Patrick Grandperret est décédé à l'âge de 72 ans samedi 9 mars. Le réalisateur, né le 24 octobre 1946, laisse derrière lui 7 longs métrages. Après avoir été Photographe de plateau et assistant réalisateur, il commence sa carrière avec le documentaire Courts circuits en 1981, partageant ainsi sa passion pour la moto (il participa au début des années 70 à la Coupe Kawasaki et réalisa plusieurs films documentaires sur la moto et la voiture), avant de passer à la fiction avec Mona et moi en 1989, avec Denis Lavant et Antoine Chappey. Il reçoit alors le Prix Jean Vigo pour ce récit de débrouilles et de musique punk-rock new yorkaise.

Pourtant, c'est avec des productions familiales qu'il va se faire un nom au cinéma. En 1993, il signe L'enfant lion, adaptation cinématographique du roman Sirga la lionne de René Guillot,produite par Luc Besson qui aborde la traite des enfants en Afrique. Un succès avec 1,25 million d'entrées. Il enchaine avec Le maître des éléphants en 1995, toujours adapté d'un roman de René Guillot, et cette fois-ci produit par Francis Bouygues. Le film, qui séduit 700000 spectateurs, avec Jacques Dutronc, le ramène en Afrique, cette fois-ci autour du braconnage des animaux sauvages. Ce sont ses deux plus gros succès en salles.

Il change de registre en 1996 avec un film policier entre France et Maroc, Les victimes, où il retrouve Jacques Dutronc, qui croise Vincent Lindon, Florence Thomassin et Karin Viard. Dix ans plus tard, il filme Meurtrières, d'après un scénario jamais tourné par Maurice Pialat. Le film reçoit le Prix du président du jury Un certain regard à Cannes. Dix ans plus tard, avec sa fille Emilie, il co-réalise son dernier long, Fui banquero, avec Robinson Stévenin, Antoine Chappey et Pierre Richard, comédie franco-cubaine où là encore le héros essaie de se reconstruire, thème central de son œuvre.

Par ailleurs, Patrick Grandperret a eu de multiples casquettes, restant fidèle à certains grands noms du cinéma français. Dans les années 1970, il a été assistant réalisateur sur Le Voyage de noces de Nadine Trintignant, La Dentellière de Claude Goretta, Passe ton bac d'abord et Loulou de Maurice Pialat, Le Maître-nageur de Jean-Louis Trintignant et Deux lions au soleil de Claude Faraldo. Il a également produit le grand film de Claire Denis, Beau travail (en 2000), toujours en lien avec l'Afrique. Entre deux longs, il réalisait surtout des films pour la télévision (Inca de Oro, Couleur Havane, Commissaire Valence, Commissaire Moulin, Suite noire, Victor Sauvage...), des courts métrages et des films publicitaires.

On l'a aussi vu en acteur, notamment dans J'ai pas sommeil de Claire Denis ou Mischka de Jean-François Stévenin.

En 2016, la Cinémathèque française avait consacré une rétrospective à cet "artisan bricoleur, motard et voyageur, producteur passionné" au "parcours vagabond et mystérieux". Le cinéma de Patrick Grandperret est voyageur et familial, histoire de transmission et récit initiatique. Humain dans le regard, mais avec cette ligne de fuite invitant sans cesse à découvrir de nouvelles sensations et de nouveaux horizons.

La 76e Mostra de Venise (28 août - 7 septembre) décernera un Lion d'or d'honneur à l'actrice Julie Andrews, 83 ans, l’ensemble de sa carrière qui a débuté en 1949 - il y a 70 ans donc - avec un programme de la BBC.

"Je suis très honorée de recevoir le Lion d’or, a déclaré l’actrice. La Mostra de Venise est depuis longtemps considérée comme l’un des festivals les plus importants et je remercie la Biennale pour la reconnaissance de mon travail. Je suis impatiente d’arrivée dans cette ville magnifique pour cette occasion si spéciale" a déclaré la comédienne.

Lauréate d'un Golden Globe et d'un Oscar pour Mary Poppins en 1965, et d'un autre Golden Globe pour Victor Victoria en 1983, récompensée par un Disney Legends en 1991 pour sa contribution à la magie de Disney, elle a aussi été nommée à l'Oscar de la meilleure actrice pour La mélodie du bonheur et pour Victor Victoria, et sept fois aux Golden Globes (Millie, Star !, Darling Lili, The Julie Andrews Hour, Elle, That's Life! et Duo pour une soliste). Comédienne sur les planches de Boradway, elle a aussi reçu trois nominations aux Tony Awards (My Fair Lady, Camelot, Victor Victoria).

