Le cinéaste de Hunger, Steve McQueen, revient avec un deuxième film, Shame. Comme pour Hunger (Caméra d'or en 2008), le film mettra en vedette l'acteur Michael Fassbender.  L'acteur interprétera Brandon, un trentenaire new yorkais incapable de gérer sa vie sexuelle. Le scénario est co-écrit avec Abi Morgan (Rendez-vous à Brick Lane).

Le tournage doit débuter en janvier prochain. les ventes ont commencé cette semaine au festival de Toronto.

«?- J’ai entendu dire que l’espace non-profit avait été attaqué par des tortues ninja volantes.?»

L’Histoire?: Markus est un furry : l’animal qui sommeille en lui est un chat. Benjamin est un pasteur moderne?: il prêche les évangiles dans une église virtuelle. Kris est un maître goréen : il contrôle la vie sexuelle de ses esclaves depuis sa chambre... Un documentaire sur trois communautés emblématiques de Second Life.

Notre avis?: Un mois avant la sortie de The Social Network de David Fincher, Alain Della Negra et Kaori Kinoshita se penchent sur Second Life dans le documentaire The Cat, the Reverend and the Slave.

Ils montrent, à travers plusieurs portraits de Second Life addicts, ce dérapage rapide et hallucinant qui peut transformer la virtualité de certains en leur propre réalité. Ils ont tous des rôles différents au sein de Second Life, y sont entrés pour diverses raisons mais ont tous un point commun?: l’envie de se rapprocher des autres. Le paradoxe étant que plus ils se rapprochent de membres de Second Life et plus ils semblent seuls dans la «vraie» vie (sauf peut-être en ce qui concerne les Furries).

Que ce soit donc pour répandre la bonne parole, assouvir certains fantasmes (sexuels ou autres), régler leurs problèmes de couple (ou s’en créer), trouver un partenaire... tous plongent à corps perdu dans cette réalité virtuelle qui devient alors leur véritable réalité quotidienne. Ils nous paraissent être dans un autre monde, que l’on ne comprend pas très bien d’ailleurs.

L'intérêt du film est de mettre en avant cette frontière quasi invisible qui existe pour certains entre réalité et virtualité. En revanche, on regrette que les réalisateurs n’aient pas pris la peine d’expliquer un peu plus leur démarche ni la vie et le fonctionnement de Second Life car le spectateur est très rapidement perdu au milieu de nombreux termes très spécifiques tels que les esclaves, les goréens, les furries etc. Pas facile de s’y retrouver à moins d’être soi-même un membre de Second Life.

The cat, the reverend and the slave pointe du doigt un sujet intéressant, soulève de nombreuses questions et... c’est tout. Il n’explore aucune piste d’explication ni de réflexion. Il montre mais ne va jamais plus en profondeur que ce que l’on voit. Dommage car il y avait certainement beaucoup de choses à dire sur le sujet.

Annette Bening dans Mother & Child

Elle était l'invitée d'honneur du Festival du cinéma américain de Deauville. Elle y présentait deux films : The Kids are all right, comédie de moeurs douce amère primée par un Teddy Award à Berlin et Mother and Child. Annette Bening est, sans aucun doute, la star du cinéma indépendant cette année, et en bonne place pour une future nomination aux Oscars (elle a déjà été nommée trois fois).

Car le film de Rodrigo Garcia (Les passagers), qui met aussi en vedette Naomi Watts, Samuel L. Jackson, Kerry Washington et Cherry Jones, vient de recevoir le Grand prix à Deauville. Contrairement à The Kids are allright, très joli succès de l'été aux USA, Mother & Child n'a pas rencontré son public (un million de $ au box office). Il lui faudra un palmarès étoffé pour séduire les professionnels hollywoodiens : un an après son avant-première mondiale à Toronto, il a voyagé à San Sebastian, Sundance et Dubai. Le film sort le 17 novembre en France.

Deauville a aussi récompensé The Myth of the American Sleepover (présenté à la Semaine de la critique à Cannes) et Winter's Bone (prix du jury ex-aequo).

Holly Rollers a reçu le prix révélation Cartier tandis que le prix de la critique internationale a échu à Buried, de Rodrigo Cortes.

"Une fille, ça ne joue pas de guitare électrique !"

L’histoire : La rencontre et l’ascension de Joan Jett et Cherie Currie, deux adolescentes rebelles du milieu des années 70 qui vont former l’un des plus célèbres groupes de glam rock féminin : les Runaways.

