Nous vous en parlions déjà en fin d'année dernière : Sapphire crystal de Virgil Vernier (Mercuriales, Sophia Antipolis), présenté en compétition au Festival de Locarno, figurait parmi nos courts métrages préférés de 2019. Il est désormais l'un de nos incontournables de 2020, grâce à une double sortie en salle et en VOD / SVOD rendue possible par Shellac.

Avec ce moyen métrage tourné avec un téléphone portable et fabriqué en collaboration avec les étudiants de la Haute-école d’art et de design (HEAD), le réalisateur poursuit son oeuvre singulière, à la frontière entre la fiction et le documentaire, en s’intéressant à la jeunesse plus que dorée de Genève. Il s’inspire d'ailleurs, notamment pour son casting, de photos de soirées postées sur le compte instagram de la boîte de nuit la plus chic de la ville.

On entre ainsi dans le récit par le rituel évocateur de la “crystal shower” consistant à s’asperger avec de grandes quantités de champagne (à 1000 euros la bouteille) lors de soirées en boîte. Le procédé crée un débat au sein du groupe d’amis qui est au centre du film : une jeune femme fustige le concept, jugé vulgaire, tandis que d’autres revendiquent le droit d’exposer leur richesse de manière ostentatoire. Ce qui ne les empêchera pas de poursuivre tous ensemble une soirée placée sous le signe de l’insouciance et du paraître, entre shots de vodka, coupes de champagne et lignes de cocaïne à l’or pur.

Le portrait, édifiant, a des effets ambivalents : on est forcément agacé par les conversations et les postures de ces jeunes qui semblent évoluer dans une dimension parallèle. Mais il y a aussi quelque chose de fascinant dans cette réalité à la fois proche et inaccessible, qui oscille entre des conversations aussi banales qu’ailleurs (ambitions affichées, scènes de drague maladroites, confessions tardives…) et une désarmante propension à prendre l’existence pour acquise.

Virgil Vernier joue habilement de la confusion du spectateur, qui peut croire au premier abord qu’il assiste à une véritable soirée entre amis. La banalité des dialogues l’encourage d’ailleurs dans cette voie, de même que la mise en scène rudimentaire qui imite une vidéo prise sur le vif pour capter des instants de vie. Peu à peu, pourtant, la fiction affleure, sans que cela vienne invalider la démonstration. Au contraire, en appuyant là où c’est le plus sensible, le réalisateur questionne le regard que l’on porte sur ce microcosme en même temps qu’il le replace dans notre monde, dont il n’est qu’une des multiples déclinaisons.

La Fondation Beyeler à Bâle (Suisse) a lancé la première grande exposition de l'hiver autour des paysages du peintre américain Edward Hopper a fortement influencé certains réalisateurs, d'Hitchcock à Wenders. Et justement, pour accompagner cette expo, le cinéaste allemand Wim Wenders a filmé un court-métrage 3D où le spectateur est immergé dans les tableaux du peintre, qui prennent vie sous nos yeux.

Dans l’une des salles de l’exposition, est ainsi projeté Two or Three Things I Know about Edward Hopper. Le film a été réalisé grâce au soutien de la Fondation BNP Paribas Suisse et la LUMA Foundation.

Cette microfiction muette se tisse autour de la relation entre un pompiste et une cliente au volant de sa Cadillac. Wenders démontre ainsi la force de tableaux d'Hopper, en nous obligeant à faire travailler notre imaginaire puisque la fiction se déroule hors-champs. Le cinéaste prolonge ainsi le travail expérimental qu'il a effectué avec l'œuvre de la chorégraphe Pina Bausch (Pina, film én 3D et stéroscopie) et le court métrage documentaire en 3D If Buildings could talk, commandé pour la Biennale d’Architecture de Venise de 2010.

L'exposition se déroule jusqu'au 17 mai et "met l’accent sur les représentations iconiques de Hopper des étendues infinies des paysages naturels et urbains de l’Amérique."

