C’est l'un des films français les plus attendus en compétition : >Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma avec Adèle Haenel, toute deux révélées à Cannes avec Naissance des pieuvres (Un certain regard, 2007). Et au générique de ce film, nous allons aussi (re)découvrir Noémie Merlant, dans le rôle d’une peintre séduite, et qui va nous séduire aussi. « 1770. Marianne est peintre et doit réaliser le portrait de mariage d’Héloïse, une jeune femme qui vient de quitter le couvent. Héloïse résiste à son destin d’épouse en refusant de poser. Marianne va devoir la peindre en secret. Introduite auprès d’elle en tant que dame de compagnie, elle la regarde... »

Assurément, le talent de Noémie Merlant va prendre une nouvelle dimension avec ce festival de Cannes. Lors d'un entretien, l'actrice nantaise a évoqué les origines de sa vocation: "Parfois on fait un peu des choses sans savoir pourquoi. Ce que je trouve bien, c’est que mon père a voulu que je trouve un sens à ma vie. Il m’a dit qu’il s’était renseigné sur les cours Florent et m’a proposé de monter sur Paris. Je pense qu’il s’est souvenu que je faisais des spectacles, que je rêvais tout le temps et il s’est dit que j’avais une place à trouver là-dedans. Je l’ai écouté et j’y suis allée. Je me suis sentie tellement en vie sur un plateau, à incarner l’autre. J’avais trouvé ma vocation, c’était une révolution."

Ses débuts à l’écran dans L’orpheline avec en plus un bras en moins lui vaut de figurer dans la liste des Révélations pour le César du meilleur espoir féminine en 2013 (elle sera nommée en 2017 avec le film Le ciel attendra). Entre-temps, elle aura des petits rôles dans La Permission de minuit de Delphine Gleize et dans La Crème de la crème de Kim Chapiron. C’est surtout à partir de 2014 que l’on commence à identifier le nom de cette jeune fille prête à s’enflammer avec son rôle dans Les Héritiers de Marie-Castille Mention-Schaar. Avec la réalisatrice, elle va ensuite tourner dans Le ciel attendra en 2016 et La fête des mères en 2018.

Pendant ce temps là Noémie Merlant monte son niveau avec des apparitions dans Un moment d'égarement de Jean-François Richet en 2015, Dieumerci ! de Lucien Jean-Baptiste, Plonger de Mélanie Laurent en 2017. Elle est même la dulcinée de Jean Dujardin en 2018 dans la comédie romanesque Le Retour du héros de Laurent Tirard. Elle apparait aussi dans des clips ("Aficionado" des BB Brunes), une fiction interactive (Wei or Die, de Simon Bouisson), au théâtre (Les Lésions dangereuses, mise en scène de Julia Dunoyer), ou même en chanteuse ("Fate", coécrit avec la chanteuse et compositrice Kat May).

Surtout, elle passe derrière la caméra avec Je suis#unebiche, qui reçoit le Prix Canal + à la 7e édition du Nikon Film Festival. Actrice avant d’être cinéaste, elle confie se sentir rassurée d’avoir plusieurs moyens d’expressions: "J’ai eu une envie, mais d’abord c’était des histoires. À force de baigner dans cet univers, entre les castings et les scénarios, je passais mon temps à m’inventer des histoires dans ma tête. J’écrivais plein de petits bouts d’histoire. Un jour j’ai compris que je ne terminais jamais mes récits et j’ai fini par prendre confiance en moi, grâce à des rencontres, pour finalement me lancer dans le court-métrage."

2019 sera enfin l’année charnière pour elle. C’est elle l’héroïne de Les Drapeaux de papier de Nathan Ambrosioni (sortie le 13 février), de Curiosa de Lou Jeunet (sortie le 3 avril), et de ce Portrait de la jeune fille en feu , qui sortira le 18 septembre. D’autres films avec elle à l’affiche vont se suivre : Les jours d’avant avec Sami Bouajila et Jumbo avec Emmanuelle Bercot. Noémie Merlant est la jeune actrice on fire du moment.

Dimanche 19 mai, au 72e Festival de Cannes, a eu lieu la première édition de “Women on the Move” organisée par la Commission européenne.

Le collectif 50/50 y a présenté leur première évaluation de la charte en faveur de la parité et de l'inclusion dans les festivals de films ainsi que les prochaines étapes.