Notre avis : Cela commence comme une chronique adolescente, où l’on suit le parcours parallèle de deux adolescentes au caractère bien trempé. Joan Jett (Kristen Stewart, bouillonnante) porte un perfecto en cuir et joue de la guitare électrique. Cherie Currie (Dakota Fanning, faussement fragile) fume comme un pompier et se prend pour David Bowie. A travers elles, c’est d’abord le portrait de toute une génération que dresse Floria Sigismondi : looks déments, coiffure seventies, vent de liberté, musique omniprésente (la bande originale est un pur régal, de Bowie à Iggy Pop en passant bien sûr par The Runaways) mais aussi drogue et mal-être.

Puis petit à petit, la grande histoire rejoint la petite. Avec leur énergie et leur volonté, les deux héroïnes montent un groupe de rock’n roll féminin, les Runaways, qui devient rapidement la coqueluche de la jeunesse américaine puis mondiale. Commencent alors les tournées, et avec elles, le cercle infernal de la célébrité et de la drogue.

Construit de manière linéaire, le film évite intelligemment les allers et retours entre présent et passé qui parasitent trop souvent les biopics. Ici, pas de traumatisme originel expliquant les déboires des deux jeunes femmes ni de flash-back explicatif donnant au spectateur l’impression que toute l’histoire était écrite d’avance. On est dans le moment présent, à égalité avec les personnages, et découvrant par leurs yeux les réalités d’un monde qui se fissure.

Cela tient sans doute au fait que c’est avant tout l’aventure collective qui intéresse la réalisatrice. D’ailleurs, elle s’avère moins efficace dans le drame intimiste, et les relations complexes entre Joan et Cherie, Cherie et sa sœur ou encore Cherie et ses parents semblent plus convenues.

Toutefois, ce qui porte le film, c’est bien évidemment le charisme de ses interprètes principales. Kristen Stewart a toute la fougue de la jeune Joan Jett, aussi à l’aise dans les prestations scéniques que dans les séquences plus intimistes. Son duo avec Dakota Fanning apporte beaucoup de charme au film, permettant de jouer sur la complémentarité des deux actrices.

Tandis que Kristen se montre sous un nouveau jour en garçon manqué qui n’a pas froid aux yeux (un rôle relativement éloigné du personnage de Bella dans la saga Twillight), Dakota casse l’image de pré-adolescente qui lui colle à la peau depuis ses débuts, et parvient à être à la fois candide et sexy, vulnérable et déterminée. A elles deux, elles empêchent le film de n’être qu’un biopic de plus en lui apportant une touche supplémentaire de glamour et de rock’n’roll.

Après Rohmer (disparu le 11 janvier dernier), Chabrol. Les deux avaient écrit ensemble un ouvrage sur Hitchcock. Ils vont se marrer là-haut tous les trois.

La nouvelle vague commence à perdre de sa vitalité. Claude Chabrol n'était pas seulement l'un des piliers fondateurs du cinéma français de la deuxième moitié du XXe siècle, il était aussi un homme populaire, l'un des rares cinéastes à être invité sur les plateaux télévisés en soirée dans des émissions de mass-media. Plus étonnant, il fut surtout un cinéaste qui alterna les succès en salles et des échecs sans trop de retentissements, sans que cela impacte sur sa filmographie. Il y avait les bons et les mauvais crus, mais il y avait toujours un producteur pour le soutenir. Il n'hésitait jamais à faire de l'alimentaire s'il le fallait. Jamais césarisé (il ne fut nommé que deux fois pour Une affaire de femmes et La Cérémonie), snobbé souvent par la critique, adoré des comédiens, fumiste et bon vivant, Chabrol, jovial en tournage, était de ces artistes qui étaient vénérés à l'étranger : rétrospectives, prix, conférences... Et c'est bien ce qui va nous manquer.

Sa connaissance du cinéma, sa maîtrise du genre qui le rendit célèbre (le film noir ou à suspens l'avait conduit à devenir un "Hitchcock français"), sa truculence vont créer un vide : celui d'un Français aimant croquer avec ironie et férocité les petits travers de ses compatriotes, petits ou grands bourgeois, en se délectant de décrire un coin du pays. Cet aspect satirique n'est pas inutile dans une industrie souvent très sage dès qu'il s'agit de se moquer de soi-même. Le scandale et les hypocrisies lui servaient de ressors pour faire rire (jaune) le spectateur malgré la noirceur des propos. Il s'attaque à Pétain avec L'oeil de Vichy, aux affaires de corruption dans L'ivresse du pouvoir,  comme il crée une famille recomposée improbable à partir d'un motif cynique dans Dr Popaul ou à la télévision et son univers cruel dans Masques. Mais c'est bien le genre policier qu'il aimait le plus. "Mon goût pour le polar remonte à l'enfance, expliquait-il, quand je lisais Agatha Christie. Un mauvais polar vaut toujours mieux qu'un autre mauvais film. Normal, parce qu'il touche à des questions graves, la vie, la mort, le bien, le mal, mais sans aucune prétention". "J'utilise le cadavre comme d'autres utilisent le gag".

