Vous en avez marre des films qui essayent de vous culpabiliser sur l'épuisement des ressources naturelles et le réchauffement climatique ? Vous aimeriez agir pour l'environnement sans avoir la moindre idée de comment vous y prendre ? Vous avez un grand besoin, par les temps qui courent, d'un peu d'optimisme et d'espoir ?

Dès le 2 décembre, foncez en salles pour voir Demain, un documentaire coréalisé par Cyril Dion et Mélanie Laurent, qui offre un panorama aussi captivant que réjouissant des initiatives citoyennes à travers le monde pour proposer une agriculture responsable, apprendre à se passer du pétrole et du charbon, réinventer une économie parallèle au niveau local ou encore mettre en pratique une démocratie vraiment participative.  Des expériences qui fonctionnent à grande échelle (Détroit, Copenhague, Bâle...) et ont d'ores et déjà prouvé qu'elles pouvaient faire la différence.

A San Francisco, une politique volontariste de recyclage des déchets verts permet par exemple à la ville d'atteindre un objectif de "zéro déchet" tout en vendant le compost ainsi obtenu aux agriculteurs de la région. A Bristol, 600 commerces ont adopté la monnaie locale (le Bristol Pound) et certaines entreprises l'utilisent pour une partie des salaires qu'elles versent. L'Islande est déjà 100% autonome d'un point de vue énergétique. Et ainsi de suite : le film présente tant d'initiatives réussies qu'il est impossible de les citer toutes !

Résultat, non seulement Demain est un manifeste formidable qui ne prêche pas seulement les déjà convertis aux problématiques écologiques contemporaines, non seulement il propose une foule d'idées pour agir concrètement dans son quartier ou son entreprise, mais surtout, il donne envie de s'y mettre !

D'ailleurs, il sera présenté à 100 délégués lors de la COP 21, comme pour montrer aux dirigeants que des solutions existent, et que les citoyens ont commencé à se les approprier avant même que les Etats ne se soient décidés à agir. C'est aussi un excellent moyen de résumer les principaux enjeux de cette conférence et, au-delà, de notre époque, afin de sensibiliser largement le grand public.

"C'était un peu comme des héros"

Présent au Arras Film Festival pour accompagner l'avant-première du film ainsi qu'un débat sur "les acteurs du territoire qui fabriquent le monde de Demain", Cyril Dion est revenu sur l'inutilité de faire la morale aux gens et la nécessité de simplement leur montrer des exemples qui peuvent déclencher l'envie d'agir à son tour.

Ecran Noir : Au début de Demain, vous expliquez qu'à l'origine du film, il y avait une volonté d'action de la part de toute l'équipe, suite notamment à la parution d'une étude très alarmante dans la revue Nature.

Cyril Dion : Oui, il y avait une volonté d'action de notre part en tant que professionnels du cinéma de pouvoir mettre nos compétences au service de quelque chose, mais surtout de faire un film qui donne envie aux gens d'agir. Qui leur donne de leur énergie. Car la plupart des films qu'on voit sur le sujet sont extrêmement catastrophistes. Ils montrent des situations qui sont dramatiques, et c'est utile de savoir que ça existe. Mais quand on sort de là, on est plutôt écrasé que plein d'énergie et d'envie de changer le monde. C'était notre objectif de rompre avec ça. Et pour l'instant, avec les gens qu'on rencontre dans les salles, ça marche.

EN : Le film est intégré dans le COP 21, la grande conférence sur le climat qui se tient à Paris du 30 novembre au 11 décembre...

CD : C'était le point de départ du film : on avait rencontré Philippe Martin, qui était ministre de l'Ecologie à l'époque, et qui nous avait demandé de faire en sorte que le film soit prêt pour la COP 21 pour que ça participe à mobiliser les gens dans ce contexte. Depuis, Laurent Fabius l'a vu, et on le projette le 1er décembre sur les Champs-Elysées avec une centaine de délégués de la COP qui viennent négocier l'accord, et le 2 décembre au Bourget.

EN : Comment avez-vous collecté toutes les initiatives présentées dans le film ?

