Le 10e film de Wes Anderson est en tournage à .... Angoulême. Le cinéaste américain a débuté les prises de vues le 26 novembre, et le maire de la ville en a profité pour lui faire inaugurer les illuminations de Noël avec Tilda Swinton. It's not a joke.

Outre Tilda Swinton, le casting de The French Dispatch comprend Timothée Chalamet, Benicio del Toro, Jeffrey Wright et quelques habitués du cinéaste tels Swinton, Bill Murray et Frances McDormand. Il y aura sans doute quelques ajouts au générique. Les rumeurs évoquent Léa Seydoux, Natalie Portman et Brad Pitt.

Le tournage va durer jusqu'en mars. On ne sait pas grand chose de cette production à 15-20M€. Ce n'est pas un musical et il y aurait trois histoires principales qui se dérouleraient dans un journal américain basé à Paris, après la seconde guerre mondiale.

Wes Anderson, qui réside à Paris, tourne ainsi son premier film dans son pays d'adoption.

La comédienne Maria Pacôme est morte samedi à l'âge de 95 ans, a annoncé son fils à l'AFP.

Née le 18 juillet 1923, après le cours Simon, où elle côtoie Michèle Morgan (qui est déjà une actrice connue) et de Danièle Delorme, elle épouse l'un des grands acteurs de l'époque en 1950, Maurice Ronet. Par amour pour lui, elle sacrifie sa carrière pour faire de la peinture et de la poterie. Finalement elle divorce en 1956 et revient à ses premières passions: la comédienne débute en 1958 au théâtre dans "Oscar", avec Pierre Mondy et Jean-Paul Belmondo. Elle sera aux côtés de Bébel au cinéma en 1965 dans Les tribulations d'un Chinois en Chine de Philippe de Broca. Elle y joue la future belle-mère bourgeoise de Belmondo.

Elle tourne déjà un peu depuis quelques années, des petits rôles dans des comédies comme Les jeux de l'amour du même de Broca, Le tracassin d'Alex Joffé, Le Gendarme de Saint-Tropez de Jean Girault.

Sur les planches ou sur les plateaux, elle incarne parfaitement les bourgeoises tantôt coquines tantôt excentriques, parfois délurées, parfois au bord de la crise de nerf, dans la lignée des Jacqueline Maillan. Au théâtre, elle devient vite une tête d'affiche des comédies populaires, comme celle de Jean Poiré, Joyeuses Pâques en 1981. Au ciné, on la voit dans les films de Girault, de George Lautner, de Jean Becker (Tendre voyou), de Pierre Richard (Le distrait). Mais après 1980, et l'énorme succès des Sous-doués de Claude Zidi, où elle campe une directrice aussi dingue que dictatoriale, elle s'absente du grand écran. On l'aperçoit sur le petit, qu'elle n'aimait pas: "Non, je ne vais pas regarder la télé, je vais l'allumer, mais sans la regarder pour bien lui manifester mon mépris" écrivait-elle dans son autobiographie. Elle était lucide et explique en partie son insuccès cinématographique: "Je ne suis pas photogénique. Dans une piscine, quand j'ai la tête mouillée, j'ai l'air d'un rat saucé dans l'huile."

Mais c'est au théâtre qu'elle consacre tourte son énergie.

Auteure

Car depuis 1977, sans doute frustrée de se voir confier toujours les mêmes rôles, elle écrit aussi ses pièces: Apprends-moi Céline avec un jeune Daniel Auteuil, Le Jardin d'Eponine, On m'appelle Émilie avec un très jeune Patrick Bruel, Les Seins de Lola, Et moi et moi, Les Désarrois de Gilda Rumeur et enfin L'Éloge de ma paresse, qui lui valu une nomination au Molière du one man show.

Au cinéma, elle a reçu une seule nomination aux César, dans la catégorie de la meilleure actrice dans un second rôle pour La Crise. C'est en 1992. Coline Serrau la choisit pour être la mère de Vincent Lindon, où elle transporte une scène de ras-le-bol général contre son époux et son fils en grande embardée féministe. La séquence devient culte. Le film est un succès populaire.

Sa rousseur, sa voix, son style de femme classe et déglinguée lui permettent de se singulariser et de devenir au fil des décennies un visage familier pour les Français. Même si le cinéma ne lui a jamais vraiment déclaré sa flamme. On la voit chez de Chalonge, Zeitoun, Alessandrin ou, en 2012, l'adaptation d'Arrête de pleurer Pénélope de Juliette Arnaud et Corinne Puget.