Parmi ses autres distinctions, soulignons ses trois Grammy Awards (dont un pour l'ensemble de sa carrière), un Bafta de la meilleure actrice, deux Emmy Awards, un prix pour l'ensemble de sa carrière des Screen Actors Guild Awards. Elle a son étoile à Hollywood depuis 1979.

Pour Alberto Barbera, le président du Festival, "le succès de son premier film hollywoodien, Mary Poppins, lui a donné son statut de star, qui s'est confirmé par la suite avec un autre trésor du cinéma, La mélodie du bonheur. Ces deux rôles la projettent dans l’Olympe de la célébrité internationale, faisant d’elle une figure iconique adorée de nombreuses générations de cinéphiles."

Mais il rappelle aussi que "Julie Andrews a elle-même contribué à éviter de rester enfermée dans le cinéma familial, en choisissant d’incarner des rôles dramatiques, ouvertement provocateurs ou tintés d’ironie. C’est le cas dans Les jeux de l'amour et de la guerre d’Arthur Hiller, ou dans les nombreux films dans lesquels elle a tourné sous la direction de son mari Blake Edwards. Le Lion d’or est la reconnaissance légitime d’une carrière extraordinaire qui a admirablement réussi à concilier succès populaire et ambitions artistiques sans jamais céder à la facilité."

Julie Andrews a en effet une jolie liste de cinéastes dans sa filmographie avec Le Rideau déchiré d'Alfred Hitchcock, Millie de George Roy Hill, Duo pour une soliste d'Andreï Kontchalovski, mais aussi deux films de Robert Wise (La Mélodie du bonheur et Star!). Evidemment sa collaboration avec Blake Edwards - 6 films ensemble - reste l'une des plus importantes contributions au cinéma américain tout en lui permettant de casser son image "Disney".

Ces 20 dernières années, Julie Andrews a surtout été au casting de comédies familiales (la série En coulisse avec Julie, sur Netflix) ou romantiques (Princesse malgré elle de Garry Marshall). Mais c'est sa voix qui a été avant tout sollicitée puisque l'actrice est Karathen dans Aquaman, la reine Lillian de Shrek et de Marlena Gru dans Moi moche et méchant, ou encore la narratrice de Il était une fois (Enchanted).

Le CNC vient de publier une étude sur la place des femmes dans la réalisation de films en 2017. 23,3% des longs métrages agréés ont été réalisés par des femmes, soit une progression de 62,8% depuis 2008. Le chiffre monte à 31,8% pour les courts métrages (avec une baisse de 9,6% depuis 2009).

45 réalisatrices ont tourné 3 ou 4 films en 10 ans

Le CNC révèle aussi que 37% des films aidés sont des projets de réalisatrices (la moyenne sur 10 ans étant de 38,7% pour 32,6% de projets candidatés par des femmes). Globalement, en 2017, 31,9% des premiers longs concernent des réalisatrices (contre 27,5% pour des deuxièmes long métrages).

Sur la période 2008-2017, 11 femmes ont réalisé au moins 4 films pendant les dix années étudiées, contre 71 hommes. 3 d’entre elles-dont deux actrices déjà installées-ont réalisé leur premier film (Valérie Donzelli, Mélanie Laurent, Marie-Castille Mention-Schaar). 39 femmes ont réalisé au moins 3 films entre 2008 et 2017. 14 d’entre elles ont réalisé leur premier film pendant cette période et plus d’un quart des femmes ayant réalisé au moins trois films : Sophie Letourneur, Amanda Sthers, Hélène Cattet, Fanny Ardant, Aida Bagic, Valérie Donzelli, Pelin Esmer, Katell Quillévéré, Rebecca Zlotowsky et Axelle Roppert. La championne toute catégorie este Anne Fontaine avec 6 films en dix ans.

La France derrière la Scandinavie mais devant l'Europe du sud

Globalement, en moyenne, depuis 5 ans, un film sur quatre est réalisé par une femme en France. C'est moins qu'en Suède (30,9%), en Norvège (27,9%), en Allemagne (25,9%) en Finlande (25,4%) et au Danemark (25%), mais bien plus qu'en Espagne (14,2%), au Royaume-Uni (12,1%) et en Italie (10,1%). Mais avec 370 films réalisés par des femmes sortis en salles entre 2012 et 2017, la France représente à elle seule plus du tiers (35,8 %) de l’ensemble des films réalisés par des femmes sortis sur la période dans les neuf pays européens étudiés.