Le Festival de Cannes a été le premier festival à signer cette charte il y a un an en présence de la Commissaire Gabriel, chargée de l’économie et de la société numériques. Depuis 46 autres festivals l’ont signée, dont Rome, Venise, Annecy, Angers, Séries Mania, Les Arcs, Berlin, Londres, Namur, San Sebastian et Locarno.

À l’occasion de cette première édition, la Commission a aussi publié un guide sur les meilleures pratiques de l'industrie audiovisuelle visant à renforcer la parité – initiatives dont la charte fait partie.

Enfin, aux côtés du collectif 50/50, la Commission a annoncé le lancement de l'étude européenne sur les femmes critiques de cinéma, dont les résultats devraient être dévoilés l'année prochaine.

Delphyne Besse, cofondatrice de Collective 50/50, a excepté de réponde à nos questions.

Ecran Noir: Quelles mesures sont-elles envisageables pour augmenter le nombre de femmes aux postes-clés de festivals ?

Delphyne Besse: La Charte pour l’Egalité que nous avons fait signer à Cannes l’an dernier (aujourd’hui paraphée par une cinquantaine de manifestations) prévoit que les festivals s’engagent à atteindre la parité au sein de leurs comités de direction. Sans mettre d’échéance précise car nous voulons inciter et non contraindre, mais cela permet une prise de conscience progressive. Depuis l’an dernier le festival de Locarno a nommé une directrice artistique, Berlin a opté pour une co-direction, tout comme Toronto avec l’arrivée de Joana Vicente. Les choses avancent progressivement.

EN: Quels sont les ambitions ou les objectifs de 50/50 dans les mois où les années à venir ?

DB : Nous voulons continuer à agir comme nous l’avons fait jusqu’à maintenant, en posant des constats chiffrés à partir desquels nous tirons des analyses et proposons des mesures concrètes à mettre en place à court ou moyen terme. Nos chantiers prioritaires, outre l’étude critiques que nous avons lancée en partenariat avec MEDIA, sont de travailler sur la filière distribution et exploitation, et élargir notre combat pour la parité à l’inclusion au sens plus large, notamment à travers une réflexion sur les possibilités d’adaptation en France du modèle américain de l’inclusion rider.

EN: Comment expliquer et enrayer les disparités entre femmes et hommes critiques de cinéma ?

DB: Il faut inciter les rédactions des grands médias à faire de la place à de nouvelles voix, à s’interroger sur l’égalité au sein de leurs rédactions et à assigner les critiques de manière plus équitable.Les syndicats de critiques pourraient aussi s’intéresser au parcours qui mène à la profession, de façon à comprendre ce qui limite l’accès des femmes, peut être mener des actions de sensibilisation dans les filières journalistes et les écoles de cinéma. Et les festivals peuvent aussi jouer un rôle en facilitant l’accès à des journalistes sous-représentés. Les festivals de Sundance et Toronto ont déjà mis en place des initiatives similaires, en accréditant un ratio plus important de critiques issus de la diversité. Et comme l’a très justement souligné Brie Larson c’est une responsabilité qui incombe aussi aux attachés de presse, qui peuvent jouer un rôle proactif et s’engager.

EN: Y a-t-il une quelconque forme de progrès avec la sélection de cette année ?

DB: Nous nous réjouissons que la compétition comporte 4 films réalisés par des femmes (un record qui n’est pas inédit cependant) et aussi de la sélection du film de Ladj Ly qui œuvre depuis longtemps pour plus de diversité dans notre cinéma. Il y a encore beaucoup de chemin à faire mais la tendance est là et nous comptons bien continuer à agir pour accélérer la marche vers l'égalité partout où c’est possible.

EN: Une Palme d’or remise à une femme, est-ce un signe de progrès ?

DB: Pourquoi seulement une ? Il est grand temps que les réalisatrices entrent durablement dans l’histoire !

A respectivement 68 ans et 65 ans, Jean-Pierre et Luc Dardenne font aujourd’hui partie intégrante du palmarès du Festival de Cannes. Ils y font leur entrée en 1987 avec leur premier long-métrage, Falsch, dans la section aujourd’hui disparue Perspectives du cinéma français.

