Du 30 mai au 1^er juin, les amateurs d'Art avaient rendez-vous à Fontainebleau pour assister à la 4e édition du Festival de l’Histoire de l’Art. Cette manifestation maintenant bien installée est encouragée par notamment par le CNC, l’Institut National de l’Histoire de l’Art et l’Institut national du Patrimoine.

« Le Festival de l’histoire de l’art favorise la rencontre du public avec tous ceux qui font l’histoire de l’art, conservateurs et restaurateurs, collectionneurs, artistes et marchands, enseignants-chercheurs et professeurs de l’Éducation nationale engagés dans l’éducation artistique et culturelle, éditeurs et libraires. Il veut donner le goût de voir, des clefs pour comprendre, aiguiser le regard devant des œuvres, des plus anciennes aux plus contemporaines. Conçu comme un événement résolument interdisciplinaire, le Festival propose, à Fontainebleau, dans la ville et dans cet extraordinaire château qui est à lui seul une encyclopédie de l’histoire de l’art européenne, trois grands rendez-vous : le Forum de l’actualité du monde des arts ; le Salon du livre et de la revue d’art ; et le festival Art & Caméra consacré aux films et à l’art. » Cela représente plus de 300 événements (conférences, débats, concerts, lectures, visites guidées…) pendant 3 jours, avec quantité de projections de films.

Cette édition 2014 du festival Art & Caméra proposait comme thématique particulière "les Collections "(pourquoi, comment, pour qui…) ainsi qu'un hommage aux cinéastes suisses (le pays invité) du Groupe 5 (mouvement de la Nouvelle Vague suisse réunissant les cinéastes Alain Tanner, Claude Goretta, Michel Soutter, Jean-Louis Roy et Jean-Jacques Lagrange).

Ainsi des films comme Les glaneurs et la glaneuse d'Agnès Varda, Le Voyeur de Michael Powell, Dernière séance de Laurent Achard, Poussières d’Amérique d'Arnaud des Pallières, Lisa et le Diable de Mario Brava, L’obsédé de William Wyler ou encore La Collectionneuse d'Eric Rohmer ont mis en lumière des collectionneurs hors-norme qui dérangent la société.

Plusieurs cinéastes avaient fait le déplacement : Arnaud des Pallières pour une rencontre avec le public (et pour son court Diane Wellington), le suisse Lionel Baier pour accompagner son film Un autre homme, Albert Serra pour Histoire de ma mort, le réalisateur de Zoo Zero Alain Fleischer pour joeur le rôle de président du jury Art & Caméra.

Plusieurs tables-rondes ont également animé ces trois jours de festival, comme "les musées au cinéma" pour évoquer leur influence réciproque : des films deviennent sujets d’expositions (par exemple Tim Burton, Jacques Demy, Star Wars Identities…) tandis que des productions d’art contemporain, notamment des installations vidéo, interrogent le cinéma (par exemple la performance de Tsai Ming-Liang à Bruxelles).

Par ailleurs, Art & Caméra intègre aussi des courts métrages, pour lesquels un jury de lycéens avait pour mission de remettre un Prix Jeune Critique. Le lauréat de l’année dernière Stéphane Demoustier (pour Fille du Calvaire) était à nouveau à l'honneur cette année avec une séance spéciale de ses autres courts : Dans la jungle des villes, Des nœuds dans la tête (avec Anaïs Demoustier et Grégoire Leprince-Ringuet) et Bad Gones.

Stéphane Demoustier en est le réalisateur et scénariste mais aussi le producteur via la société Année Zéro, une structure de production qui après quantités de courts métrages remarqués dans de nombreux festivals (comme Le Naufragé et Un monde sans femme de Guillaume Brac) développe aussi des longs métrages : Stéphane Demoustier va ainsi bientôt sortir son film Terre battue avec Olivier Gourmet, Valeria Bruni Tedeschi, et Cécile Ducrocq. Cette dernière, dont le dernier court La Contre-allée a été remarqué à la Semaine de la Critique à Cannes (prix Petit Rail d'Or), prépare d'ailleurs elle-aussi son film Avance-rapide... Qui sait, peut-être retrouvera-t-on ces jeunes cinéastes à Fontainebleau l'an prochain ?

