte sur un toit brûlant est l’une des trois plus grandes adaptations cinématographiques de son répertoire, sans doute la plus cinglante.

Le film raconte l’histoire d’un couple qui bat de l’aile, dans un contexte familial où la mort du patriarche menace. Avec ses plans très construits, Richard Brooks accentue la symétrie des séquences qui se font écho. Au final, de révélations en réconciliations, les six personnages, trois couples formés de trois personnages principaux et trois secondaires, se confronteront à cette vérité qu’ils renient.

Le couple principal est incarné par deux des beautés les plus incandescentes des années 50 et 60, Elizabeth Taylor et Paul Newman. Un couple en déliquescence. Elle est une garce manipulatrice, dure, cruelle, orgueilleuse, souffrant surtout de ne plus être aimée de lui. Il est une ancienne gloire sportive, aujourd’hui imbibée d’alcool et surtout insensible aux charmes de sa femme. Pour ne pas dire impuissant. Mais cet amour défunt n’a rien d’éteint. Même si Maggie avoue désespérément que « Vivre avec celui qui m’aime est la pire solitude quand l’autre ne vous aime pas», elle veut encore espérer. Après tout ils sont encore insolemment beaux et pas encore fanés. Pas comme ses beaux-parents…

Leur première grande scène n’est autre qu’une partie de ping-pong acerbe où chacun se masquent derrière une forme de méchanceté. D’ailleurs le mensonge s’effondre vite. Après avoir rejeté les avances de Taylor, il succombe en cachette au désir de sentir sa nuisette. Mais la plus cruelle est la belle-sœur, Mae, une vraie peste qu’on n’aurait pas aimé avoir en copine de classe. Un vrai moulin à méchanceté.

La violence des dialogues permet au film, sans trop de mouvements, de créer un climat pesant. Ce film est comme un orage qui couve en permanence. Et on attend qu’il éclate. Et quand la pluie se déverse, c’est pour laver les péchés. Big Daddy transforme des aveux en tribunal familial où les trois personnages principaux, Newman, Taylor et lui, l’excellent Burl Ives, décident que la vérité aura raison de tout. Leur combat contre la dissimulation, leur volonté d’aller « au fond des choses » vont dissiper les malentendus et permettre au couple de renaître doucement.

Il y a deux scènes cruciales pour bien comprendre l’amertume qui déchire Taylor et Newman.

L’une se compose en plusieurs tableaux. C’est le premier vrai dialogue entre Brick et son père. Le père décide de partager un verre de whisky avec son fils, pour faciliter l’échange. De plans en plans, seuls ou à deux, on assiste à une chorégraphie où chacun s’approche et s’éloigne de l’autre jusqu’au moment où l’un boit en regardant le passé, et l’autre en regardant l’avenir. Parfait Janus…

L’autre scène montre le jeune couple sur le balcon, mal à l’aise de surprendre Big Daddy et Big Mamma avouer l’illusion de leur union. Clairement Taylor et Newman se voient finir comme eux, frustrés et distants, et le refusent inconsciemment. Car aucun couple n’est épargné par l’hypocrisie, l’aveuglement et les mensonges qui les rongent. Ils s’expriment à travers la cupidité, l’alcool, un Cancer. Mais seuls s’en sortiront ceux qui ne se mentiront pas.
« La dissimulation mène nos vies » et même si le cinéma est l’art de la dissimulation, ici La chatte sur un toit brûlant essaie de coller au plus près des tourments psychologiques qui brouillent les sentiments des uns pour les autres. Y compris entre adultes et enfants.

Enfin il faut parler de la filiation, a priori morale essentielle et fondamentale à Hollywood. Les enfants de Cooper et Mae sont des monstres sans cou, des singes, des surdosés en sucre détestables. Big Daddy ou Big Mamma ignorent sciemment Cooper ; quant à Brick, il accuse son père de ne jamais l’avoir aimé. Ce manque affectif remonte ainsi les générations jusqu’au père de Big Daddy, un clochard, ou à la pauvreté des parents de Maggie, ce qui les rapproche dès leur première scène. Quand il parle de son père, Big Daddy est ému en avouant qu’il avait été aimé. Mais travers les yeux de son fils, on découvre à quel point il n’avait pas aimé. Le scénario impose alors sa morale. L’argent ne fait pas le bonheur. A cette époque on croyait encore à de bien plus grandes valeurs.

