92 partants pour seulement 5 finalistes. Les Oscars ont reçu un nombre record de candidatures pour la catégorie de l'Oscar du meilleur film en langue étrangère. C'est sept de plus que l'an dernier.

En attendant la shortlist de décembre puis les nommés définitifs le 23 janvier (les Oscars, eux, seront remis le 4 mars 2018), on notera quelques anecdotes: la langue espagnole est dominante avec 14 films (contre 8 où l'on parle français); deux films sont sans dialogues (le tunisien et l'ukrainien) ; 5 films étaient en compétition à Cannes (4 d'entre eux étaient au palmarès) et il y a aussi le Teddy Award de Berlin comme le film franco-libanais L'insulte primé à Venise ; Haïti, le Honduras, le Laos, le Mozambique, le Sénégal et la Syrie proposent un film pour la première fois ; enfin on soulignera l'entrée du Cambordge avec un film produit par Rithy Panh dont la réalisatrice n'est autre qu'Angelina Jolie.

Les 92 pays candidats (en rouge les films en français, en souligné les films coproduits par la France):

Afghanistan: A Letter To The President de Roya Sadat
Afrique du Sud : Les initiés (Inxeba) de John Trengove
Albanie : Daybreak de Gentian Koçi
Algérie : La route d’Istanbul de Rachid Bouchareb
Allemagne : In the Fade de Fatih Akin
Argentine : Zama de Lucrecia Martel
Arménie : Yeva de Anahit Abad
Australie : The Space between de Ruth Borgobello
Autriche : Happy End de Michael Haneke
Azerbaijan : Pomegranate Orchard d’Ilgard Najaf
Belgique : Le fidèle de Michaël R. Roskam
Bengladesh : The Cage (Khacha) d’Akram Khan
Bolivie : Dark Skull de Kiro Russo
Bosnie-Herzégovine : Men Don’t Cry d’Alen Drljevic
Brésil : Bingo – The King of the Mornings (Bingo : O Rei das Manhãs) de Daniel Rezende
Bulgarie : Glory de Kristina Grozeva et Petar Valchanov
Cambodge : First They Killed My Father : A Daughter of Cambodia Remembers d'Angelina Jolie
Canada : Hochelaga, terre des âmes de François Girard
Chili : Une femme fantastique de Sebastián Lelio
Chine : Wolf Warrior 2 de Wu Jing
Colombie : Guilty Men (Pariente) d’Ivan D. Gaona
Costa Rica :The Sound of Things d’Ariel Escalante
Corée du sud : A Taxi Driver de Jang Hun
Croatie : Quit Staring at My Plate de Hana Juši?
Danemark : You Disappear de Peter Schønau Fog
Egypte : Sheikh Jackson d’Amr Salama
Equateur : Alba d’Ana Cristina Barragán
Espagne : Eté 93 de Carla Simon
Estonie : November d’Andrus Kivirahk
Finlande : Tom of Finland de Dome Karukoski
France : 120 battements par minute de Robin Campillo
Géorgie :  Scary Mother d'Ana Urushadze
Grèce : Amerika Square de Yannis Sakaridis
Haïti : Ayiti mon amour de Guetty Felin
Honduras : Morazán de Hispano Durón
Hongkong : Mad World de Wong Chun
Hongrie : Corps et âme (On body and soul) d’Ildikó Enyedi
Inde : Newton d’Amit V Masurkar
Indonésie :Turah de Wicaksono Wisnu Legowo
Irak : Reseba - The Dark Wind de Hussein Hassan
Irlande : Song of Granite de Pat Collins
Iran : Breath de Narges Abyar
Islande : Under the Tree de Hafsteinn Gunnar Sigurdsson
Israël : Foxtrot de Samuel Maos
Italie : A Ciambra de Jonas Carpignano
Japon :  Her Love Boils Bathwater de Ryota Nakano
Kazakhstan : The Road to Mother d'Akan Satayev
Kenya : Kati Kati de Mbithi Masya
Kirghizstan : Centaur (Kentavr) d’Aktan Arym Kubat
Kosovo : Unwanted d’Edon Rizvanolli
Laos : Dearest Sister de Mattie Do
Lettonie : The Chronicles of Melanie de Viestur Kairish
Liban : L'insulte de Ziad Doueiri
Lituanie : Frost de Sharunas Bartas
Luxembourg : Barrage de Laura Schroeder
Maroc : Razzia de Nabil Ayouch
Mexique : Tempestad de Tatiana Huezo
Mongolie : The Children of Genghis de Zolbayar Dorj
Mozambique : The Train of Salt and Sugar de Licinio Azevedo
Népal : White Sun (Seto Surya) de Deepak Rauniyar
Norvège : Thelma de Joachim Trier
Nouvelle-Zélande : One Thousand Ropes de Tusi Tamasese
Pakistan: Saawan de Farhan Alam
Palestine : Wajib d’Annemarie Jacir
Panama : Beyond Brotherhood d’Arianne Benedetti
Paraguay: Los Buscadores de Juan Carlos Maneglia et Tana Schembori
Pays-Bas : Layla M. de Mijke de Jong
Pérou : Rosa Chumbe de Jonatan Relayze
Philippines : Birdshot de Mikhail Red
Pologne : Spoor d’Agnieszka Holland
Portugal : Saint-Georges de Marco Martins
République dominicaine : Woodpeckers de José María Cabral
République Tchèque : Ice Mother de Bohdan Slama
Roumanie : Fixeur d’Adrian Sitaru
Royaume-Uni : My Pure Land de Sarmad Masud
Russie : Faute d’amour d’Andreï Zvyaguintsev
Sénégal: Félicité de Alain Gomis
Serbie : Requiem for Mrs J de Bojan Vuleti?
Singapour : Pop Aye de Kirsten Tan
Slovaquie : The Line de Peter Bebjak
Slovénie : Miner d'Hanna A. W. Slak
Suède : The Square de Ruben Östlund
Suisse : L’ordre divin de Petra Volpe
Syrie : Little Gandhi de Sam Kadi
Taïwan : Small Talk de Hui-Chen Huang
Thailande : By the Time it Gets Dark d’Anocha Suwichakornpong
Tunisie : The Last of Us d’Ala Eddine Slim
Turquie : Ayla: The Daughter of War de Can Ulkay
Ukraine : Black Level de Valentyn Vasyanovych
Uruguay : Another Story of the World de Guillermo Casanova
Venezuela : El Inca d'Ignacio Castillo Cottin
Viêtnam : Father and Son de Luong Dinh Dung