Quoi qu'il en soit, rendez-vous en mai 2015 pour la 5e édition du Festival qui s'articulera autour des Pays-Bas et de l'(Im)matériel.

Cette affiche a choqué la MPAA (Motion Picture Association of America). On pourrait croire qu'une jeune femme tenant une arme à feu, ce n'est pas tout public. Mais pas du tout. Ce qui choque l'organisme chargé de classifier (censurer parfois) les films aux Etats-Unis, c'est le décolleté d'Eva Green sur ce poster promotionnel de Sin City : J'ai tué pour elle, qui sort en France le 17 septembre (et aux USA le 22 août).

L'érotisme de la posture de l'actrice et sa tenue quasi transparente ont choqué la puritaine MPAA : la lumière révèle trop le sein droit et le téton du sein gauche est bien trop visible.

La MPAA a donc interdit l'affiche en raison de sa «nudité, de la courbe de la poitrine, ainsi que du téton et de son aréole visibles à travers la robe transparente» selon le site Page Six.

Comme le disait Eva Green il y a dix ans à propos des coupes exigées par la même MPAA pour son film The Dreamers de Bernardo Bertolucci (elle y jouait nue dans de nombreuses scènes) : «C’est assez paradoxal, car aux Etats-Unis, il y a tellement de violence, à la fois dans les rues et sur l’écran. Ils n’y trouvent rien à redire. Pourtant je pense qu’ils ont peur du sexe.»

Il faudrait peut-être rappeler qu'une décision de justice du 7 juillet 1992 dans l'Etat de New York a reconnu le droit aux femmes de se promener seins nus dans la ville, au nom de l'égalité. Imaginons un instant Joseph Gordon-Levitt, à l'affiche également de cette suite de Sin City, torse nu, ça n'aurait choqué personne. Bon en même temps, on sait bien que les gens du marketing de Dimension films ciblent un public masculin. Et on en est toujours là : une femme, un flingue, des seins, c'est quasiment une sainte-trinité pour allécher le jeune mâle. Il manque juste la voiture de course...

Mais on reste toujours stupéfait devant tant d'hypocrisie face à un (très beau) corps féminin. Bande de Tartuffe!

Il restera dans les mémoires de festivalier cannois ce discours. Xavier Dolan, à fleur de peau, proche des larmes, l'émotion palpable, a volé la vedette à tous les primés samedi dernier. Prix du jury ex-aequo avec Godard, le benjamin de la compétition du 67e festival de Cannes a livré un discours parfait, touchant, sincère... et viral : la Toile s'est enflammée. Mommy a largement battu Winter Sleep côté twitter. La Palme du coeur plutôt que la Palme d'or.

Voici le "speech" du jeune québécois.

"Je suis désolé je suis très nerveux et ému, donc je vais dire ceci au mieux de ma capacité. L'émotion qui me gagne en contemplant cette salle mythique est bouleversante. Je suis éperdu de gratitude devant la reconnaissance de votre jury, la quantité d’amour aussi qu’on a reçu au cours de la dernière semaine me fait réaliser que c'est vrai : on fait ce métier pour aimer et être aimé en retour. C’est la revanche de nos amours imaginaires. Je vais aller très rapidement. Je voudrais remercier Nancy Grant, ma productrice, Patrick Roy, les Karmitz, les gens chez Diaphana, tout le monde chez E One.
Quel bonheur de travailler avec vous, de me sentir compris malgré mes défauts et mes doutes.

Merci à Thierry Frémaux d’avoir cru en mes films, et surtout d'avoir cru en moi de m'avoir porté de m'avoir confronté, de m'avoir protégé. Merci à Christian Jeune pour son amitié et sa complicité.