Cette réalisation très sobre, un huis-clos théâtral où seul le cadrage met en scène, sans effet particulier, a énormément déplu à Tennessee Williams qui trouvait le film ringard comparé à la mise en scène d’Elia Kazan à Broadway. Pourtant, pour la première fois, afin de magnifier le regard violet de Taylor et celui très bleu de Newman, une adaptation de Williams fut filmée en couleurs. Peut-être que le dramaturge voyait trop les artifices du studio, comme lorsque Taylor, chat trempé sous la pluie, est, la scène suivante, complètement sèche et bien coiffée. Ou alors, il reprochait que le script ait gommé les références à l’homosexualité, présentes dans la pièce. Ironiquement, il était arrivé la même chose à l’adaptation du roman de Richard Brooks, The Brick Foxholes, quelques années auparavant, où la discrimination homosexuelle avait été remplacée par l’antisémitisme. Hollywood était moins courageux que Broadway. On devine juste que l’amitié de Brick avec Skipper était « vraie » et « profonde ».

« La vérité c’est renoncé à ses rêves et mourir inconnu ». Tout le contraire du cinéma.

Le Festival du film de La Rochelle, qui a lieu chaque année fin juin début juillet, est l’occasion de découvrir des films inédits, avant-premières, rééditions, et surtout des hommages et des rétrospectives. Cette année, furent notamment à l’honneur les films muets du Suédois Victor Sjöström (1879-1960) et les dix premiers films de l’Américain Arthur Penn (1922-2010), un des pères du Nouvel Hollywood. Parmi les nouveautés, fut remarqué le très bel essai de Frank Beauvais, Ne Croyez surtout pas que je hurle, qui sortira le 25 septembre 2019. Ces cinéastes questionnent chacun à leur manière la place de l’individu dans la collectivité. Tour d’horizon en trois chapitres.

Chapitre 2 : Arthur Penn

Arthur Penn est un cinéaste à part. Ses films évoquent tous une part de l’Histoire américaine, mais selon un angle singulier, comme de biais. C’est sans doute ce qui fait qu’il lui faut tant lutter contre les studios qui ne comprennent définitivement rien à l’intellectuel qu’il est, avec sa sensibilité européenne et des thèmes ancrés dans le sol américain. Un western intimiste tourné avec des moyens télévisés : et cela donne son premier film Le Gaucher (1958) – pour lequel il souffre de ne pas avoir le final cut. Un film déconstruit, sous l’influence de Godard sur un comédien de stand up : c’est le libre et singulier Mickey One (1965). Ni l’audacieux scénario de Bonnie and Clyde (1967) ni le film fini ne séduiront la Warner – le film deviendra pourtant un immense succès.

Dès ses débuts, Arthur Penn dérange. A y regarder de plus près, les questions même de son cinéma – qu’est-ce qu’appartenir à un groupe ? la loi est-elle toujours bonne ? – l’éloignent de la philosophie manichéenne américaine alors même qu’il en utilise les codes – le shérif ou policier face aux escrocs, la mafia face au renégat… Chez Penn, il n’y a plus ni Bien ni Mal, mais des foules idiotes, des soldats arrogants et stupides, des politiciens corrompus et les autres, des déclassés, perdus, trahis, tués. Si ce regard pessimiste correspond bien à un nouveau cinéma en train d’éclore (Le Parrain date de 1972, Taxi Driver de 1976), Penn est de quelques années en avance sur les autres cinéastes du Nouvel Hollywood.

Une des caractéristiques de ce cinéma, c’est le regard frontal sur la violence. Penn commence à faire du cinéma en pleine guerre du Vietnam, et s’il ne l’aborde pas de front, ses films sont généreux en morts sanglantes. Cette guerre a une image, et même des images : pour la première fois, la violence s’invite dans les foyers américains par le biais de l’écran de télévision. Difficile dès lors de se reconnaître dans un groupe dominant qui se constitue sur le chaos et la mort. Les personnages de Penn sont des individualistes, moins par volonté qu’en réponse à une société qui les rejette. Quelque chose en eux les empêche de faire partie du monde, comme une tache qu’ils portent à la naissance. C’est le cas du Billy le Kid du Gaucher, précédé de sa légende : dès l’enfance, il aurait tué. C’est le cas de Helen Keller, la fillette aveugle et sourde, de Miracle en Alabama (1962). Penn fait de ces personnages, qui ont existé, des héros modernes : luttant pour communiquer, pour trouver une place dans une société qui ne sait pas quoi faire d’eux. Si l’institutrice de Helen lutte avec elle, pour elle, Billy perd très vite le père protecteur qui lui apprend à lire et veut faire de lui un homme, c’est-à-dire un être social. Mais être socialement, sans père ni repère, qu’est-ce que c’est ?