Sur scène, elle avait fait ses adieux en 2009, avec La Maison du lac, remplaçant Danielle Darrieux, qui ne peut plus jouer, aux côtés de Jean Piat, décédé il y a deux mois. La pièce avait été un triomphe.

Comme elle le disait si bien: "Drôle de carrière: tout le monde me connaît et personne ne parle de moi!"

C'est un des personnages atemporels de la culture française depuis 1956 (même s'il est né dans un canard belge). Le Petit Nicolas, dessiné par jean-Jacques Sempé et scénarisé par René Goscinny, a déjà été adapté en série animée (2009, en jeu vidéo (2013) et en films en prises de vues réelles en 2009 (59M$ de recettes dans le monde, 5,5 millions d'entrées en France) et en 2014 (22M$ de recettes dans le monde, 2,5 millions d'entrées en France), à chaque fois réalisés par Laurent Tirard.

Cette fois-ci Le petit Nicolas, sa famille et sa bande vont prendre vie en long métrage animé coréalisé par Yvan Attal et Amandine Fredon. Pour Attal, qui a déjà réalisé cinq longs métrages (dont Le Brio l'an dernier, succès populaire et nommé aux Césars), ce sera une première incursion dans le monde de l'animation. Amandine Fredon a réalisé la série animée Tu mourras moins bête (31 épisodes).

Le petit Nicolas : parfum d'enfance sera coscénarisé par Anne Goscinny, la fille de René, et Michel Fessler (Hanuman, T'choupi, La marche de l'empereur, Ao le dernier Néandertha...).

Le pitch: Il était une fois un petit garçon d’encre noire, reconnaissable à ses yeux rieurs et à son beau sourire en coin, partant à la conquête de millions de lecteurs. Penchés sur une feuille blanche, Jean-Jacques Sempé et René Goscinny donnent vie à ce petit garçon au pull rouge, le Petit Nicolas. Au fil du récit, le petit garçon se glisse dans l’atelier du dessinateur et de son scénariste, et les interpelle avec drôlerie. Sempé et Goscinny répondent aux interrogations de l’enfant par des confidences et des anecdotes. Sous la plume et les mots des auteurs, le Petit Nicolas découvre qu’il a une maison, des parents, une grand-mère, une maîtresse à l’école et de nombreux copains. Puis, vient le temps des vacances au bord de la mer et là c’est chouette! Au fur et à mesure des aventures de Petit Nicolas et de ses copains, Sempé et Goscinny se dévoilent et racontent une enfance pleine de rêves et d’émotions joyeuses.

C’est aujourd’hui que le New York Film Critics Circle (NYFCC) dévoilait les noms des lauréats de 2018 sur Twitter.

Un palmarès qui en dit long

Comme le rappelle très justement IndieWire, le « cercle » (réservé à des critiques de quotidiens, hebdomadaires, magazines et presse en ligne depuis sa création en 1935) est un bel indicateur des personnalités et films que l’on retrouvera en février prochain aux Oscars. Au cours de cette décennie, ont été sacrés The Social Network, The Artist, Zero Dark Thirty, American Bluff, Boyhood, Carol, La La Land et Lady Bird. Côté acteurs et actrices, Timothée Chalamet, Casey Affleck, Saoirse Ronan et Isabelle Huppert sont les derniers lauréats.

Meilleur film : Roma

Meilleur réalisateur : Alfonso Cuarón, Roma

Meilleur acteur: Ethan Hawke, First Reformed

Meilleure actrice : Regina Hall, Support the Girls

Meilleure acteur dans un second rôle : Richard E. Grant, Can You Ever Forgive Me?

Meilleure actrice dans un second rôle : Regina King, If Beale Street Could Talk

Meilleur scénario : Paul Schrader, First Reformed

Meilleure photographie : Alfonso Cuarón, Roma

Meilleur film en langue étrangère : Pawe? Pawlikowski, Cold War

Meilleur documentaire : Bing Liu, Minding the Gap

Meilleur film d’animation: Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman, Spider-Man: Into the Spider-Verse

Meilleur premier film : Bo Burnham, Eighth Grade

Prix spéciaux : David Schwartz, Kino Classics Box Set “Pioneers: First Women Filmmakers”

Du 23 novembre 2018 au 6 janvier 2019, le Centre Pompidou programme une rétrospective de l'œuvre de Naomi Kawase, soit 45 films, courts, longs, fictions ou documentaires. Caméra d'or (Suzaku, 1997) et Grand prix du jury (La forêt de Mogari, 2007) à Cannes, la cinéaste japonaise est invitée dans le cadre de Japonismes 2018, mise en lumière des artistes japonais en France. Elle sort cette semaine son dernier long métrage Voyage à Yoshino, sélectionné à San Sebastian.