En 1996, La Promesse est retenu à la Quinzaine des Réalisateurs. Avec onze longs métrages au compteur, les deux frères peuvent se targuer d’avoir été sélectionné pas moins de huit fois ! Avec Rosetta (1999) et L’Enfant (2005), ils ont su rafler deux Palmes d’or tandis que Le Fils (2002) vaut un Prix d’interprétation masculine amplement mérité à Olivier Gourmet. Mais ce n’est pas tout. Si Le Silence de Lorna (2008) leur vaut un Prix du scénario, Le Gamin au vélo (2011) leur permet de remporter un Grand prix tandis qu’une mention spéciale du jury œcuménique leur est accordée en 2014 pour Deux jours, une nuit.

Cette année, ils présentent Le Jeune Ahmed, un drame centré sur la radicalisation du personnage principal, un ado coincé entre deux mondes.

C’est une grande dame du cinéma brésilien (et pour le coup du cinéma mondial) qui revient par la grande porte du 7^e art. La vie invisible de Euridice Gusmao de Karim Aïnouz, adaptation du roman de Martha Batalha, est sélectionné à Un certain regard, et met en vedette Fernanda Montenegro. Il y a 20 ans, l’actrice était nommée aux Oscars (la seule comédienne lusophone a avoir été nommée), un an après avoir reçu l’Ours d’argent de la meilleure actrice à Berlin pour Central do Brasil de Walter Salles, qui remporte également l'Ours d'or du meilleur film. En France, le film a attiré près de 600000 spectateurs dans les salles, le plus gros succès du cinéma brésilien dans le pays, toujours aujourd’hui.

Fille de la classe ouvrière, Arlete Pinheiro Esteves da Silva, son nom de naissance, approche des 90 ans. Elle est considérée comme la plus grande comédienne de son pays. Honorée d’à peu près toutes les breloques officielles que le Brésil compte, en plus de prix internationaux (y compris un Emmy Award), elle a traversé les décennies depuis ses début dans les années 1950, quand elle a été la première actrice à signer un contrat avec la chaîne Tupi. Vedette de « telenovelas », parmi les plus populaires (parmi lesquelles Danse avec moi, qui a fait les belles heures de TF1 dans les années 1980), Fernanda Montenegro reste l’une des personnalité les plus influentes du pays. C’est notamment elle qui a lu un poème lors de la cérémonie d’ouverture des J.O. de Rio, doublée en anglais pas une autre Lady, Judi Dench.

Grande comédienne de théâtre, cette littéraire n’a jamais cessé de jouer, de la comédie à la tragédie. Au cinéma, elle a débuté en 1965 avec A Falecida, de Leon Hirszman, où elle interprète une jeune femme obsédée par la mort, jusqu’à prévoir le moindre détail de ses funérailles. Occupée par le petit écran et les planches, elle ne tourne pas tant que ça. On la remarque chez Arnaldo Jabor dans Tudo bem, comédie catastrophe de 1978. A noter que Fernanda Torres, sa fille, a remporté le prix d’interprétation au Festival de Cannes pour le film Parle-moi d’amour du même Arnaldo Jabor. En 1985, elle figure au générique en second-rôle dans A Hora da Estrela, de Suzana Amaral, trois fois primé à Berlin et sacré à La Havane.

Il faut réellement attendre les années 1990 pour que Fernanda Montenegro prenne le cinéma au sérieux. Elle apparaît dans un court métrage de Carlos Diegues, Veja Esta Cançao, fait face à Alan Arkin dans Quatre jours en septembre, de Bruno Barreto. Le film est nommé aux Oscars et en compétition à Berlin. Puis vint Walter Salles avec Central do Brasil, où elle joue une vieille femme pieuse et revêche qui se prend d’affection pour un gamin qui cherche son père. Une performance unanimement saluée qui lui vaut une myriade de prix.

En 2004, elle frappe de nouveau avec L’autre côté de la rue de Marcos Berstein. Le film va à Berlin et San Sebastian. L’actrice est récompensée à Tribeca (New York). En 2005, dans La maison de sable de son gendre Andrucha Waddington, elle interprète trois rôles. Le film est récompensé à Sundance.

Figure engagée pour la défense de la culture, dans un pays qui est en train de couper dans toutes les aides, elle semble faire un retour. Outre La vie invisible, où elle a un rôle symbolique et qui sortira en décembre en France, elle a aussi tourné pour Claudio Assis (Piedade) et pour son beau-fils (O Juizo).