Inégalités salariales encore fortes

Dans la production cinématographique de fiction, 15208 femmes ont travaillé à la production de fictions cinématographiques, soit une sous-représentation loin de l'égalité des sexes (43,2% de femmes, 56,8% d'hommes). Les métiers de scriptes, costumières, coiffeuses-maquilleuses, mais aussi les postes comptabilité-juridique-communication sont largement féminisés. Les stéréotypes sont persistants il y a ainsi peu de femmes chez les machinistes, électriciens-éclairagistes, mixeurs, preneurs de sons...). Pire, le salaire moyen d’une réalisatrice de long métrage, s'il a augmenté entre 2009 et 2017, reste inférieur de 42,3% à celui d’un réalisateur (un record tous postes confondus dans le cinéma). Et le tableau par métiers révèlent d'importants écarts chez les interprètes (8,8% en défaveur des femmes), les chargés de productions (38,9% d'écart) ou les directeurs/directrices de la photographie (13,2%).

Pourtant, 12 films réalisés ou coréalisés par des femmes ont dépassé le million d'entrées entre 2008 et 2017, avec en tête LOL de Lisa Azuelos, seul film de réalisatrice classé dans le Top 25 de la période, La rafle de Roselyne Bosch et Polisse de Maïween Le Besco. Ce sont les trois seuls succès au dessus de 2 millions d'entrées. Au total, 40 films de réalisatrices ont passé le cap des 600000 spectateurs, certaines cinéastes cumulant plusieurs titres entre 2008 et 2017 telles Maïwenn Le Besco, Anne Fontaine, Nicole Garcia, Lisa Azuelos, Carine Tardieu, Danièle Thompson.

Budgets et distribution toujours en faveur des réalisateurs

Malgré tout, avec un devis moyen de 3,47M€, les budgets des films des réalisatrices est inférieur de 37,1% par rapport à un film de réalisateur. Cependant, cet écart a tendance à diminuer. En dix ans le budget moyen des films d’initiative française réalisés par des femmes augmente très légèrement (+4,3 %) tandis qu’il a baissé de 24,1% pour les hommes. Sur dix ans, l'écart est visible par budgets de films: seulement 21 films de plus de 10M€ ont été filmés par des femmes, contre 211 (dix fois plus!) par des hommes. Plus généralement, au dessus de 7M€ de devis, les femmes sont largement sous-représentées.

On note la même inégalité sur la distribution. Entre 2008 et 2017, les coûts de distribution moyens des films d’initiative française réalisés par des femmes sont de 408,0 K€, soit 34,4 % de moins que ceux des films réalisés par des hommes. Sur la période, les films réalisés par des femmes sortent en moyenne dans 118 cinémas en première semaine, contre 170 établissements pour ceux réalisés par des hommes. En 2017, l'écart était plus dramatique avec 169 cinémas pour un film de femme contre 251 pour un film d'homme.

Les choses évoluent aussi dans les genres. Ainsi deux films d'animation agréés ont été réalisés par des femmes l'an dernier, et un troisième coréalisé avec une femme. C'est une première. 9 films documentaires ont été réalisés ou coréalisés par une femme. Sur dix ans, le drame (30,6%), le documentaire (23,1%), la comédie (22,8%) et la comédie dramatique (20,3%) restent les genres dominants pour les réalisatrices. Par rapport aux hommes, la proportion diffère. Plus présents dans le thriller/policier et l'animation, ils le sont surtout davantage dans la comédie (26,7%).

Sacré casting pour L'île flottante de Daniel Cohen. 7 ans après Comme un chef, comédie avec Jean Reno et Michaël Youn au budget de 10M$ (1,4 million d'entrées au total dans le monde), et 12 ans après Les deux mondes, SF décalée avec Benoît Poelvoorde, qui a coûté 17M€ (pour 1,3 million d'entrées au total dans le monde), le cinéaste (et acteur) tourne depuis la fin février son 4e long métrage.

Bérénice Bejo, Florence Foresti, Vincent Cassel et François Damiens, mais aussi Constance Labbe, Yan Brian et Caroline Piette, sont à l'affiche de ce film plus modeste financièrement que les deux précédents (6,5M€). SND distribuera ce film produit par Cinéfrance (Au poste, La douleur, Le dindon).