Merci à Anne Dorval, à Suzanne Clément, et Antoine-Olivier Pilon, vous êtes des acteurs, mais surtout des créateurs, je vous admire je vous aime.

Je voudrais remercier ma famille mes amis pour leur écoute leur amour. Je suis sûr que j'oublie tellement d'alliés. Je veux profiter de cette tribune pour m’adresser à ma génération et à Jane Campion. En anglais. Le français c'est ma langue première, la plus belle langue au monde pour moi, c'est vrai. Mais je veux que tout le monde m’entende.

Tout est possible à qui rêve, ose, travaille et n'abandonne jamais.

D'aussi loin que je me souvienne, La leçon de piano est le premier film que j’ai pu voir quand j'ai demandé à ma belle-mère "Quel film puis-je voir ?". Elle m'a dit La Leçon de piano. C'est un film qui a défini ma vie, ma carrière. Peu de films m'ont autant déterminé que La leçon de piano. Et me retrouvez face à vous, sur une scène... Vous avez écrit des rôles pour des femmes magnifiques, avec de la volonté et une âme... Je n'ai pas terminé...  Des femmes avec une âme, de la volonté et de la force. Pas des victimes, pas des objets. Et je serai très bref. Il me reste quelques noms.

Une note pour les gens de mon âge, les jeunes de ma génération. Ce sont les notes des dernières années dans ce monde de fous. Malgré les gens qui s'attachent à leurs gouts et n'aiment pas ce que vous faites, mais restez fidèles à ce que vous êtes.

Accrochons nous à nos rêves, car nous pouvons changer le monde par nos rêves, nous pouvons faire rire les gens, les faire pleurer. Nous pouvons changer leurs idées, leurs esprits. Et en changeant leurs esprits nous pouvons changer le monde.

Ce ne sont pas que les hommes politiques et les scientifiques qui peuvent changer le monde, mais aussi les artistes. Ils le font depuis toujours. Il n'y a pas de limite à notre ambition à part celles que nous nous donnons et celles que les autres nous donnent. En bref, je pense que tout est possible à qui rêve, ose, travaille et n'abandonne jamais. Et puisse ce prix en être la preuve la plus rayonnante".

Le discours en vidéo

L'acteur autrichien Karlheinz Böhm est décédé à Salzbourg des suites d'une longue maladie jeudi 29 mai à l'âge de 86 ans, selon son ONG "Menschen für Menschen".

Böhm est mondialement connu pour avoir été le partenaire de Romy Schneider dans la trilogie Sissi (1955-1957), où il incarnait l'Empereur François-Joseph d'Autriche. Schneider l'appelait Oncle Karl sur le tournage alors qu'il n'avait que dix ans d'écart.

Né en 1928 dans la ville allemande de Darmstadt d'une mère chanteuse d'opéra et d'un père chef d'orchestre mondialement connu, Karlheinz Böhm est d'abord un acteur réputé pour ses « Heimatfilme », films sirupeux et sentimentaux, où il joue les gendres parfaits, séduisants, élégants et courtois.

Tournant simultanément pour les télévisions allemandes et autrichiennes et dans des coproductions internationales, on le voit aussi aux côtés d'Anouk Aimée dans Nina (1956), Rififi à Tokyo de Jacques Deray (1963), Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse de Vincente Minelli, avec Glenn Ford (1962). Mais c'est avec Le voyeur (Peeping Tom), de Michael Powell (1960), qu'il change réellement de registre. Dans ce "snuff-movie", il y est un jeune homme énigmatique et solitaire, passionné d'image jusqu'à l'obsession.

Dans les années 70, il entre dans l'univers de Rainer Werner Fassbinder avec Effi Briest (1974). L'année suivante, il enchaîne avec Le droit du plus fort et Maman Küsters s'en va au ciel, qui sera son dernier long métrage de cinéma.

