Synopsis: Clochette vit dans la Vallée des Fées, entourée de ses amies Rosélia, Ondine, Noa et Iridessa. Elle coule des jours paisibles à rythmer l’arrivée des saisons. Mais alors que le Printemps doit bientôt se montrer, Clochette se voit refuser le droit d’accompagner ses meilleures amies à travers le monde pour lancer la saison. En effet, au royaume de la Reine Clarion, aucune fée travailleuse ne peut parcourir le monde extérieur. Vexée, Clochette décide de tout mettre en œuvre pour les accompagner, quitte à provoquer le pire…

Le 5 novembre, Disney, en l'absence de poids lourds au cinéma, sort un "spin off" (une histoire extraite à partir d'une autre) de Peter Pan. La fée Clochette est une jolie fable aux allures écologique (que se passe -t-il si on perturbe le rythme des saisons ? ... et si le printemps ne venait pas ?) accompagnée d'un message qui se veut philosophique : ''deviens qui tu es , assume tes différences'' ... On y voit naitre Clochette,; puis elle grandit, hésite sur son orientation professionnelle doute, fait des caprices, se trompe de voie, mûrit... Avec en happy end, Clochette heureuse d'être une fée bricoleuse. Les adultes trouveront ça amusant et les enfants rient volontiers.

Visuellement, le dessin animé est au niveau des récents Disney 3D. Le studio peut en effet remercier John Lasseter (Pixar) d'avoir relever le niveau. Le créateur de Toy Story a donc imposé son point de vue, cette présence de la nature, les émotions des personnages. Avec l'innovation technologique de la "fairy cam", tout a été reproduit à la bonne échelle.

Il y évidemment a des chansons, sinon cela ne serait pas un Disney. Il y a aussi, hélas, la voix de Lorie pour le personnage de Clochette. Les fans de la fée et de la chanteuse seront enchantés. Les autres pourront toujours se dire qu'elle finira comme toutes les blondes qui ont chanté les génériques des Disney (Dorothée, Douchka, Anne, ...). Dans sa version originale, Brittany Murphy devait faire la voix de Clochette. C'est finalement Mae Whitman qui s'y colle.

Réalisé par Bradley Raymond (les suites de Pocahontas, du Roi Lion, de Notre-Dame de Paris, des 101 Dalmatiens...), le film est disponible en coffret prestige, blu-ray etDVD avec bonus : un guide sur les lois de la Vallée des fées, six scènes coupées, un making of, un clip vidéeo, et même un jeu en DVD rom. Sur Nintendo DS, la déclinaison ludique est prévue pour le 20 novembre...

A quand un film sur Le Capitaine Crochet...? Tic Tac Tic tac...

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Après une exposition / rétrospective fascinante au Musée d'art contemporain de Lyon au printemps dernier, Keith Haring est l'une des vedettes (posthumes) du Festival de films gays & lesbiens de Paris cette année. Le plasticien mort du SIDA à l'âge de 31 ans en 1990  est le sujet du documentaire de Christina Clausen, The Universe of Keith Haring (Keith Haring, le petit prince de la rue) , diffusé aujourd'hui au Festival. La réalisatrice, dont c'est le premier film, sera présente.

On y croise ses amis - Madonna, Yoko Ono, Andy Warhol, David LaChapelle... - mais surtout on retrace les origines de l'art urbain et du graffiti, de ses débuts dans le métro new yorkais à son institutionnalisation warholienne (produits dérivés et boutiques, fresques murales sur des édifices publics, ...).

A Lyon, nous pouvions découvrir l'étendue de son registre pictural, dessinant ses bonshommes sur n'importe quel support. On pouvait surtout être surpris par la cohérence de son oeuvre, obsédé par le sexe, l'apocalyspe sécologique, les effets néfastes des mass medias.