Vous en connaissez beaucoup des stars qui parviennent à rester populaires au bout de 40 ans de carrière? Hollywood, usine qui aime créer et détruire les vedettes, n'a plus fabriqué de légendes depuis des lustres. Tom Cruise en sera sans doute une. Meryl Streep a largement surclassé la concurrence féminine de sa génération. Mais des années 1960-1970, en exercice, il ne reste guère que Robert Redford. Et Harrison Ford.

C'est un cas particulier le Ford. Vous avez pu le croiser dans Apocalypse Now récemment diffusé sur Arte. Il a une gueule, il est crédible dans l'action (et quand il est un peu grippé, il opte pour le revolver plutôt que le fouet ou les poings), il peut-être inquiétant ou innocent. Il a surtout cette pointe d'ironie délicieuse, cette dérision qui apporte la touche d'humour nécessaire qui a fait le bonheur des spectateurs. Pas loin d'un Bruce Willis de ce côté là.

Mais Harrison Ford est un homme qui pèse beaucoup plus lourd à Hollywood. Avec Blade Runner 2049, il va passer le cap symbolique des 5 milliards de dollars de recettes en Amérique du nord (10 milliards si on ajuste avec l'inflation), tous rôles confondus. Tom Hanks est le seul à jouer dans cette catégorie.

Ford c'est Le fugitif, Jack Ryan, Witness, Air Force One, Présumé innocent: des thrillers, des comédies, des films d'action... C'est une star avant d'être un acteur. Il impose son style plutôt que de chercher à être un autre.

La particularité de Ford c'est d'être la vedette de deux des franchises les plus importantes de l'histoire du cinéma, au point d'avoir créé deux mythes cinématographiques et même culturels contemporains: Han Solo dans Star Wars (la trilogie historique et le 7e épisode où il meurt tragiquement), chevalier à l'esprit un peu rebelle et farouchement indépendant, et Indiana Jones (un cinquième opus est sur les rails), aventurier mixant Tintin et héros de western.  L'autre particularité est qu'on vieillit avec. Entre le premier Star Wars et le dernier où il est apparu, il s'est écoulé 38 ans. Entre le premier Indiana Jones et le dernier en date, 27 ans ont passé.