L’immense acteur suisse Bruno Ganz - Nosferatu, Les ailes du désir, L’éternité et un jour, La chute, The house that Jack built... - est mort. Il avait 77 ans.

Parmi les nombreux prix reçus, le comédien avait été désigné acteur de l'année par le magazine allemand Thater Heute en 1973 avant de recevoir le Prix du cinéma suisse (2000), le prix David di Donatello (César italien) pour Pain, tulipes et comédie la même année, le European Film Award pour l'ensemble de sa carrière en 2010, un Léopard pour toute sa carrière, à Locarno, en 2011 et une Golden Kamera au Festival de Berlin en 2014, où il dispose d'une étoile sur le Boulevard des stars.

Bruno Ganz, né le 22 mars 19411 à Zurich est mort dans cette même ville le 16 février 2019. Il a fait sa carrière dans toute l'Europe et aux Etats-Unis, faisant de lui le comédien germanophone le plus connu dans le monde durant plusieurs années. Avant-gardiste sur les planches, il savait incarner au cinéma les personnages les plus complexes. On l'a vu dans des univers parfois radicaux, souvent exigeants, chez Jeanne Moreau, Eric Rohmer, Wim Wenders, Peter Handke, Werner Herzog, Volker Schlöndorff, Jerzy Skolimowski, Alain Tanner, Théo Angelopoulos, Lars von Trier, Bille August, Arnaud des Pallières, Barbet Schroeder, Sally Potter mais aussi chez Jonathan Demme, Francis Ford Coppola, Atom Egoyan, Ridley Scott ou Stephen Daldry.

Nosferatu, Fantôme de la nuit de Werner Herzog (1979)
Kalus Kinski et isabelle Adjani dans cette adaptation du Dracula de Bram Stoker. Herzog a voulu faire un film où le vampire annonce une révolution qui menace les Bourgeois. Si le film n'est pas une performance majeure de Bruno Ganz, sa place dans le 7e art en fait un film important de sa carrière.

Les ailes du désir de Wim Wenders (1987)
Il avait déjà tourné avec Wenders (L'ami américain, 1977), et il le retrouvera dans Si loin, s proche en 1993). mais c'est bien en ange déchu dans cet hymne à Berlin et à l'amour que Bruno Ganz trouve l'un de ses plus grands rôles, transcendant le désir d'aimer, capable de renoncer à ses ailes et de quitter son beau monde en noir et blanc. Dans ce poème mélancolique et existentiel, Bruno Ganz navigue entre deux mondes, celui du spirituel, invisible, et le réal, souvent dramatique. La dure condition humaine dans une ville divisée et meurtrie.

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L'éternité et un jour de Théo Angelopoulos (1998)
Palme d'or, Ganz interprète un écrivain en fin de vie qui fait son dernier voyage entre souvenirs du passé, visions oniriques et paysages embrumés. C'est sans doute le film qui lui ressemble le plus puisque la frontière est au cœur du sujet. L'artiste sans frontières trouve ici un personnage errant qui transmet, où le lien à l'autre est ce qui reste d'essentiel. On vit sans le brouillard avec la seule certitude de mourir. Angelopoulos et Ganz tourneront aussi La poussière du temps en 2008, dernier film achevé du cinéaste. Encore une histoire de quête et d'errance, et toujours ces frontières mentales et géographiques qui nous contraignent.

Pains, tulipes et comédie de Silvio Soldini (2000)
Dans u. registre plus rare, Bruno Ganz a aussi fait des comédies et des romances. Ce film italien, énorme succès dans le pays mais aussi joli hit à l'export, le montre sous un jour différent. Ce n'est certainement pas son plus grand film mais en homme amoureux et romantique d'une femme décidée à changer de vie, il dévoile un charme rarement aussi bien utilisé.