Mais, à l'heure des bipics, on s'interroge évidemment sur l'absence de projets autour de cet artiste innovateur et marginal, symbole d'une époque. Avant ce documentaire, la télévision avait commandé en 1990, de son vivant, un portrait de lui (Drawing the Line). Mais nulle fiction à l'horizon, alors que ses toiles sont de plus en plus sollicitées par les collectionneurs. En France, on peut admirer son travail à l'hôpital Necker à Paris (1987) et à la maternité Princesse Grâce de Monte Carlo (1989).

Véritable pop star et icône de la rue, celui qui a vu émerger le rap et à imposer le "tag" comme art, méritait assurément un documentaire, qui a fait le tour des festivals : Tribeca, le FIFA à Montréal, l'Outfest, le festival de Denver ou encore celui de Rome.

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J-3mois : J’apprends que je vais faire partie du jury presse du Festival du film italien de Villerupt. Je fais de petits bonds partout en essayant de me souvenir des 4 mots d’italien que je connais.

J-7 : Début de mon régime spécial jury : 4 films par jour, avec moins d’une heure de battement entre chaque séance. Il faut accoutumer les yeux et le cerveau à recevoir un flot presque continu d’images.

J-1 : Séance de massage, pour anticiper les inévitables maux de dos liés à la station assise prolongée. Dîner constitué de sucres lents pour tenir la longueur. Longue nuit de sommeil réparatrice.

Jour J, 7h : Le réveil me tire d’un étrange rêve rempli de critiques de cinéma se baignant dans la fontaine de Trévise. Ca commence bien ! Hop, quelques assouplissements, un petit déjeuner copieux, et je me sens prête à me jeter à l’eau à mon tour.

8h15 : Arrivée sur le lieu du rendez-vous dont la porte reste désespérément close. Pendant que les organisateurs cherchent la clef, je fais connaissance avec les autres membres du jury, mettant des noms sur des visages, et parfois l’inverse. On se découvre des affinités, et même des connaissances communes. Sont présents François-Guillaume Lorrain (Le point), Paola Cairo (Passa Parola), Elise Descamps (La croix), Anne-laure Letellier (Le jeudi), Patrizia Molteni (Focus), Philippe Bertrand (France Inter), Michel Bitzer (Le républicain lorrain), Patrick Tardit (L’Est républicain) et Jean Walker (Côté cinéma). Seul manque Joris Fioriti (AFP), qui nous rejoindra plus tard.

8h30 : Quelqu’un vient nous ouvrir par une porte dérobée. Les présentations continuent autour d’un café. Première grande nouvelle de la journée, un 5^e film a été rajouté in extremis dans la compétition, à la demande d’un des membres du jury. La nouvelle est prise diversement. Certains s’effrayent, d’autres s’interrogent. Moi, je suis ravie : chic, une 5^e chance d’être emportée et conquise !

Parfois, en festival, on se demande si l’on prend tant le pouls de la cinématographie d’un pays que de sa société. Un peu des deux probablement, tant les films présentés ont tendance à dresser un catalogue plus ou moins exhaustifs des maux d’une nation. La compétition du Festival de cinéma italien de Villerupt, ou tout au moins ce que l’on en a vu jusque là, ne semble pas faire exception. Emigration, racisme, exploitation, chômage, politique, mafia… on serait tenté de dire que les ingrédients ne varient pas beaucoup. Mais ce qui indubitablement change, c’est le ton utilisé. Ni misérabiliste, nous emmenant vers le mélodrame social, ni si alambiqué que tout devient mystérieusement allégorique et obscur. Au contraire, et comme pour contrebalancer l’énormité de leur sujet, les réalisateurs choisissent la voie de la légèreté, voire de l’humour le plus débridé, et affrontent les questions frontalement, quitte à mettre les pieds dans le plat. Au moins sont-ils conscients qu’une thématique ne suffit pas et font-ils l’effort de raconter des histoires illustrant leurs préoccupations, et ne servant pas seulement de prétexte.