Daniel Cohen a coécrit le scénario: Léa annonce à ses proches qu’elle est en train d’écrire un livre: Marc, son mari, Karine, sa meilleure amie et Francis le mari de celle-ci, réagissent très vite à cette nouvelle. Toujours si indécise et sans ambition, comment a-t-elle réussi à écrire un roman ? Mais une fois édité, le livre se révèle vite être un énorme succès et la réussite inattendue de Léa va provoquer une onde de choc dans son entourage.

Après 16 mois d'existence, les 21 salles de l’association des Cinémas Indépendants Parisiens (CIP) tire un premier bilan. Leur Ciné Carte CIP connaît un joli succès avec 33 300 cartes vendues à la fin décembre, soit 220 294 places de cinéma dont 166 853
ont été utilisées.

Le nombre de places débitées représente désormais 8% des ventes globales des salles et continue à progresser. Surtout, "les salles qui ont troqué leur carte personnelle pour la Ciné Carte CIP ont pour certaines vu leurs ventes doubler voire tripler" affirme le communiqué.

Nouvelles offres

A partir de ce mois de mars, de nouvelles offres apparaissent. La Ciné Carte CIP de 5 places (valables 6 mois- 30 €) ou de 9 places (valables 9 mois, 48 €) devient la Ciné Carte CIP "DUO". Elle est utilisable par une ou deux personnes à une même séance.
Une nouvelle Ciné Carte CIP "TRIBU" de 19 places (valables 12 mois- 98€) est lancée, destinée particulièrement aux cinéphiles qui sortent en groupe ou aux familles et peut êtredébitée jusqu’à 4 places pour une même séance.

Enfin, une offre spécifique est mise en place pour les collectivités et les comités d'entreprises. La Ciné Carte CIP "UNE PLACE"
(valable 12 mois- 7,40€ la place- vendue par lot de 20) est utilisable tous les jours à toutes les séances, dans toutes les salles participante.

Virage numérique et écologique

De plus, la Ciné Carte CIP se modernise. La vente et la recharge en ligne de la Ciné Carte sur le site cip-paris.fr ont été améliorées et seront privilégiées et les réservations de séances en ligne sont désormais possibles. Le lancement d’une application
dédiée permettant d’acheter ou de recharger sa carte, de visualiser son solde d’entrées et d’obtenir la programmation des salles les plus proches grâce à la géolocalisation est prévu cet année. Enfin, éditées actuellement sur support papier, les cartes seront bientôt dématérialisées,

Par ailleurs, 3 cinémas rejoignent le réseau:  le Lucernaire (6e), leChaplin Denfert (14e) et le Chaplin Saint-Lambert (15e) portant à 24 le nombre de salles acceptant la Ciné Carte dans Paris.

Les salles partenaires sont le Luminor Hôtel de Ville (4e), Cinéma du Panthéon (5e ), Grand Action (5e), Reflet Médicis (5e), Studio des Ursulines (5e), Studio Galande (5e), Épée de bois (5e), L’Arlequin (6e), Beau Regard (ex Etoile Saint-Germain, 6e), Le Lucernaire (6e), Nouvel Odéon (6e), Les 3 Luxembourg (6e), Le Balzac (8e), Max Linder Panorama (9e), L’Archipel (10e), Le Brady (10e), Majestic Bastille (11e), L’Escurial Panorama (13e), Le Chaplin Denfert (pas de vente, début seulement, 14e), Lieu
Secret (ex Entrepot,14e), Le Chaplin Saint-Lambert (pas de vente, débit seulement, 15e), Majestic Passy (16e), Cinéma des cinéastes (17e) et le Club de l’Étoile (17e).

Rendez-vous européen des professionnels du film d'animation depuis 1999, le Cartoon Movie voit passer chaque année les projets de longs métrages les plus divers, qu'ils soient attendus ou confidentiels, classiques ou complètement fous, modestes ou extrêmement ambitieux. Si tous ne voient malheureusement pas le jour, chacun d'eux a la possibilité d'être présenté devant les producteurs, investisseurs, distributeurs, agents de vente, sociétés de jeux vidéos ou encore new media players présents, en tout 900 professionnels en quête de contenus, de coopérations ou de coproductions.