Poursuivis par la foule

Billy le Kid n’est pas antipathique, mais il est du mauvais côté. Penn arrive à nous faire aimer des personnages de voleurs, de tueurs, et dont la principale caractéristique est d’être recherchés, voire objets d’une chasse à l’homme – ce sera encore le cas avec Bonnie and Clyde (1967). La tête de Billy est mise à prix. Mickey One est poursuivi par des truands, menace sourde et invisible, intériorisée par le personnage incapable de vivre autrement que dans la fuite.

Dans La Poursuite impitoyable (1966), la chasse à l’homme – c’est le titre original : The Chase – est nettement plus concrète. Bubber (Robert Redford) apparaît finalement peu dans le film : il s’échappe de prison, la foule se lance à sa recherche, tandis que ses amis et le shérif tentent de le sauver. Bubber met en route l’intrigue, et quand il réapparaît enfin, il n’a pas idée de ce qui s’est passé sans lui. Il ne sait pas par exemple que le shérif (Marlon Brando) a tout fait pour le sauver. Il ne sait pas que sa femme (Jane Fonda) est amoureuse d’un autre, qui n’est autre qu’un de ses amis. Bubber est coupable – il s’est échappé, il a essayé de voler un homme au début – mais c’est le personnage le plus innocent. Il ne s’est pas vendu comme le shérif, il n’a pas trahi comme sa femme et son ami, et surtout il n’a pas déclenché un incendie, il n’a pas tué, comme la foule furieuse s’apprête à le faire.

Cette inversion des valeurs est totale dans le film : le lieu même de la justice devient celui de la violence aveugle. C’est en effet dans son bureau, au-dessus de la prison, que le shérif est lynché par les sudistes ivres. Cette longue scène, d’une rare violence, montre le visage de Brando qui se défait peu à peu sous les coups. Lui, le dernier visage humain de la ville, devient un masque de sang. Mais cette violence, elle rôde partout : dès le début, Bubber retourne l’homme à qui il veut voler sa voiture et se rend compte que son complice de fuite l’a tué. Ensuite, c’est un mécano noir qui est dangereusement suivi par trois gaillards ivres : à tout moment, le récit pourrait basculer dans le crime raciste. Et évidemment il y a le crime social, le plus insidieux, car le mieux admis, qui règne au-dessus des autres – ce magnat qui refuse de boire un verre avec ses employés et pense acheter le shérif qu’il a lui-même placé. Les cercles de cette société sont infranchissables : en haut, le patron et les grands bourgeois, puis il y a ceux qui rêvent d’en être, et enfin il y a la troisième caste, les criminels, les noirs et les pauvres. Cette violence culmine dans un autre lieu hautement symbolique pour la culture américaine du déplacement et de la vitesse : la casse où s’est réfugié Bubber. Des idéaux, il ne reste que les cadavres, les carcasses démontées qui brûlent dans une civilisation qui ressemble furieusement, et cela bien avant que le feu ne prenne, à l’enfer.

Robert Vaughn, né le 22 novembre 1932 à New York, est mort des suites d'une leucémie le 11 novembre 2016, quelques jours avant son 84e anniversaire. Encore un qui n'aura pas survécu à l'élection de Donald Trump. Vaughn était très engagé politiquement, songeant même à une carrière au sein du parti Démocrate.

Acteur majeur du cinéma américain, même s'il a surtout hérité de second-rôles, il a été une star du petit écran. Diplômé de journalisme, il a poursuivi ses études dans le théâtre. Il a même obtenu un diplôme de communication à l'Université en 1970, alors que sa carrière était déjà bien lancée au milieu des années 1950.