Avec Blade Runner, il a fallu 35 ans pour le revoir incarnant Rick Deckard. "Harrison Ford en grande forme, (...) parvient même à ménager les rares moments d’humour du film" peut-on lire dans notre critique. Certes, il a des rides, des cheveux blancs, ... Mais en vieillissant sur le grand écran, devant nos yeux, avec les mêmes personnages issus de notre pop-culture, il entretient l'image d'un héros immortel, un demi-dieu de l'Olympe que le temps ne semble pas atteindre, prêt à reprendre du service comme un bon soldat défendant sa patrie: celle du blockbuster dont il a été le hérault fondateur. A sa manière, il est un gardien d'une galaxie où des milliers d'étoiles brillent plus ou moins, entre John Wayne et Gragory Peck.

Elle avait les traits de Stacy Martin dans Le redoutable, en compétition cette année à Cannes. Anne Wiazemsky avait raconté sa rencontre, son mariage et sa séparation avec Jean-Luc Godard, dont elle fut la muse, dans un livre, Un an après (Gallimard), qui a inspiré le film de Michel Hazanavicius.

La romancière (Grand prix du roman de l'Académie française, Prix Goncourt des lycées, Prix Renaudot des lycéens, entre autres), petite-fille de l'écrivain François Mauriac, ex-épouse de Godard, amie de Pasolini, Truffaut, Cohn-Bendit (et on en passe), est morte ce jeudi 5 octobre à l'âge de 70 ans, succombant à son cancer.

Avant d'être écrivain, Anne Wiazemsky a été actrice. Elle a débuté chez Robert Bresson en 1966, avec Au hasard Balthazar. Ensuite elle rencontre Jean-Luc Godard qui fait d'elle la vedette de La chinoise, prix spécial du jury à Venise en 1967. Ils tourneront ensemble plusieurs films: Week-end, Le gai savoir, Sympathy for the Devil, Vent d'est, Vladimir et Rosa, et Tout va bien en 1972, qui marque la fin de leur collaboration. Pour JLG, elle s'amuse à jouer les révolutionnaires, les révoltés, les idéalistes ou les rebelles.

L'actrice a tourné dans des œuvres aussi diverses que La bande à Bonnot de Philippe Fourastié, Raphaël ou le débauché de Michel Deville, Le train de Pierre Granier-Deferre, Le retour d'Afrique d'Alain Tanner, Couleur chair de François Weyergans. Mais ce sont les cinéastes italiens qui lui offrent ses plus belles prestations cinématographiques: Pier Paolo Pasolini dans Théorème en 1968 puis l'année suivante dans Porcherie ; Marco Ferreri dans La semence de l'homme ; L'empreinte des géants de Robert Enrico. Car, à l'écran Waziemsky est l'image d'une jeune intellectuelle au service de cinéastes avant-gardistes, entre insolence et subversion.

A partir des années 1980, elle se fait plus rare. Elle va amorcer sa carrière d'écrivaine. Elle prend quand même le temps de tourner: un documentaire de Delphine Seyrig (Sois belle et tais-toi), deux films de Philippe Garrel (L'enfant secret, Elle a passé tant d'heure sous les sunlights) et même un Téchiné (Rendez-vous).

L'écriture va l'accaparer : elle scénarise US Go Home de Claire Denis et adapte son roman Hymnes à l'amour pour Jean-Paul Civeyrac (le film est intitulé Toutes ces belles promesses). Elle réalise aussi trois documentaires (dont Danielle Darrieux, une vie de cinéma en 2007).

C'est la surprise du mois. Kate Winslet embarque dans la saga Avatar réalisée par James Cameron, à qui elle doit son statut de star depuis Titanic il y a 20 ans. Avouons que la nouvelle rend désormais la franchise de Cameron un peu plus excitante. Elle incarnera Ronal dans les quatre suites prévues. Avatar 2 est calé pour le 18 décembre 2020, Avatar 3 pour le 17 décembre 2021, Avatar 4 pour le 20 décembre 2024 et Avatar 5 pour le 19 décembre 2025.

Le tournage a (enfin) débuté la semaine dernière en Californie. 8 ans après la sortie d'Avatar (qui a rapporté 2,8 milliards de $). Le seul risque pour la Fox et James Cameron tient à l'écart entre le premier film et le deuxième (11 ans, soit une génération de cinéphiles). L'entreprise a pris beaucoup de retard: à l'origine il ne devait y avoir que deux suites, dont la première devait sortir en 2016.

Kate Winslet rejoint ainsi Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, CCH Pounder, Stephen Lang et Oona Chaplin. Elle sera bientôt à l'affiche de The Mountain Between Us, un "survival" avec Idris Elba, et de Wonder Wheel, le prochin Woody Allen.