Pour l’occasion, Naomi Kawase a créé ses deux premières installations, et réalisé un autoportrait commandé pour la collection du Centre Pompidou, Où en êtes-vous ?. Les Quatre saisons à Nara de Kawase sont exposées  en accès libre au Forum -1, à côté d’une nouvelle installation du cinéaste espagnol Isaki Lacuesta et de la correspondance filmée qu’il a entretenue avec Naomi Kawase en 2008 et 2009.

Samedi 24 novembre, la cinéaste et productrice était l'invitée d'une Masterclasse, animée par Olivier Père.

Elle y a évidemment évoqué Nara, cette province près de Kyoto, dont elle ne cesse de filmer sa nature et ses paysages: "Je suis née à Nara. J'y vis encore. Il est très difficile d'avoir accès au cinéma. Il n'y avait pas beaucoup de salles quand j'étais jeune. Il n'y en a plus aujourd'hui." C'est aussi une région fortement spirituelle, avec un Shintoïsme omniprésent, ce qui a fortement influencé sa vision et sa façon de vivre. Elle avoue: "Tout ça a été accentué par Nara. il y a une forte spiritualité dans ma région. J'avais l'impression de vivre ce que les gens vivaient il y a 1000 ans." De même pour son esthétique et sa manière de filmer les paysages et la nature: "Je tourne mes films en fonction de mon instinct. Et mon instinct s'est construit avec Nara."

Naomi Kawase s'est laissée embarquer par le 7e art un peu par hasard: "Je voulais faire quelque chose qui laisse une trace. Je n'ai pas pu être architecte car je dessinai très mal. Alors j'ai pensé être cinéaste, car les films restent après nous." Progressivement, après quelques années de photographie et d'enseignement, elle découvre les vertus d'une caméra: "Dans mon cinéma, il y a autant la présence que l'absence. En me comparant aux autres, j'ai remarqué en effet qu'il me manquait des parents biologiques. Je n'avais pas de famille. C'est assez rare au Japon. C'est pour ça que j'ai pris une caméra: pour savoir d'où je viens et qui je suis."

Aussi fait-elle de son cinéma, un mélange de cinéma introspectif, de documentaire de témoignage  et de fiction métaphysique. "Avant Suzaku, mes courts métrages parlaient de moi-même de ma mère adoptive. J'ai découvert un rapport étrange entre le moi objectif et le moi introspectif, entre la réalité et la fiction. Je n'étais plus tout à fait sa fille et je me voyais la filmer. C'est là que j'ai compris que je pouvais passer à la fiction." Elle confie qu'à l'époque ses relations avec sa mère étaient difficiles et tendues:  "A travers la caméra, j'ai amélioré ma relation avec [elle]. J'ai naturellement peur des gens . Je me repliais sur moi-même. la caméra m'a permis d'améliorer ma relation avec les autres et de m'ouvrir au monde dans lequel je vis."

Femme cinéaste, Naomi Kawase assume sa singularité. "Il y a une pression sociale dans la vingtaine avec le mariage, les enfants. Il faut résister, ne pas avoir peur d'être traitée d'égoïste, ce qui nécessite d'avoir une grosse force mentale." Être une femme n'est pas forcément facile surtout dans un milieu d'hommes. Pourtant, elle fait de cette faiblesse une force: "Du fait que j'étais une femme, ça a aussi eu des avantages. J'étais la seule réalisatrice japonaise, alors mes films étaient vite et mieux repérés, y compris à l'étranger..."

"Il y a toujours un scénario, qui est même très solide. Je réécris et je les corrige souvent, et ils sont en fait très précis" rappelle-t-elle pour lutter contre des idées reçues.