Robert Vaughn sera remarqué dans Ce monde à part en 1959, avec Paul Newman, puis dans Les Sept Mercenaires en 1960, aux côtés de Yul Brynner et de Steve McQueen. Avec Ce monde à part, il décroche une nomination à l'Oscar du meilleur second-rôle masculin. Il hérite surtout du personnage de Napoleon Solo dans la série puis dans les films Des agents très spéciaux, qui le rendirent populaire. Il retrouve Steve McQueen dans le cultissime Bullitt de Peter Yates (1968) où il incarne le douteux sénateur Walter Chalmers. Robert Vaughn est aussi de l'aventure Jules César, de Joseph L. Mankiewicz, avec Marlon Brando, et du casting de stars de La Tour Infernale, film référence dans le genre catastrophe (où il croise de nouveau Steve McQueen). On passera sur L'invasion des soucoupes volantes (avec Christopher Lee) et le nombre incalculable de séries B qui ont dilué son talent (Superman 3, Delta Force, L'Attaque des morts-vivants). Heureusement, on peut aussi percevoir son talent pour la dérision dans S.O.B., comédie américaine de Blake Edwards, avec Julie Andrews et William Holden.

Sa gueule si reconnaissable l'avait souvent conduit à être du côté des salauds ou des pas nets. C'est d'autant plus regrettable qu'il était très doué pour la comédie et son éclectisme, du film de guerre au film SF en passant par le mélo, révélait un acteur brillant sachant manier l'ambigüité.

La télévision aura été plus généreuse. Elle lui a permit d'incarner plusieurs présidents américain (Franklin D. Roosevelt, Harry S. Truman, Woodrow Wilson). Il a également été le jury numéro 9 de Douze hommes en colère au théâtre au Royaume Uni en 2013. Jusqu'à cette date là, il n' avait jamais quitté les plateaux ou la scène. So Long, Robert.

James Garner n'était sans doute pas une star, mais il fut l'un des premiers rôles les plus sympathiques de ces cinq dernières décennies à Hollywood. Bien sûr, sa carrière cinématographique n'était sans doute pas à la hauteur de sa popularité. Révélé par une série TV, Maverick, dont il a été le bellâtre et fine gâchette durant cinq saisons, ce provincial qui a enchaîné les petits boulots et l'armée avant de se lancer par hasard sur les planches, aurait peut-être mérité une autre carrière.

Garner est mort à l'âge de 86 ans le 19 juillet. Il laisse quelques grandes performances, entre séduction et castagne, sur le grand écran. Sa silhouette athlétique, sa mâchoire carrée, son allure virile, sa grande taille (1m88) et son charme inaltérable ont fait le reste. Il est le chapardeur dans La Grande Evasion (1963), l'officier de la marine amoureux dans Les jeux de l'amour et de la guerre (1964, son film préféré), le pilote du frénétique Grand prix (1966),  le héros malin de Ne tirez pas sur le shérif (1969), le mâle troublé par une femme qui se travestit en homme dans Victor Victoria (1982), le partenaire roublard dans l'adaptation de Maverick (1994) ou le vétéran qui joue aux jeunes dans Space Cowboys (2000).

Partenaire des monstres sacrés et stars d'Hollywood

Dans le drame, le western ou la comédie, il savait imposé son charisme. Si la télévision lui a permis de recevoir de nombreux prix (2 Emmy Awards pur 15 nominations!), le cinéma l'a ostensiblement rangé dans la catégorie des acteurs populaires. Les Oscars le nommeront une seule fois pour sa prestation dans le film de Martin Ritt, Murphy's Romance, une comédie romantique avec Sally Field (1985). En 2005, les Screen Actors Guild Awards lui décernent un prix pour l'ensemble de sa carrière.

Garner c'était le premier rôle bis. Le partenaire idéal : il avait la présence et le jeu nécessaire pour donner la réplique aux plus grands. Marlon Brando, Natalie Wood, Audrey Hepburn, Kin Novak, Steve McQueen, Doris Day, Eva Marie Saint, Sidney Poitier, Vera Miles, Lauren Bacall, Bruce Willis, Mel Gibson, Jodie Fister, Clint Eastwood, Tommy Lee Jones, Paul Newman, Jack Lemmon, Sandra Bullock, Gena Rowlands, Ryan Gosling... La liste est impressionnante, qu'il soit l'amant dragueur, le mari touchant, le copain ou l'adversaire. Il ne faut pas oublier Julie Andrews, son alter-ego dans deux de ses plus grands films (Les jeux de l'amour et de la guerre et Victor Victoria) et un troisième moins connu (Une nuit très particulière).

Acteur : un travail comme les autres

Alors pourquoi James Garner n'a-t-il pas eu une filmographie à sa hauteur? "Je suis paresseux, comme l'était mon personnage de Bret Maverick". Sa vie n'a pas remplit les pages people (deux semaines après avoir l'avoir rencontrée, il s'est marié en 1956 avec Lois Clarke et en l'a plus jamais quittée), et quand il faisait parler de lui dans la presse professionnelle c'était avant tout pour des problèmes de contrat contre les studios (The Rockford Files, Deux cent dollars plus les frais en vf (6 saisons), qui entraîna la fin de cette série américaine mythique pour laquelle il était payée 100 000$ par épisodes dans les années 70!).