La chute de Oliver Hirschbiegel (2004)
Son rôle le plus emblématique: Adolf Hitler. Ou plutôt le crépuscule du dictateur. Autant dire une performance (jusque dans le ton de la voix), puisque le comédien ne renie jamais l'aspect monstrueux du tyran tout en lui insufflant un humanisme réaliste (ce qu'on reprochera au film). Le film est considéré comme l'un des meilleurs du cinéma allemand de ces trente dernières années. En 2016, Un Juif pour l’exemple de Jacob Berger, histoire vraie autour du meurtre d’un marchand de bétail juif que des paysans ont assassiné pour offrir son corps comme cadeau d’anniversaire à Hitler.

Le couteau dans la tête de Reinhard Hauff (1978)
Il s'agit de son film préféré. Le rôle qu'il a tant aimé, celui d'un biogénéticien qui perd la mémoire (mais pas les sens). Un thriller sur le réapprentissage, qu'il porte sur ses épaules, en tant que victime soupçonnée de fricoter avec les terroristes. Rien à voir avec un autre thriller, plus complotiste, Un crime dans la tête (2004), où cette fois-ci il est complice des criminels.

Alors que la Quinzaine des Réalisateurs va changer de Délégué général avec l'arrivée de Paolo Moretti (lire notre article du 2 mars), celui-ci a recruté cinq nouvelles personnalités pour l'épauler pour la prochaine édition (15-25 mai 2019).

Le comité de sélection sera composé de Paolo Bertolin, Anne Delseth, Claire Diao, Valentina Novati et Morgan Pokée.

Paolo Bertolin a été membre du comité de sélection du Festival de Venise, puis son consultant régional chargé de territoires, tels l’Asie du Sud-Est, le sous-continent indien, l’Océanie, la Turquie et la Corée du Sud. Il a ausssi collaboré à différentes manifestations comme le Festival International de Rotterdam, le Doha Film Institute, le Festival de Locarno, Udine Far East Film Festival, Visions du Réel, la Semaine de la Critique à Cannes, et les Festivals Internationaux de Mumbai, Beijing, Hanoï et Bratislava.

Anne Delseth a débuté au Festival international de Films de Fribourg. Elle a également travaillé en tant qu’assistante de production pour des films d’Ursula Meier et de Jean-Stéphane Bron. En 2011 elle est chargée des ventes internationales pour Urban Distribution. Membre du comité de sélection de la Quinzaine des Réalisateurs depuis 2012, elle a rejoint le comité de sélection du Festival de Locarno pour l’édition de 2018. Elle est également consultante pour le Festival du film Fantastique de Neuchâtel et le Festival de Zürich. Enfin elle dirige aussi une salle de cinéma d’art et d’essai à Lausanne, le Cinema City Club.

Claire Diao a initié en 2013 le programme itinérant de courts métrages Quartiers Lointains diffusé entre la France, les États-Unis et plusieurs pays d’Afrique, et co-fondé en 2015 la revue panafricaine de cinéma Awotele avant de créer fin 2016 la société de distribution de films d’Afrique et de la diaspora Sudu Connexion. Auteure de l’essai Double Vague, le nouveau souffle du cinéma français, aux éditions Au Diable Vauvert, elle est aussi animatrice des Expressos du Festival international du court métrage de Clermont-Ferrand et chroniqueuse dans l’émission Le Cercle sur Canal + Cinémas, dans le JT Afrique de TV5 Monde et présentera les films de la chaîne France Ô à partir de septembre 2018.

Valentina Novati a travaillé dans la production, sur les films de Thierry Jousse, Erick Zonca, Eva Ionesco, entre autres. Elle crée en 2010 la société Independencia, qui à partir de 2014 se détachera en deux entités distinctes : Norte Productions et Norte Distribution. Elle a produit une quinzaine de films, dont ceux de Luc Moullet, André S.Labarthe, Antoine d’Agata, Verena Paravel et Lucien Castaing-Taylor, et en a distribué une trentaine.

Enfin, Morgan Pokée, auteur à Critikat et à la revue bimestrielle La Septième Obsessio, a créé en 2012 de Répliques, revue d’entretiens autour du cinéma. Chargé d’enseignement à l’Université de Rennes 2 en 2016, il anime des ateliers autour de la critique et intervient régulièrement dans les salles pour des modérations et des rencontres. Depuis juin 2016, il est le programmateur du cinéma Le Concorde de La Roche-sur-Yon et conseiller de programmation pour le Festival International du Film de La Roche-sur-Yon.