Décédé ce dimanche 12 septembre à l'âge de 80 ans (et ce n'est pas un gag mais bien un cadavre), Chabrol, licencié ès lettres, aura lancé les Cahiers du Cinéma. En 1957, il séduit tout le monde avec son premier film, Le beau Serge (prix Jean Vigo, grand prix à Locarno). L'année suivante avec Les Cousins il obtient l'Ours d'or à Berlin. Après sa longue complicité cinématographique et amoureuse avec Stéphane Audran, il découvre une jeune Isabelle Huppert, qu'il transforme en muse. Violette Nozière, Une affaire de femmes, La cérémonie (son film le plus primé, de Toronto à Venise), Merci pour le chocolat (prix Louis-Delluc) : autant de films qu'ils ont tournés ensemble et qui ont marqué les esprits. Sans oublier Madame Bovary. Car Chabrol le lettré aimait les classiques de la littérature. Il le prouva aussi en adaptant Maupassant pour le petit écran. Mais aussi Dard, De Beauvoir, son maître Simenon (qui, comme lui, refusait les honneurs et aimait la monstruosité humaine) ou encore Ruth Rendell et Patricia Highsmith.

Le grand public retiendra évidemment les rôles de Jean Poiret en Inspecteur Lavardin et sa recette merveilleuse de l'oeuf au plat parfait. Summum d'humour noir. Poulet au Vinaigre eut même le droit à une sélection cannoise (la seule avec Violette Nozière pour Chabrol). Dans le même genre, Rien ne va plus, plus drôle et léger, reçu le prix du meilleur film au Festival de San Sebastian. Ses comédiens reçoivent souvent des prix, de Jean Yanne (Que la bête meurt, Le boucher) à Isabelle Huppert (primée à Cannes et Venise grâce à lui).

Ces dernières années, il récoltait les prix pour l'ensemble de sa carrière (Prix René Clair de l'Académie française en 2005 et Grand prix 2010 des auteurs et compositeurs dramatiques), à défaut de nous emballer avec ses films, un peu plus mous, même si la mise en scène était toujours bien ficelée, très soignée. Il laisse une oeuvre prolifique, moins uniforme que ce qui est généralement perçue. Mais surtout, il nous laisse, comme les peintres de la Renaissance, de multiples portraits d'un pays qui se consume par les petits calculs mesquins et qui ne se fédère qu'autour de la bouffe.

Les possibilités étaient nombreuses et les pronostics relativement ouverts, mais c'est assurément un palmarès inattendu et surprenant qu'ont rendu Quentin Tarantino et les membres du jury de la 67e Mostra. S'il est toujours possible de gloser sans fin (et sans réel intérêt) sur un choix forcément subjectif, tenant plus du compromis entre 7 personnes très différentes que de l'étude scientifique, on est tout de même en droit dans ce cas précis d'être déçu par le résultat des délibérations car il ne reflète absolument pas la diversité et la qualité d'une sélection unanimement saluée.

Admettons que le Lion d'or décerné à Somewhere de Sofia Soppola n'ait rien à voir avec le copinage : Tarantino et elle ont eu une liaison par le passé, mais on peut laisser au réalisateur le bénéfice du doute. Après tout, c'est un très joli film, touchant, presque plus réussi dans sa fragilité que ses précédents longs métrages. D'autant que les oeuvres favorites de la critique, qui ont plus la "carrure" d'un Lion d'or, comme The ditch de Wang Bing ou Post Mortem de Pablo Larrain, semblaient peut-être des choix trop évidents. Mais de là à les évacuer totalement du palmarès final...

Peu de films dignes d'être récompensés ?!

Même chose pour le double prix accordé à Alex de la Iglesia. Mise en scène, pourquoi pas. Il y avait pas mal d'autres possibilités (Darren Aronofsky, Abdellatif Kechiche, Takashi Miike...), mais on peut aimer ce style visuel excentrique et radical. Par contre, impossible de cautionner le prix du scénario quand justement le film semble n'en avoir aucun, se résumant à une banale histoire de rivalité amoureuse dérivant en règlement de comptes sanglant. Pourquoi, dans ce cas, ne pas choisir de récompenser l'un des autres bons films de la sélection ? Black swan, Post mortem, Silent souls... les candidats ne manquaient pas. L'autre double prix récompensant Essential killing de Jerzy Skolimowski (prix du jury et prix d'interprétation masculine) a également de quoi faire grincer des dents, parce qu'il donne vraiment l'impression que le jury a trouvé peu de films dignes d'être récompensés.