Suite à un voyage dans les années 1970 en Afrique qui l'a marqué, Karlheinz Böhm créé l'association "Menschen für Menschen" en 1981. Il avait lancé sa campagne dans une émission populaire du petit écran en interpellant le public : "Je parie qu'il n'y a pas un tiers des téléspectateurs qui feraient don d'un Schilling, d'un Deutsch Mark ou d'un Franc suisse pour venir en aide aux populations du Sahel". Il récolte 1,2 million de Deutsch Mark puis quitte le monde du cinéma et de la télévision, abandonnant son métier d'acteur, en 1983 pour se consacrer à son association, qu'il dirige jusqu'en 2011.

Il se définissait comme citoyen du monde, avait été fait citoyen d'honneur par l'Ethiopie. Grand chevalier de l'ordre du Mérite de la République fédérale d'Allemagne en 2001, Prix Balzan pour l'humanité, paix et fraternité entre les peuples en 2007, Böhm a connu 4 mariages, dont il a eu 7 enfants, dont Sissi, l'aînée de la fratrie, née en 1955.

"T'es pas fragile toi t'es une berbère des montagnes!"

Adapté d'une pièce de théâtre à succès qui se joue depuis quatre ans, Amour sur place et à emporter réussit sa transposition sur le grand écran. Le synopsis a l'air vu et revu, et pourtant ça fonctionne. Une love story parisienne touchante mais plus compliquée que banale, puisqu'elle est arabe et lui noir. Beaucoup de clichés sont présents (peut-être trop). Mais le choc des cultures et les stéréotypes de la société qui jouent sur leur relation, par exemple, ressortent avec férocité pour mieux dénoncer les amalgames présents chez l'être humain.

Si vous avez vu la pièce, vous ne nagerez pas en eau inconnue car vous retrouverez les deux protagonistes sortis du Jamel Comedy Club, Amelle Chahbi et Noom Diawara. Cette fois, ils ne sont pas seuls à nous faire rire (aux éclats): il y a aussi leurs familles, leurs amis. Mention spéciale malgré tout à Amelle Chahbi, qui est aussi la coréalisatrice de la comédie aux côtés de Tristan Aurouet. Elle renvoie sans problème cette image du couple qui peut s'aimer malgré les différences, maîtrise à la perfection ce sujet et sait comme personne briser les clichés en passant par la moqueries de ces derniers. En tant que comédienne, elle est une révélation qu'on devrait vite revoir sur le grand écran.

De son côté, Noom Diawara, l'un des gendres du phénoménal hit Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu? (c'est le dernier arrivant dans la famille) devrait lui aussi recevoir de nombreux scénarios. Loin du jeu théâtral qui l'a fait connaître, il s'avère parfait pour donner un peu de fraîcheur dans la comédie française.

Bien sûr cet humour générationnel, ses blagues tendance ne suffisent pas à combler quelques relâchements, à donner plus de consistance qu'à la pièce. Car, c'est le principal problème du film : un manque de rythme. C'est d'autant plus cruel qu'il s'agit quand même d'une comédie romantique, construite comme une sitcom, avec des punch-lines de stand-up.

Pour le reste, Amour sur place ou à emporter a sensiblement la même approche que le bon Dieu. Les deux films font passer le même message d'amour et de tolérance, tente une fois de plus de montrer que le "vivre ensemble" n'est pas qu'une utopie et que l'intégration n'est pas un mythe. Par les temps qui court, ce genre de message n'est pas inutile.

Le SK Film Archives et le Museum of the City of New York ont mis en ligne, à disposition plus de 15 400 photos de Stanley Kubrick.

L'ensemble de l'oeuvre photographique de Stanley Kubrick, qui fut photographe avant de devenir le cinéaste légendaire que l'on connaît, propose des portraits de new-yorkais et des scènes de la vie quotidienne.