CD : C'était mon métier pendant plusieurs années puisque j'ai créé une ONG avec Pierre Rabhi qui s'appelle Colibris, je m'occupe d'une collection chez Actes Sud qui s'appelle le domaine du possible, j'ai créé un magazine qui s'appelle Kaise qui traite de ces sujets-là... Donc le problème a plutôt été de choisir parmi toutes les initiatives qu'on connaissait et qui étaient formidables. On a choisi en essayant d'avoir des choses qui soient à une échelle suffisante pour que ce soit représentatif et que ça puisse convaincre même des gens qui sont sceptiques et qui ne connaissent pas. On voulait aussi que ce soit des gens qui nous ressemblent, pas que ce soit des gens marginaux. On a pris à la fois des élus, des citoyens, des entrepreneurs. On voulait qu'ils soient suffisamment charismatiques pour nous toucher et qu'on ait envie de leur ressembler. C'était un peu comme des héros.

EN : Vous avez un exemple d'initiatives dont vous regrettez de ne pas avoir pu parler ?

CD : Il y a plein de choses... On n'a pas du tout parlé de la santé alors qu'il y a plein de choses formidables qui se font. On a très peu parlé de l'habitat. On avait filmé notamment un éco-quartier formidable en Suède et il y a des éco-villages formidables qui se font un peu partout. Et puis on n'a malheureusement pas pu intégrer tous les gens qu'on a filmés et qui avaient de choses passionnantes à nous dire. Par exemple, on avait interviewé la romancière Nancy Huston qui nous parlait de son livre L'espèce fabulatrice et qui nous expliquait que l'être humain fonctionne en se racontant des histoires et que les histoires sont sans doute la chose la plus puissante pour faire changer notre imaginaire et nous donner envie de construire le monde. Que ça a été comme ça de tout temps et que c'est sans doute pour ça que le cinéma a autant d'impact et que les stars de cinéma sont connues comme des sortes de demi-dieux dans un nouveau panthéon. Parce qu'elles expriment tout ce que nous on voudrait exprimer, dans des histoires qui ont une puissance considérable dans l'imaginaire collectif. Et c'est justement une des raisons pour lesquelles on a fait ce film.

Pour une fois les European Film Awards sont moins nordiques et même moins orientaux. Le cinéma britannique et la production française sont les grands gagnants des nominations 28e European Film Awards, révélées au Festival de Séville ce samedi 7 novembre et qui seront remis à Berlin le 12 décembre.
On notera aussi que le Festival de Cannes reste le grand pourvoyeur de nominations de l'année. Même si la Palme d'or, Dheepan, a été complètement snobée une fois de plus (après avoir été recalé des Oscars).
Côté français, de Vincent Lindon à Mustang (y compris en meilleur film), en passant par La famille Bélier, tout le spectre de la production est représenté. Mais on notera que dans les catégories "reines", avec Moretti et Sorrentino, le cinéma italien marque plus de points. Evidemment, si on prend en compte le financement de tous ces films, la France est omniprésente dans chacune des catégories...
Mais c'est bien le cinéma britannique qui domine la liste cette année, de l'animation au documentaire en passant par les comédiens. The Lobster, prix du jury à Cannes et film le plus nominé aux British Film Independent Awards cette année, truste la plupart des catégories avec quatre nominations, soit une de moins que Youth, qui part favori. On notera, par mauvais esprit évidemment, qu'entre le homard, les béliers, le pigeon et un mustang, l'animal est au coeur de la liste...