"Plus que de la mise en scène, je reconstitue la vie" nuance la réalisatrice pour définir son style, expliquant que sa vie personnelle et son entourage s'invitaient dans son cinéma à l'instar de ce libraire d'occasion qui incarne le vieux sénile dans La forêt de Mogari. Elle s'est toujours inspirée des sentiments qu'elle traversait. Ainsi quand sa mère est décédée, son monde de Nara a disparu. elle est allée retrouver une partie de ses origines sur l'île d'Amami, ce qui a donné Still the Water, où la grand mère décède dans un rite presque chamanique: "Pendant le tournage et le montage, j'ai pleuré. J'ai eu besoin de transmettre un message: le monde est beau, au-delà des changements."

On constate une évolution dans son cinéma depuis ce film, une ouverture vers des films plus populaires. Naomi Kawase revendique l'idée de ne pas changer tant que cela: "J'ai envie de choisir des films en fonction des rencontres. Il faut qu'il y ait une part de réalisme", donne-t-elle comme seul critère.

Deux films cannois ont été sacrés aux Asia Pacific Screen Awards (APSA). Une affaire de famille de Kore-eda Hirokazu, Palme d'or au festival de Cannes, a reçu le prix du meilleur film, tandis que Burning de Lee Chang-dong a été distingué d'un Grand prix du jury.

Le prix de la mise en scène a aussi couronné un film de la compétition cannoise en récompensant Nadine Labaki pour Capharnaüm, tout comme le prix de la meilleure actrice, décerné à Zhao Tao pour Les éternels.

Une affaire de famille était aussi nommé pour la réalisation et le scénario. Le film a reçu d'autres prix depuis son sacre cannois: meilleur film à Denver, prix du jury de l'International Cinephile Society, Meilleur film étranger au National Board of Review, Meilleur film étranger à Munich, prix du public à Oslo et Vancouver.

La cérémonie a eu lieu à Brisbane en Australie. Les APSA priment des films de pays aussi différents que l'Inde, la Turquie, l'Indonésie, ou l'Australie.

Tous les lauréats

©Régis d'Audeville

Depuis sa création en 1987, la Fondation Gan pour le Cinéma distingue chaque année des projets de longs métrages (premier et deuxième) auxquels elle apporte une aide financière de 53 000 euros (50 000 pour le producteur, 3000 pour le réalisateur).

Ont ainsi été accompagnés Raymond Depardon (La captive du désert), Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro (Delicatessen), Tran Ahn Hung (L'odeur de la papaye verte), Catherine Corsini (Les amoureux), Christine Carrière (Rosine), Bruno Dumont (La vie de Jésus) ou encore Meryem Benm’Barek pour Sofia, sélectionné et récompensé à Un certain regard à Cannes en 2018, et Jean-Bernard Marlin pour Shéhérazade, sélectionné à la Semaine de la Critique 2018.

La fondation s'enorgueillit aujourd'hui d'un beau palmarès, avec près de 5000 scénarios lus, 190 réalisateurs aidés (dont seulement un quart de réalisatrices), 90% de films tournés, et un tableau d'honneur qui cumule 35 César, 20 prix à Cannes et plus de 450 récompenses dans les festivals français et étrangers. Autant dire que les lauréats 2018, annoncés lors la traditionnelle Soirée des lauréats le lundi 26 novembre, viennent de rejoindre un club très privé placé sous les meilleurs auspices.

C'est le président du jury de l'Aide à la Création, Christophe Honoré (lauréat en 2000 pour 17 fois Cécile Cassard), qui a annoncé les 4 heureux élus, choisis parmi 114 scénarios.

- Guillaume Bonnier pour Tout le monde m'appelle Mike (premier long métrage), produit par Spectre Productions

Un film qui a séduit le jury par "sa force de conviction". Il raconte l'histoire d'une famille qui voyage sur un voilier. Au moment de traverser le golfe d’Aden, arpenté par des pirates somaliens, ils invitent Mike, un jeune homme dont ils ne savent rien, à venir avec eux. Au casting de ce que le réalisateur présente comme un western, Anaïd Demoustier, Damien Chapelle et Abderissaak Mohamed.

- Romain de Saint-Blanquat pour La Morsure (premier long métrage), produit par Easy tiger

Cette histoire d'une jeune fille qui fait le mur, persuadée qu'il ne lui reste plus qu'une nuit à vivre, a fait l'unanimité auprès du jury. "Ce que promet le scénario nous a emballés" a confié Christophe Honoré. Romain de Saint-Blanquat, qui s'était fait connaître avec son court métrage de fin d'études auto-produit Pin ups, développe en parallèle une série qu'il a coécrite, Carolus magnus.