La 10e édition du Paris international animation Film Festival (PIAFF) s'est achevée mardi 26 septembre avec la proclamation du Palmarès. C'est Impossible figures and other stories II de Marta Pajek qui a remporté le grand Prix décerné par le jury. Il s'agit d'un film au graphisme très épuré (trait noir, rares touches de couleur) qui suit une jeune femme dans son appartement aux dimensions labyrinthiques.

On ne sait si elle s'y perd, ou choisir d'y déambuler au hasard, se laissant surprendre par les rencontres et les découvertes. Un film étrange et saisissant qui tend au spectateur un miroir pour qu'il puisse sonder à son tour les méandres de son labyrinthe intime. Un très beau choix de la part du jury qui va avec ce film vers un cinéma peu narratif et très elliptique.

Le palmarès

Figurent également au palmarès Vilaine Fille d'Ayce Kartal (Prix du jury), délicat récit à la première personne d'une petite fille ayant subi une agression ; Locus d'Anita Kwiatkowska-Naqvi, curieux Prix du scénario pour une œuvre à la beauté indéniable, réalisée avec des figurines translucides presque déchirantes, mais qui demeure assez absconse ; Min Borda de Niki Lindroth von Bahr (Prix de la mise en scène), comédie musicale existentielle dans laquelle des animaux chantent la solitude, l'absurdité du monde et le fardeau qui pèse sur leurs épaules (découvertà la Quinzaine des réalisateurs et couronné à Annecy) et Morning cowboy de Fernando Pomares (Prix d'interprétation ex-æquo avec Alphonse s'égare de Catherine Buffat et Jean-Luc Greco) qui raconte la révolte d'un homme qui décide de renouer avec ses rêves d'enfance.

On y retrouve aussi Orogenesis de Boris Labbe (Prix du meilleur son), indescriptible succession de plans en noir et blanc qui simulent la formation des montagnes sur la croûte terrestre, en une reconstitution presque aride d'un passé qui nous bouleverse par la seule force de ses images et enfin (Fool time) job de Gilles Cuvelier, fable clinique et désespérée sur un homme contraint d'accepter un travail terrifiant pour nourrir sa famille, mise en scène avec une précision et un sens de l'ellipse aussi admirables que glaçants.

Les temps forts

Cette 10e édition proposait en plus de la compétition professionnelle et films d'étudiants de nombreux temps forts permettant au public d'avoir un large aperçu de la production actuelle (films de commande, films du monde, films envisagés mais non retenus compétition, rencontres avec des auteurs comme Claude Barras ou Arthur de Pins, carte blanche au studio Train Train...).

Une très belle séance consacrée au cinéma de patrimoine, conçue par Jean-Baptiste Garnero du CNC, a également permis de découvrir l'œuvre primordiale et atypique de Peter Foldès, cet animateur d'origine tchèque installé en France, à qui l'on doit notamment le saisissant La faim mais aussi des œuvres plus légères comme des publicités pour Bahlsen et la Samaritaine, et même le générique de Stade 2. Un animateur qui fait date dans l'histoire de l'animation française comme mondiale notamment parce qu'il a décloisonné tous les genres et essaimé dans l'inconscient collectif. Ce fut également un pionnier de l'informatique, qui a très vite détecté ce que les nouvelles technologies pouvaient apporter à l'animation.

La compétition professionnelle

Moment phare du Festival, la compétition professionnelle a littéralement estomaqué par sa qualité et son audace. C'est vraiment le meilleur de l'animation mondiale qui a été rassemblé par le sélectionneur Alexis Hunot à travers 25 films qui mêlaient les genres et les techniques avec un sens très aigu du dosage. L'animation y était entendue ici au sens le plus noble du terme, sans concessions à son image tarte à la crème de genre léger, voire enfantin, qui privilégie la forme au fond. On a donc vu des films engagés, existentiels, profondément ancrés dans leur époque, parfois intimes, qui livrent du monde une vision en demi-teinte, entre désespoir et ironie, dénonciation et prise de conscience.

On a déjà cité le très fort (Fool time) job de Gilles Cuvelier, sur les extrémités auxquelles sont amenées certaines personnes pour survivre, ainsi que Min Börda de Niki kindroth von Bahr, sur l'extrême moderne solitude, mais on pourrait également parler de Airport de Michaela Müller qui montre comment les aéroports sont devenus des lieux anxiogènes de contrôle et de sécurité, où tout semble pouvoir déraper à tout moment ; Le curry de poisson d'Abhishek Verma sur un coming out tout en retenue entre un père et son fils ou encore Buddy Joe de Julien David qui donne la parole à son beau-père atteint de la maladie de Parkinson en chassant toute velléité de dramatisation lacrymale.