Politiquement démocrate, impliqué dans de nombreuses associations caritatives, pilote de course, golfeur, Garner, qui avait une santé fragile, avait d'autres chats à fouetter que de s'intéresser à une carrière. Il tournait tout le temps depuis 1955 et trouvait quand même le temps d'aider Martin Luther King à faire sa marche historique ou produire du Chardonnay californien.

L'acteur était aimable et aimé. Timide aussi voire réservé (il détestait parler en public, devenant ainsi expert en discours très courts). Fidèle en amitié (Eastwood mais aussi le couple Newman/Woodward), il était aussi respecté : John Wayne lui a rendu un vibrant hommage en 1973 en le nommant meilleur acteur de sa génération. Il voyait son métier à la manière d'un Spencer Tracy : être à l'heure, connaître son texte, respecter ses marques et balancer la vérité. "Je ne pense pas que jouer soit si difficile, si vous oubliez qui vous êtes et faîtes ce que l'auteur a écrit" expliquait-il.

James Garner l'avouait : "je ne cherchais pas à être une star. Je voulais juste continuer de travailler."

Sous ses airs de "69, édition romantique", l'affiche du 66e Festival de Cannes allie le glamour atemporel et le pop psychédélique des sixties. Cannes 2013 sera donc un baiser de cinéma, une déclaration d'amour au 7e art, avec l'icône Paul Newman embrassant son épouse Joanne Woodward, "pris en photo sur le tournage du bien nommé A New Kind of Love (La fille à la casquette), de Melville Shavelson (1963)" comme l'indique le communiqué. Notons que le film se déroule à Paris.

Hommage à Newman disparu il y a 5 ans et "salut plein d’admiration à Joanne Woodward, sa femme et son interprète d’élection." Une affiche sous le signe de l'amour qui honore deux anciens prix d'interprétation du Festival (un cas unique dans le palmarès cannois). Under spell.

"Le Festival de Cannes les a accueillis en 1958 - année de leur mariage - en sélectionnant  en compétition Les Feux de l’été (The Long Hot Summer) de Martin Ritt, premier film qu’ils tournent ensemble" rappelle le Festival. L'acteur a reçu un prix d'interprétation pour ce film. Paul Newman reviendra sur la Croisette avec sa femme et muse  pour présenter De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites (The Effect of the Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds) (en compétition en 1973) et La Ménagerie de verre (The Glass Menagerie) (en compétition en 1987). Joanne Woodward sera récompensée d'un prix d'interprétation pour De l'influence des rayons gamma...

Paul Newman est également venu à Cannes pour promouvoir Exodus (hors compétition), La castagne (hors compétition) et Le Grand saut (en compétition).

Image digne de Vertigo, retravaillée par l'agence Bronx, qui vient de réaliser l'affiche du Salon du livre de Paris ainsi que l'affiche de Cannes l'an dernier, qui l'a insérée dans un décor cinétique, nous voici hypnotisée par cette spirale de l'amour, et avouons-le sous le charme. L'agence signe également un film d’animation de l’affiche, sur un remix du thème musical du Festival.

Un grand cinéaste ce Sidney Lumet. Il avait un savoir-faire qui restait toujours au service de ses scénarios et de ses comédiens. Il refusait l'approche esthétique pour privilégier l'aspect naturel et réaliste. Peu d'esbrouffe, et pourtant... ses meilleurs films dégageaient une tension qui mettaient nos nerfs à rude épreuve et défiaient les aspects les plus noirs de ses personnages tourmentés.

Il a frappé fort dès son premier film. 12 hommes en colère, en 1957. Tous les éléments sont là : un jeu d'acteur précis, un montage qui soutient une narration a priori simple et pourtant complexe, des enjeux sociaux et humains. L'artisan fait d'un huis-clos juridique un véritable suspens où la morale humaniste l'emporte sur la démagogie. Il vient du théâtre et de la télévision, maîtrisant le rythme, le cadre, tournant vite sans abuser des prises de vue, imposant des répétitions à ses comédiens. 12 hommes en colère marque évidemment par ce retournement de situation où un condamné va être innocenté grâce à la notion de doute. Mais ce serait oublié le visage d'Henry Fonda, entre conviction et affliction, face à ses collègues jurés qui jugent sur des préjugés. Ours d'or à Berlin.

