C'est désormais officiel : la guerre des superhéros entre Walt Disney et Warner est lancée. En précisant son programme d'adaptation de comics, la Warner, alliée à DC Entertainment, a décidé de jouer dans la même cours que Disney/Marvel. Ce ne sont pas 9 films qui seront produits en 2016 et 2020, mais 10. Et c'est un minimum, puisque le studio ne s'interdit pas un Batman ou/et un Superman en plus.
Les superhéros vont nous envahir (lire notre actualité du 7 août).

La Warner se permet donc d'anticiper en donnant plus de précision sur le programme.

Batman vs Superman: Dawn of Justice de Zack Snyder, avec Ben Affleck et Henry Cavill (2016)
Suicide Squad de David Ayer (2016)
Wonder Woman avec Gal Gadot (2017)
Justice League Part One de Zack Snyder, avec Ben Affleck, Henry Cavill et Amy Adams (2017)
The Flash avec Ezra Miller (2018)
Aquaman avec Jason Momoa (2018)
Shazam avec Dwayne Johnson (2019)
Justice League Part Two de Zack Snyder (2019)
Cyborg avec Ray Fisher (2020)
Green Lantern (2020)

Le plus intéressant dans cette annonce est bien entendu la révélation ou la confirmation de certains castings.
Pour l'instant, Suicide Squad courtise Ryan Gosling, Tom Hardy et Will Smith. Mais le film a son réalisateur.
La franchise Justice League est enfin dans les tuyaux et presqu'au complet. On connaissait déjà les incarnations d'Aquaman, Wonder Woman et Cyborg (chacun étant dans le Batman vs Superman). On ignorait qui allait être Flash. Et c'est Ezra Miller qui va s'y coller. Changement de registre total pour le jeune acteur, habitué aux rôles torturés ou barrés dans des films d'art et essai.

Reste à trouver la Green Lantern. Et espérons que le public ne se lasse pas trop d'ici là.

Le Festival Lumière avance, les films défilent et aujourd'hui on commence la journée avec la projection de Pour un poignée de dollars dans une superbe version restaurée… Le film a 50 ans cette année et reste indémodable! Indémodable, restauration… Ces mots nous emmènent doucement sur les traces de Side by Side, documentaire de Christopher Kenneally, produit par Keanu Reeves et qui étaient tous deux là pour nous le présenter.

"le plus beau casting du Festival"

Passage de l'argentique au numérique, du 35mm au digital… Keanu Reeves interviewe un grand nombre de réalisateurs (Lynch, Cameron, Soderbergh, Scorsese...), directeurs de la photographie, monteurs, producteurs etc. ("c'est le plus beau casting du Festival" comme se plaît à le dire Thierry Frémaux) sur cette question d'actualité. Les aspects techniques et pratiques sont abordés. On comprend mieux les enjeux (financiers principalement), les avantages du numérique comme ceux du celluloïd, les limites qu'ils s'imposent. Les avis ne sont pas toujours tranchés, certains l'évoquent presque à contrecoeur, comme une fatalité, d'autres encore se lancent à corps perdu dans cette révolution du numérique comme Georges Lucas ou David Fincher, et puis il y a ceux qui n'y voient que peu d'intérêt et défendent le 35mm comme c'est le cas de Christopher Nolan.

Les arguments sont nombreux. Véritable liberté, coûts diminués pour certains, perte de la réalité, problèmes d'archivage, changements du rapport à l'image pour d'autres. La question passionne, et divise.

À la suite du film, un petit débat se met en place. Pour Christopher Kenneally on sent que c'est le numérique vers lequel il penche alors qu'en ce qui concerne Keanu Reeves, le 35mm semble garder son amour. "J'adore la qualité et le ressenti du film. Il y a une émotion. Ce qui me manquerait sans le film, c'est la réalité! Je pense en tout cas que les cinéastes devraient toujours avoir la possibilité de prendre une caméra traditionnelle si ils le souhaitent."

Et de conclure par: " Est-ce que le numérique a un réel impact sur notre façon de raconter des histoires?" La question reste en suspens...