Un cinéma plus expérimental, plus formaliste aussi, était également présent. On pense notamment à l'hypnotique Orogenesis de Boris Labbé, ou au déconcertant Miller Fisher de Falyaz Jafri qui joue lui-aussi sur un cinéma purement sensoriel avec des plans répétés dont on ne peut détacher le regard. L'explication du film (il s'agit de l'expérience visuelle, physique et existentielle distordue de la maladie auto-immune du même nom, dont souffre le réalisateur)) importe au fond moins que l'impression saisissante que ces images opèrent sur celui qui les regarde. Casino de Steven Woloshen propose également un travail très visuel où des formes presque abstraites (qui évoquent la passion du jeu du père du réalisateur) bougent en adéquation avec une musique de jazz entraînante.

Nos chouchous

Enfin, parmi ces 25 films, trois nous ont plus particulièrement marqués. Il y a tout d'abord Diamenteurs de Chloé Mazlo (Oscar du meilleur court métrage en 2015 avec Les petits cailloux), une oeuvre hybride captivante qui utilise un matériau intime pour raconter un conte apparemment anodin aux accents pourtant universels. La réalisatrice travaille l'intime depuis ses premiers courts métrages et c'est, chez elle, une constante quasiment aussi forte que son travail d'animation mêlant stop Motion et prise de vue réelle.

Sa famille est donc presque naturellement la matière principale du film, que ce soit à travers des images d'archives familiales, via la voix de son père, qui est le narrateur, ou avec ses propres apparitions (et celles de ses frère et sœur) à l'écran. Mais elle le fait paradoxalement au service d'une narration qui n'a plus rien à voir avec l'histoire de sa famille puisqu'il s'agit de raconter le processus qui transforme un diamant brut en une pierre calibrée et polie prête à être montée en bijou. C'est petit à petit, dans le décalage entre les images et la voix-off, qu'apparaît le vrai sujet du film : le formatage tout aussi brutal que l'on fait subir à l'être humain dès la naissance.

Dans un style très différent, Toutes les poupées ne pleurent pas de Frédérick Tremblay (Prix du jury de la critique) laisse le spectateur dans un état de sidération difficilement descriptible. On est à la fois ébahi par l'expressivité des marionnettes qui sont au cœur du récit, frappé par l'intelligence de la mise en abîme (le film montre dans une grande épure, en prise de son direct, et sans musique, le tournage d'un film en stop-motion par un couple - également de marionnettes - qui ne se croise jamais) et émerveillé par la précision de la mise en scène à la fois au niveau du film dans le film (choix des plans, mouvements minuscules pour animer les marionnettes, magie de la succession de plans fixes qui recrée une histoire) et dans le récit lui-même qui effectue le même travail avec une force dramatique décuplée.

On est face à du grand art de l'animation, mais aussi devant une oeuvre solide, qui suggère et propose plusieurs niveaux de lecture sans jamais rien asséner, et fait naître de ses êtres pourtant inanimés des fulgurances existentielles déchirantes.

Enfin, Alphonse s'égare de Catherine Buffat et Jean-Luc Greco (prix d'interprétation ex-aequo) est un récit en apparence plus classique d'une initiation adolescente dans laquelle tout déraille. Le film crée un décalage systématique (avec  notamment la voix volontairement très nasillarde du personnage, mais aussi les situations et les dialogues) qui rend tout à la fois drôle et un peu tragique. On est dans ce moment symbolique de la fin de l'adolescence et du passage à l'âge adulte où tout s'emballe, parce que tout semble tout à coup possible et à portée de mains, mais sans pathos, sans psychologie de comptoir. Et c'est vrai que le film se moque allègrement de lui-même et de ses congénères teen-movies,  tout en rendant son (anti) héros terriblement attachant.

Pour son anniversaire, le PIAFF s'est ainsi offert une édition exemplaire et enthousiasmante, qui fera vraisemblablement date dans son histoire. De quoi galvaniser l'équipe organisatrice qui devra justement faire face, dès l'année prochaine, à de nouveaux défis, et notamment au départ de son directeur artistique.

Pour sa deuxième édition, le Prix de la salle innovante a été remis par le CNC au congrès de la FNCF à Deauville. Cette année, c'est le lauréat est le Studio des Ursulines, situé dans le quartier latin à Paris, qui a reçu le Grand prix. Une salle monoécran spécialisée dans le jeune public, qui a innové avec son site web de recommandation de films art et essai pour le jeune public, Benshi. La particularité est qu'il met en réseau 130 salles de cinéma partenaires.