Sidney Lumet apparaîtra ainsi comme un cinéaste de gauche. Nombreux sont ses films où la victime, la minorité, l'Amérique du bas est montrée sous un autre angle. Idéaliste, il glisse derrière un apparent classicisme des notions plus subversives. En 1959, il réunit Marlon Brando et Joanne Woodward dans L'homme à la peau de serpent, film noir sublime où un musicien croise la route d'une nympho alcoolique. En 1962, il réalise Long voyage vers la nuit, avec Katharine Hepburn. Oeuvre sur le déclin et les dépendances (alcool, drogue, gloire...) pour laquelle les quatre acteurs principaux remportent le prix d'interprétation à Cannes.

Ce passionné, suractif sur les plateaux de tournages, émotif avec ses acteurs, livre un film par an, au minimum, jusqu'en 1993. Du moins bon comme du très grand. Il se frotte à la guerre froide (Point limite) et à l'holocauste (Le prêteur sur gages). En 1965, il réalise La colline des hommes perdus, l'un des meilleurs films de guerre, avec Sean Connery. Il observe l'évolution du comportement de militaires anglais emprisonnés en Libye, confrontés à des exercices vains et rituels. Kubrickien et prix du meilleur scénario à Cannes.

La seconde guerre mondiale, ses causes et ses conséquences, est son principal décor durant plusieurs films. Mais rapidement, il va donner une autre couleur à sa filmographie. Son judaïsme va s'inviter dans ses thématiques. New York va devenir son cadre naturel. Il est précurseur des oeuvres de Scorsese et la face dramatique d'un Woody Allen. Cet amoureux des classiques du théâtre (outre les pièces de Tennessee Williams, il adapte aussi La mouette de Tchekhov) aime les histoires d'espionnage, de mafia et les polars. Des films qui rencontrent leur public et possèdent toujours le charme nécessaire pour séduire à travers le temps. Il faudra d'ailleurs attendre 35 ans pour que le public français découvre The Offence, avec Sean Connery. Le studio Universal détestait le film et n'a pas assumé sa distribution. Pourtant, sans être un grand film, The Offence aborde des sujets comme la pédophilie et ose une obscurité quasi totale de certaines scènes : l'audace n'est pas forcément récompensée à sa juste valeur.

C'est en 1973 que Sidney Lumet entre dans l'histoire du cinéma. Il va enchaîner des grands films. Serpico pour commencer. Al Pacino y joue un flic idéaliste qui veut dénoncer la corruption qui gangrène la police de New York. A partir d'un essai authentique, Lumet livre une réalité brutale mais aussi fantaisiste. Il s'agit sans doute d'un des meilleurs portraits de l'Amérique des années 70.

L'année suivante, il filme le roman culte d'Agatha Christie, Le Crime de l'Orient Express. Casting chic (Finney, Bacall, Bergman, Bisset, Connery, Redgrave, Widmark...), intrigue géniale. Même l'écrivaine qui détestait les adaptations de ses livres reconnaissait que Lumet avait réussi son coup.

En 1975, il filme Un après-midi de chien. Une histoire vraie autour d'un cambriolage qui foire. Il retrouve Al Pacino (incroyable performance), à la fois suspens et film engagé, Lumet affirme à travers le final que la répression ne peut pas être la seule réponse à un délit. Il se moque aussi des moyens démesurés de la police américaine face à une bande de voyous amateurs. Terrible prémonition...

Lumet aime ces films crus, sans artifices. Il fera de même avec Network, en 1976. Malgré son aspect satirique, ce film emblématique sur la télévision, avec une superbe Faye Dunaway et un magnifique William Holden. Lumet en profite pour dire le fond de sa pensée sur la société américaine, avec un certain cynisme. Là encore, il a du flair et donne les clés de ce que deviendra le monde occidental dominé par la puissance cathodique. Le film obtiendra 4 Oscars, sur dix nominations

Lumet aura moins de chance par la suite. Il ose quand même adapté la pièce "gonflée" Equus, avec Richard Burton, mélange de beauté, de sauvagerie et de nudité sous un vernis psychanalytique. Même pour ses films mineurs, il parvient à attirer les plus grands acteurs : James Mason, Simone Signoret, Sophia Loren, James Coburn, Vanessa Redgrave, Anouk Aimée, Omar Sharif, Michael Caine, Richard Gere, Gene Jackman, Andy Garcia, Anthony Perkins, ... Beaucoup ont reçu des prix, des nominations grâce à lui. Les films de Lumet totalisent 46 nominations aux Oscars toutes catégories confondues.