Anja Kofmel semble (pour le moment) la femme d’un seul projet : celui de redonner vie à son cousin Chris, jeune journaliste suisse retrouvé assassiné dans de mystérieuses circonstances en Croatie en 1992, en pleine  guerre de Yougoslavie, et de découvrir la vérité sur cette mort.

La jeune femme n’a que dix ans au moment de la mort de Chris, mais elle ne cessera jamais d’y songer. Devenue adulte, elle suit des cours à l'Université des Arts de Zurich (ZHdK), puis étudie l'animation à l'Ecole de Design et d'Art de Lucerne (HSLU), et c’est naturellement qu’elle choisit son cousin, et son histoire, comme sujet de son court métrage de fin d’études.

Chrigi reçoit un bel accueil et fait le tour des festivals (il est notamment couronné par le prix du meilleur film d’école suisse à Winterthur en 2009). Tout en nuances de gris, la réalisatrice y parle à la première personne de ce grand cousin qu'elle n'a vu que deux fois dans sa vie, et de la manière dont elle a appris sa mort. Le trait est assez épuré, les décors minimalistes, et le ton à la fois enfantin et humoristique.

Anja Kofmel s'y met en scène sous les traits d'une petite fille subjuguée par l'existence aventureuse du jeune homme, qu'elle transforme en personnage de roman. Cela permet de gommer l'aspect le plus dramatique du récit, sans pour autant l'édulcorer. En quelques images, la réalisatrice suggère en effet les conditions troubles des derniers jours de Chris. L'hommage est aussi touchant que sincère, et surtout réussi.

Mais Anja Kofmel ne s’arrête pas là, et fait également de Chris le sujet de son premier long métrage, Chris the Swiss. Cette fois, il s’agit d’un documentaire qui donne la parole à ceux qui ont connu le jeune journaliste, doublé d’une enquête pour comprendre les circonstances de sa mort.

Les parties en animation permettent de faire revivre Chris et de mettre en scènes les derniers mois de sa vie. La réalisatrice a gardé une esthétique assez épurée, avec un noir et blanc contrasté, et un trait qui s'affirme, plus travaillé que dans le court. La jeune femme se met également en scène dans les passages en prise de vues continues, afin de donner corps à son périple.

On découvrira le film en compétition à la Semaine de la Critique avant de le retrouver à Annecy hors compétition. En attendant, une question nous brûle les lèvres : Anja Kofmel en a-t-elle vraiment fini pour de bon, en tant que réalisatrice, avec son cousin Chris, ou nous réserve -t-elle d’autres surprises ?

La 71^e édition du Festival de Cannes sera godardienne ou ne sera pas. Cinquante ans après le fameux festival 1968 qu’il contribua à faire arrêter, le doyen des cinéastes de la Nouvelle vague est de retour sur la Croisette, avec à la fois une affiche tirée d’un de ses films (Pierrot le fou) et un long métrage en compétition, Le livre d'image.

Si l’on sait qu’il ne sera pas personnellement présent à Cannes (il s’en était clairement expliqué lors de sa dernière sélection en 2014), son ombre planant sur le tapis rouge a quelque chose de forcément ultra symbolique, surtout en cette année anniversaire des révoltes étudiantes et ouvrières de Mai 68.

D’autant que Jean-Luc Godard et Cannes, c’est une histoire longue et mouvementée qui court elle-aussi sur un demi-siècle. Le Festival est totalement passé à côté des chefs d'œuvre du cinéaste et, c’est difficile à croire, n’avait remarqué ni A bout de souffle (Ours d’argent du meilleur réalisateur à Berlin), ni Pierrot le fou (sélectionné à Venise), ni Le mépris, ni Alphaville (Ours d’or à Berlin), ni La Chinoise (sélectionné à Venise)… ni aucun des films de la prolifique période 1960-1968.