Cette année, ce sont 66 projets en provenance de 22 pays, dont 22 films français, qui ont été sélectionnés pour participer à cette 21e édition du Cartoon Movie. Si les deux tiers sont seulement à l’état de concept ou en développement, 7 sont en production et 7 seront présentés en sneak preview, ce qui signifie qu'ils sont pratiquement terminés. Parmi ceux-là, on retrouve notamment L’Extraordinaire Voyage de Marona d'Anca Damian (qui présente aussi un projet à un stade moins avancé, intitulé The Island) et Bunuel dans le labyrinthe des tortues de Salvador Simo, que l'on avait tous deux eu la chance de découvrir lors de l'édition 2018.

La répartition des projets entre comédies familiales (67%) et films à destination d'un public jeunes adultes / adultes (20%) est assez représentative de l'image que l'on se fait du cinéma d'animation, et reste constante. C'est pourtant parmi ces films pour adultes et adolescents que l'on trouve certains des projets d'ores et déjà les plus attendus, tels que Saules Aveugles, Femme Endormie de Pierre Földes, adapté de Murakami, La Traversée de Florence Miailhe, dont il s'agit du premier long métrage après une très belle carrière dans le format court, Interdit aux Chiens et aux Italiens d'Alain Ughetto, à qui l'on doit notamment Jasmine, J'ai perdu mon corps de Jérémy Clapin (adapté de Happy Hand de Guillaume Laurant), Trois enfances de Simone Massi, l'animateur derrière les plus belles séquences de Samouni road, ou encore Kiki de Peter Dodd, sur la vie d'Alice Prin, plus connue sous le nom de Kiki de Montparnasse.

Mais on suivra également de près certains projets plus "familiaux" comme Linda veut du poulet ! de Chiara Malta & Sébastien Laudenbach (La Jeune Fille sans Mains), Terra Willy d'Eric Tosti (Les as de la jungle) qui sort le 3 avril, ou Where is Anne Frank d'Ari Folman (Valse avec Bachir).

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Cartoon Movie 2019
Du 5 au 7 mars
Informations sur le site de la manifestation

Perdante pour la 7e fois (détenant ainsi le record de l'actrice la plus nommée sans avoir jamais remporté de statuette), Glenn Close veut profiter du good buzz autour d'elle, à bientôt 72 ans. Elle a d'abord exprimé son souhait de voir un remake de Liaison Fatale (Fatal Attraction) (1987), l'un de ses plus grands succès (avec les Gardiens de la Galaxie et Air Force One), avec le point de vue de la maîtresse (qu'elle incarnait) et non pas celle du mari (trompeur), en essayant de comprendre pourquoi elle est si dérangée mentalement. Elle concède qu'elle n'a plus l'âge pour jouer le rôle, mais elle confie aussi qu'elle pourrait écrire le scénario.

Un autre de ses personnages mythiques devrait voir le jour plus rapidement sur les écrans. L'actrice de The Wife (actuellement en e-cinema) veut être de nouveau Norma Desmond.

Elle avait interprété l'actrice (fictive) du cinéma muet cherchant à revenir désespérément sur le devant de la scène dans le musical de Broadway inspiré du film culte de Billy Wilder, Sunset Boulevard (1950). Sur les planches, elle avait été Norma à Broadway en 1993 (remportant un Tony Award en 1995) et dans le revival exceptionnel en 2017 à Londres et à New York.

Le tournage devrait être lancé cet automne à Londres, et le film - produit par le musicien du livret Andrew Lloyd Webber (Le Fantôme de l'opéra), qui détient les droits du musical - sera réalisé par le chorégraphe Tony Ashford.

Sunset Boulevard, aka Boulevard du Crépuscule, est un film noir qui mettait en scène Gloria Swanson, William Holden et Erich von Stroheim. Il avait récolté 3 Oscars (direction artistique, musique et scénario) et avait été nommé dans 8 autres catégories (dont meilleur film).

L’Atelier de la Cinéfondation accueille cette année, du 16 au 23 mai, sa quinzième édition et 15 réalisateurs "dont les projets de film ont été jugés particulièrement prometteurs". Accompagnés de leurs producteurs, les cinéastes pourront rencontrer des partenaires potentiels pour finaliser leur projet et passer à la réalisation de leur film.