A partir des années 80, Lumet a moins la main. On lui doit l'affreux The Wiz avec Micheal Jackson et Diana Ross. Mais il y a quelques pépite. Le verdict, avec Paul Newman et Charlotte Rampling, oeuvre crépusculaire où un avocat banni va tenter d'en sortir par la rédemption... Dans Garbo Talks, il offre l'un des derniers beaux rôles à Anne Bancroft. Presque sentimental, ce film, qui dénote dans la longue série de films policiers du réalisateur, montre à quel point le cinéma peut bouleverser une vie. Ce testament ne signera pas sa fin de carrière, heureusement.

A bout de course (avec River Phoenix), Family Business (avec Connery, Matthew Broderick, Dustin Hoffman) sauvent les séries B qu'il se contente de faire, avec toujours de grandes stars. Leur tonalité, plus légère, leur lumière, en font des oeuvres plus plaisantes. On comprend qu'il ait voulu faire le remake de Gloria, avec Sharon Stone : New York, le crime, la responsabilité parentale... ça restera raté.

Pourtant Lumet finira en beauté. 7h58 ce samedi-là pourrait presque être le titre de sa dernière journée sur terre. Polar où le hasard et le déterminisme transforment les protagonistes, film noir et sang, sombre et moderne, classique et intelligent, il reste l'un des meilleurs films de genre de l'année 2007. En version originale, il s'intitulait Before the Devil knows you're Dead (Avant que le diable ne sache que tu es mort).

Aucun doute, le diable n'était pas en Sidney Lumet. Il croyait trop en l'homme et pardonnait tous ses travers.

Chaque année, au mois de septembre, on peut compter sur la rentrée littéraire pour nous faire découvrir de nouvelles lectures et auteurs. Il existe aussi une version cinéma de la rentrée littéraire, avec un plus non négligeable, puisque la Quinzaine des Films Cultes commence la dernière semaine d'août. C'est donc parfait pour ceux qui sont rentrés de vacances en avance, qui souhaitent se détendre et revoir certains chefs-d'œuvre du 7e art. En effet, du 25 août au 7 septembre, une quinzaine de films qui ont ponctué 40 ans de cinéma son projetés au St Germain des Prés (Paris, 6e).

La Quinzaine des films cultes commence le mercredi 25 août avec la projection de Luke la Main Froide de Stuart Rosenberg, avec en vedette Paul Newman. En partenariat avec Splendors Films, la rétrospective propose par ailleurs un large choix de films qui vont de Clint Eastwood (Breezy) à Arthur Penn (Le Gaucher) et Sydney Lumet (A Bout de Course).

La Quinzaine propose aussi trois avant-premières avec la ressortie de trois grands films. Le 27 août, le chef d'œuvre de Franck Capra, L'Extravagant Mr Deeds, puis Abattoir 5 de George Roy Hill et The Swimmer de Burt Lancaster. Mais ce n'est pas tout.

La Quinzaine permet aussi de débattre et rencontrer des professionnels du monde du cinéma. Le 29 août, le film Les Hors la Loi sera projeté en présence de son réalisateur, Tewfik Farès. Le 2 septembre, ce sera au tour de Julie Bertuccelli de présenter le film Pique Nique à Hanging Rock. Enfin, le thème actuel de la nouvelle loi sur l'hospitalisation psychiatrique sera abordé par des psychiatres, lors d'un débat qui aura lieu après la projection du célèbre et excellent Vol au-dessus d'un nid de coucou de Milos Forman.

N'hésitez plus donc à (re)découvrir des chef-d'œuvre de cinéma, tout en discutant avec des cinéastes en cet fin d'été. Quoi de mieux que de préparer la rentrée tout en révisant ses classiques !

Il était l'une des plus grandes légendes du cinéma américain. Paul Newman est mort vendredi 26 septembre à l'âge de 83 ans. Son décès était attendu depuis quelques semaines lorsque sa famille avait annoncé que l'acteur avait cessé de se soigner pour son cancer des poumons. Oscarisé pour son rôle dans La couleur de l'argent (de Martin Scorsese, hommage à un autre de ses grands rôles, L'arnaqueur), ce daltonien aux yeux bleus magnifiques avait été nommé neuf fois pour la statuette suprême, et avait reçu, par ailleurs, deux Oscars d'honneur. Il reçut aussi un prix d'interprétation à Cannes en 1958, l'année de sa révélation mondiale. Il donne la réplique à Elizabeth Taylor, entre alcool et impuissance, clamant : "La vérité c’est renoncer à ses rêves et mourir inconnu."