Ainsi le destin de Gaetano (La terramadre de Nello La Marca) qui vit sur la côte sud de la Sicile où, chaque jour, on retrouve échoués les corps de clandestins dont les embarcations de fortune ont fait naufrage. Il observe incrédule ses compatriotes malmener les malheureux survivants et en même temps rêver à l’Allemagne, pays de cocagne où bien des hommes du village s’exilent pour échapper à la pauvreté. Curieusement, Gaetano semble être le seul à faire le lien entre ces fantômes rejetés par la mer et celui qu’il pourrait devenir en Allemagne. A tous les arguments matériels qu’on lui oppose, il ne peut que répondre, parlant des réfugiés : "et eux, qui sait ce qu’on leur avait promis ?" Mais Gaetano est face à un choix impossible : exploiter plus misérable que lui sur sa terre natale, ou devenir à son tour l’exploité sur une terre étrangère. Le film, lui, ne tranche pas, mais quoi que ce soit avec un style maniéré et un sérieux manque de subtilité, il a le mérite de poser les questions qui mettent chacun devant ses responsabilités.

SOS terriens en détresse

Question subtilité, peut-être que Cristina Comencini (photo) pourra repasser elle-aussi. Dans Bianco e nero, une fable sur le racisme qui s’ignore, ses personnages commettent en effet tous les impairs possibles avec la meilleure volonté du monde. A trop vouloir dénoncer l’hypocrisie ambiante, la cinéaste a bien dû mal à éviter les bons sentiments… Au moins pousse-t-elle la réflexion un cran plus loin que d’habitude. Sa cible n’est pas tant les racistes virulents, ceux qui ne tolèrent aucune différence et veulent "renvoyer tous les étrangers chez eux", que ceux, probablement plus insidieux et plus nombreux, qui veulent à tout prix se donner bonne conscience et ne parviennent pas à envisager simplement l’altérité.

Une scène illustre merveilleusement ce racisme inconscient : invitée à une fête d’anniversaire, une petite fille noire vole une poupée. Et les parents de la fillette spoliée de trouver à leur invité indélicate toutes les excuses du monde, et de finir par lui donner la poupée. "Vous faites seulement ça parce qu’elle est noire", s’insurge (à raison) leur fille… Le tableau que dresse Cristina Comencini de la coexistence entre Blancs et Noirs fait froid dans le dos : deux univers parallèles qui ne peuvent ni se mêler, ni se comprendre, et dont la rencontre réveille pas mal de tabous.

On est tout aussi horrifié par la vision que Tutta la vita davanti de Paolo Virzi donne du travail en centre d’appels : embrigadement, lavage de cerveau, exploitation et manipulation éhontés, le tout en musique et avec sourire réglementaire. Le réalisateur croque à merveille cet univers aseptisé et décérébrant auquel il ne fait pas de cadeau. C’est presque systématiquement hilarant, et suffisamment bien vu pour démonter intelligemment le mécanisme du travail précaire et son corolaire : la lutte sociale souvent pleine de bonnes intentions, mais incapable de prendre en compte tous les paramètres, notamment humains. Là encore, le réalisateur ne livre pas de réponses, et même son message d’espoir est ténu. Certes, la petite Lara deviendra peut-être philosophe grâce aux sacrifices consentis par sa précaire de mère… mais qui sait si, comme l’héroïne, thésarde que personne ne peut embaucher, elle ne devra pas se rabattre sur le premier boulot humiliant venu ?

Marre des blockbusters, des comédies franchouillardes, des "actionners" décervelés ? Vite, rendez-vous à Arras, où pour la neuvième année consécutive, un Autre cinéma est à l’honneur ! Du 7 au 16 novembre prochains, le chef-lieu du Pas-de-Calais accueille en effet avant-premières, inédits, rétrospectives et hommages pour dix jours de fête cinématographique placée sous le signe de l’échange, de la convivialité et de la découverte.