Avec son Graflex, acheté par son père pour son treizième anniversaire, il a photographié le monde qui l'entourait. A 16 ans, le magazine Look lui achète pour 25 dollars le cliché d’un vendeur de journaux, abattu de tristesse, alors que les titres annoncent la mort du président Franklin D. Roosevelt. En 1949, il réalise une série de 175 instantanés de Montgomery Clift, pas encore star mais déjà "sex-symbol". L'acteur de 28 ans apparaît au naturel, dans son appartement, les yeux fixant rarement l'objectif.

Car plus intéressant dans cette somme de clichés est bien l'évolution du regard de Kubrick, de plus en plus froid malgré le chaos qui cerne toutes les situations, de moins en moins frontal avec des gens qui fuient l'appareil photo.
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Lire aussi : L'exposition Stanley Kubrick à la Cinémathèque française

Le jury des critiques internationaux (Fipresci) présents au 67e Festival de Cannes a rendu son verdict vendredi dernier.

En compétition, la Palme d'or Sommeil d'hiver de Nuri Bilge Ceylan a été plébiscitée. À Un certain regard, c'est Jauja de Lisandro Alonso qui a séduit. Pour les sélections parallèles - Quinzaine des réalisateurs et Semaine de la critique - Les combattants de Thomas Cailley a remporté leurs suffrages.

De leur côté, les autres membres de la Fipresci présents à Cannes avaient la possibilité de noter les films tout au long du Festival. Si l'on regarde le tableau précis des votes on constate que les goûts des critiques "lambda" sont relativement proches de ceux des jurés. Avec 4,00 de moyenne, le film de Nuri Bilge Ceylan domine de peu Mommy de Xavier Dolan (3,94), Leviathan d'Andrey Zvyagintsev (3,79) et Mr. Turner de Mike Leigh (3,61). Trois films ont été rejetés avec une note inférieure à la moyenne : Captives d'Atom Egoyan (1,65), The Search de Michel Hazanavicius (1,88) et Saint Laurent de Bertrand Bonello (2,06).

Côté Un Certain Regard, la meilleure moyenne (4,40) revient en revanche à White God de Kornél Mundruczó, qui d'ailleurs à reçu le Prix du meilleur film dans cette sélection. Jauja, qui a empoché le prix de la Fipresci, n’atteint que 3,38. Trois autres films - Force majeure (Turist), Amour fou et Le sel de la terre - tutoyaient les scores du gagnant. C'est là toute la différence entre une distinction purement chiffrée et de vraies délibérations.

A noter malgré tout que le vainqueur des sélections parallèles remporte à la fois la meilleure note dans le tableau des critiques et le prix décerné par le jury Fipresci. Là encore, la profession se retrouve.

Toutefois, au-delà de ces constatations, on remarque surtout que les journalistes accrédités sont loin de voir tous les films, y compris en compétition. Un comble.

La Galerie Gradiva de Thomas Bompard, qui est inaugurée aujourd'hui au 9 quai Voltaire à Paris, a invité Leos Carax pour son ouverture.
Ce nouveau lieu transversal qui présente des pièces majeures de la peinture, de la sculpture, des objets d’art, des livres anciens et des manuscrits, a demandé au réalisateur de Holy Motors de créer quelques minutes de cinéma autour de la sculpture Le Penseur de Rodin.

« Carax est le plus grand poète français vivant. Il ne se passe pas un soir où, en traversant la Seine par le pont du Carrousel, je ne pense pas aux plans magiques des Amants du Pont-Neuf. Je lui ai demandé de filmer le Penseur. Et il a pensé que c’était une bonne idée », raconte le galeriste.

Éclairé par Caroline Champetier, la directrice de la photographie de Holy Motors, ce court métrage, écrit et réalisé par Carax lui-même, sera projeté en avant-première le soir du vernissage, ce 27 mai, à la tombée de la nuit.
Il sera ensuite diffusé sur le site internet de la galerie et les réseaux sociaux.