L’Atelier du festival de Cannes, créé en 2005 pour encourager le cinéma de création et favoriser l’émergence d’une nouvelle génération de cinéastes dans le monde, a suivi "en quatorze ans le développement de 198 projets, dont 157 sont sortis sur les écrans et 27 sont actuellement en pré-production. Pour cette 15ème édition, 15 projets venus de 15 pays ont été retenus, du réalisateur à ses débuts au cinéaste confirmé."

Le Livre des Projets et les fiches d’inscription aux rendez-vous seront disponibles début avril sur www.cinefondation.com.

Géographiquement, l'Europe domine avec 7 projets. Des pays cinématographiques rares comme le Lesotho, le Myanmar (ex-Birmanie), le Népal, le Pakistan et la Syrie sont également présents.

Présenté dans la sélection Forum de la dernière Berlinale, Ne croyez surtout pas que je hurle est un cri qui vient de l'intérieur. Iconoclaste, le film d'une heure et quart ne ressemble à aucun autre. C'est une autobiographie du réalisateur, Frank Beauvais. C'est aussi une observation politique, anthropologique, sociétale, aussi bien de la vie dans un village des Vosges que de celle plus lointaine de Paris et de la France. C'est une déclaration clamée par le cinéaste, entre pamphlet anarchiste et récit intimiste, comme un journal quotidien qu'on lirait à haute voix, en mélangeant ses angoisses personnelles aux colères plus universelles. On y parle aussi bien de la père du père que de la visite d'un célèbre cinéaste portugais, de la solitude extrême que des attaques terroristes, on s'interroge sur le sens de la vie comme sur cette vie qui n'a pas de sens.

Janvier 2016. L'histoire amoureuse qui m'avait amené dans le village d'Alsace où je vis est terminée depuis six mois. À 45 ans, je me retrouve désormais seul, sans voiture, sans emploi ni réelle perspective d'avenir, en plein cœur d'une nature luxuriante dont la proximité ne suffit pas à apaiser le désarroi profond dans lequel je suis plongé. La France, encore sous le choc des attentats de novembre, est en état d'urgence. Je me sens impuissant, j'étouffe d'une rage contenue. Perdu, je visionne quatre à cinq films par jour. Je décide de restituer ce marasme, non pas en prenant la caméra mais en utilisant des plans issus du flot de films que je regarde.

Produit par Les films de Bélier, les films Hatari et Studio Orlando, le film devrait sortir cet automne, distribué par Capricci. C'est à la fois un cri de douleur existentiel et une déclaration d'amour au cinéma. En mixant ces deux angles, Frank Beauvais propose une œuvre qui apparaît comme une nécessité. Le hurlement d'un homme piégé par son époque comme par son quotidien, par son avide besoin de cinéma comme par son obsession d'exprimer son désarroi. Malgré l'aspect crépusculaire - la tonalité vocale comme la signification des mots - et la déprime qui s'en dégage, Ne croyez surtout pas que je hurle révèle une force et une intensité où le destin d'un individu, misanthrope et lucide, perdu et reclus en Alsace, trouve sa place (et un écho très lointain) dans un collectif invisible et une société en plein chaos.

Ne croyez pas que je hurle c'est un film autour du je. C'est je qui parle. C'est je qui voit. Sans aucune pudeur. Une mise à nu textuelle que cet écorché met à distance en se réfugiant derrière les images des autres. C'est pourtant bien grâce à sa forme narrative et visuelle que cet égocentrisme devient poétique, produisant une énergie créative rare et précieuse. C'est un documentaire et, pourtant, on y voit une fiction complètement libre, usant du cinéma tout en cassant les codes. Ce n'est pas une fiction puisque tout ce qui est raconté est réel, même si le verbe est littéraire et les envolées romanesques. Car, en plus, c'est superbement écrit: le texte mériterait d'être publié. Portrait d'un quadra à l'écart de ce monde qui tourne mal et d'une société qui sonne toutes ses alarmes pour nous prévenir des dangers. Enfin, ce n'est pas un film classique puisqu'il n'y a aucun acteur et aucune scène n'a été tournée.

Car l'audace est aussi formelle. Spectateur compulsif, Frank Beauvais a visionné des centaines de films pour combler son ennui, s'évader de l'horreur, remplir sa tête. Du nanar alternatif aux films rares de l'Europe communiste en passant par des classiques japonais. De cette passion absorbante, il a extrait un plan, une image, une séquence. Chaque extrait, parfois très furtif, qu'on ne cherchera pas forcément à reconnaître tant on se laisse bercer par la parole et hypnotiser par l'image, illustre ce qu'il dit. Cette richesse visuelle et cette inventivité qui relie tous les cinémas à son film introspectif est proprement fascinante. A la confusion d'un être s'ajoute la confusion des films. Pourtant tout est linéaire, fluide, limpide. Lui qui sombre dans les films des autres, et perd l'envie d'écrire et de filmer, trouve ici le moyen de créer en se nourrissant d'autres créations. Une anthropophagie du cinéma, davantage qu'une anthologie tant les choix sont partiaux.