Le grand événement de ce Festival international du film d’Arras 2008, c’est bien sûr la présence du réalisateur John Boorman (Excalibur, Duel dans le pacifique, Délivrance…) à qui est consacré une rétrospective exhaustive présentant même ses deux derniers longs métrages inédits en France : In my country et The tiger’s tail. A cette occasion, le cinéaste visionnaire donnera une leçon de cinéma animée par le spécialiste Michel Ciment, succédant ainsi à Dario Argento (2007) et Sydney Lumet (2005).

Deux autres rétrospectives permettront également aux festivaliers de redécouvrir des œuvres incontournables de l’Histoire cinématographique. "Heroïc fantasy, les années 80" fait la part belle à la magie et au fantastique en programmant The dark crystal de Frank Oz et Jim Henson, Ladyhawke, la femme de la nuit de Richard Donner ou encore Legend de Ridley Scott ; tandis que "14-18, la guerre n’est pas un jeu" célèbre à sa manière le 90e anniversaire de l’armistice franco-allemand. On verra notamment des œuvres pacifistes (Les sentiers de la gloire de Stanley Kubrick, Johnny got his gun de Dalton Trumbo…) et deux films défendant le point de vue des Allemands : Quatre de l’infanterie de Georg W. Pabst et A l’ouest rien de nouveau de Lewis Milestone (dans sa version intégrale restaurée). Enfin, le festival a spécialement passé commande à Mauro Coceano d’une partition musicale inédite pour accompagner Les Quatre cavaliers de l’Apocalypse de Rex Ingram lors d’un ciné-concert exceptionnel.

Pour autant, le cinéma contemporain n’est pas en reste avec un choix impressionnant d’avant-premières mêlant sélectionnés cannois (Il divo de Paolo Sorrentino, prix du jury, Trois singes de Nuri Bilge Ceylan, Two lovers de James Gray, Hunger de Steve Mc Queen, Caméra d’or…) et films attendus de l’hiver 2008 (The duchess de Saul Dibb, Secret défense de Philippe Haïm, Pride and glory de Gavin O’Connor…). Pour elle de Fred Cavayé en ouverture et Louise-Michel de Benoît Delépine et Gustave Kerven en clôture complètent assez harmonieusement cette fenêtre ouverte sur l’actualité cinématographique mondiale.

Enfin, pour une vraie plongée dans des cinématographies moins diffusées, les sections "cinémas du monde" et surtout "Inédits d’Europe" abordent d’autres cultures et d’autres enjeux de société au travers de longs métrages venus du Mexique, de Turquie, de Pologne, de Bulgarie, ou encore de Bosnie-Herzégovine. Ce sera notamment l’occasion de pénétrer dans les  étonnantes prisons pour femmes et enfants en Argentine avec le très touchant Leonera de Pablo Trapero ou de suivre le douloureux parcours d’une femme qui ne parvient pas à aimer son enfant (L’étranger en moi d’Emily Atef).

Pour compléter un planning déjà bien rempli, Arras propose par ailleurs "le festival des enfants" (avant-premières, ateliers d’initiation et de découverte, ciné concert spectacle, ciné-chanson, ciné-concerto… réservés aux plus jeunes) ainsi que des expositions, colloque, soirée et journées professionnelles. Le temps de dix jours pas comme les autres, ça ne fait aucun doute, la capitale d’un cinéma différent, plus riche et plus ouvert sur le monde, se trouve définitivement dans le Pas-de-Calais !