Marie Dubois est morte à l'âge de 77 ans ce mercredi 15 octobre, près de Pau. Elle était jolie, talentueuse, avec ce visage un peu moderne des Annie Girardot dans les années 60. Elle aura donné la réplique aux plus grands: Belmondo, Trintignant, Depardieu, Moreau, Huppert, Brasseur, Montand, De Funès, Noiret, Giannini, Kinski, Blier, Piccoli, Brynner, Fonda (père et fille), Lafont, Ventura, Lollobrigida, Simon...

Mais une sclérose en plaques la ronge depuis ses 23 ans et l'oblige a, progressivement, quitté les plateaux de cinéma depuis le milieu des années 80.

Dans un entretien au site Doctissimo, le 25 février 2003, elle explique: « J'avais 23 ans lorsque la maladie s'est déclarée. C'était après le tournage du film de François Truffaut Tirez sur le pianiste. Heureusement, cette première alerte n'a pas été trop sévère et je me suis empressée de l'oublier ; mais la maladie, elle, ne m'a pas oubliée Elle m'a rattrapée après le tournage de La menace, avec Alain Corneau, quelques vingt ans plus tard. Ces années de répit m'ont permis de mener à bien ma carrière sans que la maladie ne soit omniprésente. »

Née Claudine Huzé le 12 janvier 1937 à Paris, elle débute avec la Nouvelle vague, tournant avec Eric Rohmer (Signe du lion, 1959), Jean-Luc Godard (Une femme est une femme, 1961) et François Truffaut (Tirez sur le pianiste, 1960, Jules et Jim, 1962). Truffaut fut son mentor. C'est lui qui a choisi son nom de scène (emprunté à un roman de Jacques Audiberti, intitulé Marie Dubois).

La Grande Vadrouille et douze ans plus tard un césar

Après ses débuts, Marie Dubois, actrice capable d'être tragédienne et dramatique autant que comique, va alterner les grands succès populaires et les grands auteurs: Week-end à Zuydcoote d'Henri Verneuil, La Chasse à l'homme d'Édouard Molinaro, La Ronde de Roger Vadim, Les Grandes Gueules de Robert Enrico, Le Voleur de Louis Malle et bien entendu La Grande Vadrouille de Gérard Oury en 1966.

De 1967 à 1973, elle tourne souvent, mais les films sont moins remarquables. On la voit quand même dans Gonflés à bloc avec Tony Curtis, Bourvil et Mireille Darc et elle obtient le prix d'interprétation de l'Académie Nationale du Cinéma pour son rôle dans Les Arpenteurs en 1972.

En 1973, lle retrouve alors un second souffle, avec Le Serpent d'Henri Verneuil, Vincent, François, Paul et les autres de Claude Sautet, L'innocent de Luchino Visconti, La Menace d'Alain Corneau, qui lui vaudra un César du meilleur second rôle féminin en 1978, Mon oncle d'Amérique d'Alain Resnais et Garçon ! de Claude Sautet.

A partir de 1984, elle se raréfie. Elle est nominée au César du meilleur second-rôle pour Descente aux enfers de Francis Girod, en 1987. On la retrouvera en vieille duchesse dans Les Caprices d'un fleuve de Bernard Giraudeau et chez Claude Chabrol dans Rien ne va plus.

En 2002, elle publie ses mémoires, J'ai pas menti, j'ai pas tout dit (Plon).

Le Festival Lumière donne la possibilité de faire de véritables grands écarts cinématographiques en un seul jour. On peut entamer sa journée aux côtés de Capra pour commencer avec entrain, changer de rythme avec Sautet, (re)découvrir Kotcheff et enfin respirer une bouffée de nostalgie avec Reitman et ses héros de Ghostbusters.

C'est aussi un peu ça la magie du Festival Lumière. Tous les genres se côtoyant, le Cinéma avec un grand C est à l'honneur et chaque séance (ou presque) est présentée par un talent du 7ème Art qui n'est là que pour une seule et même raison: faire partager sa passion.