Alors, c’est vrai, le réalisateur avait fait sa première incursion dans la course à la palme d’or en 1962, grâce à Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda, dans lequel il apparaît. Mais en réalité, il aura fallu attendre 1970, et un film relativement mineur, Vent d’Est, pour que Godard soit sélectionné à Cannes avec l’une de ses œuvres. Et encore : pas en compétition officielle, mais à la Quinzaine. C'est un début.

Les années suivantes, on le retrouve dans la section « Perspectives du cinéma français » (qui n’existe plus aujourd'hui) : en 1976 avec Comment ça va et en 1977 avec Ici et ailleurs. Enfin, Gilles Jacob répare « l’oubli » (le manque absolu de discernement ?) dont il avait été victime en invitant enfin Godard en sélection officielle en 1980 avec Sauve qui peut (la vie). Suivront Lettre à Freddy Buache (Un Certain regard, 1982), Passion (Compétition, 1982), Détective (Compétition, 1985), Aria (Compétition, 1987), Histoires du Cinéma (Séance spéciale, 1988), Nouvelle vague (Compétition, 1990), Histoire(s) du cinéma (Un Certain regard, 1997), Eloge de l’amour (Compétition, 2001) ou encore Notre musique (Hors Compétition, 2004).

Au milieu des années 2000, il devient un habitué de la sélection Cannes Classics, où sont montrés Moments choisis des Histoire(s) du cinéma (2005), Loin du Vietnam (2009), Pierrot le fou (2009), Masculin féminin (2016) et même Paparazzi de Jacques Rozier en 2017, un court métrage qui relate le tournage du Mépris.

Comme pour se rattraper de l’indifférence des premières années, Cannes semble ne plus pouvoir se passer de Godard, et continue en parallèle des classiques à inviter méticuleusement chacun de ses nouveaux films : en 2010, Film socialisme est à Certain Regard, en 2014, Les ponts de Sarajevo est montré en séance spéciale et Adieu au langage en compétition (il rafle un prix du jury ex-aequo avec Xavier Dolan, tout un symbole).

Et même quand il n’a pas de longs métrages à présenter, Godard réussit à s’inviter dans la grand messe cannoise : en 2013, son court métrage The three disasters est en clôture de la Semaine de la Critique dans le cadre du programme 3X3D aux côtés de Peter Greenaway & Edgar Pêra. En 2016, l’affiche de la sélection officielle est tirée du Mépris. En 2017, il est carrément le personnage principal du Redoutable de Michel Hazanavicius.

Certains fustigent d’ailleurs l’image comico-ridicule que donne de lui le film, et s’insurgent de cette pochade qui s’attaque à leur idole. Le livre d'image sera-t-il une forme de droit de réponse ? Un nouveau virage dans la carrière du réalisateur ? La poursuite de ses expérimentations des dix dernières années ? Peu de choses ont transpiré sur le film, mais il figure probablement parmi les plus attendus de ces dix jours. Parce que Cannes s’essouffle, le cinéma s’étiole, la critique se meurt, mais l’effet Godard, lui, n’a rien perdu de son pouvoir d’attraction.

La réalisatrice suisse Ursula Meier présidera le jury de la Caméra d'or, qui récompense la meilleure première œuvre présentée en Sélection officielle, à la Quinzaine des Réalisateurs et à la Semaine de la Critique.

Depuis 1994, Ursula Meier est l'auteure de 5 courts métrages, dont Tous à table trois fois primé à Clermont-Ferrand en 2001, 2 œuvres pour la télévision, 2 documentaires et 2 longs métrages pour le cinéma. Ancienne assistante-réalisatrice d'Alain Tanner (Fourbi, 1996). A Cannes, en sélection officielle, elle était venue présenter en 2014 Les Ponts de Sarajevo, œuvre collective portée par 13 cinéastes européens.