Ecrivain à succès, inventeur du techno-roman à succès, Michael Crichton aura été l'un des auteurs les plus rentables d'Hollywood. La plupart de ses livres auront été transposés au cinéma. Le mystère Andromède, Opération Clandestine, L'homme terminal furent les premières adaptations littéraires au début des années 70. Son premier grand succès fut La grande attaque du train d'or, avec Sean Connery et Donald Sutherland. Puis le romancier n'intéressa plus les studios durant quinze ans. La révolution numérique des effets spéciaux va changer la donne. Les producteurs vont s'intéresser de près à ces histoires scientifiques et technophiles. Ainsi Philip Kaufman s'attaque à Soleil levant (Sean Connery, Wesley Snipes, Harvey Keitel), Barry Levinson préfère Harcèlement (Michael Douglas, Demi Moore, Donald Sutherland) et Sphere (Dustin Hoffman, Sharon Stone, Samuel L. Jackson). Durant les années, encore plus que les livres de John Girsham, ceux de Michael Crichton sont tous acquis par un studio. On a ainsi pu voir sur grand écran Laura Linney dans Congo, Antonio Banderas dans Le 13e guerrier, ou encore, plus tard, Paul Walker dans Timeline (Prisonniers du temps) et Nicolas Cage dans Next.

Mais c'est bien évidemment Steven Spielberg qui permettra à Michael Crichton de devenir milliardaire. D'abord avec l'adaptation de Jurassic Park où les magiciens d'ILM font vivre en 1993 le roman publié trois ans plus tôt. L'un des films les plus populaires de l'histoire amènera une suite romancée (Le monde perdu), deux années avant son adaptation cinématographique. Spielberg, dans le même temps, produit la série télévisée imaginée et écrite par l'auteur : Urgences.

Crichton a écrit d'autres livres, pour l'instant ignorés du cinéma, mais aussi des jeux vidéos et un scénario de blockbuster (Twister). Ses personnages sont assez binaires, très américains, toujours dans la norme, mais tourmentés par des divorces, des dilemmes familiaux, un travail passionnant et vampirisant.

Il a aussi réalisé six films : Westworld, Coma (Morts suspectes), La grande attaque du train d'or, Looker, Runaway, Preuve à l'appui. Respectivement un western de science fiction avec Yul Brynner, un thriller avec Michael Douglas, une comédie policière, un film d'horreur avec Albert Finney, un thriller fantastique avec Tom Selleck et un polar avec Burt Reynolds.

Les années 80 auront été très anarchiques : son désir de réalisateur s'est confronté à son talent médiocre, il a écrit ses deux moins bons romans et Hollywood n'avait aucun intérêt pour lui. Après ses débuts dans la série B voire Z, son Parc Jurassique lui permettra de mettre un terme à sa carrière de réalisateur, de s'investir dans celle de romancier. A la manière d'un Grangé en France, il écrivait des livres pour les voir adaptés au cinéma.

Son dernier ouvrage, Final day of Happiness sortira en 2009 en librairies. Au cinéma, ses personnages de Jurassic Park lui survivront dans un quatrième épisode. Et un remake de Westworld est annoncé.

Pour sa 41e édition, le Festival international du film de Catalogne, consacré au cinéma fantastique, a confirmé le succès croissant rencontré lors des éditions précédentes avec pas moins de 140 000 festivaliers sur une dizaine de jours. Qu’est-ce qui attire les amateurs du cinéma de genre à Sitges ? Probablement la diversité des films présentés, allant de l’épouvante pure et dure au surnaturel, en passant par la science fiction et l’héroïc fantasy. Par le passé, des cinéastes aussi différents que Woody allen (Scoop), Jaume Balagueró (Rec) ou Hayao Miyazaki (Le château ambulant) ont ainsi participé à la compétition principale !

Sans surprise, cette année, il y en avait donc encore pour tous les goûts. Après le très moyen Mirrors d’Alexandre Aja en ouverture, la compétition a enchaîné Surveillance de Jennifer Lynch (meilleur film), Eden Lake de James Watkins (Prix du jury), Le bon, la brute et le cinglé de Kim Jee-woon (meilleur réalisateur et meilleurs effets spéciaux), The Sky Crawlers de Mamoru Oshii (meilleure musique), Tale 52 d’Alexis Alexiou (meilleur scénario), Red de Trygve Allister Diesen and Lucky McKee (Brian Cox meilleur acteur), Martyrs de Pascal Laugier (prix des meilleurs maquillages FX)… Soit à la fois le plus radical et le plus délirant, le plus pervers et le plus philosophique. Hors palmarès et hors compétition, on croisait également Transsiberian de Brad Anderson, Rocknrolla de Guy Ritchie, Dachimawa Lee de Ryoo Seung-wan ou encore The broken de Sean Ellis.