Film européen: Un pigeon perché sur une branche..., Mustang, Béliers, The Lobster, Victoria, Youth
Réalisateur: Roy Anderson (Un pigeon perché sur une branche...), Yorgos Lanthimos (The Lobster), Nanni Moretti (Mia Madre), Sebastien Schipper (Victoria), Paolo Sorrentino (Youth), Ma?gorzata Szumowska (Body)
Actrice: Margherita Buy (Mia Madre), Laia Costa (Victoria), Charlotte Rampling (45 Years), Alicia Vikander (Ex-Machina), Rachel Weisz (Youth)
Acteur: Michael Caine (Youth), Tom Courtenay (45 Years), Colin Farrell (The Lobster), Christian Friedel (13 Minutes), Vincent Lindon (La loi du marché)
Comédie: Un pigeon perché sur une branche..., La famille Bélier, Le tout nouveau testament
Animation: Adama, Shaun le mouton, Le chant de la mer
Documentaire: A Syrian Love Story, Amy, Dancing with Maria, The Look of Silence, Toto and his Sisters
Prix Fipresci de la découverte: Summer Downstairs, Goodnight Mommy, Slow West, Mustang, Limbo
Scénariste: Roy Andersson (Un pigeon perché sur une branche...), Andrew Haigh (45 Years), Radu Jude et Florin Lazarescu (Aferim!), Alex Garland (Ex-Machina), Yorgos Lanthimos et Efthimis Filippou (The Lobster), Paolo Sorrentino (Youth)

Le Film français a annoncé deux nouveaux films pour Romain Duris. D'une part, le remake de Chaos, film de 1999 réalisé par Hideo Nakata (Ring, Dark Water), que devrait réaliser Jalil Lespert (Yves Saint Laurent). Duris, Lespert et Charlotte Le Bon formeront le trio vedette de ce film de genre dont le scénario est signé Andrew Bovell (Un homme très recherché). Universal distribuera le film, pour l'instant sans titre, dont le tournage débutera en janvier prochain. Rappelons l'histoire du film originel : Un jeune homme organise l'enlèvement de la femme d'un riche homme d'affaire. Mais la victime est un peu trop consentante et rien ne se passe comme prévu.

Par ailleurs, depuis cette semaine, Romain Duris tourne à Bruxelles La confession, de Nicolas Boukhrief (Made in France, en décembre en salles), adaptation du roman de Béatrix Beck, Prix Goncourt en 1952, Léon Morin, prêtre (qui avait donné lieu au magnifique film de Jean-Pierre Melville avec Jean-Paul Belmondo et Emmanuelle Riva en 1961).  L'histoire est celle d'un prêtre qui arrive dans le sud-ouest de la France en 1945. Une villageoise irrésistiblement attirée par l'homme d'église, va défier son voeu de chasteté. Elle sera interprétée par Marine Vacth (Belles familles).

D'ici là, Romain Duris, vu récemment dans la pièce de théâtre de Marcial Di Fonzo Bo, "Démons", sera de retour sur le grand écran avec le dernier film de Pascal Chaumeil, Un petit boulot, et le film d'Emmanuel Courcol, Cessez-le-feu.

Absent des grands écrans depuis le troisième Kirikou, Kirikou et les Hommes et les Femmes, sorti en 2012, Michel Ocelot lance son septième long métrage d'animation, Dilili à Paris. ARTE France Cinéma, déjà coproducteur d'Avril et le monde truqué actuellement en salles, a officialisé son soutien au film mercredi. Dilili à Paris est coproduit par Nord-Ouest films et Studio O, et bénéficie également d'une aide de la région Ile-de-France (à hauteur de 488 000 €)

Le film ne devrait pas sortir avant 2017/2018. Mais le réalisateur a dévoilé le sujet: "Dilili est une petite métis venue de Nouvelle-Calédonie, découvrant le Paris de la Belle Epoque. Les Parisiens l’ont observée pendant des mois dans un village kanak reconstitué, elle décide d’observer à son tour les Parisiens… Il y a surtout un mystère à résoudre : l’enlèvement de petites filles... Un jeune livreur en triporteur, connaissant Paris comme sa poche, accompagne la jeune Dilili parmi des hommes et des femmes fascinants, qui donnent informations, indices et idées aux jeunes héros. Ceux-ci découvriront une secte ténébreuse, et lutteront pour une vie active dans la lumière et le vivre-ensemble…"

La 16e édition du Arras Film Festival s'est ouverte avec un premier film envoûtant, Le grand jeu de Nicolas Pariser, qui s'avère la grande révélation de cet automne, présenté à Locarno dans la section "Cinéaste du présent" et sélectionné également au Festival international du Film de la Roche-sur-Yon, au Poitiers Film Festival (ouverture) et au Festival des Arcs.