- Rachel Lang pour Mon légionnaire (deuxième long métrage), produit par Chevaldeuxtrois

Un projet dont le jury a apprécié "la maturité", proposé par la réalisatrice de Baden baden, long métrage remarqué à Berlin en 2016. On y suit des légionnaires et leurs épouses, qui apprennent pour les uns à survivre en milieu hostile, et pour les autres à vivre avec l’absence et l'éloignement.

- Vincent Le Port pour Bruno Reidal (premier long métrage), produit par Capricci Production

L'histoire vraie d'une jeune séminariste qui a tué un enfant au début du XXe siècle, avant de se rendre à la police. Le film se base sur ses mémoires, qui contiennent des phrases comme : « Quoique je fasse, les scènes de meurtre sont pour moi pleines de charme… » "C'est probablement le film le plus imprudent des quatre" a souligné Christophe Honoré. Vincent Le Port avait reçu le prix Jean Vigo du court-métrage en 2016 pour Le Gouffre.

Enfin, le prix spécial, qui est remis par la Fondation elle-même, a été attribué au projet Le sommet des Dieux, premier long métrage d'animation en solo du réalisateur Patrick Imbert (qui avait co-réalisé Le grand méchant renard et autres contes et Ernest et Célestine), coproduit par Julianne Films et Folivari. Il s'agit de l'adaptation ambitieuse du manga du même nom de Jirô Taniguchi et Baku Yumemakura.

Autant de films que l'on suivra avec beaucoup de curiosité, mais en réfrénant un peu notre impatience, car les quatre lauréats en prise de vues réelles devraient tous être tourné courant 2019 (avec des sélections cannoises en 2020 à la clef ?) tandis que le long métrage d'animation est attendu pour 2021.

Cette année encore, les cinéphiles membres du National Board of Review ont récompensé ceux qui figurent selon eux parmi les meilleurs films de l’année. Uniquement composé de cinéastes, de professionnels et d’universitaires, le collectif a tenu à récompenser Green Book de Pater Farelly, A Star Is Born de Bradley Cooper mais également If Beale Street Could Talk, le nouveau film Barry Jenkins (Moonlight).

Cérémonie annonciatrice de l’awards season, les National Board of Review Awards donnent un aperçu des films qu’il faudra surveiller de très près durant les prochaines semaines. Et cette année, il ne faudra pas perdre de vue La Ballade de Buster Scruggs, Black Panther, Eighth Grade, First Reformed, Sans un bruit, Roma, Leave No Trace, Mid90s et We the Animals. Même The Rider, qui a été élu meilleur film de l’année aux Gotham Awards ce week-end, pourrait créer la surprise.

En revanche, impossible de ne pas remarquer que les incontournables de ces dernières semaines ne figurent pas dans le palmarès. En effet, BlacKkKlansman de Spike Lee, The Favourite de Yorgos Lanthimos, First Man de Damien Chazelle et Vice d'Adam McKay sont les grands absents de cette édition 2018. Le gala associé à l'événement aura lieu le 8 janvier 2019 à New York.

Meilleur film : Green Book
Meilleur réalisateur : Bradley Cooper, A Star Is Born
Meilleur acteur : Viggo Mortensen, Green Book
Meilleure actrice : Lady Gaga, A Star Is Born
Meilleur acteur dans un second rôle : Sam Elliott, A Star Is Born
Meilleure actrice dans un second rôle : Regina King, If Beale Street Could Talk
Meilleur scénario original : Paul Schrader, First Reformed
Meilleur scenario adapté : Barry Jenkins, If Beale Street Could Talk
Meilleur film d’animation : Incredibles 2
Meilleur espoir : Thomasin McKenzie, Leave No Trace
Meilleur premier film : Bo Burnham, Eighth Grade
Meilleur film en langue étrangère : Cold War
Meilleur film documentaire : RBG
Meilleur casting : Crazy Rich Asians
William K. Everson Film History Award : The Other Side of the Wind and They'll Love Me When I'm Dead
NBR Freedom of Expression Award : 22 July
NBR Freedom of Expression Award : On Her Shoulders

Meilleurs films (par ordre alphabétique)

The Ballad of Buster Scruggs
Black Panther
Can You Ever Forgive Me?
Eighth Grade
First Reformed
If Beale Street Could Talk
Mary Poppins Returns
Sans un bruit (A Quiet Place)
Roma
A Star Is Born

5 meilleurs films en langue étrangère (par ordre alphabétique)

Burning
Jusqu'à la garde
The Guilty
Heureux comme Lazzaro
Une affaire de famille

5 meilleurs films documentaires (par ordre alphabétique)

Crime + Punishment
Free Solo
Minding the Gap
Three Identical Strangers
Won’t You Be My Neighbor?