Ghostbuster "ressemble à un film d'Alain Resnais"

C'est Rachid Bouchareb qui présente La Vie est belle de Frank Capra devant une salle comble! "J'ai vu ce film sept ou huit fois et je pleure à chaque fois à la fin." Il définit Frank Capra comme un réalisateur engagé, politique, qui souhaite nous faire réfléchir à travers des films empreints de tendresse, de partage et de solidarité. Il est le cinéaste de la bouteille à moitié pleine et La vie est belle est un exemple qui illustre très bien cela.

Capra fait preuve ici d'un optimisme à toute épreuve montrant sa foi en l'humanité malgré certains déboires successifs que subit George Bailey. C'est aussi un film rempli d'humour, dans les dialogues comme dans les situations (le trio Dieu, Joseph et Clarence qui espère gagner ses ailes d'ange en venant en aide à George). C'est, comme le dit Rachid Bouchareb, "un merveilleux conte" qui n'a pas eu le succès escompté à sa sortie en 1946 mais qui a connu par la suite un véritable succès télévisé où il est rediffusé depuis chaque année à Noël.

Pour Nelly et Monsieur Arnaud, c'est Jean-Hugues Anglade qui vient en discuter. "Les films de Claude Sautet ont été pour moi une véritable révélation dans les années 70. Et j'ai eu la chance de faire partie de l'aventure pour son dernier film" dans lequel il incarne Vincent Granec, l'éditeur auquel s'adresse Monsieur Arnaud pour publier son livre et qui succombera aux charmes de la ravissante Nelly. Jean-Hugues Anglade nous parle de l'incroyable intransigeance de Sautet, de son goût du détail, de son envie de perfection jusque dans l'harmonie entre la couleur de la cravate et le papier peint dans une scène.

Avec ce film, Claude Sautet suit tout en douceur ce couple particulier que forment Michel Serrault et Emmanuelle Béart en qui il retrouve son idéal féminin qu'il avait perdu à la mort de Romy Schneider.

Changement de décor direction le Canada avec Ted Kotcheff toujours présent pour dire quelques mots aujourd'hui sur L'apprentissage de Duddy Kravitz (Ours d'or à Berlin en 1974). Et tout comme la veille pour Wake in fright, ce dernier ne manque pas d'anecdotes. La genèse de ce film remonte donc à 1957 lorsqu'il vient vivre dans le sud de la France où il rencontre Mordecai Richler qui deviendra par la suite un grand romancier canadien. Selon eux, à la façon d'Hemingway, ils se devaient de venir en Europe en laissant l'Amérique derrière eux afin de pouvoir vivre leur art.

En 1959, Mordecai Richler rédige L'apprentissage de Duddy Kravitz et "je lui ai dit que j'en ferai un grand film". Ted Krocheff cherche alors des financements durant plusieurs années mais en vain. Un producteur est enfin intéressé mais veut de Duddy Kravitz soit grec et non juif. Hors de question! Un autre était également sur les rangs mais l'histoire devait se dérouler à Pittsburgh et non à Montréal. No way! Il aura donc fallu attendre 14 ans avant que Ted Kotcheff puisse réaliser ce film sans dénaturer le livre de son ami grâce à la création d'un fonds de développement du film canadien.

On est ici assez loin de Wake in fright mais on a toujours ce rythme, cette vitesse tant chez le personnage que dans la réalisation. Cela donne au film un rythme incroyable, une urgence palpable chez Duddy Kravitz (qui la ressent physiquement), cette impatience, ce besoin d'avancer vite, très vite dans le monde, de devenir adulte avant l'heure quitte à griller quelques étapes et à s'en mordre les doigts…

On fait ensuite un bon de 10 ans en avant pour finir la journée sur un air de nostalgie avec Ghostbusters (1984). 30 ans tout juste et le film fait toujours son petit effet! Certes les effets spéciaux paraissent bien démodés, mais ils nous rappellent tout de même que pour l'époque, ils étaient plutôt bien réussis…

C'est Rebecca Zlotowski qui nous le présente avec cette réelle envie de choisir un film populaire, un film de série B mêlant comédie romantique (Bill Murray superbe en incorrigible dragueur) et science-fiction. Parabole d'un capitalisme qui est en train de disparaître, elle trouve très intéressant de le revoir aujourd'hui avec un autre regard et surtout dans le contexte actuel. Elle trouve même qu'étrangement il "ressemble à un film d'Alain Resnais".