Son premier long métrage, présenté à la Semaine de la critique, Home (2008), avec Isabelle Huppert et Olivier Gourmet, a été nommé au César du meilleur film étranger. Il avait reçu trois prix aux "César" suisses: meilleur film, meilleur scénario et meilleur espoir pour Kacey Mottet Klein. En 2012, avec L’Enfant d’en haut, elle obtient un Ours d’argent à la Berlinale, mais aussi un prix d'interprétation à Cabourg pour Léa Seydoux, une nomination aux César pour Kacey Mottet Klein et de nouveau trois prix aux "César" suisses: meilleur film, meilleur scénario et meilleur acteur pour Kacey Mottet Klein.

Sa dernière œuvre, Journal de ma tête, met en scène Fanny Ardant et Kacey Mottet Klein. Elle a été projetée dans la section Panorama à la dernière Berlinale.

"Un premier film, déclare la Présidente nouvellement désignée dans le communiqué du Festival de Cannes, c’est le lieu de tous les possibles, de toutes les audaces, de toutes les prises de risques, de toutes les folies. On dit souvent qu’il ne faut pas tout mettre dans un premier film mais c’est tout le contraire, il faut tout mettre dans un premier film, tout, comme il faut tout mettre dans chaque film en gardant au fond de soi, toujours, ce désir originel, vital, brutal, sauvage de la première fois. Quelle immense excitation et quelle immense joie de découvrir tous ces films !"

Ursula Meier et son jury remettront le prix de la Caméra d’or lors de la soirée de Clôture du Festival de Cannes, le samedi 19 mai. L'an dernier Jeune Femme de Léonor Serraille (Un Certain Regard) avait remporté la prestigieuse récompense.

Première manifestation mondiale entièrement consacrée au court métrage, le Festival de Clermont Ferrand qui a ouvert ses portes ce vendredi 2 février fête son 40e anniversaire avec un programme des plus alléchants. En plus des traditionnelles compétitions (internationale, française et "labo"), les festivaliers (généralement nombreux : plus de 162 000 en 2017) pourront découvrir une rétrospective consacrée à la cinématographie suisse, une autre autour de la gastronomie et du plaisir d'être à table et enfin un focus sur les comédiens dans le court métrage.

Par ailleurs, une carte blanche est offerte à l'école nationale de cinéma de Lodz (Pologne) tandis qu'une séance spéciale sera consacrée à Mai 68 et une autre à la nouvelle collection fantastique de Canal +. Enfin, ce sera la 33e édition du Marché du film court qui accueillera notamment la Turquie pour la première année, et fera la part belle aux techniques de réalité virtuelle, de relief et de réalité augmentée.

Certains films sélectionnés ont déjà fait leurs preuves dans d'autres festivals ou avant-premières. Petit guide, section par section, de ceux qu'il ne faudra surtout pas manquer.

En compétition internationale, on retrouve certains des films qui ont marqué 2017, comme la Palme d'or A gentle night de Yang Qiu, le cristal du court métrage d'Annecy The Burden de Niki Lindroth Von Bahr et le grand prix du Festival de Winterthur, Ligne noire de Mark Olexa et Francesca Scalisi. Mais il faut aussi absolument mentionner Le marcheur de Frédéric Hainaut, film coup de poing sur un révolté qui a tout quitté, et (Fool) Time job de Gilles Cuvelier, chronique sociale glaçante et allégorique.

En compétition française figurent Braguino de Clément Cogitore (sorti en salles en novembre), Gros chagrin de Céline Devaux (lion d'or à Venise), Marlon de Jessica Palud (en lice pour le César du court métrage) ou encore Negative space de Max Porter et Ru Kuwahata (nommé pour l'Oscar du meilleur court métrage d'animation) et Des hommes à la mer de Lorris Coulon, fraîchement couronné du Prix du meilleur court métrage français par le syndicat de la critique.

Côté labo, il faut relever Ugly de Nikita Diakur (grand prix du court métrage d'animation indépendant à Ottawa), Reruns de Rosto (le dernier épisode de sa tétralogie autour de Thee Wreckers) ou encore Death of a sound man de Sorayos Prapapan (une comédie multi-primée autour de preneurs de son en Thaïlande).