10 meilleurs films indépendants (par ordre alphabétique)

La mort de Staline
La route sauvage (Lean on Pete)
Leave No Trace
Mid90s
The Old Man & the Gun
The Rider
Searching
Sorry to Bother You
We the Animals
You Were Never Really Here

Ray Harryhausen est célèbre dans le monde entier pour ses effets spéciaux impressionnants dans des films comme Le monstre des temps perdus d'Eugène Lourié (1953), Le 7e voyage de Sinbad de Nathan Juran (1958) ou encore Le choc des titans de Desmond Davis (1981). Sa technique, consistant à animer image par image les créatures fantastiques et à les projeter ensuite dans les prises de vue réelle, a inspiré des réalisateurs tels que Steven Spielberg, James Cameron, Guillermo del Toro ou encore Tim Burton, ainsi que de nombreux spécialistes des effets spéciaux.

Phil Tippett a notamment repris et amélioré le système mis au point par Harryhausen dans la première trilogie de Star Wars. De nombreux films rendent également hommage aux créatures inventées par l'animateur dans les années 50, tels que les dinosaures de Jurassic Park ou les squelettes de Pirates des caraïbes, et surtout le monstre le plus célèbre du cinéma japonais, Godzilla, sorti un an après Le monstre des temps perdus qui racontait déjà l'arrivée d'un dinosaure marin dans une ville côtière, et dont la Toho s'est très largement inspirée.

A la fin des années 40, puis au début des années 50, Ray Harryhausen réalise plusieurs courts métrages en alternance avec son travail pour Monsieur Joe et Le monstre des temps perdus. Il s'attache au format du conte, entièrement réalisé en stop-motion, avec des marionnettes articulées, et développe ses propres techniques d'animation et de mise en scène. Cinq films, qui étaient jusque-là inédits en France, sortent enfin sur grand écran grâce à un partenariat entre Carlotta Films et la fondation Ray & Diana Harryhausen : Le Petit chaperon rouge (1949), Hansel et Gretel (1951), Raiponce (1951), Le Roi Midas (1953) et Le Lièvre et la tortue (commencé par Harryhausen en 1952 et achevé par Mark Caballero et Seamous Walsh en 2002, sous la houlette du maître).

Ces contes enfantins recèlent déjà toute la prouesse de Harryhausen à donner vie aux objets et aux êtres inanimés : l'affolement de la grand-mère du Petit chaperon rouge est communicatif, on croit percevoir les efforts de la tortue à chaque pas (Le Lièvre et la tortue), et l'amour rayonne littéralement du couple de Raiponce tandis que la terreur d'Hansel et Gretel est presque palpable.

Le cinéaste, qui aimait improviser en animant, choisit de recourir à une voix-off, plutôt qu'à des dialogues, ce qui a tendance à figer légèrement les récits, tout en restant fidèle à la forme originelle de ces fables faites pour être racontées. C'est d'ailleurs parfaitement adapté à un très jeune public qui a besoin d'être pris par la main, quitte à ce que le texte soit parfois légèrement redondant avec l'image.

Pourtant, ce qui séduit évidemment le plus à la vision de ces contes, ce sont les mouvements de caméra (eux-aussi réalisés image par image) qui apportent un énorme dynamisme à chaque film. Harryhausen affectionne tout particulièrement les effets de "zoom" et de "dezoom", ainsi que le jeu des accélérations et des ralentissements. Il varie ainsi sans cesse les niveaux de plans, créant par ces simples mouvements une attente, et un suspense supplémentaires. On est également subjugué par les effets de transformation des objets en or dans Le Roi Midas, ou par l'apparition soudaine de la maison de pain d'épices dans Hansel et Gretel. Autant d'éléments qui témoignent déjà de la virtuosité et de l'ingéniosité de Harryhausen.