Thriller politique qui prend le temps, Le grand jeu raconte la rencontre en apparence fortuite entre Pierre Blum (Melvil Poupaud), ancien écrivain prometteur désormais complètement désœuvré, et Joseph Paskin (André Dussollier), un homme mystérieux qui "rend des services" à des hommes importants et évolue dans les hautes sphères du pouvoir. Leur collaboration replonge Pierre dans son passé de militant gauchiste et met surtout sa vie à la fois en danger et en perspective.

C'est rien de dire qu'on a été totalement bluffé par la maîtrise formelle du film qui prend le contre-pied des tics propres aux films de genre contemporains. Ses scènes sont longues, parfois statiques, toujours très écrites, mais jamais ennuyeuses ou poussives. L'action se niche plus au cœur des dialogues (presque toujours savoureux) et des ellipses entre deux séquences qu'à l'écran, et pourtant la tension est communicative. Les personnages existent tous, même les seconds rôles, et tiennent le récit, malgré leur fonction parfois un peu archétypale. On est face à un film certes exigeant, mais éminemment romanesque, et très brillamment ancré dans son époque.

Nicolas Pariser esquisse en effet le portrait d'une époque où le cynisme semble avoir contaminé tous les camps : cynisme envers le monde politique, cynisme envers les idéologies gauchistes qui rêvent de changer le monde, cynisme envers les valeurs démocratiques... L'écrivain est blasé et revenu de tout, dégoûté par le succès rencontré dans sa jeunesse comme par l'échec qui lui a succédé. Le conseiller occulte ne croit plus en rien, à part en sa propre capacité de nuisance. La clef du film est sans doute dans les premières scènes du film, lorsqu'il avoue être joueur. Un joueur qui ne sait pas s'arrêter...

Il y a aussi le constat d'un monde qui a profondément changé, entre les trois générations de militants de gauche : celle de mai 68 qui croyait en l'action politique, celle des années 90 qui n'a pas réussi à produire quoi que ce soit, et celle d'aujourd'hui qui est persuadée que le système s'est déjà effondré et qu'il n'y a juste plus besoin de s'en préoccuper. Comme l'explique le réalisateur, on est après la perte de l'innocence, lorsque toutes les illusions ont été perdues et qu'il faut retrousser ses manches pour continuer à avancer malgré tout.

"Politiquement, il ne reste pas grand chose de la décennie de nos 20 ans..."

Quelques heures avant la présentation du film devant une salle archi-comble, à l'issue de la traditionnelle soirée d'ouverture qui a donné le ton de cette 16e édition, Nicolas Pariser est revenu sur cet aspect très personnel de son film.

Ecran Noir : Qu'est-ce qu'y est venu au départ ? L'envie de faire un film de genre, ou celle de parler de notre époque... à travers un film de genre ?

Nicolas Pariser : Bonne question ! Je ne dirais pas que la question du film de genre se soit posée en premier parce que ce qui est venu en premier c'est plutôt le rapport du film à la littérature. C'est-à-dire d'abord au roman de Conrad Sous les yeux de l'occident puis aussi à certains romans de Balzac, voire d'Alexandre Dumas. S'il y a une référence directe, ce n'est pas le cinéma de genre, ce n'est pas le cinéma d'espionnage, c'est plutôt mon rapport à la littérature. Et ensuite, le cinéma de genre est venu plutôt au moment de l'écriture précise des scènes, du scénario, où là j'ai revu des années 70 de type Conversation secrète, A cause d'un assassinat, Les hommes du président... Ce type de films. Très vite, avant l'écriture du scénario, j'ai eu envie de profiter d'un récit un peu policier pour parler effectivement des gens de ma génération, en gros des gens qui ont eu vingt ans dans les années 90. Il y a dans le film un aspect important qui est l'aspect générationnel, et le fait de parler des années 2010.

EN : Avec un constat un peu amer...