Le CNC dote le lauréat d’une campagne de communication de 10000 €.

Benshi, lancé début 2016, est actuellement en campagne de financement participatif sur Kiss Kiss Bank Bank pour lancer sa plateforme VàD, Benshi studio. A la recherche de 20000€, ils ont déjà récolté 15500€ grâce à plus de 400 contributeurs.

Créée en 1925 et ouverte en 1926, la salle de la rue de Ursulines projetait des films d'avant-garde et est devenue la première salle spécialisée dans les films art et essai. Il s'est orienté vers le public jeune en 2003?

Trois mentions spéciales ont été décernées: le CGR Les Minimes de La Rochelle pour ses salles premium, le Pandora d’Avignon pour son Frames Vidéo Festival dédié à la culture numérique en ligne, et le Grand Palace des Sables-d’Olonne pour son ouverture aux entreprises et aux écoles.

L'an dernier, le Grand prix avait récompensé Le Caroussel de Verdun.

Bérénice Bejo revient en Argentine, son pays d'origine. Elle va tourner avec Pablo Trapero, chouchou du Festival de Cannes. Le réalisateur de Leonera, Carancho, Elefante Blanco (avec Jérémie Renier) et El Clan (prix de la mise en scène à Venise en 2015) prépare actuellement son prochain film, en plus de son premier tournage en langue anglaise (The Professional).

Selon Le film français, La quietud devrait être tourné en novembre et décembre, augurant une avant-première au Festival de Cannes. Le film raconte l'histoire de deux sœurs qui se retrouvent après de nombreuses années de séparation, Eugenia (Bérénice Nejo) et Mia (Martina Gusman, épouse, coproductrice et muse du cinéaste). Les deux femmes sont aussi proches que différentes. L'état de santé délicat du père force cette réunion qui va rouvrir des blessures mal fermées…

Pour Bérénice Bejo, ce sera son premier tournage dans son pays d'origine et dans un film en espagnol. A l'affiche du Redoutable de son compagnon Michel Hazanavicius, elle sera bientôt au générique de Tout là-haut de Serge Hazanavicius, Three Peaks de Jan Zabeil et L'Extraordinaire Voyage du fakir qui était resté coincé dans une armoire Ikea de Ken Scott.

Pour la 2e année consécutive, le Festival de Dinard proposait une compétition de courts métrages constituée de douze films datant des deux dernières années. Le jury présidé par Phil Davis et composé de la productrice française Manon Ardisson, la journaliste française Stéphanie Chermont et l’acteur britannique Michael Smiley, a décerné deux récompenses : une mention à The party de Andrea Harkin (drame sur le conflit irlandais mettant en scène des règlements de comptes sanglants entre une milice protestante et des adolescents catholiques) et le Grand Prix à We love Moses de Dionne Edwards (drame intime autour de l'homosexualité raconté à la première personne par une jeune adolescente). Le public, lui, à plébiscité The driving seat de Phil Lowe, comédie sur un couple d'âge mûr qui tente de pimenter sa vie sexuelle en faisant l'amour dans sa voiture.

Leurs choix vont dans le sens de la sélection elle-même, qui privilégiait majoritairement une forme de cinéma classique, narratif et consensuel, donnant du court métrage une vision assez balisée et traditionnelle : histoire courte reposant sur une idée ou un sujet, tenant souvent uniquement par ses dialogues, et ménageant une forme de chute finale. Face à ces propositions, le jury est allé dans la direction la plus logique, privilégiant un cinéma de bonne facture, pas franchement subtil, mais au sujet facilement identifiable et à l'impact émotionnel indéniable sur le spectateur.

Le reste de la sélection proposait notamment un court métrage maladroit sur les expulsions locatives à Londres (The nest de Jamie Jones), une comédie sympathique sur le sexisme bon teint de la première moitié du XXe siècle (Domestic policy d'Alicia MacDonald), un drame complaisant sur le veuvage et la difficulté de faire la paix avec son passé (Edith de Christian Cooke), une blague programmatique sur le décalage entre le discours d'experts et leur comportement (Bad advice de Matthew Lee) ou encore une allégorie un peu simpliste autour de la parentalité (Homegrown de Quentin Haberham). Des œuvres inégales qui ne brillent pas plus par leurs qualités cinématographiques que par leur finesse d'écriture.

On peut malgré tout distinguer Ghosted de Neville Pierce, sorte de comédie romantique hantée dans laquelle une jeune veuve (Alice Lowe) est importunée par le spectre de son mari (infidèle, en plus) lors de chacun de ses rendez-vous amoureux. Les dialogues loufoques et la construction assez rythmée font oublier l'aspect légèrement répétitif des situations, et surtout font pardonner une fin que l'on voit venir de loin.