Le film est par ailleurs très bien écrit. Non seulement sur la forme, puisqu'il trouve la bonne image qui correspond à ses mots, mais aussi sur le fond parce qu'il raconte une véritable histoire qui s'achève  magnifiquement dans un plan aérien et zen. C'est l'histoire d'un névrosé qui cherche la lumière. Comme c'est le récit d'un cinéaste qui (dé)montre que tout a été filmé (ou presque), puisant dans la vaste histoire du cinéma archivée sur le net ou en dvd, pour livrer une œuvre composite.

On pourrait qualifier ce cinéma d'expérimental. Ce serait réducteur. La narration s'aventure en effet dans quelque chose d'innovant, mais elle reste tenue par un fil conducteur cohérent tant visuellement que dramatiquement. C'est un objet filmique non identifié, singulier. Une autre forme de cinéma qui se sert de la duplication des images fabriquées par d'autres, d'un assemblage hétéroclite de plans déracinés, pour exprimer, traduire un regard personnel et unique. C'est un poème moderne, une fleur du mâle, où le ciel est brouillé, où l'on ressent le goût du néant. C'est baudelairien car il y a autant d'horreur que d'extase dans cette métamorphose d'un vampire, reclus dans sa maison aux volets fermés. C'est la Solitude et l'invitation au voyage, le joueur généreux et les yeux d'un pauvre.  Ne croyez pas que je hurle est un long spleen halluciné (et hallucinant) où rêves et cauchemars s'inspirent exclusivement du 7e art.

Si l'on en croit les informations de Deadline, le distributeur américain Warner Bros. devrait parvenir à réunir Tom Cruise, Emily Blunt et Doug Liman pour ce nouvel opus.

Blockbuster sous coté

D'après le webzine américain, Warner Bros. développe une suite d'Edge of Tomorrow. Le film sorti durant l'été 2014 se verrait doté d'une nouvelle équipe artistique bien qu'il soit prévu de faire revenir les valeurs sûrs du premier volet, à savoir les deux acteurs principaux et le réalisateur de renom qui ont permis à ce film de science-fiction d'amasser plus de 370 millions de dollars dans le monde.

Après avoir présenté un nouveau pitch, Matthew Robinson (The Invention Of Lying) aurait été engagé pour rédiger le scénario de cette suite. Produit par Erwin Stoff, Tom Lassally et Masi Oka, sans oublier Hisashi Sasaki, Edge of Tomorrow 2 semble d'ores et déjà sur la bonne voie puisque Tom Cruise et Emily Blunt ne sont pas contre l'idée de rempiler dans les rôles de William "Bill" Cage et Rita Rose Vrataski. Ils attendraient d'avoir lu le script avant de prendre une décision. Ce qui ne saurait tarder puisque ce dernier sera supervisé par Doug Liman lui-même.

Cela fait plusieurs années qu'il se murmure ici et là qu'une suite est en développement. Mais il aura fallu attendre l'arrivée de Matthew Robinson sur le projet pour que celui-ci démarre vraiment. Comme le rappelle justement Deadline, bien que peu aidée par son titre très canonique, la suite d'Edge of Tomorrow pourrait faire un véritable carton. Le premier film de Doug Liman est en effet disponible sur Netflix depuis quelques mois et a su trouver un nouveau public.

Quant à ses acteurs, ils n'en finissent plus de remplir les salles obscures. L'été dernier, Tom Cruise a généré 791 millions de dollars de recettes mondiales dans Mission : Impossible - Fallout tandis qu'Emily Blunt a récemment fait un malheur dans Sans un bruit (340M$ de recettes mondiales) et Le Retour de Mary Poppins (345M$ de recettes mondiales). De son côté, après Edge of Tomorrow, Doug Liman a malheureusement fait les gros titres en raison des échecs commerciaux de The Wall (4M$ amassés) et Barry Seal: American Traffic, l'un des plus mauvais scores au box-office de Tom Cruise !