Une journée faite de tours et de détours cinématographiques nous rappellent que le 7ème Art, c'est avant tout de nombreux regards et tout autant de manières de les mettre en histoires et en images.

Ils ont reçu un Oscar du scénario ensemble pour Will Hunting (1997). On les a aussi croisés dans Dogma de Kevin Smith, Une virée d'enfer de Rich Wilkes, School Ties de Robert Mandel et Une soirée parfaite de Jordan Brady. Mais depuis le début des années 2000, les amis Ben Affleck et Matt Damon ont chacun fait leur chemin.

Le premier, à l'affiche de Gone Girl, n°1 au box office français et américain ce week-end, en se lançant avec succès dans la réalisation et reprenant récemment le personnage de Batman. Le second en incarnant Jason Bourne et jouant pour Gus van Sant, Steven Soderbergh, Terry Gilliam, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Clint Eastwood, les frères Coen, George Clooney et même Christopher Nolan.

Avec leur société de production Pearl Street Films, ils développent ensemble Incorporated pour la chaîne SyFy, selon les informations de The Hollywood Reporter. Incorporated est un thriller d'espionnage futuriste où les multinationales sont devenues des puissances sans limite. Un homme va essayer de retourner ce système.

Le pilote a été écrit par les frères David et Alex Pastor.

Nul ne sait encore si les deux compères seront ensemble devant ou/et derrière la caméra.

Le Festival Lumière à Lyon a fait claquer son clap d'ouverture! Et pour cette 6ème édition, les festivaliers ont eu droit à des séances supplémentaires avant même l'ouverture officielle du lundi soir… Pour ma part ça a été Wake in frightde Ted Kotcheff (surtout connu pour son opus Rambo) à qui le festival rend hommage cette année.

Un film sauvé de la destruction
Le réalisateur canadien était présent pour nous dire quelques mots avant la projection. On apprend alors que le film a été apprécié par la critique lors de sa sortie mais boudé par le public australien qui n'aimait pas du tout le portrait que Ted Krotcheff dressait d'eux (qui est en effet assez peu reluisant). Et le réalisateur d'enchaîner: "Savez-vous pourquoi j'aime les Français? Quand le film a été présenté à Cannes en 1971, il a eu les honneurs de la critique mais aussi l'amour du public!". En effet le film est resté 9 mois dans les salles parisiennes puis a disparu littéralement pendant 25 ans! En 1996, un producteur australien s'est demandé ce qu'il était advenu et est parti à sa recherche, mais en vain. Puis le monteur du film (qui adorait Wake in fright) s'est lancé lui-même à sa recherche durant 13 ans. Londres, Dublin, New York pour finalement retrouver négatifs, bandes-sons etc. à Pittsburgh, dans une boîte sur laquelle il était inscrit "for destruction". "À une semaine près le film était détruit" nous dit Ted Krotcheff, amusé…

Mais heureusement que ce ne fut pas le cas: ce film quelque peu inclassable est une très belle découverte, qui nous plonge de suite dans une atmosphère bien particulière. La scène d'ouverture, un panorama sur un hôtel miteux et une école perdus au milieu du désert australien, scindé en deux par une voie de chemin de fer. L'ambiance est posée en quelques minutes seulement. L'immensité est omniprésente et pourtant, d'entrée de jeu, on étouffe. La scène de fin, la même que celle d'ouverture, métaphore de cet endroit d'où l'on ne peut s'échapper, accentue ce sentiment oppressant. Le soleil écrasant, la sueur qui perle sur les visages, tout semble poisseux, collant.