Se détachent également deux films singuliers qui apportent à la sélection une autre forme de cinéma : White riot : London de Rubika Shah est un documentaire sur les affrontements liés aux questions d'immigration et de racisme qui ébranlèrent la Grande Bretagne à la fin des années 70. Avec des images d'archives et des témoignages actuels, il retrace la naissance d'un mouvement punk réuni autour du fanzine Temporary Hoarding qui relayait les informations tues par les autres médias, et dresse le parallèle avec la société actuelle.

Le principal reproche que l'on puisse faire au film est d'être trop court, ce qui tombe bien, car la réalisatrice a décidé de traiter le même sujet dans son premier long métrage.

Dans une veine plus expérimentale, mais tout aussi passionnante, Dear Marianne de Mark Jenkin est une succession de cartes postales en super 8 enregistrées par un voyageur originaire de Cornouailles qui cherche des points communs entre sa terre natale et les comtés irlandais de Wexford, Waterford et Cork qu'il traverse. Très simple et assez hypnotique, le film a à la fois une grande puissance d'évocation et une tonalité éminemment poétique. Quelque chose entre la magie de la découverte et la nostalgie des lieux de son enfance.

Et si tout cela reste forcément très subjectif, c'est sans hésiter le film que l'on retiendra de cette sélection en demi-teinte, dont on voit bien qu'elle se cherche encore,  essayant pour le moment de privilégier la pédagogie (amener le grand public au court métrage) au détriment d'une certaine audace de programmation.

James Franco a été consacré par le jury du Festival de San Sebastian pour son long métrage The Disaster Artist, en lui décernant le Coquillage d'Or (Concha de Oro) du meilleur film.

Le film marque ainsi un point pour les Oscars après sa présentation (en version inachevée) au South by Southwest Film Festival au printemps puis en version complète à Toronto (où il a été l'un des films les plus appréciés). James Franco sort de ses films intellos ou expérimentaux avec cette comédie qui retrace le tournage du film culte The Room de Tommy Wiseau, considéré comme un des pires de l'histoire du cinéma par la critique et pourtant prix du public au New York International Independent Film & Video Festival. Echec au box office, le film est devenu culte grâce à ses défauts. Franco a été séduit par la folie et le rêve de Tommy Wiseau, rejeté par Hollywood, et déterminé à faire son film.

The Disaster Artist, qui doit sortir en décembre aux Etats-Unis, réunit une myriade de vedettes aux côtés de James Franco: Alison Brie, Kristen Bell, Zac Efron, Dave Franco, Adam Scott, Bryan Cranston, Josh Hutcherson, Seth Rogen et Sharon Stone.

Marcela Said récompensée à San Sebastian et à Biarritz

Le jury de cette 65e édition, présidé par John Malkovich, entouré de Dolores Fonzi, Jorge Guerricaechevarria, William Oldroyd, Emma Suárez, André Szankowski et Paula Vaccaro, a aussi distingué l'Argentine Anahi Berneri, pour son film Alanis, qui devient la première femme à recevoir le prix de la mise en scène, film également récompensé par le prix d'interprétation féminine pour Sofia Gala Castiglione, le Roumain Bogdan Dumitrache comme meilleur acteur pour son rôle dans Pororoca de Constantin Popescu, le film espagnol Handia (prix spécial du jury), le film argentin Una especie de familia (prix du scénario, et par ailleurs prix d'interprétation masculine au Festival de Biarritz ce week-end) et le film allemand Der Hauptmann (The Captain) (meilleure image). Le jury a attribué une mention spéciale à l'actrice belge Anne Gruwez (Ni juge, ni soumise).

Par ailleurs, dans la section Horizontes Latinos, le jury d'Angela Molina a décerné son prix du meilleur film latino-américain à Mariana (Los Perros) de la réalisatrice chilienne Marcela Said, film sur la dictature d'Augusto Pinochet, également récompensé à Biarritz avec le prix du jury.