Parmi ses rôles les plus marquants soulignons La chatte sur un toit brûlant, Le gaucher, Exodus, Le rideau déchiré, Butch Cassidy et le Kid, Buffalo Bill et les indiens, Juge et hors-la-loi, L'arnaque, Le verdict... Il a ainsi tourné avec Hitchcock, Altman, Lumet, Penn, Huston. Son cinéaste de prédilection fut George Roy Hill. Récemment, il prêta sa beauté grecque vieillissante aux caméras des frères Coen (Le grand saut), à Sam Mendès (Les sentiers de Perdition) ou encore à James Ivory (Mr & Mrs Bridges). Mais son dernier rôle fut la voix d'une vieille bagnole autrefois célèbre, dans Cars (Pixar).

Newman était aussi réalisateur (De l'influence des rayons gamma... vient de ressortir à Paris), scénariste, producteur, entrepreneur , coureur automobile (2e au 24 heures du Mans) et activiste-pacifiste.

Il avait débuté sur les planches et continuait de jouer et de mettre en scène jusqu'à l'annulation d'une pièce de Steinbeck, pour cause de maladie. C'est là qu'il annonça sa retraite définitive : "Je ne me sens plus capable de travailler au niveau que je souhaite, expliquait-il. Quand on commence à perdre la mémoire, la confiance, sa capacité d'invention, il vaut mieux tout arrêter."

Voir aussi le portrait d'Ecran Noir.

Le tribunal de justice méritait bien son genre tant de films s’y passent. De Preminger (Autopsie d'un meurtre, 7^e) à Wilder (Témoin à charge, 6^e), tous les grands cinéastes s’y sont collés. Notamment Sidney Lumet qui place Douze hommes en colère (2^e) et 25 ans plus tard The Verdict (4^e). Idem pour les écrivains : amis dans la vie, Harper Lee et Truman Capote se croisent aussi dans ce top 10, avec, respectivement, Du silence et des ombres (1^e) et De sang froid (8^e). Et même les plus grandes actrices y trouvent quelques-uns de leurs plus grands films. Meryl Streep (Kramer vs Kramer, A Cry in the Dark) et Marlene Dietrich (Témoin à charge, Jugement à Nuremberg) classent deux films chacune dans cette liste. C’est un Top 10 très stars avec Gregory Peck, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Paul Newman, Tom Cruise, Jack Nicholson, James Stewart, Spencer Tracy, Burt Lancaster… De la peine capitale aux crimes nazis, du divorce à une accusation d’infanticide, du sadisme militaire aux préjugés raciaux, ce classement est bizarrement le plus politique, le plus ancré dans les problèmes de la société.

Notre avis : Difficile de départager les deux premiers tant ils ont installés les bases de ce genre, et ouvert la voie à un cinéma socialement progressiste et politiquement avant-gardiste.

Dernier épisode : les épopées, du péplum à la seconde guerre mondiale

Scorsese, battu côté gangsters, s’octroie la médaille d’or dans le film sportif. Raging Bull reste donc le grand classique du cinéaste. Le genre n’est pas nouveau mais apparemment ses bons films sont récents. Seuls trois films datent d’avant 1975. On voit bien des oublis majeurs (des Chariots de feu à Pat and Mike) mais il faut croire que l’AFI a voulu faire ses jeux olympiques avec du golf, du billard, du vélo, du cheval, du basketball. Pas de tennis, pas de foot (ni européen ni américain)… Mais trois films sur le baseball. Pourtant le sport qui fait fureur reste la boxe. Rocky (2^e) et Raging Bull (1^e) ne laissent pas de place à Gary Cooper (The Pride of the Yankees), Kevin Costner (Bill Durham), Paul Newman (L'arnaque) ou Tom Cruise (Jerry Maguire)...

Notre avis : là encore, le champion n’est pas contestable, tant Raging Bull incarne le drame sportif dans toute sa splendeur et sa souffrance. Le reste de la liste est trop fantaisiste pour être pris au sérieux.

Prochain épisode : pas de suspens sans Hitchcock