Côté événements, un hommage a été rendu au film 2001, Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick dont c’était le 40e anniversaire. Les réalisateurs Nicholas Meyer (C’était demain, Star Trek 2, 4 et 6…) et John Carpenter (New York 1997, Los Angeles 2013, The thing…) ont par ailleurs reçu un "Time Machine Award" (Prix de la machine à remonter le temps) pour l’ensemble de leur carrière. Enfin, et les mini-events trauma du festival de cannes sont battus à plate couture, une parade de zombies ("Eastpak Zombie Walk") a réuni plusieurs centaines de personnes déguisées en zombies et autres morts vivants, sous la houlette du spécialiste George Romero qui a lui-même donné le coup d’envoi.

L’édition 2009 du Festival de Sitges devrait faire la part belle à l’univers d’Alien (on fêtera le 30e anniversaire du premier volet dirigé par Ridley Scott) et au phénomène Ghostbusters. Avec peut-être, pour fêter l’événement, un défilé nocturne de fantômes ?

Le 14e Festival de Films Gays & Lesbiens de Paris s'est ouvert mardi soir au Rex, à Paris. Bien décidé à résister - les temps sont durs pour les festivals - la manifestation a annoncé le programme "éclaté" (plusieurs lieux dans la capitale) et "diversifié" (docus, courts, zik, longs, hommages). La salle était remplie de fidèles, ces soutiens si soudés.

Madame H a ouvert le bal et donné le tempo, entre complicité et dérision. "Bienvenue au festival non hétérosexuel de Paris. Rien à voir avec le festival hétérosexuel de Cannes. ici, il faut du doigté. Pas forcément de la sodomie : dans les Prédateurs, par exemple, il n'y a pas de sodomie."

Le film italo-marocain Corazones de Mujer, présenté à la Berlinale (section Panorama) en février dernier, a été présenté en ouverture. Le rapport inflammable entre islam et homosexualité, thème central de cette édition, trouve ici différents échos avec l'homosexualité masculine, l'homoparentalité, l'homophobie, les mariages forcés, la virginité obligatoire des futures mariées, la condition de la femme. Ces coups du coeur d'une femme et d'un homo permettent d'espérer un monde meilleur, où un travesti peut s'avouer père et une femme peut choisir l'amour de sa vie.

Madame H demanderait juste si c'est "en 9mm ou en 35 mm" puisqu'elle préfère "le 35 mm"... "35 mm? Mais c'est ridicule!" C'est pourtant la taille (standart) du film.

Dans le domaine de Manderley, une silhouette sombre aux traits et aux cheveux tirés semble flotter et apparaît sans bruit comme une figure de cartoon macabre. Si Mme Danvers, la gouvernante des lieux, s’ingénie à torturer la nouvelle Lady de Winter (la sublime Joan Fontaine, à gauche sur la photo), c’est par amour pour Rebecca, sa maîtresse disparue. Gardienne de sa mémoire, elle règne sur la chambre de la défunte. Morbide jusqu’au fétichisme, elle remet en place une brosse à cheveux telle une relique. Caresse sur sa joue une fourrure des plus douces. Plonge ses doigts dans une lingerie si fine que la peau s’y dévoile. Dévorée par le souvenir, Mme Danvers finit par incendier Manderley pour que personne ne prenne la place de Rebecca.