Enfin, quelques clins d’œil parsemés ici et là devraient faire le bonheur des adultes qui auront la riche idée de découvrir ce programme (avec ou sans enfants), comme l'apparition soudaine du personnage de Nosferatu (on ne vous dira pas quand) ou encore l'envolée (au sens propre) de ce prétentieux de lièvre à la fin du Lièvre et la tortue. Mais bien sûr, l'émotion est elle aussi au rendez-vous, car ce n'est pas tous les jours qu'on peut assister aux débuts d'un grand maître de l'animation et du cinéma en général.

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Les contes merveilleux de Ray Harryhausen
En salles à partir du 28 novembre

C’est hier soir que se tenait l’édition 2018 des Gotham Independent Film Awards organisée par l’Independent Feature Project.

Une cérémonie majeure de l’awards season

Depuis 1991, la cérémonie se tient annuellement et récompense les meilleurs artisans du cinéma indépendant. Et comme l’a très bien noté Variety, la soirée d’hier a été marquée par les multiples sacres de A24, la société de production à qui l’on doit First Reformed, Hereditary ou encore Eight Grade. Pour rappel, l’an dernier, les grands gagnants des années précédentes n'étaient autres que Call Me By Your Name, Get Out, Moonlight, Spotlight et Birdman. Que des films qui ont fini leur course respective aux Oscars.

Meilleur film
The Favourite (Fox Searchlight Pictures)
First Reformed (A24)
If Beale Street Could Talk (Annapurna Pictures)
Madeline’s Madeline (Oscilloscope Laboratories)
The Rider (Sony Pictures Classics) — GAGNANT

Meilleur acteur
Adam Driver dans BlacKkKlansman (Focus Features)
Ben Foster dans Leave No Trace (Bleecker Street)
Richard E. Grant dans Can You Ever Forgive Me? (Fox Searchlight Pictures)
Ethan Hawke dans First Reformed (A24) — GAGNANT
Lakeith Stanfield dans Sorry to Bother You (Annapurna Pictures)

Meilleure actrice
Glenn Close dans The Wife (Sony Pictures Classics)
Toni Collette dans Hereditary (A24) — GAGNANTE
Kathryn Hahn dans Private Life (Netflix)
Regina Hall dans Support the Girls (Magnolia Pictures)
Michelle Pfeiffer dans Where is Kyra? (Paladdans and Great Point Media)

Révélation de l’année (acteur/actrice)
Yalitza Aparicio dans Roma (Netflix)
Elsie Fisher dans Eighth Grade (A24) — GAGNANTE
Helena Howard dans Madeline’s Madeline (Oscilloscope Laboratories)
KiKi Layne dans If Beale Street Could Talk (Annapurna Pictures)
Thomasdans Harcourt McKenzie dans Leave No Trace (Bleecker Street)

Révélation de l’année (réalisateur/réalisatrice)
Ari Aster for Hereditary (A24)
Bo Burnham for Eighth Grade (A24) — GAGNANT
Jennifer Fox for The Tale (HBO)
Crystal Moselle for Skate Kitchen (Magnolia Pictures)
Boots Riley for Sorry to Bother You (Annapurna Pictures)

Meilleure série
Alias Grace (Netflix)
The End of the F***ing World (Netflix)
Killing Eve (BBC America) — GAGNANTE
Pose (FX Networks)
Sharp Objects (HBO)

Meilleure série (format court)
195 Lewis — GAGNANTE
Cleaner Daze
Distance
The F Word
She’s the Ticket

Meilleur scénario
The Favourite, Deborah Davis and Tony McNamara (Fox Searchlight Pictures)
First Reformed, Paul Schrader (A24) – GAGNANT
Private Life, Tamara Jenkins (Netflix)
Support the Girls, Andrew Bujalski (Magnolia Pictures)
Thoroughbreds, Cory Finley (Focus Features)

Meilleur film documentaire
Bisbee ‘17 (4th Row Films)
Hale County This Morning, This Evening (The Cinema Guild) — GAGNANT
Minding the Gap (Hulu & Magnolia Pictures)
Shirkers (Netflix)
Won’t You Be My Neighbor? (Focus Features)

Prix du Jury pour un casting

Rachel Weisz, Olivia Colman et Emma Stone dans The Favourite — GAGNANTES

Prix du public

Won’t You Be My Neighbor? — GAGNANT