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40e festival du court métrage de Clermont Ferrand
Du 2 au 10 février 2018
Plus d'informations sur le site de la manifestation

Plus important festival de courts métrages de Suisse, Internationale Kurzfilmtage Winterthur, dont c’était cette année la 21e édition, s’est tenu du 7 au 12 novembre dernier. Organisé autour de plusieurs compétitions (internationale, suisse et films d’écoles suisses), il proposait notamment des journées professionnelles, des programmes pour la jeunesse, des focus géographiques (l’Asie du Sud-Est et la Grèce) ou encore des rétrospectives monographiques autour de cinéastes comme Pimpaka Towara (Thaïlande) et Freddi M. Muerer (Suisse).

Un programme dense et varié mais pas intimidant pour autant, puisque la concentration des lieux de projection et la répétition des séances permet de profiter assez largement des différents programmes.

Une compétition exemplaire

Comme c’est souvent le cas, les regards étaient particulièrement tournés vers la compétition internationale qui réunissait 37 films venus du monde entier. Et c’est vrai que cette sélection (réalisée de manière collégiale par le directeur artistique John Canciani et son équipe) est exemplaire de tout ce que l’on recherche traditionnellement en festival : éclectique, équilibrée, assumant des prises de risque audacieuses, et mêlant des œuvres fortes déjà repérées par ailleurs à des premières mondiales d’envergure ou des films plus fragiles et confidentiels. Bien sûr, les amateurs de cinéma dans un sens restrictif (très attaché à « l’histoire », par exemple) peuvent ne pas y trouver leur compte. Mais pour les cinéphiles soucieux de se confronter avec la réalité d’une production qui ne cesse de se chercher, voire de se réinventer, c’est évidemment une chance formidable !

À force de fréquenter les festivals, on finit par repérer ceux qui ne cherchent pas à "protéger" leur public de ce qu'il pourrait ne pas aimer, l'enjeu n'étant jamais tant de faire aimer les films que de donner à voir ce qui constitue un paysage cinématographique particulier. Winterthur a ainsi fait l'impasse sur les traditionnelles concessions à un goût présumé du grand public pour le classicisme. On n’a pas vu pendant le festival suisse de ces films éternellement sélectionnés en festival pour servir de transition ou de respiration entre deux œuvres plus puissantes. Des films inaboutis, des réalisations maladroites, oui, mais pas ces terribles films moyens qui n’apportent rien à celui qui les regardent, et d’où toute idée de cinéma semble définitivement exclue.

Amener le spectateur à sortir de sa zone de confort est probablement la mission la plus importante des festivals de cinéma, et elle est indéniablement remplie par l'équipe des Internationale Kurzfilmtage Winterthur qui avait réuni des films offrant tous un intérêt propre, que ce soit en terme esthétique, dramatique, scénaristique, ou de réflexion sur le cinéma lui-même. Des films qui parfois nous bousculent, nous dérangent, nous interpellent par leur formalisme, leur propos ou leur radicalité. Qui semblent élargir la définition que l’on peut avoir du cinéma, ou en tout cas viennent la questionner.

Retrouvailles et découvertes

On a ainsi revu avec plaisir quelques-uns des courts métrages les plus passionnants de l'année, comme The burden de Niki Lindroth von Bahr (Quinzaine des réalisateurs et Cristal du court métrage à Annecy), comédie musicale animalière en stop motion dans laquelle des poissons solitaires, des singes travaillant dans un centre d'appel et des souris employées de fast-food chantent leur mal de vivre, dans un manifeste hilarant et désespéré à la fois ; Gros chagrin de Céline Devaux (Lion d'or à Venise), récit d'une rupture amoureuse qui oscille entre l'humour d'une comédie sentimentale et l'amertume bouleversante d'une relation qui s'achève, réalisé à la fois en prise de vues réelles et en animation (avec la technique rare de l'écran d'épingles) ; After school knife fight de Caroline Poggi et Jonathan Vinel (Séance spéciale à Cannes), chronique adolescente stylisée et élégante sur la fin d'une époque ; Möbius de Sam Kuhn (Semaine de la Critique), ovni lynchien qui tient tout autant du récit initiatique que du conte cruel ; et Selva de Sofia Quiros (Semaine de la Critique), oeuvre sensorielle et fantomatique, à la beauté sidérante, sur la fatalité des départs et des séparations. Lire le reste de cet article »