18 films en compétition au 67e Festival de Cannes. 4 sont actuellement dans les salles françaises. 2 n'ont pas trouvé leur créneau de sortie, et pas des moindres puisque ce sont deux des films préférés de la critique comme du public cannois. Mais a priori, d'ici la fin de l'année, hormis un film, les spectateurs pourront découvrir toute la compétition cannoise au cinéma. Sans oublier que de nombreux films parcourront des festivals de cinéma dans toute la France. (MàJ 3 juin 2014)

Déja en salles:

- The Homesman, de Tommy Lee Jones

- Maps to the stars, de David Cronenberg - prix d'interprétation féminine pour Julianne Moore

- Deux jours, une nuit, de Jean-Pierre et Luc Dardenne

- Adieu au langage, de Jean-Luc Godard (sortie nationale le 28 mai) - prix du jury

A venir :

- 2 juillet: Jimmy's Hall, de Ken Loach

- 13 août: Sommeil d'hiver, de Nuri Bilge Ceylan - Palme d'or

- 20 août: Sils Maria, de Olivier Assayas

- 17 septembre: Les nouveaux sauvages, de Damian Szifron et Still the water, de Naomi Kawase

- 24 septembre: Leviathan, de Andreï Zviaguintsev - prix du scénario

- 1er octobre: Saint Laurent, de Bertrand Bonello et Captives, d'Atom Egoyan

- 8 octobre: Les Merveilles, d'Alice Rohrwacher - Grand prix du jury

- 26 novembre: The Search, de Michel Hazanavicius

- novembre: Foxcatcher, de Bennett Miller - prix de la mise en scène

- 3 décembre: Mr. Turner, de Mike Leigh - prix d'interprétation masculine pour Timothy Spall

Date de sortie non connue:

- Timbuktu, d'Abderrahmane Sissako

- Mommy, de Xavier Dolan - prix du jury

Cher Gilles Jacob,

Voilà, c'est fini. Cette 67e édition du Festival de Cannes se referme (déjà) sur une multitude d'impressions, d'images et d'émotions. Nous avons vécu tant d'histoires pendant ces dix jours. Tant de destins, de coups du sort, d'émerveillement et de drames. De quoi nous accompagner longuement sur nos chemins respectifs.

Et que dire alors des presque 40 ans que vous avez passé dans l'organisation du Festival ? De ces milliers de films qui ont défilé devant vos yeux, des choix sensibles qu'il a fallu faire, des regrets, des amertumes et des immenses joies ?

Avec votre départ, c'est une page primordiale de l'histoire de Cannes qui se tourne. On ne dira jamais assez ce que le Festival vous doit : le Certain Regard, la caméra d'or, la Cinéfondation... et une certaine idée du cinéma mondial. Tout au long de cette 67e édition, notre série "les années Jajacobbi" est ainsi revenue sur ces cinéastes que vous avez révélés et qui nous ont depuis offert des énergies et des fulgurances inoubliables.

Pour nous tous, amoureux de Cannes et du cinéma (qui se confondent), votre départ va laisser un vide immense, incommensurable. La sensation que plus rien ne sera jamais pareil.

Heureusement, vous continuerez à veiller sur le festival de loin, et notamment à travers la Cinéfondation. On vous imagine riant sous cape en découvrant tous les hommages qui vous sont rendus et balayer joyeusement la nostalgie qui nous gagne déjà. Il vous reste plein d'idées, plein d'envies, plein de découvertes à faire et de choses à raconter. On attend désormais le nouveau volume de vos mémoires de Cannes. Et, qui sait, d'autres surprises.

Car comme vous l'avez si bien dit lors de la clôture de la section un Certain Regard, au sujet de cette sélection parallèle qui gagne chaque année en qualité : "on est là pour mettre en question, repousser les limites, inventer inlassablement." Soit ce qui devrait être le but de toute existence.

Aussi, de notre côté, comme vous nous avez exhortés à le faire, nous continuons notre route avec Cannes et avec le cinéma. Et ce faisant, notre vie de festivalier cannois, malgré votre éloignement, passera comme un rêve.