Enfin, les deux prix d'interprétation féminines semblent presque une blague : tout le monde attendait (à raison) Natalie Portman dans Black Swan, et c'est finalement celle qui interprète son amie dans le film, Mila Kunis, qui est récompensée, pour un second rôle somme toute sans éclat, par un prix de la "jeune actrice"... prix que l'on espérait voir revenir à Yahima Torrès dans Vénus noire d'Abellatif Kechiche.

Ce qui est relativement dommage, et  injuste, c'est qu'avec un tel palmarès, cette 67e édition de la Mostra de Venise risque de rester en mémoire comme un festival plutôt moyen. Exactement le contraire de Cannes qui a été sauvé par un palmarès ayant réussi à mettre en avant le meilleur d'une compétition pourtant en demi-teinte.

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Le palmarès 2010

Lion d'or
Somewhere de Sofia Coppola

Lion d'argent (prix de la mise en scène)
Alex de la Iglesia pour Balada triste de trompeta

Prix du jury
Essential killing de Jerzy Skolimowski

Prix du meilleur acteur
Vincent Gallo pour Essential killing

Prix de la meilleure actrice
Ariane Labed pour Attenberg

Prix de la meilleure jeune actrice
Mila Kunis dans Black swan

Prix de la meilleure photo
Le Dernier voyage de Tanya de Aleksei Fedorchenko

Prix du meilleur scénario
Alex de la Iglesia pour Balada triste de trompeta

Lion spécial pour l'ensemble de sa carrière
Monte Hellman

De manière générale, tout le monde est d'accord pour reconnaître la bonne tenue de la sélection 2010, presque plus captivante que celle de Cannes ou de Berlin. En effet, les réalisateurs attendus au tournant ont peu déçus tandis que les autres ont réussi à créer de belles surprises. On se retrouve donc en fin de festival avec des pronostics très ouverts sur l'identité des lauréats.

Dans le détail, il est frappant de constater que plusieurs thématiques très fortes se dégagent de ces 24 films venus pourtant de tous les horizons.

Le poids de l'Histoire

Tout d'abord, l'Histoire avait cette année une importance toute particulière, qu'elle soit au centre des intrigues comme dans Noi credevamo de Mario Martone, fresque épique sur la révolution italienne, ou plus en toile de fond comme dans les deux actioners asiatiques Detective Dee and the mystery of phantom flame de Tsui Hark et 13 assassins de Takashi Miike. Julian Schnabel, lui, aborde dans Miral les différentes étapes du conflit israélo-palestinien à travers la vie de plusieurs personnages qui se croisent. Dans Ballade triste de trompeta d'Alex de la Iglesia, la grande Histoire sert elle-aussi de prétexte à la petite, puisque son personnage principal est traumatisé par les horreurs de la guerre civile.

Enfin, trois films mêlent intimement témoignage historique et destins particuliers, puisant dans les faits réels qu'ils exposent une force dramatique supplémentaire : Venus noire d'Abdellatif Kechiche retrace les dernières années de la vie de Sarah Baartman, dite la "Venus Hottentote", Post mortem de Pablo Larrain se déroule au moment du coup d'état contre Salvador Allende au Chili, période troublée de massacres et de peur, et The ditch de Wang Bing raconte le quotidien miséreux de prisonniers politiques chinois croupissant dans un camp de travail insalubre pendant les années 60. Les journalistes chinois ont d'ores et déjà été prévenus, il est interdit de parler du film. Et si c'est lui qui gagne, il faudra tout simplement prétendre qu'aucun lion d'or n'a été décerné cette année. Preuve que le passé n'a pas fini d'être sensible, en plus d'être une excellente source d'inspiration.

Identité sexuelle 2.0

Dans un genre très différent, de nombreux films se sont intéressés aux questions d'identité sexuelle. Dans Potiche de François Ozon, les enjeux de la fin des années 70 font clairement écho à notre époque : émancipation, indépendance financière, libération sexuelle... Le film interroge ce qu'est être une femme et se moque des dernières barrières sexistes. Dans Black Swan de Darren Aronofky et La solitude des nombres premiers de Saverio Costanzo, les deux héroïnes fantasment sur une autre femme, et vont jusqu'au passage à l'acte plus ou moins fantasmé.