NP : Le constat est un peu désabusé sur un point qui est l'empreinte que la génération des gens qui ont 40 ans aujourd'hui a laissé dans sa jeunesse. Qu'est-ce qui reste aujourd'hui de la décennie où on a eu vingt ans ? L'impression que j'ai c'est que politiquement, il n'en reste pas grand chose. On ne peut pas se référer à nos 20 ans en se disant on a vécu quelque chose de commun quand tous les autres ont eu 20 ans. Dans les années 60, il y a à la fois une culture populaire commune à tous (le rock, les Beatles, même Johnny Haliday) et puis il y avait la politique. Un rapport des gens à la gauche. Mai 68... Nous, dans les années 90, on a l'impression qu'il y avait eu un engagement mais qui s'est complétement délitté et dont il ne reste rien. Même d'un point de vue de références communes, c'est très compliqué. Il y a comme une sorte de trou noir. On a eu 18 ans, on est sorti de l'école, et bim, on a 40 ans, et entre, on a vécu une vie privée, par contre en terme de rapport à l'époque, en terme d'histoire, rien.

EN : Dans le film, c'est mis en perspective avec la génération de 68 et celle de maintenant.

NP : On est un peu un entre-deux. Evidemment, les gens qui ont fait mai 68 ont une espèce de jeunesse mythologique gravée dans le marbre. Aujourd'hui, il y a un engagement nouveau possible. Pour ma génération, si on me demandait ce qu'était l'altermondialisme dans les années 90 et ce qui est en reste 20 ans plus tard, je serais incapable de le dire. Par contre, je pourrais parler de ce qui se passe aujourd'hui et de ce qui s'est passé en mai 68, mais de mes 20 ans, c'est très difficile. Après c'est très personnel. Peut-être que personne ne le partage, mais c'était un des constats que je voulais faire dans le film, même si ce n'est pas le sujet du film. C'est un film d'espionnage, un film d'amour...

EN : Vous dites quelque chose de très juste dans le dossier de presse du film... Vous dites : "Ce n'est pas un film sur des gens qui n'y croient plus, c'est un film sur l'étape d'après."
NP : Oui, en fait, les sujets classiques c'est l'idéaliste qui se retrouve confronté au réel et qui a une descente, voilà, sauf que là, elle arrive très vite, très tôt, chez des gens qui ont 40 ans. Qu'es-ce qu'on fait à 40 ans quand on a dépassé le moment où on a perdu ses illusions ? Qu'est-ce qu'on peut construire sur ces décombres-là ? Je pense que le sujet intéressant c'est qu'est-ce qu'on fait quand on a perdu ses illusions, et pas la perte des illusions.

Crédit photo : Jovani Vasseur pour l'Arras Film Festival

Alors que le docu Amy d'Asif Kapadia, présenté à Cannes en mai dernier, est le favori pour l'Oscar du meilleur documentaire en février, Lotus Entertainment a lancé les ventes internationales à l'American Film Market d'un biopic sur la chanteuse Amy Winehouse, décédée en 2011.

Noomi Rapace (Millenium, Prometheus) est en discussion pour incarner la star. Kirsten Sheridan, fille du réalisateur Jim Sheridan, a écrit le scénario et réalisera le film. Le parcours fulgurent de Amy Winehouse ne pouvait qu'inspirer le cinéma, avide en vies réelles dramatiques. La diva rock a déjà fait l'objet de nombreux livres.

Entre succès mondial ("Back to Black", 2007, 11 millions d'exemplaires), gloire (6 Grammy Awards), tournées et concerts (parfois annulés) et plongée dans l'enfer de l'alcool (une overdose la tuera un soir de juillet), Amy Winehouse a une vie fascinante, achevée à 27 ans comme Brian Jones, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison et Kurt Cobain.

Rapace doit incarner une autre chanteuse d'ici là: Maria Callas dans Callas de Niki Caro. Le film sera l'adaptation de la biographie d'Alfonso Signorini, Maria Callas, fière et fragile. Il se concentre sur la relation passionnelle entre la cantatrice et le milliardaire grec Aristotle Onassis. Callas est morte en 1977 à l'âge de 53 ans.

Les Fauvettes a eu quelques mois de retard. Mais cette fois-ci c'est la bonne. Le cinéma parisien exploité par Gaumont Pathé ouvre aujourd'hui, vendredi 6 novembre.