Une plaque Ted Kotcheff sur le mur des cinéastes
John Grant, jeune instituteur, doit rentrer à Sidney pour retrouver sa petite amie lors des vacances de Noël. Mais en route il se retrouve en quelque sorte bloqué à Yabba, ville étrangement étrange où tout le monde est très - trop - accueillant et qui se révèlera finalement être une ville cauchemar pour John. Ville qui va le plonger dans la douce folie de ses habitants l'entraînant peu à peu dans une véritable descente aux enfers durant laquelle il va perdre contact avec la réalité.

Ted Kotcheff donne à son film un rythme déconcertant pour le spectateur alternant des scènes qui semblent n'en plus finir au point de nous enivrer, suivies d'un retour au calme qui fait suite à la tempête, pour que celle-ci reprenne ensuite le dessus de plus belle. Le spectateur est baladé, ballotté tout comme le héros qui a bien du mal à reprendre son souffle.

Donald Pleasance y est superbe en docteur mi-sage mi-fou, parfois bouée de sauvetage mais doux dingue avant tout. Ce film est surtout surprenant et donne le "la" au festival. À l'issue de la projection, Ted Kotcheff s'est rendu rue du Premier Film pour inaugurer sa plaque sur le Mur des Cinéastes.

4000 personnes à l'ouverture
L'ouverture officielle du Festival Lumière à la Halle Tony Garnier s'est déroulée devant plus de 4000 personnes. Thierry Frémaux et Bertrand Tavernier présidaient la cérémonie durant laquelle on a pu apercevoir Nicole Garcia, Michel Legrand, Pierre Richard, Jerry Schatzberg, Jean-Hughes Anglade, Richard Anconina, Michael Cimino, Laetitia Casta, Tonie Marshall et quelques autres ainsi que Gérard Collomb (maire de Lyon) et Jean-Jack Queyranne (président du conseil régional de Rhône-Alpes).

Et pour ouvrir cette 6ème édition allait être projeté le classique d'Arthur Penn, Bonnie and Clyde (1967, 10 nominations aux Oscars), en présence d'une Faye Dunaway émue aux larmes. "Voici quelques mots pour décrire notre art: excellence, intelligence, intuition et surtout beauté, juste la beauté. Car si c'est beau c'est forcément de l'art. C'est pour cela qu'on travaille, qu'on espère, pour chaque film, chaque personnage. Et sans vous tous, je ne serai pas la même Faye Dunaway."

Un scénario destiné à Truffaut puis Godard
Bertrand Tavernier a ensuite dit quelques mots sur le film. On a ainsi appris que Faye Dunaway est arrivée sur le film de Bonnie and Clyde un peu par hasard, par un concours de circonstances. Curtis Hanson a fait des photos d'elle et celles-ci ont intrigué Arthur Penn et Warren Beatty. C'est donc un peu grâce à lui que Faye Dunaway est devenue Bonnie Parker.

Le scénario, lui, avait été écrit en premier lieu pour François Truffaut puis pour Jean-Luc Godard. Il a ensuite été refusé par plusieurs réalisateurs - dont Arthur Penn d'ailleurs car il ne voulait pas que Clyde Barrow soit bisexuel. Warren Beatty a insisté et Arthur Penn a finalement accepté en faisant quelques modifications et en transformant notamment Clyde Barrow en bisexuel impuissant. Peu de gens croyaient au film finalement, alors que ce fut un énorme succès dû, dit-on, à son côté anti-establishment.

Ce film a aussi pris beaucoup de libertés par rapport à la véritable histoire de Bonnie et Clyde qui n'étaient apparemment pas aussi magnifiques et romantiques. Et Tavernier de citer alors pour l'occasion: "Quand la légende devient plus intéressante que la réalité, imprimons la légende."

Les lumières s'éteignent, la légende s'illumine et la magie peut opérer…

Il n'aura pas fallu attendre longtemps pour connaître la réction d'Hollywood au "deal" entre Adam Sandler et Netflix (lire notre actualité), qui va produire quatre films de l'acteur américain. La Warner Bros a décidé d'interrompre les négociations pour The Ridiculous Six, un western-comédie de Sandler, selon une information de The Hollywood Reporter.