Taïwan représente un vivier de jeunes cinéastes à suivre, même s'ils sont encore méconnus: le réalisateur Midi Z pourrait être l’un d’eux mais, à 37 ans, il est déjà un cinéaste reconnu. Son 3^ème film en 2014 Ice Poison attire plus particulièrement l’attention à l'international, représentant Taïwan pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Son film suivant en 2016 The Road to Mandalay est alors sélectionné au Festival de Venise, et son dernier Nina Wu est donc présenté à Un Certain Regard cette année à Cannes. Une ascension dont seuls Hou Hsiao-hsien et Tsai Ming-lang peuvent se prévaloir d'une telle aura internationale, si on excepte le "mo,dialisé" Ang Lee.

Les trois premiers films de Midi Z Return to Burma (en 2011), Ooor Folk (en 2012) et donc Ice Poison évoquent de manière particulièrement sensible des déracinements pour former une « trilogie de l’Origine » : des personnages reviennent là où ils ont grandis, d’autres souhaitent émigrer ailleurs, des difficultés financières incite à l’illégalité… Cette double culture, qui l'habite lui-même, est l'un des thèmes majeurs de ses films.

Au début, il espérait devenir photographe de mariage en Birmanie, une activité lucrative. Le dilemme de rester à Taïwan ou de retourner en Birmanie le déprime et sera pourtant le moteur de ses premiers films. Il se lance finalement dans le cinéma à Taïwan, admirateur de ses compatriotes comme d'Ingmar Bergman, et s'inscrit à l’Académie du film du Festival du Cheval d’or d'Hou Hsiao-hsien qui forme de jeunes réalisateurs, scénaristes et photographes. Il tourne alors son premier court métrage L’Incident de Hua-Xing. Hou Hsiao-Hsien le forme dans la direction d'acteurs amateurs pour réaliser des films authentiques et réalistes, tandis que Ang Lee lui apprend à faire face à ses propres sentiments à travers la mise en scène.

En parallèle à ses films de fiction Midi Z réalise aussi plusieurs documentaires. D’un format à un autre il raconte moins des histoires que des témoignages: partir travailler loin de sa famille, devenir un clandestin, le trafic de drogue... L’humain est sa matière première pour ses recherches qu'il restitue avec sa caméra. Les émotions humaines en sont l'énergie narrative. Adieu Mandalay est une approche documentée de la précarité sociale, de la nécessité de migrer et de l'aspiration à une vie meilleure de deux travailleurs birmans œuvrant dans l'illégalité. Le film est primé à Venise, le cinéaste sacré aux Asian Pacific Awards.

Son nouveau film Nina Wu va faire parler de lui beaucoup pour ses qualités mais aussi pour son écho avec une récente actualité : le sujet est en rapport avec le scandale Weinstein et le mouvement #MeToo. Le scénario a été écrit par Midi Z en collaboration avec son égérie Wu Ke-Xi.

Connu du grand public pour ses participations aux sagas Harry Potter et surtout Twilight, Robert Pattinson est à 32 ans ce que l’on appelle communément l’icône d’une génération.En plus d'être une égérie de parfum.

A peine sorti de son personnage du vampire Edward Cullen, il s’est rué chez David Cronenberg non pas une mais deux fois. Ils présentent ensemble Cosmopolis (2012, sélection officielle) et Maps to the Stars (2014, sélection officielle).

2014 est également l’occasion pour Robert Pattinson de montrer qu’il en a sous le coude et que ses talents d’acteur dramatique sont presque sans limite comme dans The Rover de David Michôd (hors compétition). Mais c’est sans doute sa participation au Good Time des frères Safdie (2017, compétition) qui en aura définitivement fait un acteur pris au sérieux.

Cette année, il présente le très attendu et singulier The Lighthouse de Robert Eggers à la Quinzaine des Réalisateurs aux côtés de Willem Dafoe. Rien que ça !

Derrière les films de Ken Loach, il y a un autre homme. Paul Laverty, son scénariste. Il revient en compétition à Cannes avec Sorry, We Missed You, leur seizième collaboration en 23 ans. Laverty a déjà été récompensé à Cannes (Sweet Sixteen), Venise et San Sebastian. En plus de quatre nominations aux European Film Awards (et de trois autres aux Goyas espagnols).