Avec 5 salles (641 fauteuils) entièrement dédiées aux films restaurés et un bar dans un patio végétal, le complexe remplace l'ancien Gaumont Gobelins (XIIIe arrondissement) à quelques pas de la nouvelle Fondation Pathé. Deux façades numériques animées, sur lesquelles défileront des images de films pixellisées, marquent sa présence sur l'avenue parisienne.

Les Fauvettes n'a rien à voir avec une cinémathèque et ne projettera pas uniquement des films du catalogue Pathé. C'est un lieu de rendez-vous "amoureux" entre les cinéphiles et le cinéma classique ou populaire, en version originale, restauré numériquement. Le concept est unique au monde selon Jérôme Seydoux, co-président de Pathé.
Les copies restaurées attirent de plus en plus de spectateurs dans les salles mais aussi dans les Festivals (certains y consacrent même des sections). C'est une manière d'accompagner une sortie DVD/Blu-Ray lorsqu'un classique a bénéficié du lifting numérique. Là il s'agira d'aller voir ou revoir un film dans des conditions optimales.

Et le programme s'annonce éclectique: la trilogie Retour vers le futur, Top Gun en 3D, Casino, Blade Runner (final cut), Le conformiste, un cycle Toy Story pour amorcer une rétrospective intégrale de Pixar, Le Corniaud, avec Danièle Thompson en invitée spéciale, Jusqu'au bout du monde, avec son réalisateur Wim Wenders ou The Blues Brothers en présence de John Landis. On pourra aussi voir les premiers films de Wong Kar Wai en version restaurée (Chungking Express, Les anges déchus, Happy Together, Nos années sauvages) et même Skyfall!

A l'origine, en 1900, La Fauvette est une salle de bal puis un café-concert où l'on diffuse des films, comme Le Voyage dans la Lune de Méliès. Il faut attendre 1937 pour que le lieu devienne un cinéma de 1000 laces, avec balcon. En 1972, La Fauvette et le Ciné-Théâtre des Gobelins fusionnent. Dans les années 80, on ajoute deux salles, puis on divise la grande salle en 3. Et finalement ce cinéma de 5 salles change de nom en 1992. Le Gaumont Gobelins est né. Jusqu'à aujourd'hui, où Les Fauvettes va retrouver son enseigne et se met au pluriel.

Melissa Mathison est morte mercredi 4 novembre, à l'âge de 65 ans. Connue surtout pour avoir été la scénariste de E.T. L'extra-terrestre, qu'elle avait écrit en deux mois, Melissa Mathison était aussi l'auteure des scripts de L'étalon noir (1979), L'Indien du placard (1995) et Kundun de Martin Scorsese (1997), qu'elle avait également co-produit. Elle venait de refaire équipe avec Steven Spielberg en signant le scénario de son prochain film, Le Bon Gros Géant (The BFG), d'après le roman de Roald Dahl, qui sera en salles en juillet 2016.

Outre son métier de scénariste, Melissa Mathison avait travaillé comme assistante de production sur Le Parrain II et Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. De 1983 à 2004, elle avait été l'épouse d'Harrison Ford. Ils ont eu deux enfants.

La Pagode est menacée. Ce n'est pas rien. Ce cinéma historique art et essai situé dans le VIIe arrondissement de Paris, pas très loin des Invalides (le seul dans ce quartier huppé de la capitale) va fermer mardi 10 novembre.

Certes, le cinéma ne dispose que de deux salles (392 fauteuils) mais il attirait bon an mal an entre 100 000 et 13 000 spectateurs avec des films de distributeurs indépendants et quelques festivals. Et au-delà de son activité cinématographique, le bâtiment exotique est unique dans Paris. Edifié en 1895, cette architecture inspirée d'un sanctuaire japonais est à elle seule un centre d'intérêt. Le cinéma, sans doute l'un des plus beaux du monde, est devenu grand public en 1931, après des décennies d'exploitation privative. Il a été exploité par la Gaumont avant qu'Etoile Cinéma ne le reprenne en 2000, après deux ans de fermeture.