Selon le journal professionnel, la décision a été prise avant la confirmation du contrat entre Sandler et Netflix. Mais elle a bien été officiellement communiquée juste après, et assez rapidement. Il y a bien sûr d'autres raisons à cette interruption de négociations. Le dernier film de Sandler, Blended, a été un gros échec au box office et le western-comédie de Seth Mc Farlane, Albert à l'Ouest, a lui aussi été un fiasco au box office.

A l'origine The Ridiculous Six devait être fait chez Sony, puis par Paramount. Les studios se refilent ainsi le bébé depuis quelques année. Il ne serait pas étonnant de le retrouver chez Netflix. Les studios se défendent d'un "boycott" à l'égard de Sandler et argue plutôt de ses contreperformances au box office.

Sandler ne manque pas de cartouches pour rebondir. Il est la star de Top Five, de Chris Rock, qui a reçu un énorme buzz à Toronto, il apparaît dans le dernier Jason Reitman, Men Women & Children, il sera à l'affiche de The Cobbler, de Thomas McCarthy et tourne actuellement Pixels de Chris Columbus, qui sera l'un des blockbusters attendu de l'été prochain. Enfin, il y a, dans les tuyaux, le troisième opus de Copains pour toujours.

Vendredi, le 29ème Festival International du Film Francophone de Namur a distribué ses Bayards d'or. Le jury, présidé par Safy Nebbou, devait choisir entre des films déjà présentés dans d'autres festivals comme Bande de filles, Le beau monde, Felix et Meira, Géronimo, Que ta joie demeure, L'Oranais...

Deux films de la compétition cannoise ont squatté le palmarès. Timbuktu d'Abderrahmane Sissako a reçu le Bayard d'or du meilleur film et le prix du meilleur scénario. Mommy de Xavier Dolan a été consacré pour son comédien (Antoine-Oliver Pilon), ses comédiennes (Anne Dorval et Suzanne Clément) et sa photo (André Turpin). Une mention a été attribuée pour le scénario de Tu dors Nicole de Stéphane Lafleur. Un prix spécial du jury a été décerné à Examen d'Etat de Dieudo Hamadi. Le cinéma africain est donc reparti avec trois prix et le cinéma québécois avec quatre.

A Namur, un jury distinct récompense les premières oeuvres de fiction. On y croise des films comme Bébé tigre, grand prix à Saint-Jean-de-Luz, et Terre battue ... Le Bayard d'or du premier film a couronné Le Challat de Tunis de Kaouther Ben Hania, le prix découverte récompense Mercuriales de Virgil Vernier et Qu'Allah bénisse la France d'Abd Al Malick.

Au total, 77 longs métrages ont été projetés dans la ville belge. Selon les organisateurs, 363 journalustes et 300 incités se sont rendus cette année dans le Festival qui a, par ailleurs, honoré Denis Coté.

Ce 25ème anniversaire du Festival du film Britannique de Dinard a organisé durant ses 5 jours différentes rencontres avec le public avec une personnalité du cinéma comme les réalisateurs Michael Radford, Kevin Macdonald, Uberto Pasolini, ou le producteur Stephen Woolley.

Pour la section des films en compétition, comme chaque année, ils étaient au nombre de 6 et pour la plupart il s’agissait de premiers longs-métrages. Ils ont été mis en lumière par la présence de Catherine Deneuve dans son rôle de présidente du jury.

Certaines années, des films s’imposent presque à l’unanimité comme Le géant égoïste, Tyrannosaur ou Boy A, et d’autres années les débats sont plus disputés. C’est ce cas pour cette édition, et le jury a demandé à rajouter au palmarès une mention spéciale. D’autres jurys avaient la charge de remettre des prix, ce qui fait qu’au final 5 films de la compétition ont été cités. Le film repartit bredouille et qui aurait mérité le prix du scénario est The Riot Club réalisé par Lone Scherfing et écrit par Laura Wade sera en salles le 31 décembre.