De plus, à travers la question de l'identité sexuelle, c'est la notion même de couple qui vole en éclats pour mieux donner naissance à quelque chose de meilleur. Happy few d'Antony Cordier explore différentes combinaisons échangistes entre deux couples qui se rendent compte qu'ils fonctionnent mieux à 4 qu'à 2. Drei de Tom Tykwer réinvente le trio classique de la femme, le mari et l'amant, en jetant les deux hommes dans les bras l'un de l'autre, et en appelant à abandonner les "idées préconçues de détermination biologique". A bas les étiquettes, en somme.

Vous avez dit abstraction ?

Enfin, il y a presque de quoi relancer le vieux débat sur l'abstraction au cinéma, tant certains films essayent de s'affranchir de toute narration, voire de toute intrigue. Cela donne des oeuvres arides et épurées, parfois radicales, qui ne cherchent pas à séduire a priori. C'est le cas d'Essential killing de Jerzy Skolimowski, où Vincent Gallo est seul dans la neige pendant plus de la moitié du film. Ou encore de Promises written in winter, de et avec Vincent Gallo, sorte d'essai destructuré où l'acte de création a lieu en direct, encore et encore, jusqu'à trouver le ton juste.

Somewhere de Sofia Coppola tend lui-aussi vers cette sorte d'abstraction en se contentant de capter la vie dans ce qu'elle a de plus quotidien. Au début et à la fin du film, on voit ainsi le personnage dormir, manger, marcher, en un mot vivre. Le reste est une succession de saynètes et de petits moments privilégiés. Silent Souls d'Aleksei Fedorchenko est un road-movie poétique et contemplatif sur les rites funéraires d'une éthnie russe imaginaire. Les gestes et les rituels y comptent bien plus que l'histoire-prétexte. Enfin, Meek's cutoff de Kelly Richardt se déroule dans les vastes plaines désertiques et désolées de l'Ouest américain. On y suit une poignée de pionniers à la recherche d'un point d'eau. L'intrigue et les dialogues tiennent sur un timbre poste, et là aussi tout est dans les gestes accomplis et l'écoulement du temps.

S'il est possible de considérer cette sélection comme un instantané de la production cinématographique à un instant "t", alors les réalisateurs contemporains semblent avant tout obnubilés par la question du temps qui passe. A la fois dans la nécessité d'interroger le passé pour mieux comprendre le présent, que dans celle de capter le flot de la vie et son irrésistible bouillonnement. Dans tous les cas, ils se projettent dans un avenir proche ou lointain qu'ils espèrent tous plus harmonieux, car ayant tiré les leçons de l'Histoire, et plus satisfaisant, car ayant redéfini les différents rapports sociaux entre les êtres. Le cinéma comme synthèse et utopie politiques, en quelque sorte.

11 films étaient en lice pour la récompense suprême de la culture queer et LGBT à Venise, le queer lion, décerné tous les ans pendant la Mostra depuis 2007. C'est donc Mauro Andrizzi (notre photo) qui succède à Tom Ford (A single man) avec son moyen-métrage En el Futuro (présenté en section Orizzonti), un documentaire qui interroge la sexualité sous toutes ses formes.

Etaient également en compétition Black swan de Darren Aronofsky, Drei de Tom Tykwer, Happy few d'Antony Cordier, La solitude des nombres premiers de Saverio Costanzo, Potiche de François Ozon, The tempest de Julie Taymor, En el futuro de Maruo Andrizzi, Sposero nichi vendola d'Andra Costantino, Et in terra pax de Matteo Botrugno et Daniele Coluccini, Capo dio monte de Pappi Corsicato et Lisetta Carmi de Daniele Segre.

Le jury, lui, était composé d'Ivan Stefanutti (directeur artistique du théâtre de l'opéra à Rome et de l'Opéra Comique de Paris), Roberto Cuzzillo (réalisteur et producteur) et de Daniele Sartori (acteur et réalisateur).

Le sponsor principal du prix, Queer Frame, profite de la Mostra pour lancer le premier site italien entièrement consacré au cinéma LGBT, www.queerframe.tv, afin d'offrir une plate-forme de diffusion aux oeuvres normalement exclues des circuits de distribution traditionnels.

Dans un premier temps, trois titres seront mis gratuitement à disposition des internautes dès le 20 septembre : Looking for cheyenne de Valérie Minetto, La Leon de Santiago Otheguy et Domaine de Patrick Chiha. Par la suite, les nouveaux titres seront disponible en streaming, en téléchargement et en dvd. Queer Frame devrait aussi distribuer LA Zombie de Bruce LaBruce (avec François Sagat) en Italie.