À mi-chemin entre le drame romantique et le film noir et gothique, Rebecca est la première réalisation de Hitchcock à Hollywood. Adapté d’un roman de Daphné du Maurier, le personnage central de l’intrigue - bien que secondaire - est celui de Mme Danvers interprété à la perfection par Judith Anderson. Ce rôle tragique est complexe. Il traduit non seulement le désarroi d’une domestique frustrée par la mort de sa maîtresse, mais symbolise aussi le rejet de la société tout entière envers les amours homosexuelles. D’où son statut de gouvernante qui la condamne à rester dans l’ombre et à périr dans les flammes comme une sorcière.

Judith Anderson (à droite sur la photo), de son vrai nom Frances Margaret Anderson-Anderson, voit le jour le 10 février 1897 à Adelaide, en Australie. Elle débute au théâtre à Sydney, puis émigre aux Etats-Unis en 1918. Son incarnation de Lady Macbeth sur les planches new-yorkaises dans les années 1930 la fait entrer dans la légende. En 1940, Alfred Hitchcock l’engage pour incarner Mme Danvers dans Rebecca. Elle est nommée à l’Oscar du meilleur second rôle féminin qu'elle ne remporte pas. Judith Anderson se spécialise alors dans les personnages de femme sévère, de matrone vicieuse au physique revêche. Elle campe la rivale de Gene Tierney dans Laura (1944) d'Otto Preminger, la mère torturée de La Vallée de La Peur (1947) de Raoul Walsh avec Robert Mitchum. Elle interprète toutefois un personnage bienveillant, celui de Big Mama dans La chatte sur un toit brûlant (1958) de Richard Brooks aux côtés de Paul Newman et d’Elizabeth Taylor. Judith Anderson meurt le 3 janvier 1992.

«- Artiste raté, c’est pas un métier » 

Synopsis : Gabriel se rêve compositeur de musiques de films, mais la gloire se fait attendre et ses cours de musique ne suffisent plus à le faire vivre. Aussi, lorsqu’un ancien camarade d’école de commerce lui propose de le recruter comme directeur commercial Paris d’une entreprise américaine de pompes funèbres, il accepte. Mais avant de prendre ses fonctions à Ciel et Terre, il doit passer trois mois en stage à l’Agence Père-Lachaise afin d’apprendre le métier et de tâter les réalités du terrain. Aux côtés de Gervais Bron, 15 ans de métier, Gabriel découvre le monde des croque-morts, les macchabées, les enterrements, le business… et surmonte ses réticences tout en commettant toutes les bourdes imaginables.

Notre avis : Après avoir signé les scenarii de La vengeance d’une blonde, L’enquête corse ou encore L’auberge rouge - d'inoubliables chefs d'oeuvre -, Michel Delgado se lance ici dans l’aventure de son premier long métrage en tant que réalisateur. Sur une idée où la mort est un des personnages centraux, l’humour noir et le cynisme auraient tout à fait pu être des invités de marque. Mais plutôt que d’emprunter cette voie, Michel Delgado a préféré suivre la route toute tracée de la comédie gentillette sans réelle surprise, ni véritable intérêt il faut bien le dire.

Basant son récit sur de nombreux clichés (incompréhensions entre les générations, idées toutes faites sur les gitans…) ainsi que sur des histoires d’amour et d’amitié banales, il n’y a guère que certains des acteurs secondaires qui tirent leur épingle du jeu ainsi, peut-être, qu’un Didier Bourdon qui ne s’en sort pas si mal dans la peau d’un directeur de pompes funèbres en mal d’ascension vers les plus hautes sphères. On peut aussi saluer le couple Marthe Keller-Gérard Depardieu qui s’en donnent à cœur joie en parents bobos-écolos ainsi que Michel Galabru en grand-père passablement triste d’avoir perdu son ex-femme.

Néanmoins, les performances de ces derniers ne suffisent pas à nous faire oublier la rigidité du cadre dans lequel le récit se déroule et le jeu sans couleur de Marc-André Grondin (CRAZY) et Bérénice Béjo (OSS 117).