Né il y a 62 ans à Calcutta, en Inde, d’un père écossais et d’une mère irlandaise, ce diplômé en philosophie (à Rome) est un globe-trotter. Il parcourt les plus grands festivals avec son acolyte Loach mais il travaille aussi entre Madrid, Londres et Glasgow. Après avoir débuté en tant qu’avocat en Ecosse, il est parti vivre en Amérique centrale, notamment en travaillant pour une ONG des droits de l’Homme, et à Los Angeles. C’est après ces séjours dans les Amériques qu’il rencontre Ken Loach. Son expérience au Nicaragua produira leur première association, avec Carla’s song, film sur la guerre des Sandinistes et ses conséquences. De la même manière, quatre ans plus tard, avec Bread and Roses, il a écrit un film faisant le lien entre ce qu’il a observé dans les faubourgs latinos de L.A. et une histoire sociale loachienne.

Son secret tient en effet dans la connaissance de l’humain. Il a expliqué il y a quelques années : « J'ai longtemps travaillé comme avocat. Quand vous vous rendez dans les tribunaux, vous êtes le témoin privilégié de la vie quotidienne de ces personnages. »

Ce tropisme hispanophone l’a conduit à trouver sa compagne, la réalisatrice Iciar Bollain. Car s’il est très fidèle à Loach dont il a écrit aussi bien ses longs métrages - My Name is Joe, Le vent se lève, Looking for Eric, La part des anges, Moi, Daniel Blake… - que ses courts pour les collectifs avec Olmi et Kiarostami, ou celui sur le 11 septembre 2001, il écrit aussi pour d’autres, à commencer pour son amie. Il a ainsi scénarisé Même la pluie, primé à Berlin et aux Arcs, L’Olivier et le biopic Yuli sur le danseur Carlos Acosta sorti l’an dernier.

Enfin, il s’est essayé au thriller avec Cargo, de Clive Gordon.

Paul Laverty a ce talent de "fictionnaliser" la réalité, de respecter ses personnages jusqu’au bout, et le goût, commun avec Loach, d’aspirer à une société plus juste. Observateur, qu’il écrive une comédie ou un drame, il puise toujours dans ce qu’il voit autour de lui, et souvent dans ce qui l’enrage. Avocat jusqu’au bout. Prêt à plaider des circonstances atténuantes pour tous les misérables.

Voilà peut-être le meilleur twist que les réalisateurs d'Avengers : Infinity War et Endgame nous auront proposé cette année. Deadline rapporte que Joe et Anthony Russo présentent ces jours-ci et sur la Croisette Cherry, leur prochain film. Présenté comme un drame, Cherry sera porté par un Tom Holland (Spider-Man) dans la peau de Nico Walker, un ancien médecin de l'armée qui est revenu d'Irak avec un syndrome de stress post-traumatique non diagnostiqué et particulièrement extrême. Celui-ci a développé une dépendance aux opioïdes avant de se mettre à braquer des banques.

Ecrit par Jessica Goldberg, Cherry est basé sur le roman que Nico Walker a écrit lui-même de ses méfaits et dont les droits ont coûté la modique somme d'un million de dollars aux frères Russo. Bien plus personnel que leurs récentes réalisations, Cherry serait né du désir de faire un film sur un homme également issu de Cleveland. Mais Joe et Anthony Russo ont d'ores et déjà reconnu le lien à faire avec leurs proches tombés sous l'emprise des opioïdes.

Pour rappel, Avengers : Endgame sorti au mois d'avril continue d'affoler les compteurs et a déjà rapporté plus de 2,5 milliards de dollars au box-office mondial au moment où nous écrivons ces lignes.

Le parcours d'Imogen Poots est d’une certaine manière révélateur d’un aspect de l’industrie de cinéma : un appétit pour se nourrir des jeunes actrices, mais, quelques années plus tard, la difficulté de leur trouver des rôles valorisant.

Dès ses 18 ans, Imogen a la chance de débuter en étant bien entourée. Une courte participation à V pour Vendetta de James McTeigue avant d'être plus remarquée ans 28 semaines plus tard de Juan Carlos Fresnadillo. Elle est alors très demandée : Me and Orson Welles de Richard Linklater, Cracks de Jordan Scott, Centurion de Neil Marshall, Jane Eyre de Cary Fukunaga, Fright Night de Craig Gillespie, Célibataires ou presque de Tom Gormican, Le quatuor de Yaron Zilberman, A Very Englishman de Michael Winterbottom (au festival de Berlin en 2013), A Long Way Down réalisé par le français Pascal Chaumeil…