Deux films primés à Venise plébiscités par le public

Le prix Nouveaux Talents a récompensé la française Marine Francen pour Le semeur. Le prix du public a plébiscité Three Billboards outside Ebbing, Missouri de Martin McDonagh (qui avait reçu le prix du scénario à Venise et le prix du public à Toronto). Le public a aussi voté pour Jusqu'à la garde de Xavier Legrand à titre de meilleur film européen (après le prix de la mise en scène et le prix du meilleur premier film à Venise). Les deux films devancent Borg/McEnroe et La villa de Robert Guédiguian. Les spectateurs de San Sebastien ont moins aimé Call me by your name, 120 battements par minute, Happy End, Le musée des merveilles, Beautiful Day, The Florida Project, Faute d'amour ou The Big Sick, pourtant très appréciés et même primés à Sundance, Berlin ou Cannes. Mais le film qui a suscité le plus de rejet est Mother! de Darren Aronofsky.

Enfin, le prix FIPRESCI de la critique internationale a préféré le film espagnol Life and Nothing More de Antonio Méndez Esparza

San Sebastian a aussi honoré trois artistes avec un prix Donostia : Ricardo Darin, Monica Bellucci et Agnès Varda.

Le jury du 28ème Festival du film britannique de Dinard s'est achevé avec un Hitchcock d'or pour le film Seule la terre de Francis Lee. Le Festival a également choisi également cette année de remettre un Hitchcock d'honneur à une grande personnalité du cinéma lors de la cérémonie de clôture. Ce (beau) prix surprise a été décerné à un "trésor national britannique" : Jim Broadbent.

Outre sa fidélité à Mike Leigh, il tourne autant pour ses compatriotes Neil Jordan ou Mike Newell que pour les américains comme Martin Scorsese ou Steven Spielberg. L'acteur a aussi reçu quelques grands prix: un Oscar du meilleur acteur dans un second rôle en 2001 dans Iris, un prix d'interprétation à Venise pour Topsy-Turvy deux ans avant, deux Golden Globes, deux Baftas, un prix d'interprétation à San Sebastian pour Le Week-End en 2013. Il a aussi des effectué quelques participations dans des séries télé comme Games of Thrones ou Docteur Who...

Cette année Dinard avait prévu de lui rendre un hommage avec plusieurs de ses films comme Another year de Mike Leigh et Un week-end à Paris de Roger Michell. Il s'était déplacé avant tout pour l'avant-première A l'heure des souvenirs de Ritesh Batra (avec Charlotte Rampling et Freya Mavor...) dont la sortie est attendue en 2018. La séance était suivie d'une rencontre entre l'acteur et le public qui a pu le questionner à loisir.

Jim Broadbent a ainsi évoqué avec simplicité son parcours.

La variété
"On me pose souvent une question à propos de l’état actuel du cinéma britannique, en fait presque chaque année depuis longtemps. Tout ce que je peux en dire c’est que à l’époque où j’ai commencé le cinéma il y avait peut-être une douzaine de films par an et surtout beaucoup de téléfilms, et aujourd’hui il y a plus de films en salles et aussi plus de bons films. Je me réjouis d’avoir participé à certains. J’adore faire des rôles très différents comme être très extravagant et bruyant dans Moulin Rouge, le professeur de Harry Potter, le papa de Bridget Jones, m’être amusé avec l’ours Paddington, et à l’opposé un personnage plus délicat dans Iris ou comme dans ce film A l’heure des souvenirs. Savoir que j’allais jouer avec Charlotte Rampling m’a rendu un peu nerveux, c’est une actrice au talent très spécial et inhabituel."

L'éclectisme
"J’ai joué des rôles plus sombres aussi comme mes prochains films à venir Black 47 durant une famine en Irlande, et un film de cambriolage avec Michael Caine Night in Hatton Garden, sans compter le court-métrage A Sense of History de Mike Leigh dont j’ai écrit le scénario et où je tue ma femme. Je me souviens particulièrement du tournage de Cloud Atlas des Wachowski et Tom Tykwer où j’ai eu la chance de joué plusieurs rôles dans un même film. Cette possibilité de se transformer à l‘envie est ce qui m’a donné envie de faire ce métier. Avec l’âge et au fil de mes films je sais que je touche différentes générations, tant mieux. A chaque cheveu que je perd c’est peut-être une autre opportunité pour un nouveau rôle..."

Dans A l'heure des souvenirs, Jim Broadbent essaie de renouer des liens plus forts avec sa fille enceinte qui fait un bébé toute seule et son ex-femme qui lui reproche toujours son caractère grognon. Arrive un courrier de notaire qui fait de lui l’héritier d’un journal intime de quelqu’un qu’il avait connu il y a longtemps durant ses années de lycée. Dès lors le film alterne entre présent et flashbacks du passé à l’époque de sa jeunesse entouré d’un groupe d’amis au moment où il vouait un amour platonique à une jeune fille. Une lettre va faire remonter différents souvenirs qui révéleront un dramatique secret...