Le film The Goob, qui a donc eu les faveurs du jury pour le Hitchcock d’or, est un modèle de film indépendant: il a été produit avec un très petit budget (qui provient d’un concours de scénarios par la BBC Films, Creative England), et si certains acteurs sont professionnels, beaucoup ont été trouvés après un casting sauvage dans la rue et faisaient ici leurs premiers pas devant la caméra. Le jeune Goob de 16 ans revient chez sa mère là où il a grandit, à la campagne, entre un petit restaurant et un champ de potirons qu’il faut récolter. Le nouveau compagnon de sa mère persécute Goob de son autorité. Durant cet été Goob va grandir de plusieurs façons entre une fille du circuit de stock-car, un cousin gay qui danse et une troublante saisonnière dans le champ…

A noter que le film ‘71 récompensé par le public a obtenu le même soir le prix du meilleur réalisateur pour Yann Demange au Festival de Saint Jean de luz.

Le palmarès :

Hitchcock d’or : The Goob, réalisé par Guy Myhill
Mention spéciale, pour sa direction artistique : Frank, réalisé par Leonard Abramson (sortie juin 2015)
Prix du scénario : Catch me Daddy, réalisé par Daniel Wolfe
Prix de l’Image : Catch me Daddy, réalisé par Daniel Wolfe
Prix du Public : ‘71, réalisé par Yann Demange (sortie le 5 novembre)
Prix coup de cœur-La règle du jeu (association d’une cinquantaine d’exploitants de salles) : Lilting, ou la délicatesse, réalisé par Hong Khaou (sortie le 15 octobre)
Prix du meilleur court-métrage : The bigger picture, réalisé par Daisy Jacobs

Hitchcock d’or d’honneur : le réalisateur Michael Radford

Il était normal de ne pas passer à côté. Bébé tigre, le premier film de Cyprien Val, a remporté le Grand Prix du Festival international du film de Saint-Jean-de-Luz ce soir. Le jury de Xavier Beauvois nous a comblés en récompensant le meilleur film de la sélection et en donnat également le prix de la mise en scène à Yann Demange pour son épatant '71.

Bébé Tigre n'est pas seulement un très bon premier film. C'est aussi un film engagé, derrière son récit à la fois romanesque et social. Cyprien Val, 34 ans, diplômé de la Fémis va à rebours d'une France qui doute d'elle, qui a peur des étrangers et qui ne croit plus en son pouvoir d'attraction. Haut et Court distribuera le film le 28 janvier 2015.

Le public et le public jeunes ont été davantage séduit par L'Oranais, également distribué par Haut et Court (et en salles le 19 novembre). Déjà récompensé à Angoulême, le film de Lyes Salem est plus consensuel et classique dans sa forme comme dans son fond. Mais là encore, que le jury récompense un film sur un clandestin du Penjab et que le public plébiscite une oeuvre franche sur l'Algérie, cela prouve que la France rance de Zemmour comme le titrait Libération ce matin (journal qui n'est plus à une provocation simpliste près) n'est pas la seule à exister. On peut encore se rassembler autour de valeurs fondamentales comme la liberté et pardonner les erreurs (dont on peut apprendre tant).

Cette sélection luzienne avait d'ailleurs ce trait commun : on peut tous faire des mauvais choix, des choix regrettables, mais ce sont ces choix là qui nous construisent. Le jury n'a pas fait de mauvais choix.

Palmarès:
Prix du jury
-Meilleur film : Bébé tigre de Cyprien Vial
-Meilleur réalisateur : Yann Demange pour le film '71
-Meilleure interprétation masculine : Grégory Gadebois pour le film Le Dernier coup de marteau d'Alix Delaporte.
-Meilleure interprétation féminine : Jisca Kalvanda pour le film Max et Lenny de Fred Nicolas.
-Meilleur Court métrage : Princesse de Marie-Sophie Chambon
Prix du public
-Meilleur Long métrage : L'Oranais de Lyes Salem
Prix du jury jeune
-Meilleur Long métrage : L'Oranais de Lyes Salem
-Meilleur Court métrage : La Nouvelle musique de François Goetghebeur et Nicolas Lebrun

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