Elle est à chaque fois entourée par un casting très prestigieux mais manque d'obtenir un premier grand rôle féminin pour devenir une figure centrale parmi les étoiles montantes. Imogen Poots gardera longtemps cette image de jeune espoir : être dans la liste des 10 talents à suivre en 2012 pour le magazine Variety, un prix de Meilleure actrice dans un second rôle pour A Very Englishman (aux British Independent Film Awards 2013). Qu’importe si son nom n’est pas celui qui s'écrit en haut de l’affiche, elle est toujours appelée pour des productions de qualité : Broadway Therapy de Peter Bogdanovich, Knight of Cups de Terrence Malick, Chasseuse de géants d'Anders Walter…

Cette année Imogen Poots est donc à Cannes avec le film Vivarium de Lorcas Finnegan, avec Jesse eisenberg, l'un des événements de La Semaine de la Critique : "À la recherche de leur première maison, un jeune couple effectue une visite en compagnie d’un mystérieux agent immobilier et se retrouve pris au piège dans un étrange lotissement..."

C’est en fait la troisième fois qu’Imogen Poots vient sur la Croisette : on y avait déjà découvert déjà Chatroom de Hideo Nakata en 2010 (à Un Certain Regard) et ensuite dans Green Room de Jeremy Saulnier en 2015 (à La Quinzaine des Réalisateurs). Dans ce film, on l’a re-découverte transformée en punk au mauvais endroit au mauvais moment qui doit sauver sa vie. Imogen Poots était devenue une guerrière. Son joli physique juvénile ne lui fera plus jouer des ingénues, place enfin à des rôles plus adultes (dans Chasseuse de géants elle devient soutien de famille confrontée à un deuil).

Imogen Poots s’est métamorphosée progressivement de jeune actrice prometteuse en future grande actrice. La retrouver de nouveau à Cannes cette année devrait apporter cette confirmation.

Il y a deux ans, les festivaliers cannois découvraient sa tête dans 120 battements par minute. Antoine Reinartz sera sacré quelques mois plus tard par un César du meilleur second-rôle masculin. A 34 ans, l’acteur lorrain est finalement révélé tardivement. Si le théâtre l’a très vite habité – il en avait fait une option au lycée – il s’engage par la suite dans un parcours très différent, voyageant de New York au Japon, et décrochant un diplôme en management de la solidarité. Il s’occupe alors de personnes en réinsertion. C’est en voyant Les chansons d’amour de Christophe Honoré en 2007 qu’il a le déclic : « Je me suis dit, pourquoi je ne joue pas dans ce film ? Parce que c’était ça, que je voulais faire ! ». Il attend 2009 pour reprendre sa formation de comédien, jusqu’à obtenir son diplôme au Conservatoire de Paris il y a cinq ans.

Aussi, sa carrière ne commence qu’à cette époque. Il a déjà presque 30 ans. Mais là aussi, plus vadrouilleur que sédentaire, il brûle les planches un peu partout, à Milan et Malmö, à Nancy et à Lyon. Pas de quoi forcément le repérer dans le milieu très parisien, même s’il incarne Louis XVIII dans les Trois Mousquetaires mis en scène par Clara Hedouin et Jade Herbulot.

Il a du attendre neuf mois pour savoir s’il était du casting de 120 battements par minute, qui n’est alors que son troisième long métrage. Mais c’est évidemment un bâton de dynamite tant le succès critique et public est au rendez-vous. Il y incarne Thibault, un président d'Act Up déterminé à mobiliser l’opinion sur le virus HIV, « avatar de Didier Lestrade ». Son passé associatif l’aide, sa nature de citoyen engagé a fait le reste. Il perd du poids, se muscle, avoue que le tournage a été très dur. Mais ça valait le coût : depuis, il n’arrête plus de tourner. On le croise cet hiver dans Doubles vies d’Olivier Assayas, petit-tôle de libraire arlésien, et en adjoint au maire insupportable dans la comédie sociale Les Invisibles de Louis-Julien Petit.

A Cannes, il est doublement présent cette année : en compétition avec Arnaud Desplechin dans Roubaix, une lumière, et à la Quinzaine avec Nicolas Pariser dans Alice et le maire. Et ce n’est pas terminé puisqu’il est attendu cette année dans La vie scolaire, le nouveau film de Mehdi Idir et Grands Corps Malade et dans l’adaptation du Goncourt Chanson douce par Lucie Borleteau, où il incarne le mari de Leïla Bekhti. Une sacrée année pour ce rouquin nancéen sincèrement engagé.