Adrien Brody honoré par un Leopard Club Award. Mathieu Kassovitz (qui viendra pour le premier film de Samuel Jouy, Sparring) récompensé par un Excellence Award. A ces deux acteurs, s'ajoutent Michel Merkt (Prix du producteur indépendant), Jean-Marie Straub (Léopard d'or d'honneur) et Nastassja Kinski parmi les hommages rendus cette année. Le 70e Festival de Locarno a révélé ce mercredi 12 juillet le programme des festivités.

Lynch, Huppert, Ruiz...

En compétition on retrouve notamment pas mal de productions et coproductions françaises: 9 doigts de F.J. Ossang, As Boas Maneiras de Juliana Rojas et Marco Dutra, Charleston d'Andreï Cretulescu, Good Luck de Ben Russell, Madame Hyde de Serge Bozon, avec Isabelle Huppert et Romain Duris, Mrs. Fang de Bing Wang et Wajib de Annemarie Jacir. A côté de ces films, ont note la présence de Denis Côté (Ta peau si lisse), Xu Bing (Qing Ting Zhi Yan), John Carroll Lynch (Lucky, avec David Lynch), une œuvre posthume de Raul Ruiz (La telenovela Errante), Jim McKay (On the Seventh Day), Travis Wilkerson (Did You Wonder Who Fired Gun?), Aaron Katz (Gemini) ou encore Germano Maccioni (Les astéroïdes - Gli asteroidi, avec Pippo Delbono)

Paradis, Ardant, Argento...

Pour cette édition anniversaire, le cinéma français sera très présent avec Olivier Assayas et Sabine Azéma à la présidence de deux jurys, mais aussi Samuel Benchetrit, Vanessa Paradis et Vincent Macaigne (Chien), Fanny Ardant transgenre (Lola Pater), Noémie Lvovsky et Mathieu Amalric (Demain et tous les autres jours qui ouvrira la prestigieuse programmation de la Piazza Grande), Paul Hamy et Pascal Greggory (9 Doigts) et Jean-Pierre Léaud (36 fillette). Parmi les autres stars attendues Albert Serra, Francesca Comencini, Irrfan Khan et Golshifteh Farahani (The Song of the Scorpions), Vincent Pérez et le cultissime Dario Argento. Locarno a aussi obtenu la comédie indépendante The Big Sick, véritable phénomène à Sundance, et succès inattendu au box office américain cet été dans les circuits art et essai.

Côté diversité, Locarno présentera deux blockbusters Atomic Blonde avec Charlize Theron et le thriller SF de Netflix, What Happened to Monday? avec Noomie Rapace. De Cannes, seul Good Time des frères Safdie a été retenu pour la Piazza Grande.

D'hier à aujourd'hui

Dans la section Cinéastes du présent, on notera le sud coréen Kim Dae-hwan (The First Lap), le japonais Ryutaro Ninomiya (Sweating the Small Stuff), la française Narimane Mari (Le fort des fous) et l'américain Dustin Guy Defa (Person to Person).

Enfin, est-ce pour la francophilie affirmée de cette édition? Mais la Rétrospective 2017 sera consacrée à Jacques Tourneur, disparu il y a 40 ans: "un réalisateur qui n’est encore pas reconnu à la hauteur de son talent. Tourneur a souvent tourné des films classifiés comme « série B », des films qui nous semblent aujourd’hui plus incisifs, plus visionnaires et plus actuels que leurs aînés. Car le réalisateur a toujours su mêler dans son travail l’imaginaire puissant des récits de genre et une poésie visuelle unique, héritée sans doute de sa double identité, européenne et américaine."