Malheureusement, une décision de justice a ordonné au gérant des lieux de quitter son cinéma. David Henoschsberg, P-DG d'Etoile Cinémas (Saint-Germain, Blazac, Lilas à Paris mais aussi Cosmos à Chelles et Palace à Vichy), a annoncé la mauvaise nouvelle dans un communiqué hier.

"Nous nous sommes battus juridiquement pendant 3 ans contre la propriétaire qui souhaitait récupérer le cinéma. La décision est tombée le vendredi 30 octobre en appel, et elle nous est défavorable. Cette longue procédure nous a contraint à exploiter la Pagode dans des conditions très difficiles, nous empêchant toute rénovation. Cependant 130 000 spectateurs passaient les portes tous les ans de ce cinéma emblématique. Nous sommes donc expulsés, et dans l'obligation de quitter les lieux. Nous fermerons nos portes le mardi 10 novembre au soir" explique-t-il.

Trois ans de procédure

Propriétaire du cinéma depuis 1986, Elisabeth Dauchy souhaitait depuis trois ans récupérer le lieu, dans un arrondissement où le prix du mètre carré est en moyenne à 11000$. De quoi faire une belle plus-value immobilière pour cette "mécène" qui n'a pas, selon elle, augmentée le loyer depuis 1993. David Henochsberg a donc reçu une notification qui mettait fin à leur contrat de location-gérance et une lettre le contraignant à abandonner le cinéma. En réponse, il lance une procédure auprès du Tribunal de commerce, qu'il perd. Il fait appel. Mais le 30 octobre dernier, il perd de nouveau. Il restait un pourvoi en cassation. Dans Le Film Français, il explique pourquoi il arrête la procédure judiciaire maintenant, en n'utilisant pas son dernier recours: "nous avons décidé de ne pas le faire, et ce pour deux raisons, poursuit David Henochsberg. D'abord, le pourvoi en cassation n'est pas suspensif. Ensuite, cela prendrait encore plus de temps, alors que La Pagode a besoin d'être rapidement réhabilitée."

Reste que personne ne sait ce qu'il adviendra du cinéma La Pagode. S'il reste un cinéma. Sur Twitter, #SauvonsLaPagode est né immédiatement après l'annonce de la fermeture par Etoile Cinemas. Elle est pour l'instant peu relayée. Espérons que le projet de restauration verra le jour et qu'un autre exploitant prendra le relais prochainement. Il serait triste de voir un cinéma aussi emblématique disparaître.

Dernier créneau avant la sortie des mastodontes (007, Katniss, Arlo, Han Solo...). L'occasion pour les films d'auteur de profiter cette semaine de l'absence de blockbusters. A commencer par Le Fils de Saul, premier film ayant reçu le Grand Prix au dernier Festival de Cannes.

En filmant le quotidien d'un Sonderkommando, ces prisonniers juifs qui devaient aider les Allemands à génocider juifs, homos, communistes, handicapés et roms, Laszlo Nemes a opté pour un sujet tabou: la représentation de la Shoah au cinéma. Adoubé par le gardien du temple, Claude Lanzmann, Le fils de Saul est devenu "ce qu'il faut faire pour filmer les chambres à gaz et les camps de concentration". On ne contestera pas, de notre côté, la force, l'intensité du film. Emotions intenses, formalisme juste, cette expérience aussi bien sensorielle que philosophique est à voir. Quitte à être choqué. Mais au moins, une fois vu, on peut débattre du film et de cette proposition cinématographique.

Car Lanzmann ou pas, on peut, on doit débattre. Il ne s'agit pas de comparer Le Fils de Saul avec d'autres films sur le sujet (La Liste Schindler, La vie est belle, Bent...) mais bien de comprendre pourquoi Le Fils de Saul serait plus légitime, plus juste que les autres alors qu'il s'agit d'une fiction, donc d'une manipulation du réel, à l'inverse de Shoah, documentaire. On le voit, cet épisode de l'histoire remue encore et continue d'être un tabou.

Ne serait-ce que pour l'avoir transgressé lui aussi, au plus près, et pour réveiller nos mémoires, assoupies, on peut au moins remercier Laszlo Nemes de ne pas avoir eu peur d'affronter ce moloch du 7e art, ce monstre de l'Histoire.